Este libro recorre las principales teorías del mundo del color dentro de su estrecha relación con el conocimiento de la pintura. Ofrece al estudiante una sólida base teórico-práctica constituida por criterios analíticos y perceptivos que le permiten organizar su creación artística y entender aspectos formales y de contenido de la pintura, situándola en el contexto de su propia historia. Esta obra interrelaciona las bases teórico-prácticas esenciales de la pintura y las presenta de una manera didáctica, con más de 1.500 ilustraciones en color, explicaciones gráficas y reproducciones de pinturas, registro de fases y procesos de ejecución de ejercicios prácticos realizados por alumnos, etc.
Marià Fortuny ens ha donat la riquesa oriental de sedes, carns i metalls, en policromia virolada; la concreció de la llum. És el nostre Goya. Miniaturista pacient que crea un microcosmos com el món reflectit en la nineta de lull o en lobjectiu fotogràfic, amb els seus colors autèntics, exaltats, enriquits, vivificats. Màgica vareta, el poder engendrador de la qual, com la batuta del músic per fer néixer bells sons en lorquestra, sols és concedida al Geni.
Una nueva y meditada reflexión sobre el arte, su historia y varios de sus protagonistas. Picasso fue a visitar a Braque en su estudio. El pintor trabajaba un bodegón. De pronto el malagueño exclamó: «¡Pobre amigo! Veo una ardilla en tu lienzo». Braque respondió sorprendido: «No es posible». Picasso insistió: «Quizá sea una visión paranoica, pero veo una ardilla. El lienzo está destinado a ser un cuadro y no una ilusión óptica; la gente necesita ver algo en él. Tú representas un paquete de tabaco junto a una pipa, pero aparta de ahí esa ardilla». Braque llegó a ver la ardilla y luchó encarnizadamente con ella, hasta que, al fin, el tabaco, la pipa y los naipes se transformaron en un cuadro cubista. Esta anécdota, apenas conocida, sirve a J. F. Yvars para dar título a esta nueva selección de textos. Insiste en el análisis de la obra de arte desde diferentes perspectivas y ayuda a descifrar el trabajo y la personalidad de figuras cardinales: Julio González, David Smith, Aby Warburg, entre otros.
Uno de los grandes teóricos del arte de nuestros días analiza el estilo globalizado del arte y la arquitectura. Hal Foster, autor del aclamado Diseño y delito, sostiene en este nuevo y polémico ensayo que la fusión de arte y arquitectura es una característica definitoria de la cultura contemporánea. Para ello identifica y define un estilo global de la arquitectura tal como la practican los grandes nombres de hoy: Foster, Rogers y Piano, un estilo al que se le pueden buscar paralelismos en Le Corbusier, Gropius o Mies van der Rohe. Para cualquiera que se interese en el arte contemporáneo, sea cual fuere su conocimiento previo del tema, El complejo arte-arquitectura resultará un punto de referencia, una guía sugerente, una fuente autorizada, y en resumen una base segura para mirar, valorar y entender lo que nos rodea. Foster comienza por describirnos una tendencia curiosa: la arquitectura cada día parece más arte, y el arte cada día parece más arquitectura. Su crítica recorre ese complejo que da título al libro.
En este volumen se reúnen cuatro conferencias del curso impartido por Erwin Panofsky en el castillo de Gripsholm, sede de la Galería Nacional de Retratos de Suecia, en el verano de 1952. Estos textos muestran su talento para complementar el puro análisis iconográfico (la descripción de las imágenes, historias o alegorías que contiene el cuadro) con la interpretación iconológica del significado intrínseco y los valores simbólicos de la obra de arte (capaz de relacionar las alteraciones en la forma y las matizaciones en los temas con los cambios históricos de sensibilidad y mentalidad).
Este libro es una casa de las metáforas construida con materiales históricos, unas veces sólidos, otras frágiles o efímeros, incluso imaginarios. Arquitectura incierta, una casa semejante solo es posible, en este caso, por el orden de sus páginas y, a la vez, por el desorden de sus contenidos derramados y extrañados entre sí por habitaciones y espacios imposibles o rotos. Y es que este libro se puede habitar o, al menos, recorrer como si de un laberinto se tratase. Es decir, sabiendo que un hilo sutil vincula cada rincón, cada elemento del lenguaje arquitectónico, cada color o material de construcción, dispuestos en forma de relatos e historias inacabados.
