Goethe llegó al color desde el arte. Su inquietud por los efectos cromáticos como recurso artístico lo llevó a indagar incansablemente en el enigma del color y culminó en la elaboración de uno de los tratados científicos más importantes de la teoría del color que rebatía los postulados previos del mismísimo Newton. Este libro recoge las láminas con las que ilustró su teoría y las explicaciones que las acompañaron. Complejo y apasionante a la vez, el texto deja entrever las tensiones latentes entre sujeto y objeto, realidad y representación, arte y ciencia, y las innumerables dicotomías que estimularon el pensamiento y la obra del autor alemán a lo largo de toda su vida. El libro se cierra con un epílogo de Jurgen Teller que detalla los viajes y episodios vitales que explican el tránsito de Goethe de lo poético a lo científico en su teoría de los colores.
Wollheim explicó las razones que le indujeron a preparar «La pintura como arte» y los fines que persiguió a lo largo de sus exposiciones: puesto que había dicho ya todo lo que tenía que decir sobre estética general en un libro justamente célebre, «El arte y sus objetos», podía abordar ahora una investigación estética sustantiva, aquella que aborda las artes tal como son para luego tratar de ver cómo los fenómenos investigados por la estética general se manifiestan en el ámbito de cada arte. Los medios de la pintura y el significado transmitido, analizados conjuntamente y en obras concretas, constituyen el tema de este texto de estética sustantiva
Totes les societats han construït sistemes simbòlics en els quals el color té un paper central: pensem en el negre del dol o el vermell del comunisme. El que és extraordinari en el món modern és que la tecnologia i el mercat han canviat la manera de mirar les coses i ens han acostumat a noves percepcions. Els colors carregats de la pantalla són ara el paràmetre amb els qual avaluem la puresa de cada fenomen cromàtic. Cromorama ens explica com avui el color s'ha convertit en un filtre amb el qual pensem la realitat. Amb l'ajut de 400 illustracions, ens descriu com s'ha format la mirada moderna aprofitant tot l'univers de les imatges: no només la pintura, sinó també la literatura, el cinema, el còmic i, sobretot, els objectes quotidians, que ens fa veure de manera nova i inusual.
Dedicarse a la creación artística no es tarea fácil. A menos que seas un genio -y los genios nacen cada cien años- hacer arte es una auténtica carrera de obstáculos en la que la realidad y tú mismo se interponen en el camino. Tener talento, pasar de la imaginación a la obra, contar con la aprobación de los demás, mantener hábitos de trabajo, ganarse la vida. Los miedos y situaciones propios de la vida del artista son muchos y cotidianos, y estas páginas los repasan a través de breves píldoras reflexivas que desactivarán tus bloqueos y pudores. Desde su propia experiencia como artistas, David Bayles y Ted Orland te ofrecen esta serie de reparadoras y estimulantes sesiones de terapia. Con ellas, por fin, podrás hacer arte sin miedo a los peligros (y las recompensas) del mundo real.
Aunque el culto al artista como un ser casi legendario se inició en el Renacimiento, fue en los inicios de la edad contemporánea cuando se definió y adquirió mayor relevancia el concepto de genio asociado de forma casi exclusiva a la creación artística. ¿Por qué entre las máscaras funerarias, frecuentes en el XIX, abundan las que reproducen los rasgos de artistas?, ¿por qué se conservan moldes de las manos de los más grandes compositores?, ¿por qué es tan difícil encontrar un pintor de este siglo cuyo rostro no conozcamos?, ¿por qué dedicaron tanto tiempo a dejar constancia de sí mismos y de otros artistas? El texto de Esperanza Guillén, partiendo de todas estas preguntas, nos habla acerca de la imagen que muchos de los artistas nos legaron sobre el modo en que imaginaban a los sujetos de su admiración y analiza las razones teóricas de ese culto a la personalidad artística basándose en los propios escritos redactados por pintores y escritores.
