El presente volumen abarca un periodo tan apasionante como es el que algunos han considerado " edad de oro " del cine mudo: aquel en el que varios países europeos alcanzan un notable grado de desarrollo industrial; en el que el espectáculo cinematográfico está sólida y definitivamente implantado en numerosas naciones de diversos continentes; y aquel, en suma, en el que comienzan a tomar cuerpo los cinemas nacionales de países provistos de un débil desarrollo industrial y económico. Todo ello con su corolario de una maduración expresiva, genérica y lingüística cuyos ecos aún no se han apagado.
En este volumen, prestigiosos historiadores del cine ofrecen un riguroso estudio sobre los orígenes del cine en Estados Unidos; cómo se fue organizando la industria; cómo fueron surgiendo los géneros y analiza las primeras figuras de peso de la historia del cine americano (Blackton, Porter, Ince o Griffith).
Este volumen de " Historia general del cine " analiza el panorama cinematográfico europeo y asiático en los difíciles años de la posguerra mundial, en la segunda mitad de los años 40, y se prolonga hasta las postrimerías de la década de los cincuenta, cuando se produce la afloración de los Nuevos Cines. Es el periodo en el que se efectúa la transformación desde el totalitarismo cinematográfico (URSS, España), al lado de la readaptación a los nuevos tiempos, relativamente pacíficos, de los que fueron países beligerantes (Inglaterra), ocupados (Francia, Paises del Este y parte de los escandinavos), neutrales (Suecia) e incluso de alguno como la India, que en esos años se incorporaría a la órbita de los estados independientes.
El Noticiario Cinematográfico Español, popularmente conocido como NO-DO, vio las pantallas cinematográficas por vez primera en enero de 1943. Creado como instrumento audiovisual del nuevo Estado, gozó durante décadas del privilegio de su exclusividad y su proyección fue obligatoria en todos los cines de España. A pesar de los numerosos cambios que experimentó la sociedad española, el Noticiario permanece hasta bien entrada la democracia, en 1981. Pero NO-DO no fue sólo un instrumento de propaganda política. Su condición de noticiario cinematográfico hace de él un dispositivo informativo, bien que sesgado, de entretenimiento y de variedades que acompañaba puntualmente los programas de las salas de proyección. A través del conjunto de su producción (Noticiario, revista semanal titulada «Imágenes» y documentales), NO-DO constituye el arsenal audiovisual más importante, y hasta la fecha inexplorado, para documentar la vida del franquismo, al menos hasta la llegada de la televisión, con la que comparte protagonismo desde finales de los años cincuenta. «NO-DO. El tiempo y la memoria» es el resultado de una investigación que durante ocho años han llevado a cabo Rafael R. Tranche (Universidad Complutense) y Vicente Sánchez-Biosca (Universidad de Valencia) con el objetivo de establecer las condiciones políticas, ideológicas y jurídicas que llevaron a la creación del organismo, ubicándolo en cada momento en un lugar estratégico de la administración y asignándole tareas de información, propaganda y entretenimiento a lo largo de casi cuatro décadas. Igualmente, el libro plantea un análisis minucioso de la elección y construcción de las noticias, su disposición en el seno del Noticiario, su estilo de lenguaje y la representatividad de sus imágenes respecto a la sociedad española de su tiempo.
El presente volumen propone una visión global del culminante papel político del cine en los años 30 y primera mitad de los 40. Los análisis pormenorizados de las cinematografías francesa, italiana, británica, alemana, soviética o española también nos sitúan ante las repercusiones nacionales de la agudización de esa función ideológica, sin olvidar por ello las aportaciones estéticas y temáticas del momento. Asimismo, se recoge un ámbito del trabajo cinematográfico como fue el cine documental, en absoluto ajeno a esa politización, pero revelador en esa época de sus mejores intenciones. El texto aborda también las cinematografías china y japonesa, que se incorporan al cine sonoro con sus propias características.
