Desde sus inicios creativos en los años treinta, Luis Rosales emprende un ejercicio de formación y experimentación estéticas que habrá de perfilarle durante toda su vida como el eterno aprendiz de poeta, abierto a cualquier nueva influencia que hubiese de enriquecer, renovar o completar su obra. Su voz poética es deudora de todas las tradiciones y está atenta al último hallazgo creativo. En «La casa encendida», Rosales alcanza la cúspide de su madurez poética. En «Rimas» se entrecruzan los temas y motivos cardinales que edifican su raíz vivencial y lírica: el tiempo como eje vertebrador de la existencia, el nombre como creador de la realidad, el paraíso perdido de la infancia y el recuerdo de la madre, las evocaciones del paisaje, la mitificación del espacio (la casa), el desamparo existencial del yo, la reflexión sobre el origen y la vinculación del hombre con el universo. «El contenido del corazón», libro dedicado a la memoria de su madre, supuso un punto de inflexión tanto en la vida como en la obra de Luis Rosales.
Publicadas en prensa desde 1910, incrustadas en otros libros, una y otra vez recopiladas, las greguerías siguen siendo pequeñas obras maestras, apuntes deliciosos, mínimas gemas depuradas en el laboratorio genial del escritor. Esta selección ha seguido el criterio de reunir aquellas que más se acercan a la fórmula ramoniana de: Greguería = Metáfora + Humor. El apéndice histórico ofrece una muestra de ellas en orden cronológico para captar mejor su evolución estética.
Neue Gedichte és una obra central dins la producció rilkeana. Els dos volums de què consta l?obra van ser publicats el 1907 i el 1909 i contenen cent setanta-cinc poemes, alguns força extensos i d?altres dividits en diverses parts. Feia anys que Rilke havia anat creant els poemes dels dos llibres, mentre publicava altres obres (Stundenbuch, Das Buch der Bilder i altres textos en prosa, entre ells els Els quaderns de Malte Laurids Brigge). Els dos volums de Neue Gedichte se situen doncs entre l?etapa inicial i la posterior de l?obra del poeta de Praga (Elegies de Duino i Sonets a Orfeu). Ens trobem davant un bloc poemàtic extens i que, segons Margarit, constitueix el corpus més important i més renovador dins el conjunt de l?obra del poeta, que ja porta uns anys lliurat als que ell anomena «Dinggedichte» (Poemes objecte). La varietat temàtica dels Neue Gedichte és molt gran i hi trobem la presència del món de l?antiguitat clàssica, els temes bíblics, així com els poemes sorgits de l?observació de realitats immediates, transcendides per la potència lírica i la complexitat formal que fan únics i incomparables aquests poemes. Atesa l?extensió i la significació de Neue Gedichte, semblava plausible fer-ne una antologia. I aquest n?és el resultat. FELIU FORMOSA Desembre del 2010
El Kalevala es una epopeya finlandesa compuesta por Elias Lönnrot a partir del disperso repertorio de cantos populares, transmitidos de generación en generación por bardos carelianos como Arhippa Perttunen y Ontrei Malinen. Memoria y concepción filosófica del universo de todo un pueblo, el finlandés, el Kalevala es a la vez una de las más grandes epopeyas de Europa. La primera edición apareció en 1835. Constaba de 5.052 versos, agrupados en 32 poemas. En 1849 se publicó la edición definitiva, con 23.000 versos y 50 poemas, que es la que hoy se ofrece en Alianza Literaria. El minucioso trabajo de recuperación de Elias Lönnrot culminó en la reelaboración de los cantos, ensamblando versos procedentes de distintos bardos o de distintas regiones, enlazando diferentes historias, reduciendo el número de personajes y concentrando escenarios, para dar lugar a una obra única y coherente, suma del folclore de Finlandia y de su pasado mítico. La leyenda, la fábula y la balada aparecen en ella perfectamente entrelazadas, creando un mundo a caballo entre la realidad y la magia, poblado no por héroes en sentido estricto, sino por hombres que, si bien destacan por sus atributos casi divinos, actúan movidos por pasiones humanas. Es el caso del bardo Väinämöinen y sus amores con la doncella de Pohjola; del apuesto Lemminkäinen, protagonista de mil hazañas y antihazañas; del pastor Kullervo, entre aventuras y desventuras; del herrero Ilmarinen, creador del sampo, una especie de molino mágico; del inexperto Joukahainen; y sobre todos ellos, el dios supremo y omnipotente, Ukko, secundado por otras deidades como Tapio, divinidad de los bosques; Hiisi y Lempo, del mal; Tuoni, de la muerte El texto, como apunta en el prólogo Agustín García Calvo, va enriquecido por una extraordinaria sucesión de nombres e imágenes de la naturaleza, propios «de poesías literarias refinadas».
