La naturalidad televisiva se lo ha devorado todo. ¿Qué hará el actor con lo que la televisión ha hecho de él? ¿Hace falta actualizar la reflexión teórica sobre la técnica interpretativa? ¿Es posible recuperar la esencia que los medios tecnológicos han conseguido anular? ¿Por qué se pretende que la actuación sea una mera copia de lo real? ¿Es posible superar la cárcel de las tradiciones y la condena de la metodología americana basada en la copia de la vida? ¿Podemos concebir la técnica como construcción de algo que no es ni calco, ni forma preconcebida, ni algo existente antes de que el actor lo construya? Los encuadres teóricos que propongo aquí sirven para comprender los principios técnicos de una pedagogía que mira a la recuperación de la esencia. En la formación del actor, defino las dificultades de articulación de cada individuo con la técnica y luego visualizo los diferentes momentos que intervienen en el proceso de elaboración de un personaje. Abordo los problemas que propone el trabajo sobre cada texto con el fin de entender la singularidad de estos procesos. Tanto en escenas naturalistas o realistas, como en las escenas del llamado teatro clásico, es fundamental subrayar el equilibrio entre vivencia y signo escénico, e integrar la cuestión de la palabra-cuerpo. Teatro es lo que ocurre. El actor no debe aprender una técnica interpretativa para tener razón, sino para poder crear sin traicionarse.
El arte dramático es un arte de síntesis; las ideas y pensamientos se expresan a través de medios complejos, pero la palabra sigue siendo la principal forma de influir en el espectador. El dominio de la palabra en la creación actoral implica un estadio superior de la evolución artística del actor. Este libro constituye un utilísimo inventario y reportaje de los hallazgos hechos en un proceso único: el de la búsqueda de la palabra escénica de forma que la frase no sea conducida racionalmente en el momento de su emisión, sino que sea soltada, liberada al encuentro del interlocutor, revelando toda la calidad formal que le ha conferido el autor mientras surge impregnada de los deseos, antecedentes y quehaceres del personaje. La palabra en la creación actoral es una herramienta extraordinariamente operativa para cualquier actor; en el caso presente, providencial para los actores hispanos. María Ósipovna Knébel, destacada actriz, directora y pedagoga rusa, nos brinda las claves para que nuestras palabras se entrañen, las cante el corazón. Asistimos con ella a las lecciones magistrales de Stanislavski y quizá con la ayuda de ambos podamos conseguir que el contacto verbal, la palabra en escena, sea siempre racional, productivo, enérgico y volitivo, que sea siempre acción. De la misma autora, también en esta colección, El último Stanislavski (núm. 112).
Presentamos un libro sobre el aprendizaje teatral, escrito por uno de los pedagogos más importantes del siglo. Se trata de Michael Chejov, sobrino de Anton Chejov, cuyas enseñanzas han ejercido una gran influencia en los actores de muchos países. Su sistema de interpretación rechaza el abuso de psicologismo y se apoya sobre todo, en la creación en la mente del actor de imágenes interiores, frecuentemente abstractas, y en la actividad física para generar emociones. Michael Chejov ingresó en el teatro del Arte de Moscú en 1912 y rápidamente se convirtió en una de las figuras más importantes del Primer Estudio, como se llamaba a su sección experimental. En 1928 abandonó la Unión Soviética y recorrió Letonia, Lituania, Alemania , Italia, Francia e Inglaterra antes de establecerse definitivamente en Estados Unidos. También allí impartió clases de interpretación, contando entre sus alumnos con Gregory Peck, Marilyn Monroe y Yul Brynner.
Juegos para actores y no actores es un libro valioso para todas las personas interesadas en la aplicación de técnicas teatrales en todas las actividades humanísticas: psicología y psicoterapia, arte y educación, trabajo social y político.
Este libro es una detalladísima descripción del trabajo conjunto entre director y actores para conseguir que la función sea, como dice su título, Diferente cada noche. La larga experiencia de Mike Alfreds como director de escena ?del National Theatre a la Royal Shakespeare Company, pasando por el Globe? le permite exponer numerosos ejercicios y técnicas que él mismo ha aplicado en sus montajes, con el objetivo primordial de alcanzar el mayor rigor y precisión en las decisiones que vertebran el proceso creativo. Es un manual eminentemente práctico, en el que el actor es el eje central y se tratan las tres áreas principales de su trabajo: el texto, el personaje y el mundo de la obra. El teatro tiene que ser siempre «un acontecimiento único, abierto permanentemente al cambio».
