La vinculación entre retrato y poder se remonta a la noche de los tiempos, y ha estado presente en todas las civilizaciones, épocas culturales y periodos artísticos: monarcas deificados, líderes políticos rejuvenecidos, militares heroificados, tiranos ennoblecidos, etc. Este libro sintetiza diversas investigaciones llevadas a cabo por los autores, algunas inéditas y otras publicadas y revisadas, con la pretensión de ejemplificar a través del análisis de los retratos y las representaciones de veinte personajes clave de la Historia los mecanismos de fabricación de la retratística del poder. La imagen pública de todos los seleccionados, o bien estableció modelos para las generaciones futuras algunos durante siglos, o bien aportó novedades iconográficas interesantes, o bien supo cristalizar circunstancias políticas muy especiales. La retratística de cada uno de ellos es un artefacto persuasivo relevante y a la vez un reto intelectual apasionante. Pero ante todo, un placer para nuestra mirada.
Emperatrices bizantinas, revolucionarios franceses y generales españoles: las figuras más imponentes de la Historia nos observan con osadía desde los lienzos de esta maravillosa colección de pinturas. Cada figura representada en estas imágenes irradia fuerza y esplendor, ya sea la viuda enlutada de un aristócrata, un político asesinado o un jovial grupo de rebeldes ucranianos.Rose-Marie y Rainer Hagen desentrañan los secretos y las historias escondidas en 13 obras maestras de artistas de la talla de Goya, Tiziano, Velázquez e Ilya Repin. Reyes, santos y sabios. Los hombres y las mujeres que aparecen en estas obras le inspirarán con sus conquistas y fortaleza.TASCHEN reproduce estas obras maestras con una calidad asombrosa. Para ello, ha trabajado en colaboración con importantes colecciones repartidas por todo el mundo, desde Bruselas y San Petersburgo hasta Nueva York y Nápoles. Con su combinación de análisis en profundidad y detalles ampliados, este libro es un trabajo de investigación histórica único que reconoce la importancia de figuras que movieron los hilos en el pasado.
El yo' como tema es una de las iniciativas artísticas más fascinantes y productivas. Esta colección reúne algunos de los mejores ejemplos de autorretrato desde el siglo XV hasta hoy, con el fin de explorar la evolución del género a través de los siglos y profundizar en las eternas cuestiones de la autoafirmación y la autorrepresentación, que han preocupado a los humanos desde mucho antes de la irrupción de las redes sociales y los selfies.¿Es el autorretrato de un artista una forma de reflexión? ¿O es quizás un vacío negro, el falso espejo, tal como el surrealista René Magritte llamó a su cuadro de un ojo en 1928? ¿Cuál es su papel en las nociones contemporáneas de belleza, poder y estatus? Desde Alberto Durero a Egon Schiele, Fra Filippo Lippi a Frida Kahlo, esta extensa colección explora las diversas formas en que los artistas se han transformado en sujetos, la variedad de métodos y perspectivas usados, y las inquietantes preguntas que han generado.
Solo unos cuantos devotos de la forma se han acercado a las radicales contribuciones que Rembrandt Harmenszoon van Rijn aportó al arte del autorretrato. Rembrandt desafió las convenciones consagradas por sus predecesores y transformó este formato en un medio capaz de comunicar profundidad emocional, en lugar de plasmar simplemente el aspecto físico en un ambiente adecuado o lujoso como era habitual.Con más de 80 obras que abarcan pinturas, grabados y dibujos, los autorretratos que el holandés realizó a lo largo de su vida son un medio para fijar lo efímero, ya sean momentos de evolución individual frente al paso inexorable del tiempo o de emociones y gestos faciales que desaparecen sin rastro con la misma rapidez con la que aparecieron. Durante las cuatro décadas en que fueron pintados, una constante llama la atención en todas las técnicas y estilos: el empeño de Rembrandt por presentarse desde múltiples perspectivas, de celebrar la multiplicidad del individuo y de apostar por un retrato natural y sin filtros de la expresión emocional.Además de las preocupaciones temáticas presentes en el conjunto de autorretratos de Rembrandt, las creaciones también son un ejemplo de innovación técnica y experimentación. La luz baña un hombro mientras medio rostro está sumido en la sombra sobre un fondo oscuro. Sus rizos indisciplinados, marcados sobre una pátina húmeda de pintura de tonos terrosos con un lápiz de caña de punta deshilachada, parecen reflejar la luz que cae sobre ellos, arremolinados con la energía alborotada de la sorpresa que el rostro de Rembrandt expresa tan a menudo. En toda su obra encontramos una humanidad inequívoca, cada pincelada expresiva y cada detalle confuso se traducen en una caracterización resuelta y honesta de sí mismo, de todas sus debilidades, sentimientos encontrados y etapas de la vida.Esta monografía, publicada en conmemoración del 350º aniversario de la muerte del artista, presenta todos los autorretratos de Rembrandt en impresionante tamaño XL. Desde sus primeros experimentos cuando tenía 22 años hasta su último autorretrato pintado un año antes de su muerte, esta colección monumental es testimonio de una vida dedicada a revolucionar la práctica pictórica en forma y contenido.