La determinación de la autoría y la originalidad de las obras artísticas es un elemento clave y esencial para disfrutar plenamente del arte y para el buen funcionamiento del mercado y de muchos centros culturales. Es una de las tareas propias de instituciones y personas de muy diversa índole, desde fundaciones de artistas hasta museos, administraciones públicas, académicos, galeristas, coleccionistas de arte? Todos cuantos se ocupan de ella se encuentran con numerosos problemas en el momento de llevarla a cabo. Este libro, derivado de un seminario internacional organizado por la Fundació Gala-Salvador Dalí, difunde los conocimientos, la experiencia y las opiniones de algunos de los expertos más prestigiosos sobre estas materias. Además, aporta nuevos enfoques, propuestas y elementos lingüísticos que pueden ayudar a entender las dificultades que plantea el tema y a mejorar su regulación jurídica. Después de El experto frente al objeto de Ron Spencer y El valor del arte, de Michael Findlay -publicado en Ediciones Polígrafa el pasado mes de mayo-, Autoría, autentificación y falsificación de las obras de arte constituye el tercer volumen de la colección «Arte, Mercado y Derecho», impulsada por la Fundació Gala-Salvador Dalí. Esta colección nació en el año 2011 con la voluntad de promover conocimientos legales, económicos y artísticos que contribuyeran, de forma general, a la protección, conservación, divulgación y renombre del patrimonio artístico y, de forma específica, del patrimonio creado por Salvador Dalí. Lluís Peñuelas es secretario general de la Fundació Gala-Salvador Dalí desde 1990 hasta la actualidad. Responsable de la gestión de los cuatro museos de dicha fundación y de la administración general de la misma.
Este libro presenta una nueva recopilación de ensayos y guiones de performances y videos de la artista Martha Rosler, haciendo especial hincapié en la construcción de esfera pública y en el mito de la cotidianidad. Explora temas que van desde la vida cotidiana y los medios de comunicación hasta la seguridad nacional y los conflictos bélicos, especialmente en lo que afecta a las mujeres. Partimos de su trabajo La dominación y lo cotidiano que da titulo al libro para dar muestra de la dilatada trayectoria de una artista muy conocida por sus videos, performances y fotografías y otras obras, así como por ser una de las voces críticas culturales y teóricas más originales e influyentes de estos últimos cuarenta años. Este libro muestra la capacidad de Rosler de realizar un trabajo artístico y construir un discurso para contextualizarlo. Textos que van desde el año 1975 al 2016, reflexionan sobre el arte feminista, la idea de la artista-madre, la gentrificación en relación a la cultura y un largo etcétera.
Goethe llegó al color desde el arte. Su inquietud por los efectos cromáticos como recurso artístico lo llevó a indagar incansablemente en el enigma del color y culminó en la elaboración de uno de los tratados científicos más importantes de la teoría del color que rebatía los postulados previos del mismísimo Newton. Este libro recoge las láminas con las que ilustró su teoría y las explicaciones que las acompañaron. Complejo y apasionante a la vez, el texto deja entrever las tensiones latentes entre sujeto y objeto, realidad y representación, arte y ciencia, y las innumerables dicotomías que estimularon el pensamiento y la obra del autor alemán a lo largo de toda su vida. El libro se cierra con un epílogo de Jurgen Teller que detalla los viajes y episodios vitales que explican el tránsito de Goethe de lo poético a lo científico en su teoría de los colores.
Wollheim explicó las razones que le indujeron a preparar «La pintura como arte» y los fines que persiguió a lo largo de sus exposiciones: puesto que había dicho ya todo lo que tenía que decir sobre estética general en un libro justamente célebre, «El arte y sus objetos», podía abordar ahora una investigación estética sustantiva, aquella que aborda las artes tal como son para luego tratar de ver cómo los fenómenos investigados por la estética general se manifiestan en el ámbito de cada arte. Los medios de la pintura y el significado transmitido, analizados conjuntamente y en obras concretas, constituyen el tema de este texto de estética sustantiva
Totes les societats han construït sistemes simbòlics en els quals el color té un paper central: pensem en el negre del dol o el vermell del comunisme. El que és extraordinari en el món modern és que la tecnologia i el mercat han canviat la manera de mirar les coses i ens han acostumat a noves percepcions. Els colors carregats de la pantalla són ara el paràmetre amb els qual avaluem la puresa de cada fenomen cromàtic. Cromorama ens explica com avui el color s'ha convertit en un filtre amb el qual pensem la realitat. Amb l'ajut de 400 illustracions, ens descriu com s'ha format la mirada moderna aprofitant tot l'univers de les imatges: no només la pintura, sinó també la literatura, el cinema, el còmic i, sobretot, els objectes quotidians, que ens fa veure de manera nova i inusual.