La segunda mitad del siglo XVI contempla las primeras recopilaciones de lo que conocemos como " Romancero Viejo " . Paralelamente se despierta el interés de los poetas contemporáneos (Góngora, Lope) por esta forma, es el " Romancero Nuevo " . Esta edición examina cómo un mismo genio late bajo los romances moriscos, mitológicos, picarescos o rústicos.
Las dificultades de transmisión e interpretación literal del texto del " Libro de buen amor " , las penumbras que envuelven al autor, al título y a la fecha de composición, así como el abrupto fluir del sistema narrativo, auténtico rosario de episodios, han hecho que la obra haya sido objeto de las más variadas interpretaciones. Esta edición pretende ofrecer un texto que se acerque lo más posible a la voz del autor, voz que viene trazada a partir de lo que la obra nos aporta: un maestro de la palabra, la parodia y el relato breve que se impone sobre el Juan Ruiz moralista y grave. Así mismo se ofrece en apéndice y en notas las variantes de manuscritos y ediciones.
CANTIGAS DE SANTA MARÍA: Cantigas 261 a 427.Índice de Cantigas. Fuentes de las Cantigas 1 a 100 y versiones afines. Suplemento a la Bibliografía Selecta. Glosario. Fe de Erratas.
Michelangelo Buonarroti (Florencia, 1475-Roma 1564), uno de los gigantes de las artes plásticas de todos los tiempos, cuyo genio se dio a conocer en su ciudad natal merced a los auspicios de Lorenzo de Medici y floreció en Roma, bajo el mecenazgo papal, fue también un extraordinario poeta. Su producción en verso fue largo tiempo considerada menor con respecto a sus obras escultóricas y pictóricas, tras su publicación por un sobrino, con torpes enmiendas, en 1623. Fue en 1863, al ser publicadas las Rime por el erudito Cesare Guasti en edición completa, conforme a los manuscritos del artista, cuando se estableció la cronología de los poemas (sonetos, madrigales, canciones y fragmentos) y pudieron apreciarse la singularidad y el desarrollo de la obra. A partir de este importante hito editorial se inauguran los estudios de la poesía buonarrotiana, cuya originalidad e importancia en el contexto estético de su tiempo ha sido destacada por grandes poetas, escritores y críticos literarios del mundo occidental contemporáneo. Musicalizadas por Hugo Wolf, Benjamin Britten y Dmitri Shostakovich, las Rimas de Michelangelo han sido traducidas al inglés, al alemán, al francés, al portugués y al castellano. Entre los más ilustres y felices traductores de algunos de estos poemas se encuentran William Wordsworth, Rainer Maria Rilke y George Santayana. A diferencia de otras versiones de esta obra, concentradas en los sonetos, la presente edicion ofrece muestras de otras formas métricas en una selección que incluye las composiciones más representativas del genio poético buonarrotiano. Manuel J. Santayana (1953, Camagüey, Cuba) vive exiliado en Estados Unidos desde 1967. Ha publicado dos libros de poesía: De la luz sitiada (Miami, 1980) y Las palabras y las sombras (México, 1992), el primero comentado por Alberto Baeza Flores y Orlando González Esteva, y el segundo por Eduardo Milán (en Vuelta, 1992). Versos y prosas suyos han aparecido en La urpila (Montevideo), Linden Lane (Nueva York) y Encuentro de la cultura cubana (1999). Es traductor de Ronsard, Rilke, Yeats, Montale y Drummond de Andrade, entre otros poetas.
No se puede dudar que la poesía de San Juan de la Cruz es una de las cumbres de la literatura española, lo cual no excluye su enorme valor doctrinal, místico. Esta poesía puede verse como comunicación de experiencias personales cuya expresión, en cualquier caso, se inserta en el quehacer artístico de un período: las pautas literarias y culturales del Renacimiento. El trabajo que Domingo Ynduráin aborda en la presente edición aspira a poner de relieve los procedimientos literarios, el sistema constructivo que hace de las Canciones y las demás composiciones obras de arte válidas para cualquier lector.
