En este libro se profundiza en el conocimiento de la obra de arte en tanto dispositivo cultural de significados múltiples. Se analiza la evolución, desde la Edad Moderna hasta hoy, de los lugares (tanto físicos como imaginarios) donde el artista lleva a cabo el proceso creador, la interacción que se produce entre ambos y su incidencia directa o indirecta en la identidad del propio artista y de su obra; y se indaga en la cuestión de la identidad y la representación, atendiendo a diversos medios desde la arquitectura y las artes plásticas tradicionales hasta la creación audiovisual, pasando por engranajes complejos de exhibición y difusión mediática y diferentes épocas, a partir de una serie de casos concretos de impacto y relevancia de la Edad Moderna y Contemporánea. La pluralidad de autores necesariamente implica variedad en las herramientas de análisis y de reflexiones pero esa diversidad se articula en torno a los conceptos fundamentales de «los lugares del arte», «identidad» y «representación», que sirven de hilo argumental y brindan al lector la ocasión para reflexionar sobre estos temas a lo largo de la Edad Moderna y Contemporánea Esta publicación, en dos volúmenes, es el resultado del proyecto de investigación «Los lugares del arte. Del taller del artista al espacio expandido en la sala de exposición» (HAR2010-19406) del que forman parte diversos investigadores de la Universidad Complutense de Madrid (Departamentos de Historia del Arte Moderno y Contemporáneo), y recoge también las aportaciones de autores especialistas de otras universidades españolas y extranjeras que han contribuido con sus investigaciones al debate e intercambio de ideas entre la comunidad universitaria.
La sociedad recela del arte contemporáneo y resulta frecuente considerar al artista como un creador de obras herméticas que requieren una interpretación inaccesible para la mayoría. El público se siente ajeno a la creación moderna y emplea el argumento de que no entiende el arte actual. Este libro se dirige a estudiantes, investigadores y aficionados a la pintura y pretende convertirse en una guía accesible para comprender y, sobre todo, disfrutar de las obras pictóricas. Está escrito por un artista, docente e investigador entre cuyas aportaciones destaca la de divulgar conocimientos artísticos indagados desde la propia práctica pictórica.
Un tiburón en formol vendido por 12 millones de dólares. Una calavera de diamantes cuya puja fue artificialmente inflada por el propio artista. Un urinario convertido en objeto de exposición en las más famosas galerías del mundo. Ya no hay modo de saber si algo es bueno o mediocre; ni siquiera sabemos si algo es arte o no lo es. En "Los tiburones del arte", Luis Racionero traza un análisis tan contundente como polémico sobre el arte actual y lo que cabe esperar en el futuro. ¿Cómo hemos llegado a una situación en la que el mercado, el marketing y la publicidad controlan el arte? ¿Se llegará a realizar esculturas en carne viva gracias a la manipulación de los códigos formativos de las proteínas? ¿Es el láser un pincel que espera su Leonardo?
Un nuevo formato para El arte como terapia, el libro que responde a la pregunta ¿Para qué sirve el arte? Una historia del arte desde un punto diferente. Cautivador, entretenido y un poco controvertido, El arte como terapia contiene 150 ejemplos de obras maestras del arte, el diseño y la arquitectura distribuidos en capítulos sobre el Amor, el Dinero y la Política que nos enseñan cómo el arte puede ayudarnos con las dificultades diarias en nuestras relaciones, en la búsqueda de la felicidad y en cómo hacer las paces con la idea de nuestra propia mortalidad. Este libro busca la forma de desarrollar un mejor conocimiento del arte y de nosotros mismos. Tras su lectura, miraremos a las obras de arte desde otra perspectiva que nos hará disfrutarlas más.
