Lo que no te enseñaron en la escuela de arte es una guía práctica, concisa y perfectamente estructurada dirigido a todos aquellos que se inician en el mundo del arte con un cierto vacío en todo lo que se refiere al negocio. El artista necesita convertirse en su propio manager, administrador, agente de marketing, comisario, y director de arte y con frecuencia estos aspectos quedan relegados durante los años de formación. Este libro está concebido como un complemento a esa formación. Una guía llena de consejos expertos, trucos prácticos e inspiración para ayudarte a construir una carrera de éxito.
Murillo es uno de los pintores españoles que más atención ha suscitado en la historiografía desde el siglo XVII hasta la actualidad, con valoraciones cambiantes de su obra en función de cada época. Es un artista que ha sido instrumentalizado y utilizado por la capacidad de comunicación que ha tenido y tiene su obra, algo de lo que el propio pintor fue responsable desde el mismo momento en el que se afianzó en su Sevilla natal, gozando de un prestigio en vida que consiguió gracias a los recursos de su arte, su talento y también a la habilidad para provocar emociones y despertar las pasiones. Gracias a la cultura visual y al análisis de lo que sus imágenes han sido capaces de suscitar se puede entender mejor su pintura, como si de profecías se tratara. Lo que aparentemente resulta fácil y directo no es más que el espejo de un complicado juego empático cuya única finalidad es la persuasión y seducción de un hábil conocedor de los códigos hispalenses y de los recursos que suministra la pintura. Murillo se anticipó en muchas ocasiones a las respuestas del público, realizando obras en las que el aura se impuso, abriendo el camino de su prestigio y cautivando e ilusionando a los coleccionistas que, subyugados por su lenguaje, le rindieron culto hasta el punto de hacer de su obra una religión. Con ese espíritu sus capacidades de persuasión han permanecido vigentes a lo largo de la historia, dando prueba evidente del triunfo de su obra ante el tiempo.
Este libro reúne buena parte de los diferentes ensayos sobre arte que Marius de Zayas escribió entre 1910 y 1917 y que hasta ahora habían tenido una difusión limitada. Artista, escritor, galerista y mecenas Marius de Zayas, figura esencial en la experiencia artística moderna de Occidente, no sólo registró con su pluma los sucesos trascendentales del arte y de las vanguardias artísticas de la primera mitad del siglo XX, sino que los vivió de cerca junto con los protagonistas.
En esta obra nos encontramos ante un compendio de reflexiones y estudios en torno a la investigación artística y su aplicación tanto en la profesionalización en el campo artístico como en la intervención socioeducativa. La problematización de la que se parte se fundamenta en la carencia de protocolo en el campo artístico conlleva y se centra en las distintas perspectivas desde las que se puede afrontar. No se aborda tan solo el qué o el cuándo, sino también el cómo es arte.
El pintor y ensayista Anton Patiño se propone en este libro un análisis crítico de nuestro entorno visual, que desvela los mecanismos perceptivos de dominación. La hegemonía óptica de la imagen-poder segrega una telaraña hipnótica. Todas las pantallas permanecen encendidas (día y noche reclaman nuestra atención). No hay salida, sólo la experiencia creativa, la dimensión poética y la libertad de la mirada pueden servir de antídoto a un totalitarismo del espectáculo narcisista convertido en eje de una autoalienación colectiva sin precedentes. Reclusión insomne. Democracia visual. Pantallas parpadeantes para ojos sin mirada.
La búsqueda de lo que hoy conocemos como fotografía forma parte una compleja trama de experimentos llevados a cabo por numerosos científicos y aficionados a las artes no solo en las grandes metrópolis europeas, sino también en los sitios más apartados de la civilización occidental. Esta obra nos presenta las pesquisas, zozobras y hallazgos de Hercule Florence, francés afincado en el interior de Brasil, quien, en 1833, logró fijar imágenes visibles a través de la cámara oscura, además de proponer el uso del negativo y bautizar el descubrimiento con el nombre que hoy le damos: fotografía. Después de más de doscientos años de su nacimiento, resulta fascinante conocer a quien imaginó diferentes experimentos precursores de la fotografía. Su descubrimiento no cabe dentro del mundo de las coincidencias, sino que responde a la búsqueda decimonónica por mejorar los medios de reproducción de la imagen, privilegiada desde entonces como una senda del conocimiento. El análisis de Kossoy no se agota con la fotografía; por el contrario, a partir de ella abre el camino a la reflexión sobre las maneras en que la cultura latinoamericana ha sido abordada.
