En todas las disciplinas resulta conveniente, de tanto en cuanto, volver la vista atrás y recapacitar sobre su evolución, inquietudes y logros, ya que esta mirada retrospectiva ayuda a identificar objetivos, consolidar propuestas o descubrir nuevas perspe
La millor guia visual per iniciar-se en el món artístic d?Antoni Gaudí. Conté les claus de cadascuna de les seves obres arquitectòniques, acompanyant-les d?imatges específiques i actualitzades. Inclou un text de l?especialista Juan Eduardo Cirlot.
En el umbral de "Arquitectura de la melancolía" reside un ángel que se debate entre el cielo y la tierra y, en su habitación final, otro, al igual que el número ?, con unas «alas inmensas abiertas en medio de un silencio absoluto». Entre el ágil de El Greco y el terminal de Federico García Lorca, entre el espacio sin límites del "Entierro del conde de Orgaz" y el escenario almeriense de "Bodas de sangre", ajenos a la cronología y al alfabeto, en ausencia de un índice onomástico, intervienen ordenada y desigualmente, trenzados con la melancolía que silba su melodía en el oído izquierdo y con la arquitectura proyectiva, José de Ribera, San Jerónimo, Alberto Durero, Charles Baudelaire, Félix Nadar, Gustave Courbet, Walter Benjamin, Le Corbusier, Dinócrates, Luis de Morales, Hans Holbein, Trude Fleischmann, Adolf Loos, Lina Obertimpfler, Giorgio Agamben, Saturno, Giorgio de Chirico, Dimitris Pikionis, Aldo Rossi, Jean-Jacques Lequeu, Giovanni Bellini, Caspar David Friedrich, J. M. Coetzee, Ariadna, Don DeLillo, John Cage, Antonio Tabucchi, Arnold Schönberg, Walter Gropius, Alban Berg, Pablo Picasso, Joan Miró, Lee Miller, Vincent van Gogh, Hipólito de Este, Aby Warburg, Bartholomeus Hopfer, Francisco de Goya, Alison Smithson, Louise Bourgeois, Michelangelo Antonioni, Monica Vitti, Edvard Munch, Mark Rothko, Phyllis Lambert, Jannis Kounellis, Goethe, Emil Cioran, María Magdalena, Elías Parra, Alphonse Bertillon, Salvador Dalí, Brassaï, Alberto Giacometti, Alberto Savinio, Claudio Magris, Amedeo Modigliani, Jeanne Hébuterne, G. T. di Lampedusa, William Shakespeare, Parrasio de Éfeso, Carlo Mollino, Job (profeta), Sócrates (filósofo), Franz Kafka, Fernando Pessoa, Arturo Martini, Frigyes Karinthy, Tiziano, Elena Garro, Gabriel García Márquez, Lorenzo Lotto, Adán Buenosayres, Raymond Russel, Gérard de Nerval, Kazimir Malévich, Emilio Renzi, Mario Levrero, Guercino, Miguel de Cervantes, Michel de Montaigne, Virginia Woolf, Van Eyck, Van der Weyden, Homero, Andrómaca y Héctor Parra.
Vitalista, solitario, mundano, paradójicamente pudoroso, el Eduardo Arroyo que se nos revela en esta conversación revisa su historia, desde la actividad política de extrema izquierda, a la España que le impone el exilio; desde la infancia de huérfano temprano, a la hiperactividad juvenil y madura; desde la crítica irónica del presente rabioso, a la mirada utópica al futuro imposible.
«Si imaginamos metafóricamente la aparición de un sentido (...) como el chispazo producido por la relación entre dos polos opuestos, entonces estos artículos (...) hablan acerca de cortocircuitos». Así comienza este libro, compuesto por cinco ensayos, ilustrados a todo color, en los que el autor se ocupa de iconos lingüísticos o pictóricos tan conocidos como la Torre de Babel, Adán y Eva, la diosa Venus o la Olimpia Moderna, desde donde rastrea los cimientos ocultos de la modernidad.
A través de esta senda, la autora recorre el arte del siglo xx. Estudia el maniquí metafísico de De Chirico y el satírico de Grosz, la muñeca perversa de Bellmer y la abyecta de Cindy Sherman, el robot rígido de Mondrian y el más humano de Schlemmer, las máquinas amorosas e hilarantes de Duchamp y Picabia y las figuras hiperrealistas de Duane Hanson. El lector descubrirá en este texto hasta qué grado trasparecen la inquietud, el desarraigo o la esperanza en muchas construcciones artísticas que creíamos conocer.
