Tras el éxito de sus novelas de la serie «Crónicas del Renacimiento» Matar a Leonardo da Vinci y Rezar por Miguel Ángel, Christian Gálvez presenta en esta ocasión un fascinante análisis ilustrado de todas las teorías existentes sobre la imagen de Leonardo da Vinci. «Muchos de los manuscritos sobre anatomía humana están en posesión de Francesco Melzi, un gentilhombre de Milán que era un hombre bello en el tiempo en que Leonardo vivía y al que le profesaba un gran cariño. Francesco aprecia y conserva estos trabajos como reliquias de Leonardo, junto con el retrato de este artista en su feliz recuerdo.» Con estas palabras Giorgio Vasari, uno de los primeros historiadores de arte y autor de las biografías de los artistas italianos durante el Renacimiento, asegura que existe un retrato de Leonardo da Vinci que Francesco Melzi, alumno, secretario y albacea del artista florentino, guardó al morir el maestro. Por lo tanto tenemos una referencia histórica real de dicha imagen. ¿A qué retrato se refería Vasari? ¿Al supuesto autorretrato que guarda la Biblioteca Real de Turín y que mundialmente se reconoce como tal?, ¿o por el contrario al retrato que realizó Francesco Melzi mientras su maestro seguía con vida? ¿Son compatibles ambos retratos? ¿Coinciden esos rostros con el resto del imaginario de Leonardo da Vinci, tales como el de El hombre de Vitruvio de Venecia o los de La última cena de Milán? ¿Quién es el hombre representado en la Tavola Lucana? A través de estas páginas, prologadas por el prestigioso historiador Ross King, analizaremos todas las teorías que eruditos, historiadores y expertos en arte han elaborado en torno a la imagen del maestro florentino con un único objetivo: encontrar el verdadero rostro del polímata más conocido de la historia de la humanidad: Leonardo da Vinci. ** Christian Gálvez ha sido galardonado con el Premio de Periodismo Científico Concha García Campoy, por el exhaustivo trabajo de investigación y divulgación sobre la imagen de Leonardo da Vinci en el ensayo Leonardo Da Vinci- Cara a Cara cuyas conclusiones le han llevado a participar como experto mundial en el proyecto internacional Leonardo. DNA, que reúne a genetistas, historiadores, forenses, arqueólogos y otros expertos para desvelar los últimos misterios de la vida de Leonardo a través de su ADN en el año de su V centenario. La crítica ha dicho...«Un profundo estudio histórico y artístico en busca del verdadero rostro de Da Vinci.»Qué Leer «Christian Gálvez tiene algo de hombre del Renacimiento. Su curiosidad innata, el respeto a los clásicos y su capacidad de trabajo le han granjeado no solo una legión de seguidores, sino la consideración de los mayores especialistas de la historia y el arte de ese tiempo.»Historia Los lectores han dicho...«Un trabajo de investigación de muchos años para el que ha contado con la colaboración de especialistas en la materia. En definitiva, uno de esos libros que hay que leer sí o sí.»Blog Elegí mal el día
A través de las representaciones pictóricas del siglo XIX, y fílmicas y televisivas desde los años treinta del siglo XX hasta la actualidad, la autora lleva a cabo una lectura del papel de las mujeres en la construcción de la memoria histórica, como objeto y como sujeto de la misma. Si bien, en lugar de realizar un estudio panorámico de la construcción del nacionalismo español, se analizan en detalle dos casos que se presentan como emblemáticos: los de la reina Juana la Loca y Agustina de Aragón, convertidas en alegorías para que las mujeres españolas se sientan incluidas en el proyecto de una nación española unida.
