Nikolaus Harnoncourt ha sido capaz de añadir a su impresionante trayectoria como intérprete y director, un no menos denso e influyente repertorio de escritos y análisis sobre lo que podríamos denominar la «filosofía de la música antigua». Publicado originalmente en 1984, la presente colección de ensayos recoge algunas de las más jugosas contribuciones de Harnoncourt al pensamiento musical de nuestro tiempo. Considerado por muchos como el auténtico «credo» de una de las voces más autorizadas de la interpretación musical histórica, los textos aquí reunidos son una excelente compilación de treinta años de experiencia y reflexión en favor de una mejor comprensión de la música antigua, y muy particularmente la barroca. Una música que nos habla desde un código que el intérprete y el oyente de nuestro tiempo debe conocer para comprender cabalmente el «discurso sonoro» de cada época.
Este diccionario, completo, riguroso y de fácil consulta, aborda todos y cada uno de los conceptos concretos y esenciales necesarios para comprender el lenguaje musical y, más específicamente, la notación. Con numerosos ejemplos gráficos de escritura musical, sus símbolos y elementos, esta obra de consulta se convierte en una herramienta utilísima tanto para el músico amateur y el estudiante como para el profesional.
Durante las últimas décadas la interpretación histórica se ha convertido en una parte de la vida musical cotidiana en muchos lugares del mundo. Este volumen está escrito para todos aquellos que están interesados en la interpretación histórica, ya sean intérpretes profesionales, estudiantes, melómanos y oyentes exigentes; aborda temas prácticos más que cuestiones teóricas y su presentación es más descriptiva que prescriptiva. Muchas de las cuestiones tratadas se relacionan con cuatro grandes obras de Bach, Mozart, Berlioz y Brahms. Aporta así la base para la toma de decisiones artísticas que tiene como objetivo la recreación y ejecución de una interpretación tan próxima como sea posible a la concepción original del compositor.
Leonard B. Meyer explica en este libro cómo funcionan los mecanismos de la mente para percibir y entender la música. Sus páginas constituyen un lúcido estudio de la psicología de la percepción musical que ha sido profusamente citado por musicólogos, compositores y filósofos desde su primera edición de 1956. Entre sus admiradores figuran Umberto Eco y Enrico Fubini, cuyos comentarios aparecen recogidos en el amplio prólogo escrito por el prestigioso compositor José Luis Turina, autor también de la traducción. " El objeto principal de este ensayo -señala Turina- es doble: de un lado, establecer el modo en que los mecanismos perceptivos del ser humano crean una impresión de forma determinada ante los estímulos musicales que recibe; de otro, las expectativas de una forma concreta que de este modo se generan, y que a su vez pueden verse satisfechas o frustradas, como resultado de lo cual se produce en el oyente una emoción musical que está directamente relacionada con el significado que la propia música posee, que no es otro que el derivado del mayor o menor grado de cumplimiento de dichas expectativas " .
¿A qué edad empiezan a cantar los niños? ¿Y a tocar instrumentos? ¿Se nace ya dotado o no dotado para la música? ¿Qué papel juega el interés de los pequeños...? Un CD recoge fragmentos de los resultados obtenidos.
Panorámica de las posibilidades epistemológicas, metodológicas y prácticas concernientes a la investigación cualitativa que contribuye a llenar el vacío existente en lengua castellana en cuanto a manuales de investigación en el ámbito de la educación musical se refiere.
La metodología de Zoltán Kodály supuso para la educación musical en Hungría una manera de salir del tradicional, pesado y poco motivador aprendizaje de la música. El método se basa en una serie de principios que hacen de su didáctica un " juego " con el que aprender el difícil y monótono solfeo. Para la comprensión de esta técnica, el lector debe saber que el método utiliza un sistema pentatónico, aporta una nueva forma de leer el pentagrama con el " sistema relativo " y propone un procedimiento de canto mediante signos manuales. Utilizando canciones populares, este método enseña el solfeo de una manera fácil y amena, motivando al estudiante y facilitándole los mecanismos de aprendizaje. Este segundo volumen, dirigido a estudiantes más avanzados, contiene material extraído de obras del método coral de Kodály y, además, extractos de los períodos renacentista, barroco, vienés clásico, romántico y contemporáneo. Se da gran importancia al estudio de la armonía funcional, que se desarrolla a través de ejercicios que permiten la práctica del canto y la ejercitación del oído, así como del análisis armónico de los fragmentos musicales.