Entre los clásicos latinos, el Arte de amar de Ovidio ha gozado siempre del favor de los lectores, lo que ha propiciado a lo largo de los siglos numerosas versiones de este texto. Sin embargo, la mayoría de sus traductores lo han hecho en prosa, ignorando así o despreciando una de las características fundamentales de esta obra: su escritura poética en versos dactílicos. Juan Manuel Rodríguez Tobal, por el contrario, lo ha recreado en castellano en ritmos equivalentes a los latinos del original, lo que nos permite una lectura más cercana al estilo y los propósitos del autor.
De las exiguas referencias biográficas que nos han llegado sobre Calímaco (nacido en Cirene, Libia) entre el 320 y el 305 a.C., el hecho más significativo es, sin duda, su establecimiento en la Alejandría Ptolemaica en torno al 285 a.C, donde no tardó en ocupar un cargo de importancia en la famosa biblioteca de Alejandría La vida y la obra poética de Calímaco están íntimamente unidas a la ciudad de Alejandría. Estamos frente a un poeta urbano que desarrolló toda su ingente actividad como poeta de la corte, en medio de la biblioteca y los gramáticos del Museo. La influencia de Calímaco como teórico literario y poeta fue extraordinaria en el periodo latino y medieval hasta comienzos del siglo XIII. Son numerosos los poetas romanos que vieron en el alejandrino un modelo de perfección poética: Ennio y otros " poetae novi " como Catulo, Propercio, Tibulo y Ovidio admiraron e imitaron al poeta docto por excelencia.
Casia (ca. 810-ca. 867) es la principal poetisa medieval en lengua griega y la primera compositora musical cuyas partituras se conservan. Mujer de fuerte personalidad, participó en el concurso de belleza para elegir a la nueva emperatriz. Sin embargo, fue rechazada cuando hizo uso de la palabra en público, lo que la llevó a fundar su propio convento. Desde él continuó interviniendo activamente en la vida política a través de la literatura. Conservamos unos 1.300 versos de Casia entre himnos litúrgicos y epigramas profanos o sentencias. La mitad de los himnos están dedicados a mujeres santas o festividades de la Virgen en una exaltación de lo femenino sin parangón. En las sentencias reivindica su derecho al uso de la palabra para la denuncia social o la formación del lector. Sus temas intimistas revelan una autora perspicaz, crítica con su entorno y con la falta de libertad para las mujeres. La solo aparente sencillez y naturalidad de su estilo, su depuración formal y su subjetiva visión de la realidad hacen de Casia la Safo bizantina.
Desde sus inicios creativos en los años treinta, Luis Rosales emprende un ejercicio de formación y experimentación estéticas que habrá de perfilarle durante toda su vida como el eterno aprendiz de poeta, abierto a cualquier nueva influencia que hubiese de enriquecer, renovar o completar su obra. Su voz poética es deudora de todas las tradiciones y está atenta al último hallazgo creativo. En «La casa encendida», Rosales alcanza la cúspide de su madurez poética. En «Rimas» se entrecruzan los temas y motivos cardinales que edifican su raíz vivencial y lírica: el tiempo como eje vertebrador de la existencia, el nombre como creador de la realidad, el paraíso perdido de la infancia y el recuerdo de la madre, las evocaciones del paisaje, la mitificación del espacio (la casa), el desamparo existencial del yo, la reflexión sobre el origen y la vinculación del hombre con el universo. «El contenido del corazón», libro dedicado a la memoria de su madre, supuso un punto de inflexión tanto en la vida como en la obra de Luis Rosales.
Publicadas en prensa desde 1910, incrustadas en otros libros, una y otra vez recopiladas, las greguerías siguen siendo pequeñas obras maestras, apuntes deliciosos, mínimas gemas depuradas en el laboratorio genial del escritor. Esta selección ha seguido el criterio de reunir aquellas que más se acercan a la fórmula ramoniana de: Greguería = Metáfora + Humor. El apéndice histórico ofrece una muestra de ellas en orden cronológico para captar mejor su evolución estética.