Este libro reúne y estudia en diez capítulos la obra que Nuria Espert ha llevado a cabo desde sus comienzos como actriz, hasta la temporada 2014-2015. El punto de partida son los años inmediatamente posteriores a la guerra civil. La lectura de cada obra, su interpretación, y la plástica con que es presentada, señalando las características de cada director y de cada escenógrafo para mostrar cómo la labor de Nuria Espert en muchos casos se adelantó a la vanguardia artística.
Hace años que en Estados Unidos la llamada Stand Up Comedy tiene un éxito arrollador y ha propiciado la aparición de geniales artistas del monólogo en pequeñas salas y teatros que han triunfado luego en el cine y la televisión. Hoy en España y América la
La voz y el actor contiene el método de aprendizaje y producción vocal que Cicely Berry utiliza en la mítica Royal Shakespeare Company; un auténtico referente de la formación vocal para directores y actores teatrales que desde hace décadas, aporta ejercicios para el desarrollo de la relajación y el control de la respiración que permiten optimizar los recursos vocales para actores profesionales y oradores. La voz y el actor es indispensable para aproximarse al texto hablado o recitado y dotarlo de verdad y corporeidad personal.
Peter Brook, director de teatro original y creativo, es uno de los genios artísticos de nuestro tiempo. Este libro nos proporciona una absorvente visión del trabajo de Brook, mostrándonos qué pretende lograr a través del teatro, medio que ofrece, en su opinión, la más vívida metáfora de la vida misma.
En este texto, fruto de más de cuarenta años dedicados a la formación de actores, Uta Hagen define los objetivos que debe perseguir un actor y proporciona las técnicas específicas para lograrlos. Ofrece un sinnúmero de ayudas prácticas que han hecho de ella una de las pedagogas más influyentes de Estados Unidos.
Si queréis aprender mi método, observad el trabajo de Misha Chéjov. Konstantín Stanislavski Este volumen reúne dos textos autobiográficos de Mijaíl (Michael, en Estados Unidos) Chéjov que cubren su etapa rusa y europea, antes de que se instalara en Estados Unidos. El camino del actor (1928) rememora su infancia y el descubrimiento de su pasión por el teatro, su formación en la Escuela Teatral Suvorin y sus primeros pasos en el teatro Mali y posteriormente en el Teatro del Arte de Moscú; entra de lleno en su alcoholismo y en sus desequilibrios nerviosos y, sobre todo, en su búsqueda de una nueva forma de actuar que deje atrás los estereotipos naturalistas. Vida y encuentros (1945) se compone de una nutrida serie de recuerdos y anécdotas por los que desfilan personalidades como Stanislavski, Vajtángov, Sulerzhitski, Bieli o Max Reinhardt, de quienes ofrece tanto un retrato personal como una reflexión sobre sus técnicas y procesos creativos. También aquí el empeño por encontrar un nuevo sistema −y una manera de enseñarlo− que permita al actor la «bifurcación de la conciencia», es decir, una forma de observar e interpretar el personaje desde fuera, lejos del recurso stanislavskiano a la «memoria afectiva», ocupa un lugar importantísimo. Tanto uno como otro texto son más que unas memorias: tienen una innegable utilidad en el ámbito de la pedagogía teatral.
Muchos cantantes, bailarines, actores, músicos ya sean amateurs, estudiantes o grandes intérpretes afirman que la ansiedad escénica les afecta negativamente, disminuyendo su rendimiento y la calidad de su actuación. Es un hecho evidente que el trac no es selectivo, nos afecta a todos en mayor o menor intensidad. El objetivo principal de este libro es ofrecer al lector conocimientos y habilidades en la preparación para actuar ante público, así como como consejos para afrontar la ansiedad escénica sin que ésta interfiera en su buena interpretación. ¿Qué sucede en el cerebro ante una situación de ansiedad escénica? Tensión facial, ¿qué puedo hacer? ¿Por qué tiemblo?
