Agustí Pujol va ser l'escultor català més important i influent de l'època moderna. La seva obra marcà el paisatge artístic de molts temples de Catalunya del segle XVII. Aquest llibre intenta recuperar aquesta figura i reconstruir un retrat crític del que fou un creador destre i exigent, dotat d'una inventiva innata i inesgotable i amb una tècnica impecable.
Con los «Diálogos de la pintura» de Carducho (1638) y «el Arte de la pintura» de Pacheco (1649), estos «Discursos del nobilísimo arte de la pintura» escritos por Jusepe Martínez hacia el año 1675, son la tercera pieza de la tratadística española sobre el arte del Siglo de Oro. Jusepe Martínez es con toda probabilidad nuestro escritor de arte del Siglo de Oro que resulta más legible para el lector actual. Buena parte de su argumentación se sostiene mediante el recurso de acudir a su experiencia personal y profesional de muchos años, de ahí la abundancia y el sabor de numerosas anécdotas, que hoy nos resultan de vivo interés. La presente edición crítica, realizada por Maria Elena Manrique Ara, parte de la enorme fortuna que supuso el hallazgo de un manuscrito apógrafo con la primera redacción del tratado en el Museo del Prado, lo que ha permitido fijar definitivamente el texto.
¿Por qué escribir otro libro sobre Frida Kahlo? ¿No se ha dicho acaso todo lo que se tenía que decir? Aunque parezca paradójico, es precisamente esa abundancia de estudios y testimonios sobre la figura de Kahlo lo que ha impulsado a la autora a emprender la escritura de este libro. La leyenda creada en torno a la biografía de la artista mexicana no ha servido sino para oscurecer el conocimiento de su obra: la mayor parte de los textos sobre Kahlo se limitan a analizar, con delectación morbosa, sus oscuros traumas familiares, su tormentosa relación con el pintor Diego Rivera, su frustrado deseo de ser madre, su trágica lucha con la enfermedad. En el mejor de los casos, su pintura se interpreta como un mero reflejo de sus avatares personales o, incluso, en una suerte de psicoanálisis casero, como un síntoma de sus conflictos y desequilibrios internos. La obra se ha visto radicalmente desplazada por la vida y la pintora irremisiblemente engullida por el mito. Ese tipo de relación simplista entre vida y obra es la que intenta contrarrestar este libro.
La multiplicación de instituciones artísticas y la gran abundancia de creaciones de todo tipo y condición son dos fenómenos interrelacionados que influyen en el panorama artístico contemporáneo. Es tal la riqueza y diversidad de propuestas que no parece fácil distinguir entre ellas algunas líneas predominantes. Por otra parte, parece evidente que abundan los artistas con voluntad de ocupar determinados espacios ideológicos, técnicos o institucionales, es decir, de tomar posiciones claras en un universo inestable y muy complejo. Dos preguntas surgen inmediatamente: ¿Está sustituyendo la " voluntad de tendencias " a la " tendencia artística? ¿Esta dinámica se ha visto impulsada por el desplazamiento del mercado por la iniciativa institucional en la última década? A través de la observación de críticos, creadores e historiadores del arte, este libro pretende responder a estas preguntas, que aunque no son fáciles de contestar, tampoco parece posible evitar.
Las comparaciones entre la poesía y la pintura constituyen un tema constante de los tratados de arte, y el célebre tópico «Ut pictura poesis» ha sido ampliamente estudiado en relación a las teorías artísticas del Renacimiento. Sin embargo, y a pesar de que su primera formulación se debe a Simónides, faltaba un estudio sobre las condiciones en que dicho ?topos? apareció por primera vez en Grecia, y su desarrollo temprano. De Simónides a Platón, el presente trabajo nos propone un fascinante recorrido desde la primera formulación del tópico hasta su planteamiento teórico.
ARTE CONTEMPORÁNEO EN LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA. El más largo aprendizaje de todas las artes es aprender a mirar. Jules de Goncourt. El principal objetivo de la enseñanza del arte es que los alumnos lleguen a entender los mundos sociales y culturales en los
El orden alfabético con que presentamos las citas en este volumen produce yuxtaposiciones espaciotemporales, dando como resultado un interesante compendio aleatoriamente ordenado de reflexiones de los más grandes y admirables artistas y pensadores.