?Siempre he detestado que digan que soy crítico de arte.? Así presenta John Berger esta antología completa de todos sus ensayos sobre artistas. Y ciertamente sería poco fiel a la realidad reducir a la categoría de crítico de arte a uno de los intelectuales europeos que no solo ha sabido diseccionar la obra plástica de tantos artistas, sino que ha aportado nuevos enfoques sobre la propia naturaleza del lenguaje visual y su papel en la cultura contemporánea. Este es el primero de dos volúmenes donde por primera vez se recogen de forma exhaustiva todos los textos que John Berger dedicó a los artistas que le enseñaron y le inspiraron a través de sus vidas y sus obras. Compilados por Tom Overton a partir de los archivos que Berger donó aun en vida a la British Library, los textos de este primer volumen abarcan desde las pinturas prehistóricas de la cueva de Chauvet hasta el advenimiento de la modernidad con Paul Cezánne, mientras que los del segundo volumen incluyen ensayos que abarcan desde Claude Monet hasta Randa Mdah, una artista palestina nacida en 1983. De todos ellos se desprende la inconmensurable capacidad observadora y narrativa de Berger que durante décadas ha iluminado con nuevos sentidos y valores a distintas generaciones de lectores. Una obra rigurosa e imprescindible para conocer el legado de Berger.
Este libro constituye la primera monografía sobre la escultura más extraña y más atípica de Giacometti: el Cubo, considerado como el único objeto «abstracto» del artista. Inexplicable, a este respecto, en una obra que parece abocada a la «búsqueda de la realidad». Pero el conjunto de cuestiones, hipótesis y análisis formales con que este libro literalmente rodea al objeto abrirá al lector toda una serie de nuevas perspectivas.
Con una indisimulada voluntad especulativa y ensayística, Imágenes sin mundo quisiera ser una propuesta hermenéutica orientada hacia ciertas zonas del arte moderno eclipsadas por los excesos formalistas. Donde se encuentran ?en perpleja disonancia? la conciencia del mundo y las imágenes suplantándolo.
Este primer número de la colección Cuadernos de Crecientes recoge la conferencia dictada por José Carlos Rosales en el Centro José Guerrero el 15 de diciembre de 2014, dentro del ciclo Cuarenta pinturas en busca de voz. Las obras de la Colección contadas
En este estudio, Mikel Dufrenne desarrolla una crítica de la experiencia estética. Centrándose en «el sentido» propio y «las condiciones» que hacen posible la experiencia del sujeto contemplador, Dufrenne perfila la noción de objeto estético, fenomenológicamente entendido, en relación a la obra de arte. Para introducirse en el estudio de la experiencia estética, aborda la organización objetiva de la obra de arte, como totalidad estructurada y potencial instauradora de sentido. Por otro lado, partiendo de un estudio sobre la obra musical y de otro sobre la pictórica, propone un perfil general de la estructura de la obra de arte. De este modo, se va desvelando la clave metodológica: a partir de la descripción fenomenológica, desarrolla un análisis trascendental, para abordar finalmente el ámbito de lo propiamente ontológico. A su vez, considera que la experiencia estética supone el mantenimiento, por parte del sujeto, de una determinada actitud estética.
El libro sobre las Pinturas negras no solamente da cuenta del lugar excepcionalmente singular que ocupa Goya en la reflexión crítica y poética de Yves Bonnefoy, también es una muestra sumamente expresiva del particular estilo hermenéutico que ponen en obra los ensayos sobre el arte y la poesía. Por su formación de historiador del arte, conocedor y admirador de la tradición historiográfica francesa, Yves Bonnefoy apoya su interpretación de la obra en los saberes de la historia, de la filosofía, de los mitos o de las religiones, para restablecer las determinaciones múltiples, desde las circunstancias históricas y biográficas hasta las estructuras conceptuales e imaginarias que la circunscriben en el horizonte de su época. Sin embargo, ya en el prólogo del libro, Bonnefoy anticipa que no actuará como un crítico convencional. La posición del ensayista excede las demandas que interpelan a la crítica tradicional y a las que esta no puede dejar de responder. Desde fuera de esa tradición, aunque sin omitirla, lo que al poeta le interesa es reavivar la presencia de Goya, darle la palabra y establecer con él un diálogo sobre un plano atemporal, en el que tratará de hallar respuesta a las preguntas que traspasan su propia creación.