Cualquier objeto construido es como la figura de un tapiz hecho con hilos que van de un lado a otro de la urdimbre. Por leyes generativas, de conexión, y por el orden de elaboración, se crean figuras, cuya naturaleza revela un conjunto de variables: los hilos. Tiendo a pensar que un objeto no tiene principio ni fin. La apreciación de la obra de arte cuenta siempre con un objeto externo y unas reacciones que se desencadenan en lo interno. Es una articulación de dos aportaciones de origen opuesto. La noción de postimagen me parece paradigmática y sirve como metáfora que cubre muchas ocasiones en la experiencia de la arquitectura o de cualquier obra de arte. La postimagen destila, condensa y representa el modo en que actúa la obra al vivirla. Ese objeto real ante nosotros brilla súbitamente y parece emitir una luz propia. La obra percibida resplandece en una especie de transfiguración. Algo de fuera suscita unos mensajes que sólo se comprenden si contamos con una memoria de sensaciones y la excitación de unos órganos, en varios niveles de profundidad, que son activados al unísono de la entrada de información por los sentidos. Cualquier obra de arte reside en ese espacio intermedio o híbrido. Se instala en una conexión intermitente, oscilante en un ir y venir, entre lo que recibimos y lo que damos. La vivencia de la quiebra de un estar espontáneo infantil, íntimamente enlazado a lo circundante, y el sentimiento de fragmentación de la integridad mental correspondiente desencadenarán, pasado el tiempo, un deseo sostenido de volver a aquellos momentos de fusión original. Pienso que en ese punto se originó una ansiedad vaga, más o menos consciente, por superar la temprana escisión. A causa de ese radical exilio se engendró una tarea posterior: la de recrear deliberadamente situaciones de enlace y fluidez comunicativa como las que se daban con espontánea naturalidad en aquella edad infantil. Creo que ese impulso restitutivo es un ingrediente soterrado o encubierto que yace en el fondo de muchos designios artísticos.
UN LUGAR PARA ENCONTRARTE (MIENTRAS COLOREAS) Hay cosas que requieren tiempo. Y sólo es cuestión de eso, de dejarlo pasar. No es fácil aprender a quedarte así, sin hacer nada, y desviar tu mirada, o dejarla perderse entre la gente, entre otra gente, entre gente nueva, o entre tu gente... O perderte tú... Llenar la vida de otros momentos, y salir a buscarlos en las calles de otras ciudades, en las manos de otros cuerpos, en las miradas de otras personas, en las conversaciones de otros cafés... O volver a los mismos sitios, a aquellos plagados de recuerdos, para crear otros nuevos. No es fácil... Pero hay cosas que sólo necesitan tiempo para encontrar su lugar, y has de dejarlo pasar. Adéntrate en este libro y elije una ilustración. Cada una, cuenta una historia capturada en un momento en el que necesité buscarme y tuve que ir capturándolo todo para que no se olvidara. Pon cerca un puñado de pinturas y dale el sentido que tú quieras con los colores que escojas, y deja que tome vida... Y mientras lo hace, y coloreas sin prisa, permite a tu mente volar. Y así, sin querer, habrán ido pasando los minutos, y habrá sido justo el tiempo que necesitabas para encontrarte. Dicen que el tiempo es oro... Ya quisiera el oro ser tiempo.
El Museo Nacional del Prado presenta una exposición acerca de Mariano Fortuny y Marsal (1838-74) a la que dedica sus dos salas más importantes en la ampliación del Museo. Es la primera vez que el Prado aborda una exposición antológica de este destacado artista, buena parte de cuyas obras maestras conserva gracias a los generosos legados de Ramón de Errazu y de Mariano Fortuny y Madrazo, hijo del pintor, y a compras realizadas por el propio Museo.Como en otras exposiciones monográficas que ha realizado el Prado, se presenta una revisión de la mejor aportación del pintor. Mariano Fortuny, el artista español que tuvo una mayor presencia internacional en el último tercio del siglo XIX, fue un verdadero renovador en todas las parcelas del arte que cultivó.