La naturalidad televisiva se lo ha devorado todo. ¿Qué hará el actor con lo que la televisión ha hecho de él? ¿Hace falta actualizar la reflexión teórica sobre la técnica interpretativa? ¿Es posible recuperar la esencia que los medios tecnológicos han conseguido anular? ¿Por qué se pretende que la actuación sea una mera copia de lo real? ¿Es posible superar la cárcel de las tradiciones y la condena de la metodología americana basada en la copia de la vida? ¿Podemos concebir la técnica como construcción de algo que no es ni calco, ni forma preconcebida, ni algo existente antes de que el actor lo construya? Los encuadres teóricos que propongo aquí sirven para comprender los principios técnicos de una pedagogía que mira a la recuperación de la esencia. En la formación del actor, defino las dificultades de articulación de cada individuo con la técnica y luego visualizo los diferentes momentos que intervienen en el proceso de elaboración de un personaje. Abordo los problemas que propone el trabajo sobre cada texto con el fin de entender la singularidad de estos procesos. Tanto en escenas naturalistas o realistas, como en las escenas del llamado teatro clásico, es fundamental subrayar el equilibrio entre vivencia y signo escénico, e integrar la cuestión de la palabra-cuerpo. Teatro es lo que ocurre. El actor no debe aprender una técnica interpretativa para tener razón, sino para poder crear sin traicionarse.
El arte dramático es un arte de síntesis; las ideas y pensamientos se expresan a través de medios complejos, pero la palabra sigue siendo la principal forma de influir en el espectador. El dominio de la palabra en la creación actoral implica un estadio superior de la evolución artística del actor. Este libro constituye un utilísimo inventario y reportaje de los hallazgos hechos en un proceso único: el de la búsqueda de la palabra escénica de forma que la frase no sea conducida racionalmente en el momento de su emisión, sino que sea soltada, liberada al encuentro del interlocutor, revelando toda la calidad formal que le ha conferido el autor mientras surge impregnada de los deseos, antecedentes y quehaceres del personaje. La palabra en la creación actoral es una herramienta extraordinariamente operativa para cualquier actor; en el caso presente, providencial para los actores hispanos. María Ósipovna Knébel, destacada actriz, directora y pedagoga rusa, nos brinda las claves para que nuestras palabras se entrañen, las cante el corazón. Asistimos con ella a las lecciones magistrales de Stanislavski y quizá con la ayuda de ambos podamos conseguir que el contacto verbal, la palabra en escena, sea siempre racional, productivo, enérgico y volitivo, que sea siempre acción. De la misma autora, también en esta colección, El último Stanislavski (núm. 112).
Presentamos un libro sobre el aprendizaje teatral, escrito por uno de los pedagogos más importantes del siglo. Se trata de Michael Chejov, sobrino de Anton Chejov, cuyas enseñanzas han ejercido una gran influencia en los actores de muchos países. Su sistema de interpretación rechaza el abuso de psicologismo y se apoya sobre todo, en la creación en la mente del actor de imágenes interiores, frecuentemente abstractas, y en la actividad física para generar emociones. Michael Chejov ingresó en el teatro del Arte de Moscú en 1912 y rápidamente se convirtió en una de las figuras más importantes del Primer Estudio, como se llamaba a su sección experimental. En 1928 abandonó la Unión Soviética y recorrió Letonia, Lituania, Alemania , Italia, Francia e Inglaterra antes de establecerse definitivamente en Estados Unidos. También allí impartió clases de interpretación, contando entre sus alumnos con Gregory Peck, Marilyn Monroe y Yul Brynner.
Juegos para actores y no actores es un libro valioso para todas las personas interesadas en la aplicación de técnicas teatrales en todas las actividades humanísticas: psicología y psicoterapia, arte y educación, trabajo social y político.
Este libro es una detalladísima descripción del trabajo conjunto entre director y actores para conseguir que la función sea, como dice su título, Diferente cada noche. La larga experiencia de Mike Alfreds como director de escena ?del National Theatre a la Royal Shakespeare Company, pasando por el Globe? le permite exponer numerosos ejercicios y técnicas que él mismo ha aplicado en sus montajes, con el objetivo primordial de alcanzar el mayor rigor y precisión en las decisiones que vertebran el proceso creativo. Es un manual eminentemente práctico, en el que el actor es el eje central y se tratan las tres áreas principales de su trabajo: el texto, el personaje y el mundo de la obra. El teatro tiene que ser siempre «un acontecimiento único, abierto permanentemente al cambio».