100 ejercicios prácticos para convertirte en el mejor ladrón de ideas. El ticket de un restaurante. El título de un libro que no has leído. Un recuerdo. Lo que has tirado a la papelera. Una búsqueda en Google. El origen de la creatividad está donde menos te lo esperas y con este cuaderno de ejercicios Austin Kleon te enseña a mirar el mundo y a robarle ideas tal como hacen los artistas. ¡Sólo apto para cleptómanos creativos!
Este libro se pregunta por los valores estéticos que hicieron de las primeras obras de Manet el origen de la pintura moderna. Transcurrido un siglo y medio desde el Salon des Refusés, la concepción que otorga a este artista el privilegio de ser «mito fundacional» del relato canónico del arte moderno ha perdido concreción y ha ganado en glorificación incuestionada. ¿Por qué ha sido esto así? ¿Qué «nace» con Manet de tal forma que lo convierte en inicio fundamental de la corriente estética predominante?
El plano de la imagen se centra en el estudio de las cuestiones relativas al espacio de representación y al lugar del espectador, en la reciprocidad entre ambos, y en las modificaciones que han ido sucediéndose en la relación esencial entre estos dos aspectos. La investigación se concreta en un periodo de tiempo determinado, y a través de los casos más paradigmáticos para la definición de una perspectiva arqueológica, más que propiamente histórica, aunque recurriendo al mismo tiempo a elementos escogidos de la historia del arte. Este ensayo, que apareció en primera edición en 1993, es el primero de una serie sobre la Arqueología de la Modernidad que el autor ha terminado con su último libro, Arte e Infinitud.
Los textos reunidos en El cristal se venga fueron escritos por el teórico José Luis Brea durante los años 2007 al 2010, y muestran el recorrido del pensador español entre dos de sus libros fundamentales: Cultura_RAM / Mutaciones de la cultura en la era de su distribución electrónica y Las tres eras de la imagen. Los textos trazan un mapa del trabajo crítico y de análisis cultural que realizó Brea, desde y fuera de la revista on-line Salonkritik, y evidencian la conexión que existe entre él como crítico del presente y su trabajo teórico, lo que demuestra la lucidez y la coherencia de su reflexión a lo largo de todos sus libros y proyectos. Se trata de un libro en el que se articulan nodos de pensamiento y de reflexiones en los que se cruzan el análisis cultural, los estudios visuales, la crítica a las políticas culturales y el más riguroso trabajo teórico y filosófico. El libro se enmarca dentro de labor editorial llevada a cabo por la Fundación Jumex. Fundación Jumex Arte Contemporáneo fue creada para promover la producción, la reflexión y el conocimiento del arte contemporáneo, así como para generar nuevas propuestas de apoyo a la cultura.
En estas páginas se aborda el estudio diacrónico de los criterios de conservación y restauración, fundamentalmente de obras de arte, muebles -bienes culturales en un sentido más amplio-: escultura y pintura, desde la antigüedad hasta el presente. Asimismo, se analizan las diferentes teorías de la restauración, que, partiendo siempre de la arquitectura, se formularon desde la transición del siglo XVIII al XIX (Neoclasicismo), hasta nuestros días y su repercusión en el campo de la demás artes.El interés por la conservación del patrimonio artístico y cultural de la humanidad y su globalización, acrecentado progresivamente a lo largo del último siglo, ha tenido consecuencias inmediatas en las medidas de protección, reflejadas en las normativas -internacionales, continentales, nacionales-, en las diferentes legislaciones y en los organismos específicos encargados de estas tareas. Es mucho lo que se ha hecho, pero más aún lo que queda por hacer, sobre todo si pensamos que, al inmenso patrimonio legado desde el pasado más remoto con toda su problemática, se une ahora el de las obras más inmediatas en el tiempo, las del siglo XX, que, a pesar de su juventud -y tal vez por ello-, exigen una atención muy especial, al resultar ineficaces los criterios y metodologías tradicionalmente aplicados.