La metodología de Zoltán Kodály supuso para la educación musical en Hungría una manera de salir del tradicional, pesado y poco motivador aprendizaje de la música. El método se basa en una serie de principios que hacen de su didáctica un «juego» con el que aprender el difícil y monótono solfeo. Para la comprensión de esta técnica, el lector debe saber que el método utiliza un sistema pentatónico, aporta una nueva forma de leer el pentagrama con el «sistema relativo» y propone un sistema de canto mediante signos manuales. Utilizando canciones populares, este método enseña el solfeo de una manera fácil y amena, provocando una gran motivación en el estudiante y facilitando los mecanismos de aprendizaje. Aunque el método es conocido fuera de Hungría, son muy pocas las personas que han tenido la oportunidad de acercarse a un Instituto Kodály, distribuidos por todo el mundo, y aprender a fondo sus enseñanzas. En esta obra se ofrece, además, un plan escolar desarrollado para el aprendizaje del solfeo, con toda la teoría necesaria para su comprensión, y más de quinientos extractos musicales para practicar.
El presente libro es fruto del trabajo interdisciplinar de un grupo de investigadores y ofrece un análisis de la creación y el hecho musical y sonoro contemporáneo en el contexto hispanohablante, observado como un proceso cultural íntimamente vinculado con las emergentes y cambiantes corrientes del pensamiento estético, los movimientos sociopolíticos e identitarios y los avances científicos y tecnológicos
Nikolaus Harnoncourt ha sido capaz de añadir a su impresionante trayectoria como intérprete y director, un no menos denso e influyente repertorio de escritos y análisis sobre lo que podríamos denominar la «filosofía de la música antigua». Publicado originalmente en 1984, la presente colección de ensayos recoge algunas de las más jugosas contribuciones de Harnoncourt al pensamiento musical de nuestro tiempo. Considerado por muchos como el auténtico «credo» de una de las voces más autorizadas de la interpretación musical histórica, los textos aquí reunidos son una excelente compilación de treinta años de experiencia y reflexión en favor de una mejor comprensión de la música antigua, y muy particularmente la barroca. Una música que nos habla desde un código que el intérprete y el oyente de nuestro tiempo debe conocer para comprender cabalmente el «discurso sonoro» de cada época.
Este diccionario, completo, riguroso y de fácil consulta, aborda todos y cada uno de los conceptos concretos y esenciales necesarios para comprender el lenguaje musical y, más específicamente, la notación. Con numerosos ejemplos gráficos de escritura musical, sus símbolos y elementos, esta obra de consulta se convierte en una herramienta utilísima tanto para el músico amateur y el estudiante como para el profesional.
Durante las últimas décadas la interpretación histórica se ha convertido en una parte de la vida musical cotidiana en muchos lugares del mundo. Este volumen está escrito para todos aquellos que están interesados en la interpretación histórica, ya sean intérpretes profesionales, estudiantes, melómanos y oyentes exigentes; aborda temas prácticos más que cuestiones teóricas y su presentación es más descriptiva que prescriptiva. Muchas de las cuestiones tratadas se relacionan con cuatro grandes obras de Bach, Mozart, Berlioz y Brahms. Aporta así la base para la toma de decisiones artísticas que tiene como objetivo la recreación y ejecución de una interpretación tan próxima como sea posible a la concepción original del compositor.
