¿Qué significa hoy "arte contemporáneo"? ¿Se trata de un nuevo tipo de producción artística? ¿De un nuevo tipo de actitud por parte del espectador? ¿Es "arte contemporáneo" el nombre de un período de la historia del arte que ha sucedido al moderno? ¿O es solo un tipo de arte moderno que ha sobrevivido a su tiempo?What does "contemporary art" mean today? Is it a new kind of artistic production? A new tipe of spectatorship? Is "contemporary art" the name of an art historical period that has succeeded modernism? Or is it a kind of modernism that has outlived its time?Edición bilingüe (en castellano e inglés) correspondiente al simposio internacional homónimo celebrado por la Cátedra Jorge Oteiza en mayo de 2010, con la colaboración de Fundación Ankaria.
Juan García Ponce era un provocador esencial. Con una inteligencia erudita, una imaginación inquietante y una ironía implacable subvertía lo evidente, señalaba imposturas, denostaba complacencias. Su crítica no se reducía al juicio y la polémica, sino que se convertía en creación. Sus cuentos, sus novelas y obviamente sus ensayos proceden de ese examen incitante e incisivo. Su contemplación penetrante también solía detenerse en la pintura. Fue lúcido y contundente para atacar a los simuladores al uso y revelador cuando escribía acerca de los pintores que admiraba. Esos textos devienen asimismo ensayos acerca de la creación. Con algunos de esos escritos, más que una antología, uno de los pintores a los que admiraba, Francisco Castro Leñero, ha ideado un libro como los que García Ponce concebía como reproducción mecánica, en el cual un lector transforma los textos originales al reproducirlos.
José Luis Pardo analiza desde muy diversos puntos de vista la aparición del artista moderno como profesional, la crisis de la representación en el arte o la extensión en el capitalismo tardío del tiempo productivo a la vida privada, el consumo y el arte, tanto en sus ensayos sobre arquitectura como en obras concretas como El amigo americano y de autores como El Roto, Ramón Gaya o Picasso. Esta pluralidad de enfoques ofrece una visión de conjunto sobre el sentido del arte en un mundo en el que corre el riesgo de perder sus valores de libertad y revelación y, igual que las cosas y las personas que no son ya más que flujos intercambiables y fuerza de trabajo y de consumo, quedar reducido a su valor potencial en el mercado. José Luis Pardo (Madrid, 1954), filósofo y ensayista, es catedrático de la Facultad de Filosofía de la Universidad Complutense de Madrid y uno de los pensadores actuales más originales y destacados en el panorama español. En el año 2005 se le otorgó el premio Nacional de Ensayo por su obra La regla del juego.
Acompañado de la edición facsímil del Arte de Pintar de D. Gregorio Máyans y Siscar (Valencia, 1854), en el presente trabajo se ofrece una visión globalizadora del pensamiento estético del ilustrado precursor valenciano, enmarcado en el contexto de la ilustración europea y española así como el estudio de las influiencias y concomitancias con otras personalidades de la época, especialmente Jovellanos. La interpretación y fortuna crítica del polémico tratado y su autor ofrece otra óptica de análisis para afrontar el conocimiento del actualmente debatido siglo XVIII. Los diversos apéndices que complementan el estudio facilitan al estudioso diversos aspectos no atendidos por la Historia del Arte.
El cuerpo es el sueño de la razón está integrado por tres apuestas diferentes, encadenadas. Una, en tanto que la reflexión avanza y el contenido del libro se desliza para afirmarse en la intersección de la estética filosófica con una crítica del arte que
Artearen teoria liburuak azterketa-kategorien doikuntza kontzeptuala proposatzen du, bai eta gaur egungo arte-eszena osatzen duten alderdi eta adierazpenen mugaketa berria ere. Artearen gaur egungo izaeraren baliokide teorikoak aurkitzen saiatzen da irudi globalaren garai honetan, iraganera eta gure kulturan aspalditik gaindituta dagoen irudikapen-horizontera garamatzaten ideiak eta formulazioak erabili beharrean. Artearen Teoriaren irakaskuntzan eta ikerketan laguntza-testu gisa erabiltzeko sortua da liburu hau, baina, era berean, irakurketa atsegin eta iradokitzailea eskaintzeko pentsatua da, adibide eta irudi jakin batzuk erabiliz, gure garaiko artea ulertzeko eta harekin gozatzeko interesa duten pertsonek erakargarri eta harrigarri zaien unibertso horretarako bidaia egin dezaten. Gaur egun ohikoak diren zenbait galderari erantzutea ?edo, are hobeto, nork bere erantzuna emateko terminoak ezartzea? du helburu: baina hau Artea da?, zergatik jotzen da hau Artetzat?, nork erabaki du hala dela?