Neue Gedichte és una obra central dins la producció rilkeana. Els dos volums de què consta l?obra van ser publicats el 1907 i el 1909 i contenen cent setanta-cinc poemes, alguns força extensos i d?altres dividits en diverses parts. Feia anys que Rilke havia anat creant els poemes dels dos llibres, mentre publicava altres obres (Stundenbuch, Das Buch der Bilder i altres textos en prosa, entre ells els Els quaderns de Malte Laurids Brigge). Els dos volums de Neue Gedichte se situen doncs entre l?etapa inicial i la posterior de l?obra del poeta de Praga (Elegies de Duino i Sonets a Orfeu). Ens trobem davant un bloc poemàtic extens i que, segons Margarit, constitueix el corpus més important i més renovador dins el conjunt de l?obra del poeta, que ja porta uns anys lliurat als que ell anomena «Dinggedichte» (Poemes objecte). La varietat temàtica dels Neue Gedichte és molt gran i hi trobem la presència del món de l?antiguitat clàssica, els temes bíblics, així com els poemes sorgits de l?observació de realitats immediates, transcendides per la potència lírica i la complexitat formal que fan únics i incomparables aquests poemes. Atesa l?extensió i la significació de Neue Gedichte, semblava plausible fer-ne una antologia. I aquest n?és el resultat. FELIU FORMOSA Desembre del 2010
El Kalevala es una epopeya finlandesa compuesta por Elias Lönnrot a partir del disperso repertorio de cantos populares, transmitidos de generación en generación por bardos carelianos como Arhippa Perttunen y Ontrei Malinen. Memoria y concepción filosófica del universo de todo un pueblo, el finlandés, el Kalevala es a la vez una de las más grandes epopeyas de Europa. La primera edición apareció en 1835. Constaba de 5.052 versos, agrupados en 32 poemas. En 1849 se publicó la edición definitiva, con 23.000 versos y 50 poemas, que es la que hoy se ofrece en Alianza Literaria. El minucioso trabajo de recuperación de Elias Lönnrot culminó en la reelaboración de los cantos, ensamblando versos procedentes de distintos bardos o de distintas regiones, enlazando diferentes historias, reduciendo el número de personajes y concentrando escenarios, para dar lugar a una obra única y coherente, suma del folclore de Finlandia y de su pasado mítico. La leyenda, la fábula y la balada aparecen en ella perfectamente entrelazadas, creando un mundo a caballo entre la realidad y la magia, poblado no por héroes en sentido estricto, sino por hombres que, si bien destacan por sus atributos casi divinos, actúan movidos por pasiones humanas. Es el caso del bardo Väinämöinen y sus amores con la doncella de Pohjola; del apuesto Lemminkäinen, protagonista de mil hazañas y antihazañas; del pastor Kullervo, entre aventuras y desventuras; del herrero Ilmarinen, creador del sampo, una especie de molino mágico; del inexperto Joukahainen; y sobre todos ellos, el dios supremo y omnipotente, Ukko, secundado por otras deidades como Tapio, divinidad de los bosques; Hiisi y Lempo, del mal; Tuoni, de la muerte El texto, como apunta en el prólogo Agustín García Calvo, va enriquecido por una extraordinaria sucesión de nombres e imágenes de la naturaleza, propios «de poesías literarias refinadas».
La segunda mitad del siglo XVI contempla las primeras recopilaciones de lo que conocemos como " Romancero Viejo " . Paralelamente se despierta el interés de los poetas contemporáneos (Góngora, Lope) por esta forma, es el " Romancero Nuevo " . Esta edición examina cómo un mismo genio late bajo los romances moriscos, mitológicos, picarescos o rústicos.
Las dificultades de transmisión e interpretación literal del texto del " Libro de buen amor " , las penumbras que envuelven al autor, al título y a la fecha de composición, así como el abrupto fluir del sistema narrativo, auténtico rosario de episodios, han hecho que la obra haya sido objeto de las más variadas interpretaciones. Esta edición pretende ofrecer un texto que se acerque lo más posible a la voz del autor, voz que viene trazada a partir de lo que la obra nos aporta: un maestro de la palabra, la parodia y el relato breve que se impone sobre el Juan Ruiz moralista y grave. Así mismo se ofrece en apéndice y en notas las variantes de manuscritos y ediciones.
CANTIGAS DE SANTA MARÍA: Cantigas 261 a 427.Índice de Cantigas. Fuentes de las Cantigas 1 a 100 y versiones afines. Suplemento a la Bibliografía Selecta. Glosario. Fe de Erratas.
