Institución fundamental de la cultura artística española, las exposiciones nacionales de Bellas Artes se crearon en 1853 bajo la protección de los poderes públicos con el objetivo de proteger y promover el desarrollo del arte español. En un anterior libro de la misma autora, Historia y crítica de las exposiciones nacionales de Bellas Artes (1901-1915), se analizaban las celebradas entre 1901 y 1915. A pesar del cuestionamiento a que fueron sometidos, el Estado continuó estimulándolos y convocándolos de manera ininterrumpida, mostrando que la institución, lejos de su agotamiento, seguía dando signos de vitalidad como uno de los canales fundamentales de fomento de las Bellas Artes en nuestro país. El presente volumen se centra en los certámenes organizados entre 1917 y 1936. A través de un copioso e inédito material documental y hemerográfico, se aborda en su conjunto el régimen de funcionamiento y los reglamentos por los que se rigieron y se realiza un análisis monográfico de estos acontecimientos histórico-artísticos así como del interés que despertaron entre la crítica especializada, convirtiéndose en un documento excepcional de las transformaciones que se produjeron en el ámbito artístico español en el primer tercio del siglo XX.
Resulta increíble que en los tiempos en los que vivimos, en los que la tecnología es una herramienta básica de trabajo para todo el mundo, haya artistas que consigan dejarnos boquiabiertos con sus trabajos hechos a mano. Desde el dibujo y la pintura a gráficos en 3D con materiales fuera de lo común, fantásticas creaciones de papel o de collage..., encontrareis una amplia gama de proyectos hechos a mano que ponen de manifiesto que no existen las limitaciones, que es el momento de reinventar los métodos tradicionales.
La presente obra constituye un práctico instrumento de consulta para iniciarse en el mundo de la iconografía cristiana. El lector encontrará en ella la información básica sobre los personajes bíblicos y sobre los santos más importantes y representados en obras de arte. El libro se completa con un índice de temas cristológicos y marianos en donde la historia, la religión y el arte se unen para desentrañar los símbolos o significados que se ocultan detrás de cada representación.
La presente guía se compone básicamente de cuadros o tablas en los que se ofrece la información correspondiente a cada uno de los personajes tratados. Las tablas dedicadas a los distintos dioses y divinidades tienen 4 secciones (episodios, atributos, funciones y representaciones), mientras que en las dedicadas a los héroes son sólo 3, pues desaparece la referida a las funciones. La obra se completa con cuatro apéndices dedicados al estudio de aspectos concretos de iconografía clásica: el primero, a elementos y símbolos de iconografía funeraria; el segundo, al proceso de asimilación y apropiación de la mitología por el cristianismo; el tercero hace un recorrido por la distinta valoración y significación iconográfica que ha tenido la figura de Venus y el desnudo femenino desde la Edad Media hasta el Barroco; y el cuarto y último, a la utilización del legado clásico por las monarquías autoritarias y absolutas de los siglos XVI y XVII en la configuración de una iconografía del poder político. Completan el libro un índice de nombres y una orientación bibliográfica sobre mitología e iconografía clásicas.
Con la revolución digital y la globalización no sólo cambian los flujos económicos o los modos de vida de nuestras sociedades. Se está modificando la faz del entorno. Las ciudades nos sorprenden o nos agobian. Internet acapara nuestra atención. Supermercados, autopistas, gasolineras, aeropuertos, centros comerciales y otros espacios de transacción articulan nuestro paisaje cotidiano Esta obra, una herramienta fundamental para entender cómo se diseña en un mundo de flujos, parte de la premisa de que el diseño ha dejado de ser una disciplina racional para transformarse en un pequeño campo de batalla, en una negociación de todos con todos, o contra todos. El diseño de hoy se ha convertido en una zona de cruces donde se mezclan nuevos y antiguos conceptos tales como arte, automóvil, belleza, caos, dibujo, marcas, mercado, moda, seducción o tipografía.