La guerra civil española (1936-1939) asoló nuestro país con una contienda fratricida que dejaría huellas indelebles en varias generaciones de españoles. Al tiempo, otro combate no menos intenso se libró en el terreno de las ideas, cuya máxima expresión serían la propaganda política y los medios de comunicación de masas. Todas las disyuntivas internacionales (democracia/totalitarismos, intervencionismo/ solidaridad, guerra total/defensa popular, nuevos sistemas de producción de imágenes/instrumentalización política) se dieron cita en nuestro territorio creando un nuevo imaginario bélico donde la población civil cobraría un protagonismo insólito. «El pasado es el destino» es el fruto de la investigación que a lo largo de seis años han realizado Rafael R. Tranche (Universidad Complutense de Madrid) y Vicente Sánchez-Biosca (Universidad de Valencia) sobre las estrechas relaciones entre propaganda, medios de comunicación y cine del llamado bando nacional durante la contienda y la inmediata posguerra. En esos años, el incipiente Estado franquista intenta edificar un aparato de propaganda destinado a ganar la guerra en todos los frentes y lograr un rápido adoctrinamiento de la población. En el corazón de estas operaciones está el Departamento Nacional de Cinematografía (1938-1941), que puso en pie una producción eficaz compuesta por una veintena de documentales y el «Noticiario español». El presente estudio analiza sus imágenes (y las ofrece por primera vez, tal y como fueron concebidas, en el DVD que incluye esta edición) en relación con el conjunto de la producción nacional y como respuesta a las iniciativas del bando republicano. Todo ello permitirá al lector/espectador adentrarse en uno de los períodos más convulsos (y por ello apasionantes) de nuestra historia reciente, aunque el clamor de las palabras y lo hiriente de las imágenes parezcan ya muy lejanos.
Los años que van de 1915 a 1928 acotan un período de enorme trascendencia en la historia del cine. Son los años de la consolidación definitiva del cinematógrafo como espectáculo masivo y, al mismo tiempo, los de su institucionalización como práctica " artística " respetada y respetable. Este volumen recoge en la primera parte la consolidación de los estudios en Hollywood, el proceso de su expansión internacional y el cine latino o hispano. El estudio del apogeo de los géneros (western, burlesco, animación, aventuras, bélico, comedia y melodrama), así como el análisis de las aportaciones europeas al cine norteamericano y una somera aproximación al star system, cierran el volumen.
Estos segundos ensayos en Antropología del arte siguen y amplían el trabajo iniciado en Meninas, espejos e hilanderas. Ambos libros pueden leerse de modo independiente o conjuntamente. No son partes, sino casos de una misma inquietud por entender mejor cómo nos representamos en nuestro imaginario colectivo la estructura y figura del sujeto bajo la presión de los cambios que sufre la cultura occidental en su modernidad siempre inacabada. Si en el primer libro se estudiaba la irrupción de los valores culturales en el goce y en la creación del arte de la pintura, la poesía y la novela con un solo capítulo dedicado al cine, en estos ensayos el material etnográfico procede de la canción a la que se dedican dos capítulos y del cine, en el que se centran los cuatro capítulos restantes. La observación y las entrevistas, realizadas a lo largo del trabajo de campo entre 2005 y 2011, se suman al recuerdo personal de los años sesenta y ochenta, así como a la memoria de la Transición. El trabajo de cantautores tan singulares como Raimon, Dylan, Valderrama o los Beatles, y de cineastas como Buñuel, Kubrick, González Iñárritu, Ang Lee, Arcand, Frears, Spielberg, Armendáriz o Mulligan, entre otros, constituye tanto una creación como una investigación sobre la figuración del ser humano, según lo moldea el paso veloz y colectivo de la historia. Todos ellos persiguen esa figura, que escapa en la niebla del horizonte de nuestra época, siguiendo la guía del dolor, del gozo, de la libertad, de la transgresión o de la esperanza, hasta alcanzar la tierra firme de la inocencia desde la que cabe empezar de nuevo.