Este libro reúne y estudia en diez capítulos la obra que Nuria Espert ha llevado a cabo desde sus comienzos como actriz, hasta la temporada 2014-2015. El punto de partida son los años inmediatamente posteriores a la guerra civil. La lectura de cada obra, su interpretación, y la plástica con que es presentada, señalando las características de cada director y de cada escenógrafo para mostrar cómo la labor de Nuria Espert en muchos casos se adelantó a la vanguardia artística.
Hace años que en Estados Unidos la llamada Stand Up Comedy tiene un éxito arrollador y ha propiciado la aparición de geniales artistas del monólogo en pequeñas salas y teatros que han triunfado luego en el cine y la televisión. Hoy en España y América la
La voz y el actor contiene el método de aprendizaje y producción vocal que Cicely Berry utiliza en la mítica Royal Shakespeare Company; un auténtico referente de la formación vocal para directores y actores teatrales que desde hace décadas, aporta ejercicios para el desarrollo de la relajación y el control de la respiración que permiten optimizar los recursos vocales para actores profesionales y oradores. La voz y el actor es indispensable para aproximarse al texto hablado o recitado y dotarlo de verdad y corporeidad personal.
Peter Brook, director de teatro original y creativo, es uno de los genios artísticos de nuestro tiempo. Este libro nos proporciona una absorvente visión del trabajo de Brook, mostrándonos qué pretende lograr a través del teatro, medio que ofrece, en su opinión, la más vívida metáfora de la vida misma.
En este texto, fruto de más de cuarenta años dedicados a la formación de actores, Uta Hagen define los objetivos que debe perseguir un actor y proporciona las técnicas específicas para lograrlos. Ofrece un sinnúmero de ayudas prácticas que han hecho de ella una de las pedagogas más influyentes de Estados Unidos.
Si queréis aprender mi método, observad el trabajo de Misha Chéjov. Konstantín Stanislavski Este volumen reúne dos textos autobiográficos de Mijaíl (Michael, en Estados Unidos) Chéjov que cubren su etapa rusa y europea, antes de que se instalara en Estados Unidos. El camino del actor (1928) rememora su infancia y el descubrimiento de su pasión por el teatro, su formación en la Escuela Teatral Suvorin y sus primeros pasos en el teatro Mali y posteriormente en el Teatro del Arte de Moscú; entra de lleno en su alcoholismo y en sus desequilibrios nerviosos y, sobre todo, en su búsqueda de una nueva forma de actuar que deje atrás los estereotipos naturalistas. Vida y encuentros (1945) se compone de una nutrida serie de recuerdos y anécdotas por los que desfilan personalidades como Stanislavski, Vajtángov, Sulerzhitski, Bieli o Max Reinhardt, de quienes ofrece tanto un retrato personal como una reflexión sobre sus técnicas y procesos creativos. También aquí el empeño por encontrar un nuevo sistema −y una manera de enseñarlo− que permita al actor la «bifurcación de la conciencia», es decir, una forma de observar e interpretar el personaje desde fuera, lejos del recurso stanislavskiano a la «memoria afectiva», ocupa un lugar importantísimo. Tanto uno como otro texto son más que unas memorias: tienen una innegable utilidad en el ámbito de la pedagogía teatral.
Muchos cantantes, bailarines, actores, músicos ya sean amateurs, estudiantes o grandes intérpretes afirman que la ansiedad escénica les afecta negativamente, disminuyendo su rendimiento y la calidad de su actuación. Es un hecho evidente que el trac no es selectivo, nos afecta a todos en mayor o menor intensidad. El objetivo principal de este libro es ofrecer al lector conocimientos y habilidades en la preparación para actuar ante público, así como como consejos para afrontar la ansiedad escénica sin que ésta interfiera en su buena interpretación. ¿Qué sucede en el cerebro ante una situación de ansiedad escénica? Tensión facial, ¿qué puedo hacer? ¿Por qué tiemblo?