El terror nos asalta con rigor precisamente porque se trata de nuestro propio mundo, de manera que la confianza que depositábamos en él no resulta ser más que una apariencia. Simultáneamente tenemos la sensación de que no podríamos vivir en ese mundo de repente transformado. No se corresponde con lo grotesco el miedo a la muerte, sino el pánico ante la vida. Y a la estructura de lo grotesco pertenece la abolición de todas las categorías en que fundamos nuestra orientación en el mundo. Desde la ornamentación renacentista hemos asistido a la plasmación de procesos perdurables de disolución: la mezcla de ámbitos y reinos bien distinguidos por nuestra percepción, la supresión de lo estático, la pérdida de identidad, la distorsión de las proporciones «naturales», etc. Y en la actualidad se han sumado a aquellas otros procesos más de disolución: la anulación de la categoría de cosa, la destrucción del concepto de personalidad, el derribo de nuestro concepto de tiempo histórico.
Este libro nace de la constatación de una falta o ausencia, la escasa atención que, por parte de la historia del arte, se ha prestado al análisis de los espectadores. Este ensayo ha sido ganador del II Premio Iberoamericano de Investigación Universitaria Ciudad de Cádiz
Los años noventa del siglo pasado fueron testigo de un florecimiento notable de las reflexiones estéticas consagradas a la estética. Lo más sorprendente es que estos debates encontraron, al menos durante cierto tiempo, un eco público más allá de la esfera de la filosofía profesional, sobre todo en lo que se ha dado en llamar «el mundo del arte». De ahí a creer en un renacimiento de la propia doctrina estética no hay más que un paso, que algunos filósofos se han apresurado a dar. El objeto de este ensayo es mostrar el carácter ilusorio de una creencia así incluso de una esperanza así.
Des de l'any 1997 C. A. Trepat ha tingut al seu càrrec una matèria de lliure elecció de la Universitat de Barcelona titulada "Didàctica de la Història de l'Art". Des de l'any següent fins el 2002 va convertir la seva tasca professional en una recerca sobre la pròpia feina didàctica. Aquesta s'ha nodrit de dues fonts principals: la redacció d'un dietari i les reflexions escrites quinzenals dels seus alumnes sobre el propi procés d'aprenentatge, inclosa la resposta individual a cadascun d'aquests escrits i una avaluació final de l'alumnat al llarg de tot el procés. De tot plegat n'ha sortit aquesta proposta de formació inicial del professorat que pretén ser una via, entre d'altres, per plantejar una didàctica de la Història de l'Art que fugi de l'enciclopedisme, tan criticat per estèril com practicat de manera encara reiterada. L'obra va meréixer el premi BATEC a la innovació i recerca educativa de l'Ajuntament de Lleida en la seva edició de l'any 2002.
El siglo pasado agotó la estética de la confrontación absoluta y ahora los vínculos estéticos emergen como garantes de la paz y de la unidad. La estética está para convertir lo absoluto en lo meramente necesario y la confianza es condición y guía de ese proceso. Este libro muestra varios aspectos filosóficos, poco matizados en el pensamiento español, en los que se hace imperativa una estética de la confianza: la naturaleza, el sujeto, el inconsciente y la verdad misma ocasionan una experiencia dual y escindida que exige confiada aceptación. Por otro lado, técnica y moral se concentran en el arte cual lenguaje nuevo que proporciona las imágenes regulativas que suministrara otrora la metafísica. La vida es representación y la época del arte de las obras de arte (Nietzsche) ha concluido. Como dice Gianni Vattimo en el prólogo, la filosofía tiene la tarea de corresponder a esta transformación, si es tal. Y la obra de Álvarez supone un paso significativo en ese camino.
Para encontrar identidad y fuerza, cada época ha inventado una idea distinta de «clásico». Así, lo «clásico» concierne siempre no sólo al pasado, sino también al presente y, por supuesto, a una visión del futuro. Y es que para darle forma al mundo de mañana es necesario primero repensar nuestras múltiples raíces. Salvarore Settis recorre los senderos de la historia del arte para mostrar cómo ha cambiado la idea de lo «clásico» a lo largo de los siglos.