Copiar los dibujos realizados por los grandes maestros fue, es y será una práctica habitual entre los estudiantes de Bellas Artes. Además de tratarse de un ejercicio de un gran valor formativo es una buena manera de analizar, comprender y apropiarse de las técnicas, los efectos y los recursos de los grandes artistas del pasado; con ello, los secretos del dibujo se ponen al alcance de todos los aficionados al dibujo y a la pintura. Esta obra está destinada a los amantes de la historia del arte, a los que se sienten atraídos por los dibujos antiguos, a los copistas de los grandes maestros y a los artistas avanzados que quieren mejorar sus habilidades o ampliar su conocimiento de la técnica del dibujo. Contenido adicional a través de la página web o realidad aumentada: -14 obras originales para imprimir-Más de 27 vídeos instructivos-14 ejercicios desarrollados paso a paso-70 propuestas de dibujos para seguir practicando
A lo largo de la historia del arte se han producidovarias rupturas temáticas y de estilo: así por ejemplo cuando en el siglo xv, junto a la representación de lo divino, irrumpe en la pintura el retrato del individuo. (Véase Tzvetan Todorov, «Elogio del individuo», Galaxia Gutenberg, 2006.) Otra no menos relevante tiene lugar cuando en la pintura holandesa del siglo xvii, en vez de los personajes históricos, mitológicos o religiosos, las telas se pueblan de temas de la vida cotidiana. De repente parece como si ni en la pintura ni en el mundo no hubiera ya espacio para héroes ni santos. Los soldados, que encarnaron siempre las virtudes heroicas por excelencia, aparecen descansando o tomando vino, jugando a cartas, cortejando a jóvenes damas o durmiendo. La pintura pasa a someterse únicamente a lo existente y evita la idealización y lo edificante. Deja de inventar la belleza para descubrirla en lo que rodea al hombre. Y busca convertir en bello aquello que no lo es. ¿Por qué se produce esta transformación? ¿Por qué en los Países Bajos? ¿De qué cambios más profundos en la sociedad europea es el reflejo? ¿Qué nos enseña hoy que vivimos amenazados por nuevas formas de degradación de la vida cotidiana? Éstos son algunas de las preguntas a las que se enfrenta Tzvetan Todorov en el presente libro a través del estudio de obras maestras de Rembrandt, Vermeer, Metsu, Franz Hals, Gerard Dou o De Hooch entre otros. Una muestra más de su magisterio a la hora de descubrir y explicar las grandes corrientes subterráneas que mueven la historia de las sociedades humanas.
Nace Diego de Silva y Velázquez en la ciudad de Sevilla el año de 1599. Su padre, Juan Rodríguez de Silva, es de ascendencia portuguesa y de familia noble. Su madre, Jerónima Velázquez, cuyo apellido va a perpetuarse en la historia de los pinceles, es de antigua familia sevillana. Desde muy joven siente Diego de Silva la llamada de la pintura, y acude a los talleres de los maestros sevillanos más competentes, como Herrera el Viejo, con quien se cree que estudió, aunque no hay pruebas documentales al efecto. Sabemos, sin embargo, con toda seguridad, que a los doce años estaba trabajando como aprendiz en el taller de Francisco Pacheco
Nació en Fuente de Cantos, provincia de Badajoz, allá por el año 1598, a muy corto espacio de tiempo de otros intocables, como Ribera o Velázquez, que nacen también al filo del 1600. Esta fecha es una de las más notables forjadoras de artistas, no sólo en España, sino también en el extranjero. Nombres como Rembrandt, Vermeer, Poussin, etc, aparecen en el mundo por las mismas fechas, es decir, son hombres de la misma generación. La generación de 1600 es una de las primeras generaciones de la Europa moderna, que es casi como decir de la Europa barroca.
