Este libro es útil para los principiantes que se plantean usar el pastel por primera vez, para los artistas experimentados que tal vez se sientan faltos de inspiración y para cualquier persona que se encuentre entre estas dos categorías. Las técnicas que aprenderá con este libro le ayudarán a ganar confianza y abrir su perspectiva para que pinte lo que puede ser, no solo lo que piensa que es. Ejercicios secuenciados le ayudarán a crecer como artista. Encontrará más de 40 técnicas para aprender nuevos enfoques del uso del pastel, para crear y revelar capas, incorporar monotipos como fondo, crear texturas que no se pueden duplicar dibujando o pintando y mucho más.
Desde 1988 no había vuelto a reunirse en España un conjunto importante de obras de Eugène Delacroix. Entre tanto, nuevos enfoques sobre su obra pintada y sus numerosos escritos han puesto de manifiesto una personalidad artística cada vez más apasionante: la de un creador de gran agudeza intelectual y perspicacia, que se implicó de lleno en la elaboración de un nuevo canon cultural y artístico, del que se erigió en precursor; la de un artista con extraordinario sentido de la oportunidad y amplia visión comercial, que elevó su arte a la categoría de paradigma de una nueva época. Los ensayos contenidos en este libro ofrecen una revisión actualizada de los estudios en torno al genial artista. Su faceta de escritor y lector apasionado es analizada por Michéle Hannoosh, de la Universidad de Michigan, autora de una reciente y cuidada edición de los extensos diarios del pintor. Las afinidades electivas de Delacroix, que el artista abraza como si fueran proclamas de una nueva era, se producen en cada uno de sus actos artísticos. Nina Athanassaglou-Kallmyer, de la Universidad de Delaware, las analiza en relación con la música, un campo de suma importancia para un artista que, al principio de su carrera, dudó entre ser pintor o músico. Además de una completa monografía, Delacroix, de la idea a la expresión es el catálogo de una gran exposición de la Fundación la Caixa. Entre las piezas que forman la muestra, algunas de ellas obras capitales del arte europeo, y que se recogen en esta publicación, figuran ejemplos de la diversidad del quehacer artístico de Delacroix: pintura, dibujo, decoraciones murales, grabado. La novedad de los planteamientos plásticos de Delacroix en el grabado calcográfico y en la litografía es revelada en el ensayo del profesor Thierry Laugée, de la Sorbona. Por su parte, Vincent Pomarède, del Musée du Louvre, estudia la presencia del paisaje en la obra del maestro, un género que hasta ahora había recibido menor atención por los especialistas en el pintor.
El objetivo de Cuadernos Parramón es acompañar al lector en la aventura de iniciarse en el dibujo y la pintura, de una manera muy fácil, sencilla, amena y gratificante.Este cuaderno aporta las bases teóricas mínimas indispensables para empezar a pintar flores, respondiendo a las inquietudes propias del principiante: cómo componer, cómo encuadrar, qué punto de vista escoger, cómo dibujar el boceto y con qué, cómo plantear las mezclas en cada medio y cómo utilizar sus respectivas técnicas. A través de textos cortos y con el apoyo de numerosas fotografías y un diseño ágil, atractivo y moderno, este cuaderno constituye una guía didáctica elemental para pintar flores.
Se resumen sus principales textos sobre Velázquez: un libro breve en el que estudia (por primera vez) cuales fueron las posibles influencias formales y compositiva de su pintura, y varios artículos dedicados a estudiar sus pinturas.
Esta obra analiza la historia de la pintura francesa en el siglo XIX tratando de definir qué es moderno de aquella pintura y en qué radica, relacionándolo con las transformaciones de París -especialmente bajo los auspicios del barón Haussman-, con la mentalidad y usos de la burguesía del momento, y con la capacidad de esa pintura de reflejar todos los cambios que se estaban produciendo en el entorno y en la sociedad.
Recetas de cómo decorar una casa usted mismo, desde pintar paredes con distintas técnicas hasta decorar cajas de cartón o madera. Incluso se le invita a reciclar muebles que iban a ser tirados.
Cada título de esta serie está dedicado a una técnica (acuarela, óleo, acrílica, pastel, etc.), tal y como reza el enunciado de la colección. Se trata de un conjunto de libros en cada uno de los cuales se explican de forma detallada y exhaustiva todos los aspectos que necesita saber para conseguir conocer a fondo la técnica en cuestión y poder así pintar con ella con soltura y dominio. Los volúmenes están estructurados de forma enciclopédica, a base de capítulos monográficos que contienen pequeños apartados. Todas las explicaciones se acompañan de la ilustración correspondiente al objeto de que ningún tema quede sin comprensión. Los volúmenes se cierran con un índice detallado para facilitar la consulta, la utilidad y el manejo de cada tomo, que viene a ser un vademécum con todo el acopio de conocimientos sobre la técnica en él tratada.