"Llegar a la edad de cuarenta años sin haber cogido jamás un pincel o sin haber garabateado nunca con un lápiz, pasar de considerar, con un ojo ya maduro, que el acto de pintar es un misterio o de hallarse boquiabierto frente a la obra de un artista callejero, a sumergirse de pronto en una nueva y fascinante forma de interés y de acción con pinturas, paletas y lienzos, y no sentirse descorazonado por los resultados, es una experiencia extraordinaria y muy enriquecedora. Sería una verdadera lástima desperdiciar el tiempo libre del que disponemos arrastrándonos o agitándonos por el campo de golf o jugando al bridge, haciendo cerámica o simplemente holgazaneando [ ] cuando todo ese tiempo se habría podido destinar, de haberlo sabido, a un mundo maravilloso de pensamiento y arte, a un jardín soleado cuyos destellos de luz y color aguardan en el bolsillo de nuestra chaqueta." Winston Churchill
En este libro se profundiza en el conocimiento de la obra de arte en tanto dispositivo cultural de significados múltiples. Se analiza la evolución, desde la Edad Moderna hasta hoy, de los lugares (tanto físicos como imaginarios) donde el artista lleva a cabo el proceso creador, la interacción que se produce entre ambos y su incidencia directa o indirecta en la identidad del propio artista y de su obra; y se indaga en la cuestión de la identidad y la representación, atendiendo a diversos medios desde la arquitectura y las artes plásticas tradicionales hasta la creación audiovisual, pasando por engranajes complejos de exhibición y difusión mediática y diferentes épocas, a partir de una serie de casos concretos de impacto y relevancia de la Edad Moderna y Contemporánea. La pluralidad de autores necesariamente implica variedad en las herramientas de análisis y de reflexiones pero esa diversidad se articula en torno a los conceptos fundamentales de «los lugares del arte», «identidad» y «representación», que sirven de hilo argumental y brindan al lector la ocasión para reflexionar sobre estos temas a lo largo de la Edad Moderna y Contemporánea Esta publicación, en dos volúmenes, es el resultado del proyecto de investigación «Los lugares del arte. Del taller del artista al espacio expandido en la sala de exposición» (HAR2010-19406) del que forman parte diversos investigadores de la Universidad Complutense de Madrid (Departamentos de Historia del Arte Moderno y Contemporáneo), y recoge también las aportaciones de autores especialistas de otras universidades españolas y extranjeras que han contribuido con sus investigaciones al debate e intercambio de ideas entre la comunidad universitaria.
Lo que no te enseñaron en la escuela de arte es una guía práctica, concisa y perfectamente estructurada dirigido a todos aquellos que se inician en el mundo del arte con un cierto vacío en todo lo que se refiere al negocio. El artista necesita convertirse en su propio manager, administrador, agente de marketing, comisario, y director de arte y con frecuencia estos aspectos quedan relegados durante los años de formación. Este libro está concebido como un complemento a esa formación. Una guía llena de consejos expertos, trucos prácticos e inspiración para ayudarte a construir una carrera de éxito.
Murillo es uno de los pintores españoles que más atención ha suscitado en la historiografía desde el siglo XVII hasta la actualidad, con valoraciones cambiantes de su obra en función de cada época. Es un artista que ha sido instrumentalizado y utilizado por la capacidad de comunicación que ha tenido y tiene su obra, algo de lo que el propio pintor fue responsable desde el mismo momento en el que se afianzó en su Sevilla natal, gozando de un prestigio en vida que consiguió gracias a los recursos de su arte, su talento y también a la habilidad para provocar emociones y despertar las pasiones. Gracias a la cultura visual y al análisis de lo que sus imágenes han sido capaces de suscitar se puede entender mejor su pintura, como si de profecías se tratara. Lo que aparentemente resulta fácil y directo no es más que el espejo de un complicado juego empático cuya única finalidad es la persuasión y seducción de un hábil conocedor de los códigos hispalenses y de los recursos que suministra la pintura. Murillo se anticipó en muchas ocasiones a las respuestas del público, realizando obras en las que el aura se impuso, abriendo el camino de su prestigio y cautivando e ilusionando a los coleccionistas que, subyugados por su lenguaje, le rindieron culto hasta el punto de hacer de su obra una religión. Con ese espíritu sus capacidades de persuasión han permanecido vigentes a lo largo de la historia, dando prueba evidente del triunfo de su obra ante el tiempo.
Este libro reúne buena parte de los diferentes ensayos sobre arte que Marius de Zayas escribió entre 1910 y 1917 y que hasta ahora habían tenido una difusión limitada. Artista, escritor, galerista y mecenas Marius de Zayas, figura esencial en la experiencia artística moderna de Occidente, no sólo registró con su pluma los sucesos trascendentales del arte y de las vanguardias artísticas de la primera mitad del siglo XX, sino que los vivió de cerca junto con los protagonistas.