Escultura negativa da cuenta de la dicotomía radical que atraviesa nuestra tradición entre materia y espíritu, de las implicaciones humanas de unos trabajos realizados a menudo en condiciones de semi-esclavitud, y ahonda en el paralelismo existente entre la devaluación de la materia y la de la mujer, en el hecho de que lo que se ha valorado son los monumentos, las catedrales, los palacios, las pirámides, las esculturas de bronce y de mármol, quedando ocultos los lugares de su procedencia, el trabajo primero, la matriz, la cantera y la mina, aquello que ha hecho posible la obra. Esta publicación bilingüe (español-inglés) reune los trabajos que Eva Lootz ha venido desarrollando, desde los años setenta hasta hoy, en relación con las minas de Ríotinto, Almadén, Rodalquilar y las Médulas, el Canal de Isabel II, las Canteras de Menorca, las Salinas de Torrevieja y el Río Loa en Chile. Asimismo, además de los textos de la propia Lootz, la edición se completa con un texto de Esther Moñivas sobre la concepción de la materia, un texto de Chantal Maillard, fruto de un encientro imaginario entre el filósofo Michel Serres y Eva Lootz, y un texto final de César Lanza sobre el agua Hilos de agua como materia y medio de creación/sustracción.
La Historia de las artes plásticas, en su más estricto sentido, no nació hasta fines del siglo XVIII. Pero, en estos dos siglos de existencia, en todos los países cultos se ha ido reconociendo su importancia en la formación integral del hombre. La densidad humana que encierran las obras de arte, y consecuentemente la importancia educativa de su historia, y el conocimiento de la evolución de los estilos en cuanto expresiones del hombre en las diversas épocas y civilizaciones, ha originado una gran variedad de maneras de abordar las obras de arte y consecuentemente su historia. Dando por supuesto que esa densidad humana de la obra artística invalida la pretensión de encontrar un único método que nos permita penetrar en el misterio de la obra de arte y los secretos mecanismos de su desarrollo histórico, lo que se pretende en este libro es abrir la sensibilidad del lector universitario y hacerle comprender cuáles han sido los diversos puntos de vista, los diferentes enfoques que, con cierta relevancia y aceptación social, han ido adoptando los investigadores y los estudiosos de los últimos tiempos en este relevante campo de la cultura humana.
¿Qué es entonces el Colegio de Patafísica? El Colegio de Patafísica es una Sociedad de Investigaciones Sabias e Inútiles. La patafísica fue uno de los revulsivos más serenos del siglo xx. Una suerte de medicamento vomitivo que alivia allí donde inflama y cura donde congestiona la zona afectada. El objetivo de los siguientes ensayos es dar a conocer las intenciones y peripecias del Colegio de Patafísica, y entre ellos se incluye la escasamente conocida historia de los miembros de la sucursal argentina, así como las andanzas del Otro Ilustre Colegio de Patafísica de Valencia. * Esta edición incluye textos de Christian Ferrer, Barón Mollet, Ruy Launoir, Regente de Helicología, Luisa Valenzuela, Margarita Martínez, Juan Esteban Fassio, Roger Shattuck, José Manuel Rojo, Asger Jorn y Alfred Jarry.
Una selección de artículos y escritos monográficos de J.F. Yvars en los que reflexiona acerca de distintos aspectos del arte del siglo XX, ofreciéndonos una mirada transversal de este mundo: del artista al coleccionista, de la obra a la reflexión crítica. Moviéndose entre tiempos y lugares, viajando a los rincones más recónditos del arte, los ensayos reunidos en Virutas de color trazan un itinerario lleno de contrastes. En los artículos monográficos que conforman la primera parte de este volumen, Yvars reflexiona en torno al cambio de paradigma artístico en los albores del arte abstracto a través de la obra de André Masson y el artista Ràfols-Casamada. Se adentra asimismo en cuestiones que atañen a la teoría estética a través de dos referentes ineludibles de la contemporaneidad: Ernst Gombrich y Cesare Brandi. A su vez, la segunda parte del libro recoge una selección de artículos -algunos de ellos publicados anteriormente en La Vanguardia y ampliados para esta edición; otros, inéditos- mediante la cual Yvars dialoga con figuras fundamentales de la historia, la crítica del arte y el coleccionismo. Reseñas:«J. F. Yvars ha hecho del arte su camino en la vida.»El País «Yvars lleva más de medio siglo descifrando la experiencia estética en palabras.»Sergi Doria, ABC
El arte moderno / Algunos recoge por vez primera en castellano los escritos de crítica de arte que Joris-Karl Huysmans había ido presentando en distintas publicaciones periódicas, y recogido después en sendos volúmenes editados originalmente en 1883 y 1889. El libro permite trazar un mapa de las estéticas simbolistas y de su papel anticipatorio en la búsqueda de un modelo puramente interior como horizonte del arte moderno. La atención que Huysmans dispensa a cuestiones como el despuntar de la técnica, el monstruo, o la mujer fatal, permite además desvelar el flujo oculto del deseo en sus diversas manifestaciones en el arte, algo que pocos años después el psicoanálisis iría sacando a la luz.