Solo unos cuantos devotos de la forma se han acercado a las radicales contribuciones que Rembrandt Harmenszoon van Rijn aportó al arte del autorretrato. Rembrandt desafió las convenciones consagradas por sus predecesores y transformó este formato en un medio capaz de comunicar profundidad emocional, en lugar de plasmar simplemente el aspecto físico en un ambiente adecuado o lujoso como era habitual.Con más de 80 obras que abarcan pinturas, grabados y dibujos, los autorretratos que el holandés realizó a lo largo de su vida son un medio para fijar lo efímero, ya sean momentos de evolución individual frente al paso inexorable del tiempo o de emociones y gestos faciales que desaparecen sin rastro con la misma rapidez con la que aparecieron. Durante las cuatro décadas en que fueron pintados, una constante llama la atención en todas las técnicas y estilos: el empeño de Rembrandt por presentarse desde múltiples perspectivas, de celebrar la multiplicidad del individuo y de apostar por un retrato natural y sin filtros de la expresión emocional.Además de las preocupaciones temáticas presentes en el conjunto de autorretratos de Rembrandt, las creaciones también son un ejemplo de innovación técnica y experimentación. La luz baña un hombro mientras medio rostro está sumido en la sombra sobre un fondo oscuro. Sus rizos indisciplinados, marcados sobre una pátina húmeda de pintura de tonos terrosos con un lápiz de caña de punta deshilachada, parecen reflejar la luz que cae sobre ellos, arremolinados con la energía alborotada de la sorpresa que el rostro de Rembrandt expresa tan a menudo. En toda su obra encontramos una humanidad inequívoca, cada pincelada expresiva y cada detalle confuso se traducen en una caracterización resuelta y honesta de sí mismo, de todas sus debilidades, sentimientos encontrados y etapas de la vida.Esta monografía, publicada en conmemoración del 350º aniversario de la muerte del artista, presenta todos los autorretratos de Rembrandt en impresionante tamaño XL. Desde sus primeros experimentos cuando tenía 22 años hasta su último autorretrato pintado un año antes de su muerte, esta colección monumental es testimonio de una vida dedicada a revolucionar la práctica pictórica en forma y contenido.
Catálogo publicado con motivo de la exposición "Velázquez y la familia de Felipe IV", celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 8 de octubre de 2013 y el 9 de febrero de 2014. A través de unas treinta obras, este catálogo muestra el desarrollo del retrato cortesano de Velázquez desde su segundo viaje a Roma en 1649 hasta su muerte en Madrid en 1660, una época que vio crear algunas de las pinturas más importantes de la historia de este género, como "Las meninas". Además de 14 obras realizadas por el propio Velázquez, el libro incluye algunos de los retratos que se hicieron en el entorno del pintor, con objeto de profundizar en el estudio de la compleja casuística de la creación de la imagen real. Igualmente, el catálogo rastrea el desarrollo del retrato cortesano español tras la muerte de Velázquez, cuando artistas como Mazo o Carreño reelaboraron las propuestas de este maestro.El catálogo corre a cargo de Javier Portús, comisario de la exposición y Jefe del Departamento de Pintura Española (hasta 1700) del Museo del Prado, y cuenta con ensayos de Miguel Morán Turina, profesor de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid, y Andrea Sommer-Mathis, de la Comisión de Estudios de Cultura e Historia del Teatro (Academia de las Ciencias Austriaca, Viena).
Este manual práctico no sólo es un método para conocer la técnica del retrato, también es un estímulo para aprender a ver más allá y dotar al personaje de un brillo y una personalidad especial, sea cual sea el material elegido.