Una visión artística del mundo desde la neurología. A lo largo de setenta y ocho obras de arte de todas las épocas se describe la presencia de la neurología en la historia del arte y algunos de sus aspectos fundamentales con un lenguaje descriptivo y asequible. A continuación, se explica la obra de arte con una breve reseña del artista y de sus principales características
Los artistas se han referido a la felicidad y a su sombra inseparable, la desdicha: poetas, escritores, músicos han sabido crear obras capaces de arrancarnos lágrimas o hacernos sentir, de repente, ligeros, confiados y felices. Los pintores, de un modo todavía más sutil, se han mostrado capaces de perturbarnos, de modificar nuestra manera habitual y rutinaria de ver la realidad y de captar los momentos de felicidad, los sentimientos de tristeza. Para resolver el misterio de la felicidad, la pintura puede servirnos de guía, un guía enigmático en sí mismo, que sólo nos hablará con imágenes y metáforas, más allá de las palabras y el razonamiento. El arte de la felicidad reproduce obras pictóricas para ilustrar los mensajes que nos transmite cada pintor La llevamos buscando desde hace tanto tiempo, esa felicidad, que a veces llegamos a dudar de su existencia o del interés que supone perseguirla. Entonces, retomamos el curso de la vida cotidiana, ni totalmente infeliz ni completamente dichoso. Hasta que, de nuevo, se nos impone la intuición de su existencia, como una cuestión que debe resolverse, un imperioso misterio que debe dilucidarse. A través de veinticinco cuadros, Christophe André intenta conectar los sentimientos que tenían los pintores en el momento de realizar la obra con nuestros propios sentimientos. Una forma diferente de analizar obras de arte y, sobre todo, una forma distinta de analizar nuestro propio estado de ánimo. Con un escorzo magnífico y fulgurante, Van Gogh, agotado por su caos interior y su lucha contra la enfermedad psíquica, se concentra en los esencial: el impulso de la vida hacia la trascendencia y los cielos. Ha pintado el cuadro con la cabeza mirando el cielo, sin ver nada más a su alrededor. Vicent Van Gogh es uno de los pintores que analiza Christophe André. También podemos encontrar obras de Johannes Vermeer, Claude Monet, Jean Honoré Fragonard o Rembrandt.
La visión completa de la Capilla Sixtina desde sus pinturas cuatrocentistas de las paredes laterales hasta la cúpula de Miguel Ángel. El profesor Henrich X. Pfeiffer, gran especialista en la materia, analiza cada detalle pintado en los frescos y nos muestra sus secretos artísticos y teológicos, en un trabajo profusamente ilustrado y documentado en bibliotecas y otras fuentes vaticanas.
Tras el éxito de sus novelas de la serie «Crónicas del Renacimiento» Matar a Leonardo da Vinci y Rezar por Miguel Ángel, Christian Gálvez presenta en esta ocasión un fascinante análisis ilustrado de todas las teorías existentes sobre la imagen de Leonardo da Vinci. «Muchos de los manuscritos sobre anatomía humana están en posesión de Francesco Melzi, un gentilhombre de Milán que era un hombre bello en el tiempo en que Leonardo vivía y al que le profesaba un gran cariño. Francesco aprecia y conserva estos trabajos como reliquias de Leonardo, junto con el retrato de este artista en su feliz recuerdo.» Con estas palabras Giorgio Vasari, uno de los primeros historiadores de arte y autor de las biografías de los artistas italianos durante el Renacimiento, asegura que existe un retrato de Leonardo da Vinci que Francesco Melzi, alumno, secretario y albacea del artista florentino, guardó al morir el maestro. Por lo tanto tenemos una referencia histórica real de dicha imagen. ¿A qué retrato se refería Vasari? ¿Al supuesto autorretrato que guarda la Biblioteca Real de Turín y que mundialmente se reconoce como tal?, ¿o por el contrario al retrato que realizó Francesco Melzi mientras su maestro seguía con vida? ¿Son compatibles ambos retratos? ¿Coinciden esos rostros con el resto del imaginario de Leonardo da Vinci, tales como el de El hombre de Vitruvio de Venecia o los de La última cena de Milán? ¿Quién es el hombre representado en la Tavola Lucana? A través de