Dedicarse a la creación artística no es tarea fácil. A menos que seas un genio -y los genios nacen cada cien años- hacer arte es una auténtica carrera de obstáculos en la que la realidad y tú mismo se interponen en el camino. Tener talento, pasar de la imaginación a la obra, contar con la aprobación de los demás, mantener hábitos de trabajo, ganarse la vida. Los miedos y situaciones propios de la vida del artista son muchos y cotidianos, y estas páginas los repasan a través de breves píldoras reflexivas que desactivarán tus bloqueos y pudores. Desde su propia experiencia como artistas, David Bayles y Ted Orland te ofrecen esta serie de reparadoras y estimulantes sesiones de terapia. Con ellas, por fin, podrás hacer arte sin miedo a los peligros (y las recompensas) del mundo real.
Aunque el culto al artista como un ser casi legendario se inició en el Renacimiento, fue en los inicios de la edad contemporánea cuando se definió y adquirió mayor relevancia el concepto de genio asociado de forma casi exclusiva a la creación artística. ¿Por qué entre las máscaras funerarias, frecuentes en el XIX, abundan las que reproducen los rasgos de artistas?, ¿por qué se conservan moldes de las manos de los más grandes compositores?, ¿por qué es tan difícil encontrar un pintor de este siglo cuyo rostro no conozcamos?, ¿por qué dedicaron tanto tiempo a dejar constancia de sí mismos y de otros artistas? El texto de Esperanza Guillén, partiendo de todas estas preguntas, nos habla acerca de la imagen que muchos de los artistas nos legaron sobre el modo en que imaginaban a los sujetos de su admiración y analiza las razones teóricas de ese culto a la personalidad artística basándose en los propios escritos redactados por pintores y escritores.
La determinación de la autoría y la originalidad de las obras artísticas es un elemento clave y esencial para disfrutar plenamente del arte y para el buen funcionamiento del mercado y de muchos centros culturales. Es una de las tareas propias de instituciones y personas de muy diversa índole, desde fundaciones de artistas hasta museos, administraciones públicas, académicos, galeristas, coleccionistas de arte? Todos cuantos se ocupan de ella se encuentran con numerosos problemas en el momento de llevarla a cabo. Este libro, derivado de un seminario internacional organizado por la Fundació Gala-Salvador Dalí, difunde los conocimientos, la experiencia y las opiniones de algunos de los expertos más prestigiosos sobre estas materias. Además, aporta nuevos enfoques, propuestas y elementos lingüísticos que pueden ayudar a entender las dificultades que plantea el tema y a mejorar su regulación jurídica. Después de El experto frente al objeto de Ron Spencer y El valor del arte, de Michael Findlay -publicado en Ediciones Polígrafa el pasado mes de mayo-, Autoría, autentificación y falsificación de las obras de arte constituye el tercer volumen de la colección «Arte, Mercado y Derecho», impulsada por la Fundació Gala-Salvador Dalí. Esta colección nació en el año 2011 con la voluntad de promover conocimientos legales, económicos y artísticos que contribuyeran, de forma general, a la protección, conservación, divulgación y renombre del patrimonio artístico y, de forma específica, del patrimonio creado por Salvador Dalí. Lluís Peñuelas es secretario general de la Fundació Gala-Salvador Dalí desde 1990 hasta la actualidad. Responsable de la gestión de los cuatro museos de dicha fundación y de la administración general de la misma.
Este libro presenta una nueva recopilación de ensayos y guiones de performances y videos de la artista Martha Rosler, haciendo especial hincapié en la construcción de esfera pública y en el mito de la cotidianidad. Explora temas que van desde la vida cotidiana y los medios de comunicación hasta la seguridad nacional y los conflictos bélicos, especialmente en lo que afecta a las mujeres. Partimos de su trabajo La dominación y lo cotidiano que da titulo al libro para dar muestra de la dilatada trayectoria de una artista muy conocida por sus videos, performances y fotografías y otras obras, así como por ser una de las voces críticas culturales y teóricas más originales e influyentes de estos últimos cuarenta años. Este libro muestra la capacidad de Rosler de realizar un trabajo artístico y construir un discurso para contextualizarlo. Textos que van desde el año 1975 al 2016, reflexionan sobre el arte feminista, la idea de la artista-madre, la gentrificación en relación a la cultura y un largo etcétera.