En esta obra nos encontramos ante un compendio de reflexiones y estudios en torno a la investigación artística y su aplicación tanto en la profesionalización en el campo artístico como en la intervención socioeducativa. La problematización de la que se parte se fundamenta en la carencia de protocolo en el campo artístico conlleva y se centra en las distintas perspectivas desde las que se puede afrontar. No se aborda tan solo el qué o el cuándo, sino también el cómo es arte.
El pintor y ensayista Anton Patiño se propone en este libro un análisis crítico de nuestro entorno visual, que desvela los mecanismos perceptivos de dominación. La hegemonía óptica de la imagen-poder segrega una telaraña hipnótica. Todas las pantallas permanecen encendidas (día y noche reclaman nuestra atención). No hay salida, sólo la experiencia creativa, la dimensión poética y la libertad de la mirada pueden servir de antídoto a un totalitarismo del espectáculo narcisista convertido en eje de una autoalienación colectiva sin precedentes. Reclusión insomne. Democracia visual. Pantallas parpadeantes para ojos sin mirada.
La búsqueda de lo que hoy conocemos como fotografía forma parte una compleja trama de experimentos llevados a cabo por numerosos científicos y aficionados a las artes no solo en las grandes metrópolis europeas, sino también en los sitios más apartados de la civilización occidental. Esta obra nos presenta las pesquisas, zozobras y hallazgos de Hercule Florence, francés afincado en el interior de Brasil, quien, en 1833, logró fijar imágenes visibles a través de la cámara oscura, además de proponer el uso del negativo y bautizar el descubrimiento con el nombre que hoy le damos: fotografía. Después de más de doscientos años de su nacimiento, resulta fascinante conocer a quien imaginó diferentes experimentos precursores de la fotografía. Su descubrimiento no cabe dentro del mundo de las coincidencias, sino que responde a la búsqueda decimonónica por mejorar los medios de reproducción de la imagen, privilegiada desde entonces como una senda del conocimiento. El análisis de Kossoy no se agota con la fotografía; por el contrario, a partir de ella abre el camino a la reflexión sobre las maneras en que la cultura latinoamericana ha sido abordada.
100 ejercicios prácticos para convertirte en el mejor ladrón de ideas. El ticket de un restaurante. El título de un libro que no has leído. Un recuerdo. Lo que has tirado a la papelera. Una búsqueda en Google. El origen de la creatividad está donde menos te lo esperas y con este cuaderno de ejercicios Austin Kleon te enseña a mirar el mundo y a robarle ideas tal como hacen los artistas. ¡Sólo apto para cleptómanos creativos!
Este libro se pregunta por los valores estéticos que hicieron de las primeras obras de Manet el origen de la pintura moderna. Transcurrido un siglo y medio desde el Salon des Refusés, la concepción que otorga a este artista el privilegio de ser «mito fundacional» del relato canónico del arte moderno ha perdido concreción y ha ganado en glorificación incuestionada. ¿Por qué ha sido esto así? ¿Qué «nace» con Manet de tal forma que lo convierte en inicio fundamental de la corriente estética predominante?
El plano de la imagen se centra en el estudio de las cuestiones relativas al espacio de representación y al lugar del espectador, en la reciprocidad entre ambos, y en las modificaciones que han ido sucediéndose en la relación esencial entre estos dos aspectos. La investigación se concreta en un periodo de tiempo determinado, y a través de los casos más paradigmáticos para la definición de una perspectiva arqueológica, más que propiamente histórica, aunque recurriendo al mismo tiempo a elementos escogidos de la historia del arte. Este ensayo, que apareció en primera edición en 1993, es el primero de una serie sobre la Arqueología de la Modernidad que el autor ha terminado con su último libro, Arte e Infinitud.