En el siglo XVI, los retratos de artista no constituían ya ninguna rareza en Italia, los Países Bajos y Alemania. En España, en cambio, los primeros ejemplos importantes de este género no aparecen hasta el siglo XVII, en los casos más tempranos. Es cuando los artistas se separan de los gremios de artesanos y se unen a los intelectuales y empiezan a hacerse retratos como muestra de que ya son gente importante, que han subido un escalón socialmente. El más conocido es el autorretrato de Velázquez en Las Meninas. El artista se representa en este cuadro como alguien consciente de su valía, sosteniendo pinceles y paleta, en el círculo de la familia real. Sin embargo, si lo contemplamos como una obra maestra no de la pintura europea sino de la española, tendremos que preguntarnos por la tradición del retrato español de artista. A diferencia de lo que ocurre en los países vecinos, la historia de este género es, ante todo, la de la valoración de la pintura como arte liberal, valoración no iniciada en España hasta el 1600, aproximadamente. Es, además, la historia de la definición de una nueva concepción del retrato que sentó las bases para que se considerara a los pintores dignos de ser retratados. Tales son las circunstancias que nos permitirán juzgar correctamente los retratos de El Greco, Carducho, Velázquez o Murillo, contemplados e interpretados en la presente obra como testimonios del despertar de una conciencia artística.
El ?yo? como tema es una de las iniciativas artísticas más fascinantes y productivas. Esta colección reúne algunos de los mejores ejemplos de autorretrato desde el siglo XV hasta hoy, con el fin de explorar la evolución del género a través de los siglos y profundizar en las eternas cuestiones de la autoafirmación y la autorrepresentación, que han preocupado a los humanos desde mucho antes de la irrupción de las redes sociales y los selfies.¿Es el autorretrato de un artista una forma de reflexión? ¿O es quizás un vacío negro, ?el falso espejo?, tal como el surrealista René Magritte llamó a su cuadro de un ojo en 1928? ¿Cuál es su papel en las nociones contemporáneas de belleza, poder y estatus? Desde Alberto Durero a Egon Schiele, Fra Filippo Lippi a Frida Kahlo, esta extensa colección explora las diversas formas en que los artistas se han transformado en sujetos, la variedad de métodos y perspectivas usados, y las inquietantes preguntas que han generado.
Emperatrices bizantinas, revolucionarios franceses y generales españoles: las figuras más imponentes de la Historia nos observan con osadía desde los lienzos de esta maravillosa colección de pinturas. Cada figura representada en estas imágenes irradia fuerza y esplendor, ya sea la viuda enlutada de un aristócrata, un político asesinado o un jovial grupo de rebeldes ucranianos.Rose-Marie y Rainer Hagen desentrañan los secretos y las historias escondidas en 13 obras maestras de artistas de la talla de Goya, Tiziano, Velázquez e Ilya Repin. Reyes, santos y sabios. Los hombres y las mujeres que aparecen en estas obras le inspirarán con sus conquistas y fortaleza.TASCHEN reproduce estas obras maestras con una calidad asombrosa. Para ello, ha trabajado en colaboración con importantes colecciones repartidas por todo el mundo, desde Bruselas y San Petersburgo hasta Nueva York y Nápoles. Con su combinación de análisis en profundidad y detalles ampliados, este libro es un trabajo de investigación histórica único que reconoce la importancia de figuras que movieron los hilos en el pasado.
Las cautivadoras imágenes creadas por Frida Kahlo (1907-1954) son, en muchos sentidos, la manifestación de un trauma. Sufrió un accidente de tráfico casi mortal a los 18 años, numerosos problemas de salud, un matrimonio turbulento y varios abortos que le impidieron tener hijos y, sin embargo, supo transformar todas sus aflicciones en arte revolucionario.En sus autorretratos reales y metafóricos, Kahlo contempla al espectador con una mirada audaz, negándose a ser una víctima pasiva y entrelazando símbolos de su experiencia en un híbrido lenguaje de vida surrealista: pelo, raíces, venas, enredaderas, tentáculos y trompas de Falopio. Muchas de sus obras también exploran los ideales políticos comunistas, que Kahlo compartía con Rivera. La artista describió sus cuadros como "lo más sincero que podía hacer para expresar lo que siento dentro y fuera de mi ser".Este libro ofrece un amplio repaso de la obra de Kahlo, que descubre su inagotable determinación como artista y su importancia como pintora, icono feminista y pionera en la cultura latinoamericana.