LA biografía de Joan Miró fue reescrita al final de la dictadura de Franco, ocultando hechos fundamentales de su vida para convertirlo en un militante republicano, antifranquista y catalanista, lo que nunca fue el pintor. De esa falsificación resultó una interpretación espuria de buena parte de su trayectoria, especialmente sus obras surrealistas de los años 20 y las pinturas salvajes de los 30, visión que perdura hoy en la historiografía mironiana. Este documentado libro del politólogo, periodista y coleccionista de arte Miguel Orozco, autor del catálogo razonado Picasso Litógrafo y Militante (Fundación Picasso, 2016) restablece los hechos históricos y propone una reinterpretación de la obra de Miró, tomando como eje su serie Las Constelaciones, pintada precisamente cuando el pintor pone fin al exilio al que le había forzado la barbarie revolucionaria en la Cataluña republicana de 1936, para volver en 1940 a la normalidad restablecida por el general Franco.
Los objetos aparentemente insignificantes, los que pasan desapercibidos, tienen a veces funciones complejas. Un banco en un jardín es, la mayor parte del tiempo, invisible. Sin embargo, cuando en ciertos jardines se les presta atención, revelan su sorprendente potencial semántico y narrativo. Y en algunos casos especiales llegan incluso a convertirse en el centro que organiza las estrategias escópicas de todo el conjunto. Del jardín pintoresco de Ermenonville en Francia, a Gorki, la dacha de Lenin; de las calles de Florencia y otras ciudades toscanas, al Parque Güell; de La Náusea de Jean Paul Sartre, a Verano tardío de Adalbert Stifter..., la obra de Michael Jakob se desliza entre paisajes únicos con el objetivo de revelar la compleja riqueza de significados que oculta el banco en el jardín.
El presente libro entiende que sólo «pensando» de verdad la materia prima es posible entenderla como elemento vertebrador de una historia y un presente cargados de desafíos sociales, políticos y culturales, así como de diferentes aspectos críticos epistemológicos aún no analizados en Europa.
Este libro recorre las principales teorías del mundo del color dentro de su estrecha relación con el conocimiento de la pintura. Ofrece al estudiante una sólida base teórico-práctica constituida por criterios analíticos y perceptivos que le permiten organizar su creación artística y entender aspectos formales y de contenido de la pintura, situándola en el contexto de su propia historia. Esta obra interrelaciona las bases teórico-prácticas esenciales de la pintura y las presenta de una manera didáctica, con más de 1.500 ilustraciones en color, explicaciones gráficas y reproducciones de pinturas, registro de fases y procesos de ejecución de ejercicios prácticos realizados por alumnos, etc.
Marià Fortuny ens ha donat la riquesa oriental de sedes, carns i metalls, en policromia virolada; la concreció de la llum. És el nostre Goya. Miniaturista pacient que crea un microcosmos com el món reflectit en la nineta de lull o en lobjectiu fotogràfic, amb els seus colors autèntics, exaltats, enriquits, vivificats. Màgica vareta, el poder engendrador de la qual, com la batuta del músic per fer néixer bells sons en lorquestra, sols és concedida al Geni.
Una nueva y meditada reflexión sobre el arte, su historia y varios de sus protagonistas. Picasso fue a visitar a Braque en su estudio. El pintor trabajaba un bodegón. De pronto el malagueño exclamó: «¡Pobre amigo! Veo una ardilla en tu lienzo». Braque respondió sorprendido: «No es posible». Picasso insistió: «Quizá sea una visión paranoica, pero veo una ardilla. El lienzo está destinado a ser un cuadro y no una ilusión óptica; la gente necesita ver algo en él. Tú representas un paquete de tabaco junto a una pipa, pero aparta de ahí esa ardilla». Braque llegó a ver la ardilla y luchó encarnizadamente con ella, hasta que, al fin, el tabaco, la pipa y los naipes se transformaron en un cuadro cubista. Esta anécdota, apenas conocida, sirve a J. F. Yvars para dar título a esta nueva selección de textos. Insiste en el análisis de la obra de arte desde diferentes perspectivas y ayuda a descifrar el trabajo y la personalidad de figuras cardinales: Julio González, David Smith, Aby Warburg, entre otros.