De las decenas de miles de películas que se han hecho a lo largo de la historia del cine, sólo un pequeñísimo número de ellas han despertado esas pasiones desatadas que no se agotan con el arranque de su historia. Este libro contiene algunas de esas películas especiales que por un motivo u otro han sido adoptadas por sectores del público cinematográfico, que han sido amadas, protegidas y, sobre todo, defendidas fanáticamente. Desde el artista desfigurado encarnado por Lon Chaney en El fantasma de la ópera hasta los matones de Tarantino de Reservoir Dogs, pasando por el falso predicador de La noche del cazador, les presentamos los prodigios del cine de culto como nunca los habían visto antes. Cult Movies es un divertido y agitado viaje al apasionante, excesivo y delirante mundo de esas películas de culto que han causado un gran impacto en el cine y la cultura popular. Entre el homenaje y la celebración de esa pequeña rama de la industria del cine con su larga historia de fronteras traspasadas, viejos órdenes fustigados y buen gusto vulnerado, es tanto una magnífica introducción para el novato como una saludable inmersión nostálgica para el aficionado al cine de culto. El menú no tiene desperdicio: obras maestras intocables como Casablanca, El mago de Oz, Ciudadano Kane, La diligencia, Laura, Annie Hall o Vértigo; producciones que saborearon el dulce sabor del fracaso antes de convertirse en cult movies, como Sopa de ganso, La fiera de mi niña, ¡Qué bello es vivir!, El rostro impenetrable o Harold y Maude; filmes masacrados que escondían en su interior una joya del cine, como El cuarto mandamiento, Sed de mal o El hombre de mimbre; películas que no estaban destinadas a convertirse en un clásico, pero que desafiaron a su destino, como El hombre tranquilo, Johnny Guitar, Yo anduve con un zombie, A pleno sol, La muerte tenía un precio, Fuego en el cuerpo o Terciopelo azul; y esos títulos que desfilan entre el camp y el kitsch, adorados por legiones de enfervorecidos seguidores, como La pequeña tienda de los horrores o The Rocky Horror Picture Show. Películas icónicas, directores célebres, actores legendarios, tendencias curiosas... Este libro lo tiene todo.
Hollywood es, en la actualidad, una pieza más en el complejo engranaje de los potentes conglomerados multimediáticos que rigen la industria del espectáculo. Esta transformación industrial coincide con la convivencia que el celuloide tradicional mantiene con las nuevas imágenes digitales. Delimitado por las simbólicas fronteras establecidas entre «Jurassic Park» (1993) y «Avatar» (2009), el libro recurre a medio centenar de films representativos de este período para analizar el cine norteamericano de la era digital a través de sus principales tendencias genéricas, los vasos comunicantes con otros lenguajes (televisión, cómic, parques temáticos o videojuegos), remakes de grandes clásicos, el reciclaje de mitos ancestrales o la exploración de mundos virtuales.
El presente volumen abarca un periodo tan apasionante como es el que algunos han considerado " edad de oro " del cine mudo: aquel en el que varios países europeos alcanzan un notable grado de desarrollo industrial; en el que el espectáculo cinematográfico está sólida y definitivamente implantado en numerosas naciones de diversos continentes; y aquel, en suma, en el que comienzan a tomar cuerpo los cinemas nacionales de países provistos de un débil desarrollo industrial y económico. Todo ello con su corolario de una maduración expresiva, genérica y lingüística cuyos ecos aún no se han apagado.
En este volumen, prestigiosos historiadores del cine ofrecen un riguroso estudio sobre los orígenes del cine en Estados Unidos; cómo se fue organizando la industria; cómo fueron surgiendo los géneros y analiza las primeras figuras de peso de la historia del cine americano (Blackton, Porter, Ince o Griffith).
Este volumen de " Historia general del cine " analiza el panorama cinematográfico europeo y asiático en los difíciles años de la posguerra mundial, en la segunda mitad de los años 40, y se prolonga hasta las postrimerías de la década de los cincuenta, cuando se produce la afloración de los Nuevos Cines. Es el periodo en el que se efectúa la transformación desde el totalitarismo cinematográfico (URSS, España), al lado de la readaptación a los nuevos tiempos, relativamente pacíficos, de los que fueron países beligerantes (Inglaterra), ocupados (Francia, Paises del Este y parte de los escandinavos), neutrales (Suecia) e incluso de alguno como la India, que en esos años se incorporaría a la órbita de los estados independientes.