La vinculación entre retrato y poder se remonta a la noche de los tiempos, y ha estado presente en todas las civilizaciones, épocas culturales y periodos artísticos: monarcas deificados, líderes políticos rejuvenecidos, militares heroificados, tiranos ennoblecidos, etc. Este libro sintetiza diversas investigaciones llevadas a cabo por los autores, algunas inéditas y otras publicadas y revisadas, con la pretensión de ejemplificar a través del análisis de los retratos y las representaciones de veinte personajes clave de la Historia los mecanismos de fabricación de la retratística del poder. La imagen pública de todos los seleccionados, o bien estableció modelos para las generaciones futuras algunos durante siglos, o bien aportó novedades iconográficas interesantes, o bien supo cristalizar circunstancias políticas muy especiales. La retratística de cada uno de ellos es un artefacto persuasivo relevante y a la vez un reto intelectual apasionante. Pero ante todo, un placer para nuestra mirada.
Emperatrices bizantinas, revolucionarios franceses y generales españoles: las figuras más imponentes de la Historia nos observan con osadía desde los lienzos de esta maravillosa colección de pinturas. Cada figura representada en estas imágenes irradia fuerza y esplendor, ya sea la viuda enlutada de un aristócrata, un político asesinado o un jovial grupo de rebeldes ucranianos.Rose-Marie y Rainer Hagen desentrañan los secretos y las historias escondidas en 13 obras maestras de artistas de la talla de Goya, Tiziano, Velázquez e Ilya Repin. Reyes, santos y sabios. Los hombres y las mujeres que aparecen en estas obras le inspirarán con sus conquistas y fortaleza.TASCHEN reproduce estas obras maestras con una calidad asombrosa. Para ello, ha trabajado en colaboración con importantes colecciones repartidas por todo el mundo, desde Bruselas y San Petersburgo hasta Nueva York y Nápoles. Con su combinación de análisis en profundidad y detalles ampliados, este libro es un trabajo de investigación histórica único que reconoce la importancia de figuras que movieron los hilos en el pasado.
El yo' como tema es una de las iniciativas artísticas más fascinantes y productivas. Esta colección reúne algunos de los mejores ejemplos de autorretrato desde el siglo XV hasta hoy, con el fin de explorar la evolución del género a través de los siglos y profundizar en las eternas cuestiones de la autoafirmación y la autorrepresentación, que han preocupado a los humanos desde mucho antes de la irrupción de las redes sociales y los selfies.¿Es el autorretrato de un artista una forma de reflexión? ¿O es quizás un vacío negro, el falso espejo, tal como el surrealista René Magritte llamó a su cuadro de un ojo en 1928? ¿Cuál es su papel en las nociones contemporáneas de belleza, poder y estatus? Desde Alberto Durero a Egon Schiele, Fra Filippo Lippi a Frida Kahlo, esta extensa colección explora las diversas formas en que los artistas se han transformado en sujetos, la variedad de métodos y perspectivas usados, y las inquietantes preguntas que han generado.
Solo unos cuantos devotos de la forma se han acercado a las radicales contribuciones que Rembrandt Harmenszoon van Rijn aportó al arte del autorretrato. Rembrandt desafió las convenciones consagradas por sus predecesores y transformó este formato en un medio capaz de comunicar profundidad emocional, en lugar de plasmar simplemente el aspecto físico en un ambiente adecuado o lujoso como era habitual.Con más de 80 obras que abarcan pinturas, grabados y dibujos, los autorretratos que el holandés realizó a lo largo de su vida son un medio para fijar lo efímero, ya sean momentos de evolución individual frente al paso inexorable del tiempo o de emociones y gestos faciales que desaparecen sin rastro con la misma rapidez con la que aparecieron. Durante las cuatro décadas en que fueron pintados, una constante llama la atención en todas las técnicas y estilos: el empeño de Rembrandt por presentarse desde múltiples perspectivas, de celebrar la multiplicidad del individuo y de apostar por un retrato natural y sin filtros de la expresión emocional.Además de las preocupaciones temáticas presentes en el conjunto de autorretratos de Rembrandt, las creaciones también son un ejemplo de innovación técnica y experimentación. La luz baña un hombro mientras medio rostro está sumido en la sombra sobre un fondo oscuro. Sus rizos indisciplinados, marcados sobre una pátina húmeda de pintura de tonos terrosos con un lápiz de caña de punta deshilachada, parecen reflejar la luz que cae sobre ellos, arremolinados con la energía alborotada de la sorpresa que el rostro de Rembrandt expresa tan a menudo. En toda su obra encontramos una humanidad inequívoca, cada pincelada expresiva y cada detalle confuso se traducen en una caracterización resuelta y honesta de sí mismo, de todas sus debilidades, sentimientos encontrados y etapas de la vida.Esta monografía, publicada en conmemoración del 350º aniversario de la muerte del artista, presenta todos los autorretratos de Rembrandt en impresionante tamaño XL. Desde sus primeros experimentos cuando tenía 22 años hasta su último autorretrato pintado un año antes de su muerte, esta colección monumental es testimonio de una vida dedicada a revolucionar la práctica pictórica en forma y contenido.