El mundo que Goodman analiza no está allí como algo dado de una vez por todas, tampoco e la imagen proyectada por un sujeto. Es un mundo creado a través de sus versiones, no por ello inexistente, hecho de maneras diferentes, que muchas veces se confrontan, maneras en las que las artes y la literatura intervienen de forma decisiva.
«Meninas, espejos e hilanderas» es fruto de una larga investigación que utiliza las técnicas desarrolladas por la Antropología Social en el trabajo de campo. El autor, catedrático de Antropología Social en la Universidad Complutense de Madrid, ha realizado su observación desplazándose a los lugares de origen de los artistas convertidos en informantes para conocer el proceso de creación de su obra. Las entrevistas largas, densas, informales y en profundidad se han desarrollado en el taller, en la galería de arte o en la residencia de los pintores, escultores, novelistas y poetas que han aceptado el encuentro. A este estudio en vivo se une el de figuras y obras centrales en la historia del arte que, revisadas a la luz de la hermenéutica antropológica e inscritas en la dinámica histórica de su época respectiva, aportan un conocimiento nuevo: «Las Meninas» y «Las Hilanderas» de Velázquez, los «Colosos» de Goya, el «Guernica» de Picasso, o el conjunto de la obra de Antonio López sobre la ciudad de Madrid. El libro emprende así una reflexión sobre el lugar de los valores en la creación y en el uso de las obras de arte. Desentrañar en qué consiste el goce y la creación del arte permite al autor mostrar el papel que la cultura juega en ambos procesos.
"Sublevaciones" nos habla sobre las emociones colectivas y los acontecimientos políticos que conllevan movimientos de masas en lucha. Muestra cómo los artistas han abordado, en diferentes momentos históricos,el tema de los desórdenes sociales, la agitación política, la insumisión, las revueltas y las revoluciones de todo tipo. El libro recoge el trabajo de investigación del historiador del arte Georges Didi-Huberman, que ha servido de corpus de la exposición itinerante que ha recorrido diferentes ciudades y que ha sido exhibida en algunos de los principales museos internacionales (Museu Nacional d'Art de Catalunya, Jeu de Paume, MUAC, ...)
En todas las disciplinas resulta conveniente, de tanto en cuanto, volver la vista atrás y recapacitar sobre su evolución, inquietudes y logros, ya que esta mirada retrospectiva ayuda a identificar objetivos, consolidar propuestas o descubrir nuevas perspe
La millor guia visual per iniciar-se en el món artístic d?Antoni Gaudí. Conté les claus de cadascuna de les seves obres arquitectòniques, acompanyant-les d?imatges específiques i actualitzades. Inclou un text de l?especialista Juan Eduardo Cirlot.
En el umbral de "Arquitectura de la melancolía" reside un ángel que se debate entre el cielo y la tierra y, en su habitación final, otro, al igual que el número ?, con unas «alas inmensas abiertas en medio de un silencio absoluto». Entre el ágil de El Greco y el terminal de Federico García Lorca, entre el espacio sin límites del "Entierro del conde de Orgaz" y el escenario almeriense de "Bodas de sangre", ajenos a la cronología y al alfabeto, en ausencia de un índice onomástico, intervienen ordenada y desigualmente, trenzados con la melancolía que silba su melodía en el oído izquierdo y con la arquitectura proyectiva, José de Ribera, San Jerónimo, Alberto Durero, Charles Baudelaire, Félix Nadar, Gustave Courbet, Walter Benjamin, Le Corbusier, Dinócrates, Luis de Morales, Hans Holbein, Trude Fleischmann, Adolf Loos, Lina Obertimpfler, Giorgio Agamben, Saturno, Giorgio de Chirico, Dimitris Pikionis, Aldo Rossi, Jean-Jacques Lequeu, Giovanni Bellini, Caspar David Friedrich, J. M. Coetzee, Ariadna, Don DeLillo, John Cage, Antonio Tabucchi, Arnold Schönberg, Walter Gropius, Alban Berg, Pablo Picasso, Joan Miró, Lee Miller, Vincent van Gogh, Hipólito de Este, Aby Warburg, Bartholomeus Hopfer, Francisco de Goya, Alison Smithson, Louise Bourgeois, Michelangelo Antonioni, Monica Vitti, Edvard Munch, Mark Rothko, Phyllis Lambert, Jannis Kounellis, Goethe, Emil Cioran, María Magdalena, Elías Parra, Alphonse Bertillon, Salvador Dalí, Brassaï, Alberto Giacometti, Alberto Savinio, Claudio Magris, Amedeo Modigliani, Jeanne Hébuterne, G. T. di Lampedusa, William Shakespeare, Parrasio de Éfeso, Carlo Mollino, Job (profeta), Sócrates (filósofo), Franz Kafka, Fernando Pessoa, Arturo Martini, Frigyes Karinthy, Tiziano, Elena Garro, Gabriel García Márquez, Lorenzo Lotto, Adán Buenosayres, Raymond Russel, Gérard de Nerval, Kazimir Malévich, Emilio Renzi, Mario Levrero, Guercino, Miguel de Cervantes, Michel de Montaigne, Virginia Woolf, Van Eyck, Van der Weyden, Homero, Andrómaca y Héctor Parra.