Michelangelo Buonarroti (Florencia, 1475-Roma 1564), uno de los gigantes de las artes plásticas de todos los tiempos, cuyo genio se dio a conocer en su ciudad natal merced a los auspicios de Lorenzo de Medici y floreció en Roma, bajo el mecenazgo papal, fue también un extraordinario poeta. Su producción en verso fue largo tiempo considerada menor con respecto a sus obras escultóricas y pictóricas, tras su publicación por un sobrino, con torpes enmiendas, en 1623. Fue en 1863, al ser publicadas las Rime por el erudito Cesare Guasti en edición completa, conforme a los manuscritos del artista, cuando se estableció la cronología de los poemas (sonetos, madrigales, canciones y fragmentos) y pudieron apreciarse la singularidad y el desarrollo de la obra. A partir de este importante hito editorial se inauguran los estudios de la poesía buonarrotiana, cuya originalidad e importancia en el contexto estético de su tiempo ha sido destacada por grandes poetas, escritores y críticos literarios del mundo occidental contemporáneo. Musicalizadas por Hugo Wolf, Benjamin Britten y Dmitri Shostakovich, las Rimas de Michelangelo han sido traducidas al inglés, al alemán, al francés, al portugués y al castellano. Entre los más ilustres y felices traductores de algunos de estos poemas se encuentran William Wordsworth, Rainer Maria Rilke y George Santayana. A diferencia de otras versiones de esta obra, concentradas en los sonetos, la presente edicion ofrece muestras de otras formas métricas en una selección que incluye las composiciones más representativas del genio poético buonarrotiano. Manuel J. Santayana (1953, Camagüey, Cuba) vive exiliado en Estados Unidos desde 1967. Ha publicado dos libros de poesía: De la luz sitiada (Miami, 1980) y Las palabras y las sombras (México, 1992), el primero comentado por Alberto Baeza Flores y Orlando González Esteva, y el segundo por Eduardo Milán (en Vuelta, 1992). Versos y prosas suyos han aparecido en La urpila (Montevideo), Linden Lane (Nueva York) y Encuentro de la cultura cubana (1999). Es traductor de Ronsard, Rilke, Yeats, Montale y Drummond de Andrade, entre otros poetas.
No se puede dudar que la poesía de San Juan de la Cruz es una de las cumbres de la literatura española, lo cual no excluye su enorme valor doctrinal, místico. Esta poesía puede verse como comunicación de experiencias personales cuya expresión, en cualquier caso, se inserta en el quehacer artístico de un período: las pautas literarias y culturales del Renacimiento. El trabajo que Domingo Ynduráin aborda en la presente edición aspira a poner de relieve los procedimientos literarios, el sistema constructivo que hace de las Canciones y las demás composiciones obras de arte válidas para cualquier lector.
Entre los clásicos latinos, el Arte de amar de Ovidio ha gozado siempre del favor de los lectores, lo que ha propiciado a lo largo de los siglos numerosas versiones de este texto. Sin embargo, la mayoría de sus traductores lo han hecho en prosa, ignorando así o despreciando una de las características fundamentales de esta obra: su escritura poética en versos dactílicos. Juan Manuel Rodríguez Tobal, por el contrario, lo ha recreado en castellano en ritmos equivalentes a los latinos del original, lo que nos permite una lectura más cercana al estilo y los propósitos del autor.
De las exiguas referencias biográficas que nos han llegado sobre Calímaco (nacido en Cirene, Libia) entre el 320 y el 305 a.C., el hecho más significativo es, sin duda, su establecimiento en la Alejandría Ptolemaica en torno al 285 a.C, donde no tardó en ocupar un cargo de importancia en la famosa biblioteca de Alejandría La vida y la obra poética de Calímaco están íntimamente unidas a la ciudad de Alejandría. Estamos frente a un poeta urbano que desarrolló toda su ingente actividad como poeta de la corte, en medio de la biblioteca y los gramáticos del Museo. La influencia de Calímaco como teórico literario y poeta fue extraordinaria en el periodo latino y medieval hasta comienzos del siglo XIII. Son numerosos los poetas romanos que vieron en el alejandrino un modelo de perfección poética: Ennio y otros " poetae novi " como Catulo, Propercio, Tibulo y Ovidio admiraron e imitaron al poeta docto por excelencia.
Casia (ca. 810-ca. 867) es la principal poetisa medieval en lengua griega y la primera compositora musical cuyas partituras se conservan. Mujer de fuerte personalidad, participó en el concurso de belleza para elegir a la nueva emperatriz. Sin embargo, fue rechazada cuando hizo uso de la palabra en público, lo que la llevó a fundar su propio convento. Desde él continuó interviniendo activamente en la vida política a través de la literatura. Conservamos unos 1.300 versos de Casia entre himnos litúrgicos y epigramas profanos o sentencias. La mitad de los himnos están dedicados a mujeres santas o festividades de la Virgen en una exaltación de lo femenino sin parangón. En las sentencias reivindica su derecho al uso de la palabra para la denuncia social o la formación del lector. Sus temas intimistas revelan una autora perspicaz, crítica con su entorno y con la falta de libertad para las mujeres. La solo aparente sencillez y naturalidad de su estilo, su depuración formal y su subjetiva visión de la realidad hacen de Casia la Safo bizantina.