Leonard B. Meyer explica en este libro cómo funcionan los mecanismos de la mente para percibir y entender la música. Sus páginas constituyen un lúcido estudio de la psicología de la percepción musical que ha sido profusamente citado por musicólogos, compositores y filósofos desde su primera edición de 1956. Entre sus admiradores figuran Umberto Eco y Enrico Fubini, cuyos comentarios aparecen recogidos en el amplio prólogo escrito por el prestigioso compositor José Luis Turina, autor también de la traducción. " El objeto principal de este ensayo -señala Turina- es doble: de un lado, establecer el modo en que los mecanismos perceptivos del ser humano crean una impresión de forma determinada ante los estímulos musicales que recibe; de otro, las expectativas de una forma concreta que de este modo se generan, y que a su vez pueden verse satisfechas o frustradas, como resultado de lo cual se produce en el oyente una emoción musical que está directamente relacionada con el significado que la propia música posee, que no es otro que el derivado del mayor o menor grado de cumplimiento de dichas expectativas " .
¿A qué edad empiezan a cantar los niños? ¿Y a tocar instrumentos? ¿Se nace ya dotado o no dotado para la música? ¿Qué papel juega el interés de los pequeños...? Un CD recoge fragmentos de los resultados obtenidos.
Panorámica de las posibilidades epistemológicas, metodológicas y prácticas concernientes a la investigación cualitativa que contribuye a llenar el vacío existente en lengua castellana en cuanto a manuales de investigación en el ámbito de la educación musical se refiere.
La metodología de Zoltán Kodály supuso para la educación musical en Hungría una manera de salir del tradicional, pesado y poco motivador aprendizaje de la música. El método se basa en una serie de principios que hacen de su didáctica un " juego " con el que aprender el difícil y monótono solfeo. Para la comprensión de esta técnica, el lector debe saber que el método utiliza un sistema pentatónico, aporta una nueva forma de leer el pentagrama con el " sistema relativo " y propone un procedimiento de canto mediante signos manuales. Utilizando canciones populares, este método enseña el solfeo de una manera fácil y amena, motivando al estudiante y facilitándole los mecanismos de aprendizaje. Este segundo volumen, dirigido a estudiantes más avanzados, contiene material extraído de obras del método coral de Kodály y, además, extractos de los períodos renacentista, barroco, vienés clásico, romántico y contemporáneo. Se da gran importancia al estudio de la armonía funcional, que se desarrolla a través de ejercicios que permiten la práctica del canto y la ejercitación del oído, así como del análisis armónico de los fragmentos musicales.
La metodología de Zoltán Kodály supuso para la educación musical en Hungría una manera de salir del tradicional, pesado y poco motivador aprendizaje de la música. El método se basa en una serie de principios que hacen de su didáctica un «juego» con el que aprender el difícil y monótono solfeo. Para la comprensión de esta técnica, el lector debe saber que el método utiliza un sistema pentatónico, aporta una nueva forma de leer el pentagrama con el «sistema relativo» y propone un sistema de canto mediante signos manuales. Utilizando canciones populares, este método enseña el solfeo de una manera fácil y amena, provocando una gran motivación en el estudiante y facilitando los mecanismos de aprendizaje. Aunque el método es conocido fuera de Hungría, son muy pocas las personas que han tenido la oportunidad de acercarse a un Instituto Kodály, distribuidos por todo el mundo, y aprender a fondo sus enseñanzas. En esta obra se ofrece, además, un plan escolar desarrollado para el aprendizaje del solfeo, con toda la teoría necesaria para su comprensión, y más de quinientos extractos musicales para practicar.
Una visión actual de la armonía no clásica. Desde los conceptos musicales más básicos hasta la armonización de una melodía.
El presente libro es fruto del trabajo interdisciplinar de un grupo de investigadores y ofrece un análisis de la creación y el hecho musical y sonoro contemporáneo en el contexto hispanohablante, observado como un proceso cultural íntimamente vinculado con las emergentes y cambiantes corrientes del pensamiento estético, los movimientos sociopolíticos e identitarios y los avances científicos y tecnológicos
