El impresionismo, corriente que desde sus inicios atrajo al gran público, sigue siendo uno de los períodos más fascinantes de la historia del arte pictórico reciente. Buena prueba de ello son las espectaculares exposiciones dedicadas en los últimos años a Degas, Gauguin, Van Gogh, Renoir, Toulouse-Lautrec o Monet, así como las desorbitadas sumas obtenidas con la venta de sus cuadros.Sin embargo, pese a la admiración que despierta la pintura impresionista y a la gran cantidad de obras publicadas en particular sobre los grandes maestros que la nutrieron, hay aspectos que aún no se han investigado. Un buen número de pintores de segunda fila y sus obras han sido relegados al olvido o permanecen en el anonimato. Esta monografía viene a llenar ese vacío mediante un exhaustivo estudio del impresionismo en Francia y de corrientes afines que surgieron en paralelo en otros países de Europa y América del Norte.La parte 1 describe el impresionismo en Francia, incluidas las derivaciones del post o neoimpresionismo. El objetivo en este caso es presentar no solo a los pintores más famosos, sino también a aquellos que hoy día apenas se conocen, como el infravaloradísimo Caillebotte, de quien se repro-ducen 17 obras, y otros como Bazille, Bracquemond, Cross, Forain, Gonzalès, Guillaumin, Lebourg, Lépine, Luce, Morisot, L. Pissarro, Raffaëlli, Rouart y Vignon.La parte 2 consta de ocho capítulos y aborda la pintura que, inspirada en el impresionismo francés, apareció de forma simultánea en los Países Bajos, Bélgica, Alemania, Escandinavia, Europa del Este, Italia, España, Gran Bretaña, Estados Unidos y Canadá. Lo más notable en este sentido es que los pintores de esos países no se limitaron a copiar las obras que surgieron en la cuna del movimiento, sino que la mayoría de ellos adaptaron el estímulo francés a los respectivos lenguajes artísticos nacionales con una originalidad abrumadora.
El retrato es una acción casi mágica por medio de la cual el artista establece una sorprendente relación de semejanza entre un conjunto de pinceladas y trazos, más o menos acertados, y un personaje real; se convierte así en una metáfora visual capaz de capturar sus rasgos externos e internos más característicos, aquellos que lo distinguen de las demás personas. Si bien es cierto que la representación del retrato se considera una de las disciplinas más difíciles, porque requiere un avanzado nivel de dibujo y una mirada muy crítica, también lo es que existen algunas estrategias que facilitan la compresión técnica. Este libro contiene todas las indicaciones necesarias para dibujar y pintar el retrato apoyándose en numerosos recursos, ejemplos y ejercicios muy clarificadores.
Una aproximación artística y singular a los trágicos sucesos del tsunami ocurrido en Japón en marzo de 2011. El título del libro se inspira en el poema de Tamiki Hara Natsu no Hana (Flores de verano). El poeta Hara fue un superviviente de la bomba atómica de Hiroshima. La muerte de su mujer Sadae Hara y la bomba de Hiroshima fueron el eje fundamental de su obra. Sicilia se interesa por el sonidos de los pájaros y del tsunami, el ruido de Fukushima, y los interpreta tomando como punto de partida distintas fuentes a través de parámetros concretos: lecturas de datos sonoros registrados en el océano durante el tsunami, grabaciones recogidas en aquel momento, por ejemplo, de mensajes de alerta emitidos en algunas de las zonas afectadas, o del sonido de los pájaros, voces de la gente recogidos en vídeos sobre el tsunami colgados en Youtube, etc.
2014 es un proyecto expositivo y editorial que nace con la intención de acercarnos a una generación de artistas españoles o afincados en nuestro país, capaces de redefinir lo que hoy entendemos por pintura contemporánea, una pintura que se mueve dentro de la pintura y que ha asumido con naturalidad que ya no es una técnica y sí una tradición, una idea con capacidad de reformulación constante de sí misma.
Un auténtico recetario visual de técnicas pictóricas. La manera más eficaz de aprender a pintar y avanzar en la práctica de la pintura es pintando. Éste es un libro para aprender a avanzar en el arte de la pintura acrílica, y por ello propone al lector nada menos que 101 técnicas distintas ilustradas en otras tantas secuencias paso a paso. Las secuencias son relativamente cortas: salvo contadas excepciones, ocupan una o dos páginas. Es un espacio más que suficiente para dar cuenta, de una forma clara y sencilla, de todas las técnicas que caracterizan a la pintura acrílica. Cada ejemplo incorpora indicaciones acerca de los materiales utilizados y de su nivel de dificultad. De esta manera, tanto el principiante como el profesional encontrarán opciones acordes con sus posibilidades.Se trata, en suma, de una obra concebida para que el lector comience a pintar de inmediato, sin prolegómenos ni preámbulos. Para que pinte al acrílico y descubra el placer de hacerlo una y otra vez, una y cien veces.