El Noticiario Cinematográfico Español, popularmente conocido como NO-DO, vio las pantallas cinematográficas por vez primera en enero de 1943. Creado como instrumento audiovisual del nuevo Estado, gozó durante décadas del privilegio de su exclusividad y su proyección fue obligatoria en todos los cines de España. A pesar de los numerosos cambios que experimentó la sociedad española, el Noticiario permanece hasta bien entrada la democracia, en 1981. Pero NO-DO no fue sólo un instrumento de propaganda política. Su condición de noticiario cinematográfico hace de él un dispositivo informativo, bien que sesgado, de entretenimiento y de variedades que acompañaba puntualmente los programas de las salas de proyección. A través del conjunto de su producción (Noticiario, revista semanal titulada «Imágenes» y documentales), NO-DO constituye el arsenal audiovisual más importante, y hasta la fecha inexplorado, para documentar la vida del franquismo, al menos hasta la llegada de la televisión, con la que comparte protagonismo desde finales de los años cincuenta. «NO-DO. El tiempo y la memoria» es el resultado de una investigación que durante ocho años han llevado a cabo Rafael R. Tranche (Universidad Complutense) y Vicente Sánchez-Biosca (Universidad de Valencia) con el objetivo de establecer las condiciones políticas, ideológicas y jurídicas que llevaron a la creación del organismo, ubicándolo en cada momento en un lugar estratégico de la administración y asignándole tareas de información, propaganda y entretenimiento a lo largo de casi cuatro décadas. Igualmente, el libro plantea un análisis minucioso de la elección y construcción de las noticias, su disposición en el seno del Noticiario, su estilo de lenguaje y la representatividad de sus imágenes respecto a la sociedad española de su tiempo.
El presente volumen propone una visión global del culminante papel político del cine en los años 30 y primera mitad de los 40. Los análisis pormenorizados de las cinematografías francesa, italiana, británica, alemana, soviética o española también nos sitúan ante las repercusiones nacionales de la agudización de esa función ideológica, sin olvidar por ello las aportaciones estéticas y temáticas del momento. Asimismo, se recoge un ámbito del trabajo cinematográfico como fue el cine documental, en absoluto ajeno a esa politización, pero revelador en esa época de sus mejores intenciones. El texto aborda también las cinematografías china y japonesa, que se incorporan al cine sonoro con sus propias características.
La guerra civil española (1936-1939) asoló nuestro país con una contienda fratricida que dejaría huellas indelebles en varias generaciones de españoles. Al tiempo, otro combate no menos intenso se libró en el terreno de las ideas, cuya máxima expresión serían la propaganda política y los medios de comunicación de masas. Todas las disyuntivas internacionales (democracia/totalitarismos, intervencionismo/ solidaridad, guerra total/defensa popular, nuevos sistemas de producción de imágenes/instrumentalización política) se dieron cita en nuestro territorio creando un nuevo imaginario bélico donde la población civil cobraría un protagonismo insólito. «El pasado es el destino» es el fruto de la investigación que a lo largo de seis años han realizado Rafael R. Tranche (Universidad Complutense de Madrid) y Vicente Sánchez-Biosca (Universidad de Valencia) sobre las estrechas relaciones entre propaganda, medios de comunicación y cine del llamado bando nacional durante la contienda y la inmediata posguerra. En esos años, el incipiente Estado franquista intenta edificar un aparato de propaganda destinado a ganar la guerra en todos los frentes y lograr un rápido adoctrinamiento de la población. En el corazón de estas operaciones está el Departamento Nacional de Cinematografía (1938-1941), que puso en pie una producción eficaz compuesta por una veintena de documentales y el «Noticiario español». El presente estudio analiza sus imágenes (y las ofrece por primera vez, tal y como fueron concebidas, en el DVD que incluye esta edición) en relación con el conjunto de la producción nacional y como respuesta a las iniciativas del bando republicano. Todo ello permitirá al lector/espectador adentrarse en uno de los períodos más convulsos (y por ello apasionantes) de nuestra historia reciente, aunque el clamor de las palabras y lo hiriente de las imágenes parezcan ya muy lejanos.
Los años que van de 1915 a 1928 acotan un período de enorme trascendencia en la historia del cine. Son los años de la consolidación definitiva del cinematógrafo como espectáculo masivo y, al mismo tiempo, los de su institucionalización como práctica " artística " respetada y respetable. Este volumen recoge en la primera parte la consolidación de los estudios en Hollywood, el proceso de su expansión internacional y el cine latino o hispano. El estudio del apogeo de los géneros (western, burlesco, animación, aventuras, bélico, comedia y melodrama), así como el análisis de las aportaciones europeas al cine norteamericano y una somera aproximación al star system, cierran el volumen.