El ukiyo-e, o ?imágenes del mundo ?otante?, es un género de grabados en relieve realizados mediante xilografía o técnica de grabado en madera. Esta manifestación artística surgió en Japón a mediados del siglo XVII y se trata de la corriente pictórica más extendida y conocida fuera de sus fronteras, patrimonio cultural del país del Sol Naciente. Este libro contiene algunos de los más famosos grabados japoneses de todos los tiempos. Veintidós láminas que permitirán al lector: Admirar las obras maestras del ukiyo-e. Conocer la historia de cada cuadro, ya que cada pintura contiene una breve pero fascinante introducción a la obra original. Y emular a los grandes maestros del grabado japonés. Geishas, actores de kabuki, ?ores de cerezo, el majestuoso monte Fuji? Las más bellas estampas del Japón de Edo listas para colorear en este relajante e inspirador libro. Además, todas las láminas están perforadas, por lo que podrá recortar fácilmente sus obras y enmarcarlas. Andrew Vigar vive y trabaja en Tokio. Es coleccionista de grabados japoneses, sobre todo shin-hanga, y escribe haikus en inglés. Relájate coloreando obras maestras.
Las nuevas tecnologías están cambiando el arte, la manera de verlo y hacerlo. El proyecto Materia Impresa se enmarca, concretamente, en el territorio de las tecnologías de impresión y escaneado 3D, y explora su repercusión en los lenguajes del arte contemporáneo. La presente publicación recopila reflexiones y propuestas artísticas que se articulan alrededor de la necesidad de un retorno a la materia en un contexto mayoritariamente virtual, y constatan que las innovaciones en tecnologías de impresión 3D posibilitan una nueva irrupción de la presencia material en los proyectos artísticos.
La iconología de Cesare Ripa es lo que con el paso de los siglos se ha dado en llamar teoría o ciencia de las imágenes, imprescindible fuente literaria para la comprensión de buena parte del arte moderno, desde la época del Barroco hasta el mundo contemporáneo, donde encontraron su fuente de inspiración los grandes artistas. Ripa creo con su obra el primer discurso sistematizado de texto e imagen sobre las alegorías, los emblemas, los atributos y los símbolos que, según uno de los editores de la obra, personifican las pasiones, los vicios, y todos los diferentes estados de la vida humana.
En el presente volumen, el lector encontrará el estudio detallado de 140 santos fundamentales para una historia general del arte y para la historia del arte español. Cada uno de los artículos se abre con el relato de los episodios biográficos y legendarios que es preciso conocer para comprender correctamente sus imágenes, al que sigue una enumeración de los atributos con sus simbolismos y significados, haciendo especial hincapié en el estudio de las imágenes (aspecto, indumentaria, escenas, ciclos, grabados) y en aquellos ejemplos de especial relevancia para la iconografía del santo tratado. Se concluye con una bibliografía específica, que se completa al final del volumen con otra de carácter más general.
Trescientos estilos, escuelas y movimientos que definen el arte de la era moderna. Una introducción y una guía a los desarrollos más importantes de la pintura, la escultura, la arquitectura y el diseño en Occidente. Una valiosa fuente para cualquier interesado en el arte y en los artistas de uno de los períodos de la historia del arte más dinámicos y emocionantes. Se presentan más de cien entradas principales en orden cronológico, desde el impresionismo del siglo XIX, pasando por el earth art y el sound art hasta el arte en Internet del siglo XXI. Se analizan el contexto y la evolución de cada movimiento: las exigencias de los manifiestos de los artistas, la espectacularidad de las exhibiciones, los juicios de la crítica y la delicia, o el rechazo, del público. Doscientas entradas adicionales aportan contenidos con referencias cruzadas referentes a estilos y movimientos, patrones de influencia y desarrollo. La cronología desplegable muestra cómo la evolución del arte corresponde a acontecimientos históricos, y ofrece una perspectiva general del período. Asimismo se presentan listados de las colecciones internacionales más representativas y sugerencias cuidadosamente seleccionadas para una lectura adicional sobre cada tema. El índice alfabético incluye más de 1.000 artistas, arquitectos, diseñadores, marchantes, críticos, coleccionistas y figuras del arte moderno, y relaciona los estilos, las escuelas y los movimientos con sus protagonistas.
es el libro perfecto para recordar todos aquellos elementos gráficos que ninguna guía turística recoge: fachadas modernistas, señales de tráfico, letreros de tiendas, mobiliario urbano, puertas, aceras, paredes, calles populares, mercados ¡Inspírate!
Un desván oscuro. La luz de una bombilla. Una niña muy imaginativa. Suzy Lee usa estos simples elementos para crear una representación visual que capta perfectamente la alegría del juego creativo y celebra el poder de la imaginación. Con una impresionante simplicidad, las ilustraciones, en solo dos tonos de color, presentan una aventura de principio a fin con un click de una bombilla un final irónico y suspendido.