El brillante ensayista que es Oscar Wilde, con su prosa ágil y certera, profunda y desenfadada, a menudo irónica y siempre amena y desbordante de inteligencia, nos ofrece, en estos breves ensayos sobre arte, una deliciosa muestra de su sabiduría. Wilde fue cofundador del movimiento Arts and Crafts (Artes y Oficios), que anticipó las vanguardias artísticas del siglo xx, y expone aquí las ideas centrales de una forma de ver el arte que sigue teniendo hoy pleno vigor. Preconiza la unidad espiritual de las artes y las vincula estrechamente con la artesanía, devolviendo a esta la dignidad artística y la pulsión creativa que clasicismo y romanticismo le habían negado. Vincula el arte a la vida, como algo que otorga sentido a lo cotidiano y que desentraña sus secretos; pone en relación el arte, la arquitectura, el diseño y la artesanía en sentido amplio; aborda temas como la decoración, la escultura, la impresión y la encuadernación de libros, el diseño de ropa... En definitiva, este libro constituye un breve tratado del buen gusto, una sencilla y magistral lección de estética aplicada al arte, al diseño, y a nuestra vida; una invitación a abrir los ojos a la belleza que nos rodea y a mirar la vida con la inteligencia estética que predicó Wilde. Oscar Wilde (1854-1900) fue un destacado narrador, poeta, ensayista y dramaturgo británico de origen irlandés. Su enorme talento quedó reflejado en toda su obra. Ingeniosa, brillante y excéntrica, la producción del autor de El retrato de Dorian Gray sigue contando hoy con innumerables admiradores.
Entre la actividad y la inactividad, un estad de equilibrio. Como la ola, entre el avance hacia la playa y el retroceso hacia el mar. Un estado que derrota la tiranía de la trama basada en la conexión causal, con su distribución horizontal de temporalida
En este libro se profundiza en el conocimiento de la obra de arte en tanto dispositivo cultural de significados múltiples. Se analiza la evolución, desde la Edad Moderna hasta hoy, de los lugares (tanto físicos como imaginarios) donde el artista lleva a cabo el proceso creador, la interacción que se produce entre ambos y su incidencia directa o indirecta en la identidad del propio artista y de su obra; y se indaga en la cuestión de la identidad y la representación, atendiendo a diversos medios desde la arquitectura y las artes plásticas tradicionales hasta la creación audiovisual, pasando por engranajes complejos de exhibición y difusión mediática y diferentes épocas, a partir de una serie de casos concretos de impacto y relevancia de la Edad Moderna y Contemporánea. La pluralidad de autores necesariamente implica variedad en las herramientas de análisis y de reflexiones pero esa diversidad se articula en torno a los conceptos fundamentales de «los lugares del arte», «identidad» y «representación», que sirven de hilo argumental y brindan al lector la ocasión para reflexionar sobre estos temas a lo largo de la Edad Moderna y Contemporánea Esta publicación, en dos volúmenes, es el resultado del proyecto de investigación «Los lugares del arte. Del taller del artista al espacio expandido en la sala de exposición» (HAR2010-19406) del que forman parte diversos investigadores de la Universidad Complutense de Madrid (Departamentos de Historia del Arte Moderno y Contemporáneo), y recoge también las aportaciones de autores especialistas de otras universidades españolas y extranjeras que han contribuido con sus investigaciones al debate e intercambio de ideas entre la comunidad universitaria.
La sociedad recela del arte contemporáneo y resulta frecuente considerar al artista como un creador de obras herméticas que requieren una interpretación inaccesible para la mayoría. El público se siente ajeno a la creación moderna y emplea el argumento de que no entiende el arte actual. Este libro se dirige a estudiantes, investigadores y aficionados a la pintura y pretende convertirse en una guía accesible para comprender y, sobre todo, disfrutar de las obras pictóricas. Está escrito por un artista, docente e investigador entre cuyas aportaciones destaca la de divulgar conocimientos artísticos indagados desde la propia práctica pictórica.