estas páginas, prologadas por el prestigioso historiador Ross King, analizaremos todas las teorías que eruditos, historiadores y expertos en arte han elaborado en torno a la imagen del maestro florentino con un único objetivo: encontrar el verdadero rostro del polímata más conocido de la historia de la humanidad: Leonardo da Vinci. ** Christian Gálvez ha sido galardonado con el Premio de Periodismo Científico Concha García Campoy, por el exhaustivo trabajo de investigación y divulgación sobre la imagen de Leonardo da Vinci en el ensayo Leonardo Da Vinci- Cara a Cara cuyas conclusiones le han llevado a participar como experto mundial en el proyecto internacional Leonardo. DNA, que reúne a genetistas, historiadores, forenses, arqueólogos y otros expertos para desvelar los últimos misterios de la vida de Leonardo a través de su ADN en el año de su V centenario. La crítica ha dicho...«Un profundo estudio histórico y artístico en busca del verdadero rostro de Da Vinci.»Qué Leer «Christian Gálvez tiene algo de hombre del Renacimiento. Su curiosidad innata, el respeto a los clásicos y su capacidad de trabajo le han granjeado no solo una legión de seguidores, sino la consideración de los mayores especialistas de la historia y el arte de ese tiempo.»Historia Los lectores han dicho...«Un trabajo de investigación de muchos años para el que ha contado con la colaboración de especialistas en la materia. En definitiva, uno de esos libros que hay que leer sí o sí.»Blog Elegí mal el día
A través de las representaciones pictóricas del siglo XIX, y fílmicas y televisivas desde los años treinta del siglo XX hasta la actualidad, la autora lleva a cabo una lectura del papel de las mujeres en la construcción de la memoria histórica, como objeto y como sujeto de la misma. Si bien, en lugar de realizar un estudio panorámico de la construcción del nacionalismo español, se analizan en detalle dos casos que se presentan como emblemáticos: los de la reina Juana la Loca y Agustina de Aragón, convertidas en alegorías para que las mujeres españolas se sientan incluidas en el proyecto de una nación española unida.
Cualquier objeto construido es como la figura de un tapiz hecho con hilos que van de un lado a otro de la urdimbre. Por leyes generativas, de conexión, y por el orden de elaboración, se crean figuras, cuya naturaleza revela un conjunto de variables: los hilos. Tiendo a pensar que un objeto no tiene principio ni fin. La apreciación de la obra de arte cuenta siempre con un objeto externo y unas reacciones que se desencadenan en lo interno. Es una articulación de dos aportaciones de origen opuesto. La noción de postimagen me parece paradigmática y sirve como metáfora que cubre muchas ocasiones en la experiencia de la arquitectura o de cualquier obra de arte. La postimagen destila, condensa y representa el modo en que actúa la obra al vivirla. Ese objeto real ante nosotros brilla súbitamente y parece emitir una luz propia. La obra percibida resplandece en una especie de transfiguración. Algo de fuera suscita unos mensajes que sólo se comprenden si contamos con una memoria de sensaciones y la excitación de unos órganos, en varios niveles de profundidad, que son activados al unísono de la entrada de información por los sentidos. Cualquier obra de arte reside en ese espacio intermedio o híbrido. Se instala en una conexión intermitente, oscilante en un ir y venir, entre lo que recibimos y lo que damos. La vivencia de la quiebra de un estar espontáneo infantil, íntimamente enlazado a lo circundante, y el sentimiento de fragmentación de la integridad mental correspondiente desencadenarán, pasado el tiempo, un deseo sostenido de volver a aquellos momentos de fusión original. Pienso que en ese punto se originó una ansiedad vaga, más o menos consciente, por superar la temprana escisión. A causa de ese radical exilio se engendró una tarea posterior: la de recrear deliberadamente situaciones de enlace y fluidez comunicativa como las que se daban con espontánea naturalidad en aquella edad infantil. Creo que ese impulso restitutivo es un ingrediente soterrado o encubierto que yace en el fondo de muchos designios artísticos.