De una gran belleza literaria, el texto de Apollinaire se ha convertido en una obra clásica, y, al igual que los artistas a los que se refiere, parte él mismo de la historia del arte contemporáneo. La edición que presentamos se completa con un epílogo de Valeriano Bozal sobre «Apollinaire y el Cubismo»
Parece que fue ayer cuando saltó a primera plana el conflicto en torno a los derechos de autor en internet. Y sin embargo, llevamos ya más de quince años inmersos en él. En este tiempo apenas hemos visto evolucionar a una industria de contenidos anclada en estructuras predigitales, pero sí a toda una generación que se ha criado compartiendo y remezclando materiales... y siendo criminalizada por ello. Lawrence Lessig, señala que semejante «daño colateral» deja bien a las claras el alto coste que nuestra cultura, pero también nuestra economía, está asumiendo en esta «guerra del copyright». He aquí el punto de partida de Remix, el apasionado alegato final con que Lessig concluye su dilatada defensa de los commons creativos frente a los cercamientos privativos. Como tal, la obra se orienta primordialmente a persuadirnos de los múltiples valores (incluidos, de nuevo, los económicos) que hay en juego en este conflicto. De ahí la síntesis que de ella ofrece el propio Lessig: «Nuestro pasado nos enseña el valor del remix, una lección que necesitamos reaprender. Nuestro presente nos enseña el potencial de una nueva economía híbrida, en la que las entidades comerciales saquen partido de las economías de la compartición. Un futuro así beneficiará tanto al comercio como a las comunidades». Lawrence Lessig ocupa actualmente la cátedra Roy L. Furman de la Facultad de Derecho de la Universidad de Harvard, donde además dirige el Edmond J. Safra Center for Ethics. Fundador del Stanford Center for Internet and Society y de Creative Commons, Lessig ha formado parte de las juntas directivas de la Free Software Foundation y de la Electronic Frontier Foundation, además de participar actualmente en las de Creative Commons, MapLight y Brave New Film Foundation, entre otras. Igualmente es miembro del consejo consultivo de la Sunlight Foundation. Autor de una prolífica obra, en castellano se puede leer: Por una cultura libre (2005), El código y otras leyes del ciberespacio (2001) y su posterior actualización, El Código 2.0 (2009).
Los atentados artesanales y los bombardeos electrónicos han sido más eficaces que las consejas intelectuales para despertar a la gente de la filosofía y el arte del sueño de la postmodernidad. Ahora, el retorno del terror coloca al arte ante la difícil coyuntura de intentar de nuevo la representación de lo irrepresentable. Pero ya no por sublime, sino por siniestro: por inhóspito.
¿Qué significa hoy "arte contemporáneo"? ¿Se trata de un nuevo tipo de producción artística? ¿De un nuevo tipo de actitud por parte del espectador? ¿Es "arte contemporáneo" el nombre de un período de la historia del arte que ha sucedido al moderno? ¿O es solo un tipo de arte moderno que ha sobrevivido a su tiempo?What does "contemporary art" mean today? Is it a new kind of artistic production? A new tipe of spectatorship? Is "contemporary art" the name of an art historical period that has succeeded modernism? Or is it a kind of modernism that has outlived its time?Edición bilingüe (en castellano e inglés) correspondiente al simposio internacional homónimo celebrado por la Cátedra Jorge Oteiza en mayo de 2010, con la colaboración de Fundación Ankaria.
Juan García Ponce era un provocador esencial. Con una inteligencia erudita, una imaginación inquietante y una ironía implacable subvertía lo evidente, señalaba imposturas, denostaba complacencias. Su crítica no se reducía al juicio y la polémica, sino que se convertía en creación. Sus cuentos, sus novelas y obviamente sus ensayos proceden de ese examen incitante e incisivo. Su contemplación penetrante también solía detenerse en la pintura. Fue lúcido y contundente para atacar a los simuladores al uso y revelador cuando escribía acerca de los pintores que admiraba. Esos textos devienen asimismo ensayos acerca de la creación. Con algunos de esos escritos, más que una antología, uno de los pintores a los que admiraba, Francisco Castro Leñero, ha ideado un libro como los que García Ponce concebía como reproducción mecánica, en el cual un lector transforma los textos originales al reproducirlos.
José Luis Pardo analiza desde muy diversos puntos de vista la aparición del artista moderno como profesional, la crisis de la representación en el arte o la extensión en el capitalismo tardío del tiempo productivo a la vida privada, el consumo y el arte, tanto en sus ensayos sobre arquitectura como en obras concretas como El amigo americano y de autores como El Roto, Ramón Gaya o Picasso. Esta pluralidad de enfoques ofrece una visión de conjunto sobre el sentido del arte en un mundo en el que corre el riesgo de perder sus valores de libertad y revelación y, igual que las cosas y las personas que no son ya más que flujos intercambiables y fuerza de trabajo y de consumo, quedar reducido a su valor potencial en el mercado. José Luis Pardo (Madrid, 1954), filósofo y ensayista, es catedrático de la Facultad de Filosofía de la Universidad Complutense de Madrid y uno de los pensadores actuales más originales y destacados en el panorama español. En el año 2005 se le otorgó el premio Nacional de Ensayo por su obra La regla del juego.