Los textos reunidos en El cristal se venga fueron escritos por el teórico José Luis Brea durante los años 2007 al 2010, y muestran el recorrido del pensador español entre dos de sus libros fundamentales: Cultura_RAM / Mutaciones de la cultura en la era de su distribución electrónica y Las tres eras de la imagen. Los textos trazan un mapa del trabajo crítico y de análisis cultural que realizó Brea, desde y fuera de la revista on-line Salonkritik, y evidencian la conexión que existe entre él como crítico del presente y su trabajo teórico, lo que demuestra la lucidez y la coherencia de su reflexión a lo largo de todos sus libros y proyectos. Se trata de un libro en el que se articulan nodos de pensamiento y de reflexiones en los que se cruzan el análisis cultural, los estudios visuales, la crítica a las políticas culturales y el más riguroso trabajo teórico y filosófico. El libro se enmarca dentro de labor editorial llevada a cabo por la Fundación Jumex. Fundación Jumex Arte Contemporáneo fue creada para promover la producción, la reflexión y el conocimiento del arte contemporáneo, así como para generar nuevas propuestas de apoyo a la cultura.
En estas páginas se aborda el estudio diacrónico de los criterios de conservación y restauración, fundamentalmente de obras de arte, muebles -bienes culturales en un sentido más amplio-: escultura y pintura, desde la antigüedad hasta el presente. Asimismo, se analizan las diferentes teorías de la restauración, que, partiendo siempre de la arquitectura, se formularon desde la transición del siglo XVIII al XIX (Neoclasicismo), hasta nuestros días y su repercusión en el campo de la demás artes.El interés por la conservación del patrimonio artístico y cultural de la humanidad y su globalización, acrecentado progresivamente a lo largo del último siglo, ha tenido consecuencias inmediatas en las medidas de protección, reflejadas en las normativas -internacionales, continentales, nacionales-, en las diferentes legislaciones y en los organismos específicos encargados de estas tareas. Es mucho lo que se ha hecho, pero más aún lo que queda por hacer, sobre todo si pensamos que, al inmenso patrimonio legado desde el pasado más remoto con toda su problemática, se une ahora el de las obras más inmediatas en el tiempo, las del siglo XX, que, a pesar de su juventud -y tal vez por ello-, exigen una atención muy especial, al resultar ineficaces los criterios y metodologías tradicionalmente aplicados.
"Llegar a la edad de cuarenta años sin haber cogido jamás un pincel o sin haber garabateado nunca con un lápiz, pasar de considerar, con un ojo ya maduro, que el acto de pintar es un misterio o de hallarse boquiabierto frente a la obra de un artista callejero, a sumergirse de pronto en una nueva y fascinante forma de interés y de acción con pinturas, paletas y lienzos, y no sentirse descorazonado por los resultados, es una experiencia extraordinaria y muy enriquecedora. Sería una verdadera lástima desperdiciar el tiempo libre del que disponemos arrastrándonos o agitándonos por el campo de golf o jugando al bridge, haciendo cerámica o simplemente holgazaneando [
] cuando todo ese tiempo se habría podido destinar, de haberlo sabido, a un mundo maravilloso de pensamiento y arte, a un jardín soleado cuyos destellos de luz y color aguardan en el bolsillo de nuestra chaqueta." Winston Churchill
En este libro se profundiza en el conocimiento de la obra de arte en tanto dispositivo cultural de significados múltiples. Se analiza la evolución, desde la Edad Moderna hasta hoy, de los lugares (tanto físicos como imaginarios) donde el artista lleva a cabo el proceso creador, la interacción que se produce entre ambos y su incidencia directa o indirecta en la identidad del propio artista y de su obra; y se indaga en la cuestión de la identidad y la representación, atendiendo a diversos medios desde la arquitectura y las artes plásticas tradicionales hasta la creación audiovisual, pasando por engranajes complejos de exhibición y difusión mediática y diferentes épocas, a partir de una serie de casos concretos de impacto y relevancia de la Edad Moderna y Contemporánea. La pluralidad de autores necesariamente implica variedad en las herramientas de análisis y de reflexiones pero esa diversidad se articula en torno a los conceptos fundamentales de «los lugares del arte», «identidad» y «representación», que sirven de hilo argumental y brindan al lector la ocasión para reflexionar sobre estos temas a lo largo de la Edad Moderna y Contemporánea Esta publicación, en dos volúmenes, es el resultado del proyecto de investigación «Los lugares del arte. Del taller del artista al espacio expandido en la sala de exposición» (HAR2010-19406) del que forman parte diversos investigadores de la Universidad Complutense de Madrid (Departamentos de Historia del Arte Moderno y Contemporáneo), y recoge también las aportaciones de autores especialistas de otras universidades españolas y extranjeras que han contribuido con sus investigaciones al debate e intercambio de ideas entre la comunidad universitaria.