UN LUGAR PARA ENCONTRARTE (MIENTRAS COLOREAS) Hay cosas que requieren tiempo. Y sólo es cuestión de eso, de dejarlo pasar. No es fácil aprender a quedarte así, sin hacer nada, y desviar tu mirada, o dejarla perderse entre la gente, entre otra gente, entre gente nueva, o entre tu gente... O perderte tú... Llenar la vida de otros momentos, y salir a buscarlos en las calles de otras ciudades, en las manos de otros cuerpos, en las miradas de otras personas, en las conversaciones de otros cafés... O volver a los mismos sitios, a aquellos plagados de recuerdos, para crear otros nuevos. No es fácil... Pero hay cosas que sólo necesitan tiempo para encontrar su lugar, y has de dejarlo pasar. Adéntrate en este libro y elije una ilustración. Cada una, cuenta una historia capturada en un momento en el que necesité buscarme y tuve que ir capturándolo todo para que no se olvidara. Pon cerca un puñado de pinturas y dale el sentido que tú quieras con los colores que escojas, y deja que tome vida... Y mientras lo hace, y coloreas sin prisa, permite a tu mente volar. Y así, sin querer, habrán ido pasando los minutos, y habrá sido justo el tiempo que necesitabas para encontrarte. Dicen que el tiempo es oro... Ya quisiera el oro ser tiempo.
El Museo Nacional del Prado presenta una exposición acerca de Mariano Fortuny y Marsal (1838-74) a la que dedica sus dos salas más importantes en la ampliación del Museo. Es la primera vez que el Prado aborda una exposición antológica de este destacado artista, buena parte de cuyas obras maestras conserva gracias a los generosos legados de Ramón de Errazu y de Mariano Fortuny y Madrazo, hijo del pintor, y a compras realizadas por el propio Museo.Como en otras exposiciones monográficas que ha realizado el Prado, se presenta una revisión de la mejor aportación del pintor. Mariano Fortuny, el artista español que tuvo una mayor presencia internacional en el último tercio del siglo XIX, fue un verdadero renovador en todas las parcelas del arte que cultivó.
Copiar los dibujos realizados por los grandes maestros fue, es y será una práctica habitual entre los estudiantes de Bellas Artes. Además de tratarse de un ejercicio de un gran valor formativo es una buena manera de analizar, comprender y apropiarse de las técnicas, los efectos y los recursos de los grandes artistas del pasado; con ello, los secretos del dibujo se ponen al alcance de todos los aficionados al dibujo y a la pintura. Esta obra está destinada a los amantes de la historia del arte, a los que se sienten atraídos por los dibujos antiguos, a los copistas de los grandes maestros y a los artistas avanzados que quieren mejorar sus habilidades o ampliar su conocimiento de la técnica del dibujo. Contenido adicional a través de la página web o realidad aumentada: -14 obras originales para imprimir-Más de 27 vídeos instructivos-14 ejercicios desarrollados paso a paso-70 propuestas de dibujos para seguir practicando
A lo largo de la historia del arte se han producidovarias rupturas temáticas y de estilo: así por ejemplo cuando en el siglo xv, junto a la representación de lo divino, irrumpe en la pintura el retrato del individuo. (Véase Tzvetan Todorov, «Elogio del individuo», Galaxia Gutenberg, 2006.) Otra no menos relevante tiene lugar cuando en la pintura holandesa del siglo xvii, en vez de los personajes históricos, mitológicos o religiosos, las telas se pueblan de temas de la vida cotidiana. De repente parece como si ni en la pintura ni en el mundo no hubiera ya espacio para héroes ni santos. Los soldados, que encarnaron siempre las virtudes heroicas por excelencia, aparecen descansando o tomando vino, jugando a cartas, cortejando a jóvenes damas o durmiendo. La pintura pasa a someterse únicamente a lo existente y evita la idealización y lo edificante. Deja de inventar la belleza para descubrirla en lo que rodea al hombre. Y busca convertir en bello aquello que no lo es. ¿Por qué se produce esta transformación? ¿Por qué en los Países Bajos? ¿De qué cambios más profundos en la sociedad europea es el reflejo? ¿Qué nos enseña hoy que vivimos amenazados por nuevas formas de degradación de la vida cotidiana? Éstos son algunas de las preguntas a las que se enfrenta Tzvetan Todorov en el presente libro a través del estudio de obras maestras de Rembrandt, Vermeer, Metsu, Franz Hals, Gerard Dou o De Hooch entre otros. Una muestra más de su magisterio a la hora de descubrir y explicar las grandes corrientes subterráneas que mueven la historia de las sociedades humanas.