Uno de los grandes teóricos del arte de nuestros días analiza el estilo globalizado del arte y la arquitectura. Hal Foster, autor del aclamado Diseño y delito, sostiene en este nuevo y polémico ensayo que la fusión de arte y arquitectura es una característica definitoria de la cultura contemporánea. Para ello identifica y define un estilo global de la arquitectura tal como la practican los grandes nombres de hoy: Foster, Rogers y Piano, un estilo al que se le pueden buscar paralelismos en Le Corbusier, Gropius o Mies van der Rohe. Para cualquiera que se interese en el arte contemporáneo, sea cual fuere su conocimiento previo del tema, El complejo arte-arquitectura resultará un punto de referencia, una guía sugerente, una fuente autorizada, y en resumen una base segura para mirar, valorar y entender lo que nos rodea. Foster comienza por describirnos una tendencia curiosa: la arquitectura cada día parece más arte, y el arte cada día parece más arquitectura. Su crítica recorre ese complejo que da título al libro.
En este volumen se reúnen cuatro conferencias del curso impartido por Erwin Panofsky en el castillo de Gripsholm, sede de la Galería Nacional de Retratos de Suecia, en el verano de 1952. Estos textos muestran su talento para complementar el puro análisis iconográfico (la descripción de las imágenes, historias o alegorías que contiene el cuadro) con la interpretación iconológica del significado intrínseco y los valores simbólicos de la obra de arte (capaz de relacionar las alteraciones en la forma y las matizaciones en los temas con los cambios históricos de sensibilidad y mentalidad).
Este libro es una casa de las metáforas construida con materiales históricos, unas veces sólidos, otras frágiles o efímeros, incluso imaginarios. Arquitectura incierta, una casa semejante solo es posible, en este caso, por el orden de sus páginas y, a la vez, por el desorden de sus contenidos derramados y extrañados entre sí por habitaciones y espacios imposibles o rotos. Y es que este libro se puede habitar o, al menos, recorrer como si de un laberinto se tratase. Es decir, sabiendo que un hilo sutil vincula cada rincón, cada elemento del lenguaje arquitectónico, cada color o material de construcción, dispuestos en forma de relatos e historias inacabados.
Escultura negativa da cuenta de la dicotomía radical que atraviesa nuestra tradición entre materia y espíritu, de las implicaciones humanas de unos trabajos realizados a menudo en condiciones de semi-esclavitud, y ahonda en el paralelismo existente entre la devaluación de la materia y la de la mujer, en el hecho de que lo que se ha valorado son los monumentos, las catedrales, los palacios, las pirámides, las esculturas de bronce y de mármol, quedando ocultos los lugares de su procedencia, el trabajo primero, la matriz, la cantera y la mina, aquello que ha hecho posible la obra. Esta publicación bilingüe (español-inglés) reune los trabajos que Eva Lootz ha venido desarrollando, desde los años setenta hasta hoy, en relación con las minas de Ríotinto, Almadén, Rodalquilar y las Médulas, el Canal de Isabel II, las Canteras de Menorca, las Salinas de Torrevieja y el Río Loa en Chile. Asimismo, además de los textos de la propia Lootz, la edición se completa con un texto de Esther Moñivas sobre la concepción de la materia, un texto de Chantal Maillard, fruto de un encientro imaginario entre el filósofo Michel Serres y Eva Lootz, y un texto final de César Lanza sobre el agua Hilos de agua como materia y medio de creación/sustracción.
La Historia de las artes plásticas, en su más estricto sentido, no nació hasta fines del siglo XVIII. Pero, en estos dos siglos de existencia, en todos los países cultos se ha ido reconociendo su importancia en la formación integral del hombre. La densidad humana que encierran las obras de arte, y consecuentemente la importancia educativa de su historia, y el conocimiento de la evolución de los estilos en cuanto expresiones del hombre en las diversas épocas y civilizaciones, ha originado una gran variedad de maneras de abordar las obras de arte y consecuentemente su historia. Dando por supuesto que esa densidad humana de la obra artística invalida la pretensión de encontrar un único método que nos permita penetrar en el misterio de la obra de arte y los secretos mecanismos de su desarrollo histórico, lo que se pretende en este libro es abrir la sensibilidad del lector universitario y hacerle comprender cuáles han sido los diversos puntos de vista, los diferentes enfoques que, con cierta relevancia y aceptación social, han ido adoptando los investigadores y los estudiosos de los últimos tiempos en este relevante campo de la cultura humana.