Goya llegó a Madrid en enero de 1775 para colaborar, bajo la dirección de Anton Raphael Mengs, primer pintor de cámara y director artístico de la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara, en el proyecto de los cartones de tapices destinados a los Sitios Reales. Pero su reconocimiento en la Corte no llegó hasta once años después, cuando fue nombrado pintor del rey en 1786, y luego con su nombramiento como primer pintor de cámara, compartido con Maella, en 1799.El artista recibió siete encargos de cartones, en cuyas composiciones reflejó la diversidad del pueblo en escenas llenas de alegría y animadas por las diversiones, los juegos, los niños y las fiestas, pero también de violencia, engaños y tristeza, donde el deseo y la seducción actúan como trasfondo de la vida. Goya consigue una gran variedad de sentimientos por su extraordinaria capacidad para captar la riqueza de los tipos humanos, los diferentes atuendos masculinos y femeninos y la sugerencia de infinitas situaciones.En esta exposición se conjugan los cartones de Goya con los de otros artistas y se exhiben pinturas y esculturas que le sirvieron de modelo para sus creaciones llenas de novedades. Unos cartones de tapices, que Goya no concibió como pintura secundaria sino como invención metafórica de la sociedad, encontrando en ellos el camino de creaciones posteriores con las que alcanzó la fama, como los aguafuertes de los Caprichos.
Manual completo sobre la técnica pictórica del retrato que explica cómo llevar a cabo esta representación de acuerdo con el soporte y los materiales escogidos. También incluye varios modelos de prácticas para que el lector tenga a mano los ejemplos.
Más de 60 mandalas inspirados en diferentes tradiciones culturales para colorear según tu gusto. Rotuladores, pinturas, pasteles... sorpréndete con variadas técnicas y deja volar la imaginación y la creatividad. Con el paso de las páginas, tu Art Book para colorear ¡se transforma en un original libro de arte! Escoge tus más bellas creaciones y conviértelas en decorativos cuadros para colgar o regalar
¡Lánzate a nuevos retos creativos partiendo de las increíbles ilustraciones de la autora y unas breves instrucciones! Un cuaderno con 44 ejercicios prácticos para dominar el pincel y explorar diferentes técnicas de pintura. Divertidos desafíos con los que entrenarte periódicamente, aprender trucos y consejos, perfeccionar tus habilidades y experimentar. Trazos, patrones, motivos geométricos, texturas, gamas de colores, juegos con los pigmentos y ¡muchas técnicas más!
El impresionismo, corriente que desde sus inicios atrajo al gran público, sigue siendo uno de los períodos más fascinantes de la historia del arte pictórico reciente. Buena prueba de ello son las espectaculares exposiciones dedicadas en los últimos años a Degas, Gauguin, Van Gogh, Renoir, Toulouse-Lautrec o Monet, así como las desorbitadas sumas obtenidas con la venta de sus cuadros.Sin embargo, pese a la admiración que despierta la pintura impresionista y a la gran cantidad de obras publicadas en particular sobre los grandes maestros que la nutrieron, hay aspectos que aún no se han investigado. Un buen número de pintores de segunda fila y sus obras han sido relegados al olvido o permanecen en el anonimato. Esta monografía viene a llenar ese vacío mediante un exhaustivo estudio del impresionismo en Francia y de corrientes afines que surgieron en paralelo en otros países de Europa y América del Norte.La parte 1 describe el impresionismo en Francia, incluidas las derivaciones del post o neoimpresionismo. El objetivo en este caso es presentar no solo a los pintores más famosos, sino también a aquellos que hoy día apenas se conocen, como el infravaloradísimo Caillebotte, de quien se repro-ducen 17 obras, y otros como Bazille, Bracquemond, Cross, Forain, Gonzalès, Guillaumin, Lebourg, Lépine, Luce, Morisot, L. Pissarro, Raffaëlli, Rouart y Vignon.La parte 2 consta de ocho capítulos y aborda la pintura que, inspirada en el impresionismo francés, apareció de forma simultánea en los Países Bajos, Bélgica, Alemania, Escandinavia, Europa del Este, Italia, España, Gran Bretaña, Estados Unidos y Canadá. Lo más notable en este sentido es que los pintores de esos países no se limitaron a copiar las obras que surgieron en la cuna del movimiento, sino que la mayoría de ellos adaptaron el estímulo francés a los respectivos lenguajes artísticos nacionales con una originalidad abrumadora.