Nace Diego de Silva y Velázquez en la ciudad de Sevilla el año de 1599. Su padre, Juan Rodríguez de Silva, es de ascendencia portuguesa y de familia noble. Su madre, Jerónima Velázquez, cuyo apellido va a perpetuarse en la historia de los pinceles, es de antigua familia sevillana. Desde muy joven siente Diego de Silva la llamada de la pintura, y acude a los talleres de los maestros sevillanos más competentes, como Herrera el Viejo, con quien se cree que estudió, aunque no hay pruebas documentales al efecto. Sabemos, sin embargo, con toda seguridad, que a los doce años estaba trabajando como aprendiz en el taller de Francisco Pacheco
Nació en Fuente de Cantos, provincia de Badajoz, allá por el año 1598, a muy corto espacio de tiempo de otros intocables, como Ribera o Velázquez, que nacen también al filo del 1600. Esta fecha es una de las más notables forjadoras de artistas, no sólo en España, sino también en el extranjero. Nombres como Rembrandt, Vermeer, Poussin, etc, aparecen en el mundo por las mismas fechas, es decir, son hombres de la misma generación. La generación de 1600 es una de las primeras generaciones de la Europa moderna, que es casi como decir de la Europa barroca.
Una visión artística del mundo desde la neurología. A lo largo de setenta y ocho obras de arte de todas las épocas se describe la presencia de la neurología en la historia del arte y algunos de sus aspectos fundamentales con un lenguaje descriptivo y asequible. A continuación, se explica la obra de arte con una breve reseña del artista y de sus principales características
Los artistas se han referido a la felicidad y a su sombra inseparable, la desdicha: poetas, escritores, músicos han sabido crear obras capaces de arrancarnos lágrimas o hacernos sentir, de repente, ligeros, confiados y felices. Los pintores, de un modo todavía más sutil, se han mostrado capaces de perturbarnos, de modificar nuestra manera habitual y rutinaria de ver la realidad y de captar los momentos de felicidad, los sentimientos de tristeza. Para resolver el misterio de la felicidad, la pintura puede servirnos de guía, un guía enigmático en sí mismo, que sólo nos hablará con imágenes y metáforas, más allá de las palabras y el razonamiento. El arte de la felicidad reproduce obras pictóricas para ilustrar los mensajes que nos transmite cada pintor La llevamos buscando desde hace tanto tiempo, esa felicidad, que a veces llegamos a dudar de su existencia o del interés que supone perseguirla. Entonces, retomamos el curso de la vida cotidiana, ni totalmente infeliz ni completamente dichoso. Hasta que, de nuevo, se nos impone la intuición de su existencia, como una cuestión que debe resolverse, un imperioso misterio que debe dilucidarse. A través de veinticinco cuadros, Christophe André intenta conectar los sentimientos que tenían los pintores en el momento de realizar la obra con nuestros propios sentimientos. Una forma diferente de analizar obras de arte y, sobre todo, una forma distinta de analizar nuestro propio estado de ánimo. Con un escorzo magnífico y fulgurante, Van Gogh, agotado por su caos interior y su lucha contra la enfermedad psíquica, se concentra en los esencial: el impulso de la vida hacia la trascendencia y los cielos. Ha pintado el cuadro con la cabeza mirando el cielo, sin ver nada más a su alrededor. Vicent Van Gogh es uno de los pintores que analiza Christophe André. También podemos encontrar obras de Johannes Vermeer, Claude Monet, Jean Honoré Fragonard o Rembrandt.
La visión completa de la Capilla Sixtina desde sus pinturas cuatrocentistas de las paredes laterales hasta la cúpula de Miguel Ángel. El profesor Henrich X. Pfeiffer, gran especialista en la materia, analiza cada detalle pintado en los frescos y nos muestra sus secretos artísticos y teológicos, en un trabajo profusamente ilustrado y documentado en bibliotecas y otras fuentes vaticanas.