Solo unos cuantos devotos de la forma se han acercado a las radicales contribuciones que Rembrandt Harmenszoon van Rijn aportó al arte del autorretrato. Rembrandt desafió las convenciones consagradas por sus predecesores y transformó este formato en un medio capaz de comunicar profundidad emocional, en lugar de plasmar simplemente el aspecto físico en un ambiente adecuado o lujoso como era habitual.Con más de 80 obras que abarcan pinturas, grabados y dibujos, los autorretratos que el holandés realizó a lo largo de su vida son un medio para fijar lo efímero, ya sean momentos de evolución individual frente al paso inexorable del tiempo o de emociones y gestos faciales que desaparecen sin rastro con la misma rapidez con la que aparecieron. Durante las cuatro décadas en que fueron pintados, una constante llama la atención en todas las técnicas y estilos: el empeño de Rembrandt por presentarse desde múltiples perspectivas, de celebrar la multiplicidad del individuo y de apostar por un retrato natural y sin filtros de la expresión emocional.Además de las preocupaciones temáticas presentes en el conjunto de autorretratos de Rembrandt, las creaciones también son un ejemplo de innovación técnica y experimentación. La luz baña un hombro mientras medio rostro está sumido en la sombra sobre un fondo oscuro. Sus rizos indisciplinados, marcados sobre una pátina húmeda de pintura de tonos terrosos con un lápiz de caña de punta deshilachada, parecen reflejar la luz que cae sobre ellos, arremolinados con la energía alborotada de la sorpresa que el rostro de Rembrandt expresa tan a menudo. En toda su obra encontramos una humanidad inequívoca, cada pincelada expresiva y cada detalle confuso se traducen en una caracterización resuelta y honesta de sí mismo, de todas sus debilidades, sentimientos encontrados y etapas de la vida.Esta monografía, publicada en conmemoración del 350º aniversario de la muerte del artista, presenta todos los autorretratos de Rembrandt en impresionante tamaño XL. Desde sus primeros experimentos cuando tenía 22 años hasta su último autorretrato pintado un año antes de su muerte, esta colección monumental es testimonio de una vida dedicada a revolucionar la práctica pictórica en forma y contenido.
Catálogo publicado con motivo de la exposición "Velázquez y la familia de Felipe IV", celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 8 de octubre de 2013 y el 9 de febrero de 2014. A través de unas treinta obras, este catálogo muestra el desarrollo del retrato cortesano de Velázquez desde su segundo viaje a Roma en 1649 hasta su muerte en Madrid en 1660, una época que vio crear algunas de las pinturas más importantes de la historia de este género, como "Las meninas". Además de 14 obras realizadas por el propio Velázquez, el libro incluye algunos de los retratos que se hicieron en el entorno del pintor, con objeto de profundizar en el estudio de la compleja casuística de la creación de la imagen real. Igualmente, el catálogo rastrea el desarrollo del retrato cortesano español tras la muerte de Velázquez, cuando artistas como Mazo o Carreño reelaboraron las propuestas de este maestro.El catálogo corre a cargo de Javier Portús, comisario de la exposición y Jefe del Departamento de Pintura Española (hasta 1700) del Museo del Prado, y cuenta con ensayos de Miguel Morán Turina, profesor de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid, y Andrea Sommer-Mathis, de la Comisión de Estudios de Cultura e Historia del Teatro (Academia de las Ciencias Austriaca, Viena).
Este manual práctico no sólo es un método para conocer la técnica del retrato, también es un estímulo para aprender a ver más allá y dotar al personaje de un brillo y una personalidad especial, sea cual sea el material elegido.