¿Qué es entonces el Colegio de Patafísica? El Colegio de Patafísica es una Sociedad de Investigaciones Sabias e Inútiles. La patafísica fue uno de los revulsivos más serenos del siglo xx. Una suerte de medicamento vomitivo que alivia allí donde inflama y cura donde congestiona la zona afectada. El objetivo de los siguientes ensayos es dar a conocer las intenciones y peripecias del Colegio de Patafísica, y entre ellos se incluye la escasamente conocida historia de los miembros de la sucursal argentina, así como las andanzas del Otro Ilustre Colegio de Patafísica de Valencia. * Esta edición incluye textos de Christian Ferrer, Barón Mollet, Ruy Launoir, Regente de Helicología, Luisa Valenzuela, Margarita Martínez, Juan Esteban Fassio, Roger Shattuck, José Manuel Rojo, Asger Jorn y Alfred Jarry.
Una selección de artículos y escritos monográficos de J.F. Yvars en los que reflexiona acerca de distintos aspectos del arte del siglo XX, ofreciéndonos una mirada transversal de este mundo: del artista al coleccionista, de la obra a la reflexión crítica. Moviéndose entre tiempos y lugares, viajando a los rincones más recónditos del arte, los ensayos reunidos en Virutas de color trazan un itinerario lleno de contrastes. En los artículos monográficos que conforman la primera parte de este volumen, Yvars reflexiona en torno al cambio de paradigma artístico en los albores del arte abstracto a través de la obra de André Masson y el artista Ràfols-Casamada. Se adentra asimismo en cuestiones que atañen a la teoría estética a través de dos referentes ineludibles de la contemporaneidad: Ernst Gombrich y Cesare Brandi. A su vez, la segunda parte del libro recoge una selección de artículos -algunos de ellos publicados anteriormente en La Vanguardia y ampliados para esta edición; otros, inéditos- mediante la cual Yvars dialoga con figuras fundamentales de la historia, la crítica del arte y el coleccionismo. Reseñas:«J. F. Yvars ha hecho del arte su camino en la vida.»El País «Yvars lleva más de medio siglo descifrando la experiencia estética en palabras.»Sergi Doria, ABC 
El arte moderno / Algunos recoge por vez primera en castellano los escritos de crítica de arte que Joris-Karl Huysmans había ido presentando en distintas publicaciones periódicas, y recogido después en sendos volúmenes editados originalmente en 1883 y 1889. El libro permite trazar un mapa de las estéticas simbolistas y de su papel anticipatorio en la búsqueda de un modelo puramente interior como horizonte del arte moderno. La atención que Huysmans dispensa a cuestiones como el despuntar de la técnica, el monstruo, o la mujer fatal, permite además desvelar el flujo oculto del deseo en sus diversas manifestaciones en el arte, algo que pocos años después el psicoanálisis iría sacando a la luz.
LA biografía de Joan Miró fue reescrita al final de la dictadura de Franco, ocultando hechos fundamentales de su vida para convertirlo en un militante republicano, antifranquista y catalanista, lo que nunca fue el pintor. De esa falsificación resultó una interpretación espuria de buena parte de su trayectoria, especialmente sus obras surrealistas de los años 20 y las pinturas salvajes de los 30, visión que perdura hoy en la historiografía mironiana. Este documentado libro del politólogo, periodista y coleccionista de arte Miguel Orozco, autor del catálogo razonado Picasso Litógrafo y Militante (Fundación Picasso, 2016) restablece los hechos históricos y propone una reinterpretación de la obra de Miró, tomando como eje su serie Las Constelaciones, pintada precisamente cuando el pintor pone fin al exilio al que le había forzado la barbarie revolucionaria en la Cataluña republicana de 1936, para volver en 1940 a la normalidad restablecida por el general Franco.
Los objetos aparentemente insignificantes, los que pasan desapercibidos, tienen a veces funciones complejas. Un banco en un jardín es, la mayor parte del tiempo, invisible. Sin embargo, cuando en ciertos jardines se les presta atención, revelan su sorprendente potencial semántico y narrativo. Y en algunos casos especiales llegan incluso a convertirse en el centro que organiza las estrategias escópicas de todo el conjunto. Del jardín pintoresco de Ermenonville en Francia, a Gorki, la dacha de Lenin; de las calles de Florencia y otras ciudades toscanas, al Parque Güell; de La Náusea de Jean Paul Sartre, a Verano tardío de Adalbert Stifter..., la obra de Michael Jakob se desliza entre paisajes únicos con el objetivo de revelar la compleja riqueza de significados que oculta el banco en el jardín.
El presente libro entiende que sólo «pensando» de verdad la materia prima es posible entenderla como elemento vertebrador de una historia y un presente cargados de desafíos sociales, políticos y culturales, así como de diferentes aspectos críticos epistemológicos aún no analizados en Europa.