El retrato es una acción casi mágica por medio de la cual el artista establece una sorprendente relación de semejanza entre un conjunto de pinceladas y trazos, más o menos acertados, y un personaje real; se convierte así en una metáfora visual capaz de capturar sus rasgos externos e internos más característicos, aquellos que lo distinguen de las demás personas. Si bien es cierto que la representación del retrato se considera una de las disciplinas más difíciles, porque requiere un avanzado nivel de dibujo y una mirada muy crítica, también lo es que existen algunas estrategias que facilitan la compresión técnica. Este libro contiene todas las indicaciones necesarias para dibujar y pintar el retrato apoyándose en numerosos recursos, ejemplos y ejercicios muy clarificadores.
Una aproximación artística y singular a los trágicos sucesos del tsunami ocurrido en Japón en marzo de 2011. El título del libro se inspira en el poema de Tamiki Hara Natsu no Hana (Flores de verano). El poeta Hara fue un superviviente de la bomba atómica de Hiroshima. La muerte de su mujer Sadae Hara y la bomba de Hiroshima fueron el eje fundamental de su obra. Sicilia se interesa por el sonidos de los pájaros y del tsunami, el ruido de Fukushima, y los interpreta tomando como punto de partida distintas fuentes a través de parámetros concretos: lecturas de datos sonoros registrados en el océano durante el tsunami, grabaciones recogidas en aquel momento, por ejemplo, de mensajes de alerta emitidos en algunas de las zonas afectadas, o del sonido de los pájaros, voces de la gente recogidos en vídeos sobre el tsunami colgados en Youtube, etc.
2014 es un proyecto expositivo y editorial que nace con la intención de acercarnos a una generación de artistas españoles o afincados en nuestro país, capaces de redefinir lo que hoy entendemos por pintura contemporánea, una pintura que se mueve dentro de la pintura y que ha asumido con naturalidad que ya no es una técnica y sí una tradición, una idea con capacidad de reformulación constante de sí misma.
Un auténtico recetario visual de técnicas pictóricas. La manera más eficaz de aprender a pintar y avanzar en la práctica de la pintura es pintando. Éste es un libro para aprender a avanzar en el arte de la pintura acrílica, y por ello propone al lector nada menos que 101 técnicas distintas ilustradas en otras tantas secuencias paso a paso. Las secuencias son relativamente cortas: salvo contadas excepciones, ocupan una o dos páginas. Es un espacio más que suficiente para dar cuenta, de una forma clara y sencilla, de todas las técnicas que caracterizan a la pintura acrílica. Cada ejemplo incorpora indicaciones acerca de los materiales utilizados y de su nivel de dificultad. De esta manera, tanto el principiante como el profesional encontrarán opciones acordes con sus posibilidades.Se trata, en suma, de una obra concebida para que el lector comience a pintar de inmediato, sin prolegómenos ni preámbulos. Para que pinte al acrílico y descubra el placer de hacerlo una y otra vez, una y cien veces.
Goya llegó a Madrid en enero de 1775 para colaborar, bajo la dirección de Anton Raphael Mengs, primer pintor de cámara y director artístico de la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara, en el proyecto de los cartones de tapices destinados a los Sitios Reales. Pero su reconocimiento en la Corte no llegó hasta once años después, cuando fue nombrado pintor del rey en 1786, y luego con su nombramiento como primer pintor de cámara, compartido con Maella, en 1799.El artista recibió siete encargos de cartones, en cuyas composiciones reflejó la diversidad del pueblo en escenas llenas de alegría y animadas por las diversiones, los juegos, los niños y las fiestas, pero también de violencia, engaños y tristeza, donde el deseo y la seducción actúan como trasfondo de la vida. Goya consigue una gran variedad de sentimientos por su extraordinaria capacidad para captar la riqueza de los tipos humanos, los diferentes atuendos masculinos y femeninos y la sugerencia de infinitas situaciones.En esta exposición se conjugan los cartones de Goya con los de otros artistas y se exhiben pinturas y esculturas que le sirvieron de modelo para sus creaciones llenas de novedades. Unos cartones de tapices, que Goya no concibió como pintura secundaria sino como invención metafórica de la sociedad, encontrando en ellos el camino de creaciones posteriores con las que alcanzó la fama, como los aguafuertes de los Caprichos.
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