En el siglo XVI, los retratos de artista no constituían ya ninguna rareza en Italia, los Países Bajos y Alemania. En España, en cambio, los primeros ejemplos importantes de este género no aparecen hasta el siglo XVII, en los casos más tempranos. Es cuando los artistas se separan de los gremios de artesanos y se unen a los intelectuales y empiezan a hacerse retratos como muestra de que ya son gente importante, que han subido un escalón socialmente. El más conocido es el autorretrato de Velázquez en Las Meninas. El artista se representa en este cuadro como alguien consciente de su valía, sosteniendo pinceles y paleta, en el círculo de la familia real. Sin embargo, si lo contemplamos como una obra maestra no de la pintura europea sino de la española, tendremos que preguntarnos por la tradición del retrato español de artista. A diferencia de lo que ocurre en los países vecinos, la historia de este género es, ante todo, la de la valoración de la pintura como arte liberal, valoración no iniciada en España hasta el 1600, aproximadamente. Es, además, la historia de la definición de una nueva concepción del retrato que sentó las bases para que se considerara a los pintores dignos de ser retratados. Tales son las circunstancias que nos permitirán juzgar correctamente los retratos de El Greco, Carducho, Velázquez o Murillo, contemplados e interpretados en la presente obra como testimonios del despertar de una conciencia artística.
El ?yo? como tema es una de las iniciativas artísticas más fascinantes y productivas. Esta colección reúne algunos de los mejores ejemplos de autorretrato desde el siglo XV hasta hoy, con el fin de explorar la evolución del género a través de los siglos y profundizar en las eternas cuestiones de la autoafirmación y la autorrepresentación, que han preocupado a los humanos desde mucho antes de la irrupción de las redes sociales y los selfies.¿Es el autorretrato de un artista una forma de reflexión? ¿O es quizás un vacío negro, ?el falso espejo?, tal como el surrealista René Magritte llamó a su cuadro de un ojo en 1928? ¿Cuál es su papel en las nociones contemporáneas de belleza, poder y estatus? Desde Alberto Durero a Egon Schiele, Fra Filippo Lippi a Frida Kahlo, esta extensa colección explora las diversas formas en que los artistas se han transformado en sujetos, la variedad de métodos y perspectivas usados, y las inquietantes preguntas que han generado.
Emperatrices bizantinas, revolucionarios franceses y generales españoles: las figuras más imponentes de la Historia nos observan con osadía desde los lienzos de esta maravillosa colección de pinturas. Cada figura representada en estas imágenes irradia fuerza y esplendor, ya sea la viuda enlutada de un aristócrata, un político asesinado o un jovial grupo de rebeldes ucranianos.Rose-Marie y Rainer Hagen desentrañan los secretos y las historias escondidas en 13 obras maestras de artistas de la talla de Goya, Tiziano, Velázquez e Ilya Repin. Reyes, santos y sabios. Los hombres y las mujeres que aparecen en estas obras le inspirarán con sus conquistas y fortaleza.TASCHEN reproduce estas obras maestras con una calidad asombrosa. Para ello, ha trabajado en colaboración con importantes colecciones repartidas por todo el mundo, desde Bruselas y San Petersburgo hasta Nueva York y Nápoles. Con su combinación de análisis en profundidad y detalles ampliados, este libro es un trabajo de investigación histórica único que reconoce la importancia de figuras que movieron los hilos en el pasado.
Las cautivadoras imágenes creadas por Frida Kahlo (1907-1954) son, en muchos sentidos, la manifestación de un trauma. Sufrió un accidente de tráfico casi mortal a los 18 años, numerosos problemas de salud, un matrimonio turbulento y varios abortos que le impidieron tener hijos y, sin embargo, supo transformar todas sus aflicciones en arte revolucionario.En sus autorretratos reales y metafóricos, Kahlo contempla al espectador con una mirada audaz, negándose a ser una víctima pasiva y entrelazando símbolos de su experiencia en un híbrido lenguaje de vida surrealista: pelo, raíces, venas, enredaderas, tentáculos y trompas de Falopio. Muchas de sus obras también exploran los ideales políticos comunistas, que Kahlo compartía con Rivera. La artista describió sus cuadros como "lo más sincero que podía hacer para expresar lo que siento dentro y fuera de mi ser".Este libro ofrece un amplio repaso de la obra de Kahlo, que descubre su inagotable determinación como artista y su importancia como pintora, icono feminista y pionera en la cultura latinoamericana.