Acompañado de la edición facsímil del Arte de Pintar de D. Gregorio Máyans y Siscar (Valencia, 1854), en el presente trabajo se ofrece una visión globalizadora del pensamiento estético del ilustrado precursor valenciano, enmarcado en el contexto de la ilustración europea y española así como el estudio de las influiencias y concomitancias con otras personalidades de la época, especialmente Jovellanos. La interpretación y fortuna crítica del polémico tratado y su autor ofrece otra óptica de análisis para afrontar el conocimiento del actualmente debatido siglo XVIII. Los diversos apéndices que complementan el estudio facilitan al estudioso diversos aspectos no atendidos por la Historia del Arte.
El cuerpo es el sueño de la razón está integrado por tres apuestas diferentes, encadenadas. Una, en tanto que la reflexión avanza y el contenido del libro se desliza para afirmarse en la intersección de la estética filosófica con una crítica del arte que
Artearen teoria liburuak azterketa-kategorien doikuntza kontzeptuala proposatzen du, bai eta gaur egungo arte-eszena osatzen duten alderdi eta adierazpenen mugaketa berria ere. Artearen gaur egungo izaeraren baliokide teorikoak aurkitzen saiatzen da irudi globalaren garai honetan, iraganera eta gure kulturan aspalditik gaindituta dagoen irudikapen-horizontera garamatzaten ideiak eta formulazioak erabili beharrean. Artearen Teoriaren irakaskuntzan eta ikerketan laguntza-testu gisa erabiltzeko sortua da liburu hau, baina, era berean, irakurketa atsegin eta iradokitzailea eskaintzeko pentsatua da, adibide eta irudi jakin batzuk erabiliz, gure garaiko artea ulertzeko eta harekin gozatzeko interesa duten pertsonek erakargarri eta harrigarri zaien unibertso horretarako bidaia egin dezaten. Gaur egun ohikoak diren zenbait galderari erantzutea ?edo, are hobeto, nork bere erantzuna emateko terminoak ezartzea? du helburu: baina hau Artea da?, zergatik jotzen da hau Artetzat?, nork erabaki du hala dela?
De una gran belleza literaria, el texto de Apollinaire se ha convertido en una obra clásica, y, al igual que los artistas a los que se refiere, parte él mismo de la historia del arte contemporáneo. La edición que presentamos se completa con un epílogo de Valeriano Bozal sobre «Apollinaire y el Cubismo»
Parece que fue ayer cuando saltó a primera plana el conflicto en torno a los derechos de autor en internet. Y sin embargo, llevamos ya más de quince años inmersos en él. En este tiempo apenas hemos visto evolucionar a una industria de contenidos anclada en estructuras predigitales, pero sí a toda una generación que se ha criado compartiendo y remezclando materiales... y siendo criminalizada por ello. Lawrence Lessig, señala que semejante «daño colateral» deja bien a las claras el alto coste que nuestra cultura, pero también nuestra economía, está asumiendo en esta «guerra del copyright». He aquí el punto de partida de Remix, el apasionado alegato final con que Lessig concluye su dilatada defensa de los commons creativos frente a los cercamientos privativos. Como tal, la obra se orienta primordialmente a persuadirnos de los múltiples valores (incluidos, de nuevo, los económicos) que hay en juego en este conflicto. De ahí la síntesis que de ella ofrece el propio Lessig: «Nuestro pasado nos enseña el valor del remix, una lección que necesitamos reaprender. Nuestro presente nos enseña el potencial de una nueva economía híbrida, en la que las entidades comerciales saquen partido de las economías de la compartición. Un futuro así beneficiará tanto al comercio como a las comunidades». Lawrence Lessig ocupa actualmente la cátedra Roy L. Furman de la Facultad de Derecho de la Universidad de Harvard, donde además dirige el Edmond J. Safra Center for Ethics. Fundador del Stanford Center for Internet and Society y de Creative Commons, Lessig ha formado parte de las juntas directivas de la Free Software Foundation y de la Electronic Frontier Foundation, además de participar actualmente en las de Creative Commons, MapLight y Brave New Film Foundation, entre otras. Igualmente es miembro del consejo consultivo de la Sunlight Foundation. Autor de una prolífica obra, en castellano se puede leer: Por una cultura libre (2005), El código y otras leyes del ciberespacio (2001) y su posterior actualización, El Código 2.0 (2009).
Los atentados artesanales y los bombardeos electrónicos han sido más eficaces que las consejas intelectuales para despertar a la gente de la filosofía y el arte del sueño de la postmodernidad. Ahora, el retorno del terror coloca al arte ante la difícil coyuntura de intentar de nuevo la representación de lo irrepresentable. Pero ya no por sublime, sino por siniestro: por inhóspito.