Un tiburón en formol vendido por 12 millones de dólares. Una calavera de diamantes cuya puja fue artificialmente inflada por el propio artista. Un urinario convertido en objeto de exposición en las más famosas galerías del mundo. Ya no hay modo de saber si algo es bueno o mediocre; ni siquiera sabemos si algo es arte o no lo es. En "Los tiburones del arte", Luis Racionero traza un análisis tan contundente como polémico sobre el arte actual y lo que cabe esperar en el futuro. ¿Cómo hemos llegado a una situación en la que el mercado, el marketing y la publicidad controlan el arte? ¿Se llegará a realizar esculturas en carne viva gracias a la manipulación de los códigos formativos de las proteínas? ¿Es el láser un pincel que espera su Leonardo?
Un nuevo formato para El arte como terapia, el libro que responde a la pregunta ¿Para qué sirve el arte? Una historia del arte desde un punto diferente. Cautivador, entretenido y un poco controvertido, El arte como terapia contiene 150 ejemplos de obras maestras del arte, el diseño y la arquitectura distribuidos en capítulos sobre el Amor, el Dinero y la Política que nos enseñan cómo el arte puede ayudarnos con las dificultades diarias en nuestras relaciones, en la búsqueda de la felicidad y en cómo hacer las paces con la idea de nuestra propia mortalidad. Este libro busca la forma de desarrollar un mejor conocimiento del arte y de nosotros mismos. Tras su lectura, miraremos a las obras de arte desde otra perspectiva que nos hará disfrutarlas más.
?Siempre he detestado que digan que soy crítico de arte.? Así presenta John Berger esta antología completa de todos sus ensayos sobre artistas. Y ciertamente sería poco fiel a la realidad reducir a la categoría de crítico de arte a uno de los intelectuales europeos que no solo ha sabido diseccionar la obra plástica de tantos artistas, sino que ha aportado nuevos enfoques sobre la propia naturaleza del lenguaje visual y su papel en la cultura contemporánea. Este es el primero de dos volúmenes donde por primera vez se recogen de forma exhaustiva todos los textos que John Berger dedicó a los artistas que le enseñaron y le inspiraron a través de sus vidas y sus obras. Compilados por Tom Overton a partir de los archivos que Berger donó aun en vida a la British Library, los textos de este primer volumen abarcan desde las pinturas prehistóricas de la cueva de Chauvet hasta el advenimiento de la modernidad con Paul Cezánne, mientras que los del segundo volumen incluyen ensayos que abarcan desde Claude Monet hasta Randa Mdah, una artista palestina nacida en 1983. De todos ellos se desprende la inconmensurable capacidad observadora y narrativa de Berger que durante décadas ha iluminado con nuevos sentidos y valores a distintas generaciones de lectores. Una obra rigurosa e imprescindible para conocer el legado de Berger.
Este libro constituye la primera monografía sobre la escultura más extraña y más atípica de Giacometti: el Cubo, considerado como el único objeto «abstracto» del artista. Inexplicable, a este respecto, en una obra que parece abocada a la «búsqueda de la realidad». Pero el conjunto de cuestiones, hipótesis y análisis formales con que este libro literalmente rodea al objeto abrirá al lector toda una serie de nuevas perspectivas.
Con una indisimulada voluntad especulativa y ensayística, Imágenes sin mundo quisiera ser una propuesta hermenéutica orientada hacia ciertas zonas del arte moderno eclipsadas por los excesos formalistas. Donde se encuentran ?en perpleja disonancia? la conciencia del mundo y las imágenes suplantándolo.