Institución fundamental de la cultura artística española, las exposiciones nacionales de Bellas Artes se crearon en 1853 bajo la protección de los poderes públicos con el objetivo de proteger y promover el desarrollo del arte español. En un anterior libro de la misma autora, Historia y crítica de las exposiciones nacionales de Bellas Artes (1901-1915), se analizaban las celebradas entre 1901 y 1915. A pesar del cuestionamiento a que fueron sometidos, el Estado continuó estimulándolos y convocándolos de manera ininterrumpida, mostrando que la institución, lejos de su agotamiento, seguía dando signos de vitalidad como uno de los canales fundamentales de fomento de las Bellas Artes en nuestro país. El presente volumen se centra en los certámenes organizados entre 1917 y 1936. A través de un copioso e inédito material documental y hemerográfico, se aborda en su conjunto el régimen de funcionamiento y los reglamentos por los que se rigieron y se realiza un análisis monográfico de estos acontecimientos histórico-artísticos así como del interés que despertaron entre la crítica especializada, convirtiéndose en un documento excepcional de las transformaciones que se produjeron en el ámbito artístico español en el primer tercio del siglo XX.
Resulta increíble que en los tiempos en los que vivimos, en los que la tecnología es una herramienta básica de trabajo para todo el mundo, haya artistas que consigan dejarnos boquiabiertos con sus trabajos hechos a mano. Desde el dibujo y la pintura a gráficos en 3D con materiales fuera de lo común, fantásticas creaciones de papel o de collage..., encontrareis una amplia gama de proyectos hechos a mano que ponen de manifiesto que no existen las limitaciones, que es el momento de reinventar los métodos tradicionales.
La presente obra constituye un práctico instrumento de consulta para iniciarse en el mundo de la iconografía cristiana. El lector encontrará en ella la información básica sobre los personajes bíblicos y sobre los santos más importantes y representados en obras de arte. El libro se completa con un índice de temas cristológicos y marianos en donde la historia, la religión y el arte se unen para desentrañar los símbolos o significados que se ocultan detrás de cada representación.
La presente guía se compone básicamente de cuadros o tablas en los que se ofrece la información correspondiente a cada uno de los personajes tratados. Las tablas dedicadas a los distintos dioses y divinidades tienen 4 secciones (episodios, atributos, funciones y representaciones), mientras que en las dedicadas a los héroes son sólo 3, pues desaparece la referida a las funciones. La obra se completa con cuatro apéndices dedicados al estudio de aspectos concretos de iconografía clásica: el primero, a elementos y símbolos de iconografía funeraria; el segundo, al proceso de asimilación y apropiación de la mitología por el cristianismo; el tercero hace un recorrido por la distinta valoración y significación iconográfica que ha tenido la figura de Venus y el desnudo femenino desde la Edad Media hasta el Barroco; y el cuarto y último, a la utilización del legado clásico por las monarquías autoritarias y absolutas de los siglos XVI y XVII en la configuración de una iconografía del poder político. Completan el libro un índice de nombres y una orientación bibliográfica sobre mitología e iconografía clásicas.
Con la revolución digital y la globalización no sólo cambian los flujos económicos o los modos de vida de nuestras sociedades. Se está modificando la faz del entorno. Las ciudades nos sorprenden o nos agobian. Internet acapara nuestra atención. Supermercados, autopistas, gasolineras, aeropuertos, centros comerciales y otros espacios de transacción articulan nuestro paisaje cotidiano
Esta obra, una herramienta fundamental para entender cómo se diseña en un mundo de flujos, parte de la premisa de que el diseño ha dejado de ser una disciplina racional para transformarse en un pequeño campo de batalla, en una negociación de todos con todos, o contra todos. El diseño de hoy se ha convertido en una zona de cruces donde se mezclan nuevos y antiguos conceptos tales como arte, automóvil, belleza, caos, dibujo, marcas, mercado, moda, seducción o tipografía.