Estos segundos ensayos en Antropología del arte siguen y amplían el trabajo iniciado en Meninas, espejos e hilanderas. Ambos libros pueden leerse de modo independiente o conjuntamente. No son partes, sino casos de una misma inquietud por entender mejor cómo nos representamos en nuestro imaginario colectivo la estructura y figura del sujeto bajo la presión de los cambios que sufre la cultura occidental en su modernidad siempre inacabada. Si en el primer libro se estudiaba la irrupción de los valores culturales en el goce y en la creación del arte de la pintura, la poesía y la novela con un solo capítulo dedicado al cine, en estos ensayos el material etnográfico procede de la canción a la que se dedican dos capítulos y del cine, en el que se centran los cuatro capítulos restantes. La observación y las entrevistas, realizadas a lo largo del trabajo de campo entre 2005 y 2011, se suman al recuerdo personal de los años sesenta y ochenta, así como a la memoria de la Transición. El trabajo de cantautores tan singulares como Raimon, Dylan, Valderrama o los Beatles, y de cineastas como Buñuel, Kubrick, González Iñárritu, Ang Lee, Arcand, Frears, Spielberg, Armendáriz o Mulligan, entre otros, constituye tanto una creación como una investigación sobre la figuración del ser humano, según lo moldea el paso veloz y colectivo de la historia. Todos ellos persiguen esa figura, que escapa en la niebla del horizonte de nuestra época, siguiendo la guía del dolor, del gozo, de la libertad, de la transgresión o de la esperanza, hasta alcanzar la tierra firme de la inocencia desde la que cabe empezar de nuevo.
De las decenas de miles de películas que se han hecho a lo largo de la historia del cine, sólo un pequeñísimo número de ellas han despertado esas pasiones desatadas que no se agotan con el arranque de su historia. Este libro contiene algunas de esas películas especiales que por un motivo u otro han sido adoptadas por sectores del público cinematográfico, que han sido amadas, protegidas y, sobre todo, defendidas fanáticamente. Desde el artista desfigurado encarnado por Lon Chaney en El fantasma de la ópera hasta los matones de Tarantino de Reservoir Dogs, pasando por el falso predicador de La noche del cazador, les presentamos los prodigios del cine de culto como nunca los habían visto antes. Cult Movies es un divertido y agitado viaje al apasionante, excesivo y delirante mundo de esas películas de culto que han causado un gran impacto en el cine y la cultura popular. Entre el homenaje y la celebración de esa pequeña rama de la industria del cine con su larga historia de fronteras traspasadas, viejos órdenes fustigados y buen gusto vulnerado, es tanto una magnífica introducción para el novato como una saludable inmersión nostálgica para el aficionado al cine de culto. El menú no tiene desperdicio: obras maestras intocables como Casablanca, El mago de Oz, Ciudadano Kane, La diligencia, Laura, Annie Hall o Vértigo; producciones que saborearon el dulce sabor del fracaso antes de convertirse en cult movies, como Sopa de ganso, La fiera de mi niña, ¡Qué bello es vivir!, El rostro impenetrable o Harold y Maude; filmes masacrados que escondían en su interior una joya del cine, como El cuarto mandamiento, Sed de mal o El hombre de mimbre; películas que no estaban destinadas a convertirse en un clásico, pero que desafiaron a su destino, como El hombre tranquilo, Johnny Guitar, Yo anduve con un zombie, A pleno sol, La muerte tenía un precio, Fuego en el cuerpo o Terciopelo azul; y esos títulos que desfilan entre el camp y el kitsch, adorados por legiones de enfervorecidos seguidores, como La pequeña tienda de los horrores o The Rocky Horror Picture Show. Películas icónicas, directores célebres, actores legendarios, tendencias curiosas... Este libro lo tiene todo.
Hollywood es, en la actualidad, una pieza más en el complejo engranaje de los potentes conglomerados multimediáticos que rigen la industria del espectáculo. Esta transformación industrial coincide con la convivencia que el celuloide tradicional mantiene con las nuevas imágenes digitales. Delimitado por las simbólicas fronteras establecidas entre «Jurassic Park» (1993) y «Avatar» (2009), el libro recurre a medio centenar de films representativos de este período para analizar el cine norteamericano de la era digital a través de sus principales tendencias genéricas, los vasos comunicantes con otros lenguajes (televisión, cómic, parques temáticos o videojuegos), remakes de grandes clásicos, el reciclaje de mitos ancestrales o la exploración de mundos virtuales.