Vitalista, solitario, mundano, paradójicamente pudoroso, el Eduardo Arroyo que se nos revela en esta conversación revisa su historia, desde la actividad política de extrema izquierda, a la España que le impone el exilio; desde la infancia de huérfano temprano, a la hiperactividad juvenil y madura; desde la crítica irónica del presente rabioso, a la mirada utópica al futuro imposible.
«Si imaginamos metafóricamente la aparición de un sentido (...) como el chispazo producido por la relación entre dos polos opuestos, entonces estos artículos (...) hablan acerca de cortocircuitos». Así comienza este libro, compuesto por cinco ensayos, ilustrados a todo color, en los que el autor se ocupa de iconos lingüísticos o pictóricos tan conocidos como la Torre de Babel, Adán y Eva, la diosa Venus o la Olimpia Moderna, desde donde rastrea los cimientos ocultos de la modernidad.
A través de esta senda, la autora recorre el arte del siglo xx. Estudia el maniquí metafísico de De Chirico y el satírico de Grosz, la muñeca perversa de Bellmer y la abyecta de Cindy Sherman, el robot rígido de Mondrian y el más humano de Schlemmer, las máquinas amorosas e hilarantes de Duchamp y Picabia y las figuras hiperrealistas de Duane Hanson. El lector descubrirá en este texto hasta qué grado trasparecen la inquietud, el desarraigo o la esperanza en muchas construcciones artísticas que creíamos conocer.
El terror nos asalta con rigor precisamente porque se trata de nuestro propio mundo, de manera que la confianza que depositábamos en él no resulta ser más que una apariencia. Simultáneamente tenemos la sensación de que no podríamos vivir en ese mundo de repente transformado. No se corresponde con lo grotesco el miedo a la muerte, sino el pánico ante la vida. Y a la estructura de lo grotesco pertenece la abolición de todas las categorías en que fundamos nuestra orientación en el mundo. Desde la ornamentación renacentista hemos asistido a la plasmación de procesos perdurables de disolución: la mezcla de ámbitos y reinos bien distinguidos por nuestra percepción, la supresión de lo estático, la pérdida de identidad, la distorsión de las proporciones «naturales», etc. Y en la actualidad se han sumado a aquellas otros procesos más de disolución: la anulación de la categoría de cosa, la destrucción del concepto de personalidad, el derribo de nuestro concepto de tiempo histórico.
Este libro nace de la constatación de una falta o ausencia, la escasa atención que, por parte de la historia del arte, se ha prestado al análisis de los espectadores. Este ensayo ha sido ganador del II Premio Iberoamericano de Investigación Universitaria Ciudad de Cádiz
Los años noventa del siglo pasado fueron testigo de un florecimiento notable de las reflexiones estéticas consagradas a la estética. Lo más sorprendente es que estos debates encontraron, al menos durante cierto tiempo, un eco público más allá de la esfera de la filosofía profesional, sobre todo en lo que se ha dado en llamar «el mundo del arte». De ahí a creer en un renacimiento de la propia doctrina estética no hay más que un paso, que algunos filósofos se han apresurado a dar. El objeto de este ensayo es mostrar el carácter ilusorio de una creencia así incluso de una esperanza así.