Este libro nos introduce en la escenificación plástica de una idea, la del fin del mundo, que ocupa el escenario a través de sucesivas encarnaciones en las que se combinan hechos históricos y personajes de ficción. Rafael Argullol ha escogido siete «protagonistas»: Prometeo, el héroe de Esquilo, y, con él, el mundo de la tragedia griega; el Apocalipsis de san Juan; el Juicio Final de Miguel Ángel; Fausto como símbolo que escapa del dominio de Goethe; El ocaso de los dioses y la escenografía wagneriana; Hitler, en su sueño de arquitecto; el Hongo Nuclear, como icono maldito de nuestra época, visto desde la perspectiva del físico Oppenheimer. Texto de lectura plural, El fin del mundo como obra de arte es simultáneamente un trayecto narrativo y una introspección filosófica.
La necesidad de crear un arte nuevo llevó a los artistas españoles de vanguardia a indagar en facturas del pasado que no habían sido aún utilizadas. Entre ellas, se encontraban las del arte prehistórico, extraordinariamente novedosas desde el punto de vista plástico y que se estaban sacando a la luz a través de diversas publicaciones en las primeras décadas del siglo XX. El campo de investigación del libro se ciñe a determinar la justa medida en que los creadores se adentraron en su estudio; la causa y el momento del empleo de esos referentes; su carga ideológica y emocional; la forma en que los utilizan, reelaboran o transforman en su proceso creativo; el punto en que su tratamiento determina su evolución artística; los tipos de manifestaciones concretas de que se sirvieron y la manera de acceder a su conocimiento. De todo ello se deduce que el arte prehistórico no sólo es un elemento recurrente, más o menos secundario, sino que se constituye en eje iconográfico e intelectual articulador de las concepciones plásticas de cada artista que obliga, en la mayoría de los casos, a releer su obra en virtud de estas cuestiones.
Agustí Pujol va ser l'escultor català més important i influent de l'època moderna. La seva obra marcà el paisatge artístic de molts temples de Catalunya del segle XVII. Aquest llibre intenta recuperar aquesta figura i reconstruir un retrat crític del que fou un creador destre i exigent, dotat d'una inventiva innata i inesgotable i amb una tècnica impecable.
Con los «Diálogos de la pintura» de Carducho (1638) y «el Arte de la pintura» de Pacheco (1649), estos «Discursos del nobilísimo arte de la pintura» escritos por Jusepe Martínez hacia el año 1675, son la tercera pieza de la tratadística española sobre el arte del Siglo de Oro. Jusepe Martínez es con toda probabilidad nuestro escritor de arte del Siglo de Oro que resulta más legible para el lector actual. Buena parte de su argumentación se sostiene mediante el recurso de acudir a su experiencia personal y profesional de muchos años, de ahí la abundancia y el sabor de numerosas anécdotas, que hoy nos resultan de vivo interés. La presente edición crítica, realizada por Maria Elena Manrique Ara, parte de la enorme fortuna que supuso el hallazgo de un manuscrito apógrafo con la primera redacción del tratado en el Museo del Prado, lo que ha permitido fijar definitivamente el texto.
¿Por qué escribir otro libro sobre Frida Kahlo? ¿No se ha dicho acaso todo lo que se tenía que decir? Aunque parezca paradójico, es precisamente esa abundancia de estudios y testimonios sobre la figura de Kahlo lo que ha impulsado a la autora a emprender la escritura de este libro. La leyenda creada en torno a la biografía de la artista mexicana no ha servido sino para oscurecer el conocimiento de su obra: la mayor parte de los textos sobre Kahlo se limitan a analizar, con delectación morbosa, sus oscuros traumas familiares, su tormentosa relación con el pintor Diego Rivera, su frustrado deseo de ser madre, su trágica lucha con la enfermedad. En el mejor de los casos, su pintura se interpreta como un mero reflejo de sus avatares personales o, incluso, en una suerte de psicoanálisis casero, como un síntoma de sus conflictos y desequilibrios internos. La obra se ha visto radicalmente desplazada por la vida y la pintora irremisiblemente engullida por el mito. Ese tipo de relación simplista entre vida y obra es la que intenta contrarrestar este libro.