Este primer número de la colección Cuadernos de Crecientes recoge la conferencia dictada por José Carlos Rosales en el Centro José Guerrero el 15 de diciembre de 2014, dentro del ciclo Cuarenta pinturas en busca de voz. Las obras de la Colección contadas
En este estudio, Mikel Dufrenne desarrolla una crítica de la experiencia estética. Centrándose en «el sentido» propio y «las condiciones» que hacen posible la experiencia del sujeto contemplador, Dufrenne perfila la noción de objeto estético, fenomenológicamente entendido, en relación a la obra de arte. Para introducirse en el estudio de la experiencia estética, aborda la organización objetiva de la obra de arte, como totalidad estructurada y potencial instauradora de sentido. Por otro lado, partiendo de un estudio sobre la obra musical y de otro sobre la pictórica, propone un perfil general de la estructura de la obra de arte. De este modo, se va desvelando la clave metodológica: a partir de la descripción fenomenológica, desarrolla un análisis trascendental, para abordar finalmente el ámbito de lo propiamente ontológico. A su vez, considera que la experiencia estética supone el mantenimiento, por parte del sujeto, de una determinada actitud estética.
El libro sobre las Pinturas negras no solamente da cuenta del lugar excepcionalmente singular que ocupa Goya en la reflexión crítica y poética de Yves Bonnefoy, también es una muestra sumamente expresiva del particular estilo hermenéutico que ponen en obra los ensayos sobre el arte y la poesía. Por su formación de historiador del arte, conocedor y admirador de la tradición historiográfica francesa, Yves Bonnefoy apoya su interpretación de la obra en los saberes de la historia, de la filosofía, de los mitos o de las religiones, para restablecer las determinaciones múltiples, desde las circunstancias históricas y biográficas hasta las estructuras conceptuales e imaginarias que la circunscriben en el horizonte de su época. Sin embargo, ya en el prólogo del libro, Bonnefoy anticipa que no actuará como un crítico convencional. La posición del ensayista excede las demandas que interpelan a la crítica tradicional y a las que esta no puede dejar de responder. Desde fuera de esa tradición, aunque sin omitirla, lo que al poeta le interesa es reavivar la presencia de Goya, darle la palabra y establecer con él un diálogo sobre un plano atemporal, en el que tratará de hallar respuesta a las preguntas que traspasan su propia creación.
El brillante ensayista que es Oscar Wilde, con su prosa ágil y certera, profunda y desenfadada, a menudo irónica y siempre amena y desbordante de inteligencia, nos ofrece, en estos breves ensayos sobre arte, una deliciosa muestra de su sabiduría. Wilde fue cofundador del movimiento Arts and Crafts (Artes y Oficios), que anticipó las vanguardias artísticas del siglo xx, y expone aquí las ideas centrales de una forma de ver el arte que sigue teniendo hoy pleno vigor. Preconiza la unidad espiritual de las artes y las vincula estrechamente con la artesanía, devolviendo a esta la dignidad artística y la pulsión creativa que clasicismo y romanticismo le habían negado. Vincula el arte a la vida, como algo que otorga sentido a lo cotidiano y que desentraña sus secretos; pone en relación el arte, la arquitectura, el diseño y la artesanía en sentido amplio; aborda temas como la decoración, la escultura, la impresión y la encuadernación de libros, el diseño de ropa... En definitiva, este libro constituye un breve tratado del buen gusto, una sencilla y magistral lección de estética aplicada al arte, al diseño, y a nuestra vida; una invitación a abrir los ojos a la belleza que nos rodea y a mirar la vida con la inteligencia estética que predicó Wilde. Oscar Wilde (1854-1900) fue un destacado narrador, poeta, ensayista y dramaturgo británico de origen irlandés. Su enorme talento quedó reflejado en toda su obra. Ingeniosa, brillante y excéntrica, la producción del autor de El retrato de Dorian Gray sigue contando hoy con innumerables admiradores.
Entre la actividad y la inactividad, un estad de equilibrio. Como la ola, entre el avance hacia la playa y el retroceso hacia el mar. Un estado que derrota la tiranía de la trama basada en la conexión causal, con su distribución horizontal de temporalida