Des de l'any 1997 C. A. Trepat ha tingut al seu càrrec una matèria de lliure elecció de la Universitat de Barcelona titulada "Didàctica de la Història de l'Art". Des de l'any següent fins el 2002 va convertir la seva tasca professional en una recerca sobre la pròpia feina didàctica. Aquesta s'ha nodrit de dues fonts principals: la redacció d'un dietari i les reflexions escrites quinzenals dels seus alumnes sobre el propi procés d'aprenentatge, inclosa la resposta individual a cadascun d'aquests escrits i una avaluació final de l'alumnat al llarg de tot el procés. De tot plegat n'ha sortit aquesta proposta de formació inicial del professorat que pretén ser una via, entre d'altres, per plantejar una didàctica de la Història de l'Art que fugi de l'enciclopedisme, tan criticat per estèril com practicat de manera encara reiterada. L'obra va meréixer el premi BATEC a la innovació i recerca educativa de l'Ajuntament de Lleida en la seva edició de l'any 2002.
El siglo pasado agotó la estética de la confrontación absoluta y ahora los vínculos estéticos emergen como garantes de la paz y de la unidad. La estética está para convertir lo absoluto en lo meramente necesario y la confianza es condición y guía de ese proceso. Este libro muestra varios aspectos filosóficos, poco matizados en el pensamiento español, en los que se hace imperativa una estética de la confianza: la naturaleza, el sujeto, el inconsciente y la verdad misma ocasionan una experiencia dual y escindida que exige confiada aceptación. Por otro lado, técnica y moral se concentran en el arte cual lenguaje nuevo que proporciona las imágenes regulativas que suministrara otrora la metafísica. La vida es representación y la época del arte de las obras de arte (Nietzsche) ha concluido. Como dice Gianni Vattimo en el prólogo, la filosofía tiene la tarea de corresponder a esta transformación, si es tal. Y la obra de Álvarez supone un paso significativo en ese camino.
Para encontrar identidad y fuerza, cada época ha inventado una idea distinta de «clásico». Así, lo «clásico» concierne siempre no sólo al pasado, sino también al presente y, por supuesto, a una visión del futuro. Y es que para darle forma al mundo de mañana es necesario primero repensar nuestras múltiples raíces. Salvarore Settis recorre los senderos de la historia del arte para mostrar cómo ha cambiado la idea de lo «clásico» a lo largo de los siglos.
El mundo que Goodman analiza no está allí como algo dado de una vez por todas, tampoco e la imagen proyectada por un sujeto. Es un mundo creado a través de sus versiones, no por ello inexistente, hecho de maneras diferentes, que muchas veces se confrontan, maneras en las que las artes y la literatura intervienen de forma decisiva.
«Meninas, espejos e hilanderas» es fruto de una larga investigación que utiliza las técnicas desarrolladas por la Antropología Social en el trabajo de campo. El autor, catedrático de Antropología Social en la Universidad Complutense de Madrid, ha realizado su observación desplazándose a los lugares de origen de los artistas convertidos en informantes para conocer el proceso de creación de su obra. Las entrevistas largas, densas, informales y en profundidad se han desarrollado en el taller, en la galería de arte o en la residencia de los pintores, escultores, novelistas y poetas que han aceptado el encuentro. A este estudio en vivo se une el de figuras y obras centrales en la historia del arte que, revisadas a la luz de la hermenéutica antropológica e inscritas en la dinámica histórica de su época respectiva, aportan un conocimiento nuevo: «Las Meninas» y «Las Hilanderas» de Velázquez, los «Colosos» de Goya, el «Guernica» de Picasso, o el conjunto de la obra de Antonio López sobre la ciudad de Madrid. El libro emprende así una reflexión sobre el lugar de los valores en la creación y en el uso de las obras de arte. Desentrañar en qué consiste el goce y la creación del arte permite al autor mostrar el papel que la cultura juega en ambos procesos.
"Sublevaciones" nos habla sobre las emociones colectivas y los acontecimientos políticos que conllevan movimientos de masas en lucha. Muestra cómo los artistas han abordado, en diferentes momentos históricos,el tema de los desórdenes sociales, la agitación política, la insumisión, las revueltas y las revoluciones de todo tipo. El libro recoge el trabajo de investigación del historiador del arte Georges Didi-Huberman, que ha servido de corpus de la exposición itinerante que ha recorrido diferentes ciudades y que ha sido exhibida en algunos de los principales museos internacionales (Museu Nacional d'Art de Catalunya, Jeu de Paume, MUAC, ...)