La multiplicación de instituciones artísticas y la gran abundancia de creaciones de todo tipo y condición son dos fenómenos interrelacionados que influyen en el panorama artístico contemporáneo. Es tal la riqueza y diversidad de propuestas que no parece fácil distinguir entre ellas algunas líneas predominantes. Por otra parte, parece evidente que abundan los artistas con voluntad de ocupar determinados espacios ideológicos, técnicos o institucionales, es decir, de tomar posiciones claras en un universo inestable y muy complejo. Dos preguntas surgen inmediatamente: ¿Está sustituyendo la " voluntad de tendencias " a la " tendencia artística? ¿Esta dinámica se ha visto impulsada por el desplazamiento del mercado por la iniciativa institucional en la última década? A través de la observación de críticos, creadores e historiadores del arte, este libro pretende responder a estas preguntas, que aunque no son fáciles de contestar, tampoco parece posible evitar.
Las comparaciones entre la poesía y la pintura constituyen un tema constante de los tratados de arte, y el célebre tópico «Ut pictura poesis» ha sido ampliamente estudiado en relación a las teorías artísticas del Renacimiento. Sin embargo, y a pesar de que su primera formulación se debe a Simónides, faltaba un estudio sobre las condiciones en que dicho ?topos? apareció por primera vez en Grecia, y su desarrollo temprano. De Simónides a Platón, el presente trabajo nos propone un fascinante recorrido desde la primera formulación del tópico hasta su planteamiento teórico.
ARTE CONTEMPORÁNEO EN LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA. El más largo aprendizaje de todas las artes es aprender a mirar. Jules de Goncourt. El principal objetivo de la enseñanza del arte es que los alumnos lleguen a entender los mundos sociales y culturales en los
El orden alfabético con que presentamos las citas en este volumen produce yuxtaposiciones espaciotemporales, dando como resultado un interesante compendio aleatoriamente ordenado de reflexiones de los más grandes y admirables artistas y pensadores.
Este libro nos introduce en la escenificación plástica de una idea, la del fin del mundo, que ocupa el escenario a través de sucesivas encarnaciones en las que se combinan hechos históricos y personajes de ficción. Rafael Argullol ha escogido siete «protagonistas»: Prometeo, el héroe de Esquilo, y, con él, el mundo de la tragedia griega; el Apocalipsis de san Juan; el Juicio Final de Miguel Ángel; Fausto como símbolo que escapa del dominio de Goethe; El ocaso de los dioses y la escenografía wagneriana; Hitler, en su sueño de arquitecto; el Hongo Nuclear, como icono maldito de nuestra época, visto desde la perspectiva del físico Oppenheimer. Texto de lectura plural, El fin del mundo como obra de arte es simultáneamente un trayecto narrativo y una introspección filosófica.
La necesidad de crear un arte nuevo llevó a los artistas españoles de vanguardia a indagar en facturas del pasado que no habían sido aún utilizadas. Entre ellas, se encontraban las del arte prehistórico, extraordinariamente novedosas desde el punto de vista plástico y que se estaban sacando a la luz a través de diversas publicaciones en las primeras décadas del siglo XX. El campo de investigación del libro se ciñe a determinar la justa medida en que los creadores se adentraron en su estudio; la causa y el momento del empleo de esos referentes; su carga ideológica y emocional; la forma en que los utilizan, reelaboran o transforman en su proceso creativo; el punto en que su tratamiento determina su evolución artística; los tipos de manifestaciones concretas de que se sirvieron y la manera de acceder a su conocimiento. De todo ello se deduce que el arte prehistórico no sólo es un elemento recurrente, más o menos secundario, sino que se constituye en eje iconográfico e intelectual articulador de las concepciones plásticas de cada artista que obliga, en la mayoría de los casos, a releer su obra en virtud de estas cuestiones.