El ukiyo-e, o ?imágenes del mundo ?otante?, es un género de grabados en relieve realizados mediante xilografía o técnica de grabado en madera. Esta manifestación artística surgió en Japón a mediados del siglo XVII y se trata de la corriente pictórica más extendida y conocida fuera de sus fronteras, patrimonio cultural del país del Sol Naciente. Este libro contiene algunos de los más famosos grabados japoneses de todos los tiempos. Veintidós láminas que permitirán al lector: Admirar las obras maestras del ukiyo-e. Conocer la historia de cada cuadro, ya que cada pintura contiene una breve pero fascinante introducción a la obra original. Y emular a los grandes maestros del grabado japonés. Geishas, actores de kabuki, ?ores de cerezo, el majestuoso monte Fuji? Las más bellas estampas del Japón de Edo listas para colorear en este relajante e inspirador libro. Además, todas las láminas están perforadas, por lo que podrá recortar fácilmente sus obras y enmarcarlas. Andrew Vigar vive y trabaja en Tokio. Es coleccionista de grabados japoneses, sobre todo shin-hanga, y escribe haikus en inglés. Relájate coloreando obras maestras.
Las nuevas tecnologías están cambiando el arte, la manera de verlo y hacerlo. El proyecto Materia Impresa se enmarca, concretamente, en el territorio de las tecnologías de impresión y escaneado 3D, y explora su repercusión en los lenguajes del arte contemporáneo. La presente publicación recopila reflexiones y propuestas artísticas que se articulan alrededor de la necesidad de un retorno a la materia en un contexto mayoritariamente virtual, y constatan que las innovaciones en tecnologías de impresión 3D posibilitan una nueva irrupción de la presencia material en los proyectos artísticos.
La iconología de Cesare Ripa es lo que con el paso de los siglos se ha dado en llamar teoría o ciencia de las imágenes, imprescindible fuente literaria para la comprensión de buena parte del arte moderno, desde la época del Barroco hasta el mundo contemporáneo, donde encontraron su fuente de inspiración los grandes artistas. Ripa creo con su obra el primer discurso sistematizado de texto e imagen sobre las alegorías, los emblemas, los atributos y los símbolos que, según uno de los editores de la obra, personifican las pasiones, los vicios, y todos los diferentes estados de la vida humana.
En el presente volumen, el lector encontrará el estudio detallado de 140 santos fundamentales para una historia general del arte y para la historia del arte español. Cada uno de los artículos se abre con el relato de los episodios biográficos y legendarios que es preciso conocer para comprender correctamente sus imágenes, al que sigue una enumeración de los atributos con sus simbolismos y significados, haciendo especial hincapié en el estudio de las imágenes (aspecto, indumentaria, escenas, ciclos, grabados) y en aquellos ejemplos de especial relevancia para la iconografía del santo tratado. Se concluye con una bibliografía específica, que se completa al final del volumen con otra de carácter más general.
Trescientos estilos, escuelas y movimientos que definen el arte de la era moderna. Una introducción y una guía a los desarrollos más importantes de la pintura, la escultura, la arquitectura y el diseño en Occidente. Una valiosa fuente para cualquier interesado en el arte y en los artistas de uno de los períodos de la historia del arte más dinámicos y emocionantes. Se presentan más de cien entradas principales en orden cronológico, desde el impresionismo del siglo XIX, pasando por el earth art y el sound art hasta el arte en Internet del siglo XXI. Se analizan el contexto y la evolución de cada movimiento: las exigencias de los manifiestos de los artistas, la espectacularidad de las exhibiciones, los juicios de la crítica y la delicia, o el rechazo, del público. Doscientas entradas adicionales aportan contenidos con referencias cruzadas referentes a estilos y movimientos, patrones de influencia y desarrollo. La cronología desplegable muestra cómo la evolución del arte corresponde a acontecimientos históricos, y ofrece una perspectiva general del período. Asimismo se presentan listados de las colecciones internacionales más representativas y sugerencias cuidadosamente seleccionadas para una lectura adicional sobre cada tema. El índice alfabético incluye más de 1.000 artistas, arquitectos, diseñadores, marchantes, críticos, coleccionistas y figuras del arte moderno, y relaciona los estilos, las escuelas y los movimientos con sus protagonistas.
es el libro perfecto para recordar todos aquellos elementos gráficos que ninguna guía turística recoge: fachadas modernistas, señales de tráfico, letreros de tiendas, mobiliario urbano, puertas, aceras, paredes, calles populares, mercados
¡Inspírate!
Un desván oscuro. La luz de una bombilla. Una niña muy imaginativa. Suzy Lee usa estos simples elementos para crear una representación visual que capta perfectamente la alegría del juego creativo y celebra el poder de la imaginación. Con una impresionante simplicidad, las ilustraciones, en solo dos tonos de color, presentan una aventura de principio a fin con un click de una bombilla un final irónico y suspendido.