Todo el Renacimiento gira obsesivamente en torno a la búsqueda de lo específicamente humano. Una indagación sobre el hombre, su pensamiento, su sentido, su propia materialidad. Por ello el retrato -y no sólo lo que estrictamente se entiende por tal, sino también los cientos de representaciones humanas que figuran en los frescos y en las grandes pinturas religiosas-, ocupa un lugar central en las preocupaciones de sus artistas, orfebres, pintores y escultores .... A través del estudio ya clásico de John Pope-Hennesy podemos descubrir algunas de las claves de lo que fue aquel nuevo humanismo renacentista, un nuevo mundo, una nueva visión.
Más de cincuenta años dedicó Charles de Tolnay, heredero de la gran tradición centroeuropea, al estudio de la vida y obra de Miguel Angel Buonarroti, en un caso sin apenas parangón en la historia del arte. Fruto de esa pasión crítica es -además de casi sesenta artículos y varios libros- su ya clásica monografía Miguel Angel. Escultor, pintor y arquitecto, perfecta síntesis de la prodigiosa labor desarrollada por el genial florentino en los campos de la escultura, la pintura y la aarquitectura. Adoptando una perspectiva cronológica, y aunando el análisis formal e iconográfico con el estudio de los escritos del propio Miguel Angel en torno al fluir de las ideas de su tiempo. Charles de Tolnay nos va desvelando magistralmente la razón de ser de una obra que une a su profundo carácter intelectual una intensidad poco común en el arte occidental. El volumen está enriquecido por casi cuatrocientas ilustraciones, una nota bibliográfica, un catálogo de su obra y una bibliografía seleccionada.
Julia Minguillón (Lugo, 1906 - Madrid, 1965) pertenece a una generación de artistas gallegos nacidos alrededor del año 1900, del mayor interés. Su condición de pintora gallega debe ser no sólo tenida en cuenta sino destacada y el lector a través del texto, documentación gráfica y apéndice documental, llegará a la conclusión de que su nombre debe figurar en el panorama de la pintura gallega del siglo XX al lado de Maside, Frau, Colmeiro, Laxeiro, Pesqueira, Lugrís, Maruja Mallo, Seoane o Arturo Souto, entre otros.
Una extraordinaria selección de obras de artistas de todo el mundo, del siglo XVII hasta la actualidad, que ponen el foco sobre la fi gura del perro. De Goya a Sally Muir pasando por David Hockney o Marie Laurencin, las distintas miradas artísticas, combinadas con breves textos sobre las obras, los movimientos y las razas, nos acercan a nuestra concepción del mundo canino, así como a las relaciones que se tejen entre el ser humano, el arte y el mundo animal.
Este libro es útil para los principiantes que se plantean usar el pastel por primera vez, para los artistas experimentados que tal vez se sientan faltos de inspiración y para cualquier persona que se encuentre entre estas dos categorías. Las técnicas que aprenderá con este libro le ayudarán a ganar confianza y abrir su perspectiva para que pinte lo que puede ser, no solo lo que piensa que es. Ejercicios secuenciados le ayudarán a crecer como artista. Encontrará más de 40 técnicas para aprender nuevos enfoques del uso del pastel, para crear y revelar capas, incorporar monotipos como fondo, crear texturas que no se pueden duplicar dibujando o pintando y mucho más.
Desde 1988 no había vuelto a reunirse en España un conjunto importante de obras de Eugène Delacroix. Entre tanto, nuevos enfoques sobre su obra pintada y sus numerosos escritos han puesto de manifiesto una personalidad artística cada vez más apasionante: la de un creador de gran agudeza intelectual y perspicacia, que se implicó de lleno en la elaboración de un nuevo canon cultural y artístico, del que se erigió en precursor; la de un artista con extraordinario sentido de la oportunidad y amplia visión comercial, que elevó su arte a la categoría de paradigma de una nueva época. Los ensayos contenidos en este libro ofrecen una revisión actualizada de los estudios en torno al genial artista. Su faceta de escritor y lector apasionado es analizada por Michéle Hannoosh, de la Universidad de Michigan, autora de una reciente y cuidada edición de los extensos diarios del pintor. Las afinidades electivas de Delacroix, que el artista abraza como si fueran proclamas de una nueva era, se producen en cada uno de sus actos artísticos. Nina Athanassaglou-Kallmyer, de la Universidad de Delaware, las analiza en relación con la música, un campo de suma importancia para un artista que, al principio de su carrera, dudó entre ser pintor o músico. Además de una completa monografía, Delacroix, de la idea a la expresión es el catálogo de una gran exposición de la Fundación la Caixa. Entre las piezas que forman la muestra, algunas de ellas obras capitales del arte europeo, y que se recogen en esta publicación, figuran ejemplos de la diversidad del quehacer artístico de Delacroix: pintura, dibujo, decoraciones murales, grabado. La novedad de los planteamientos plásticos de Delacroix en el grabado calcográfico y en la litografía es revelada en el ensayo del profesor Thierry Laugée, de la Sorbona. Por su parte, Vincent Pomarède, del Musée du Louvre, estudia la presencia del paisaje en la obra del maestro, un género que hasta ahora había recibido menor atención por los especialistas en el pintor.
El objetivo de Cuadernos Parramón es acompañar al lector en la aventura de iniciarse en el dibujo y la pintura, de una manera muy fácil, sencilla, amena y gratificante.Este cuaderno aporta las bases teóricas mínimas indispensables para empezar a pintar flores, respondiendo a las inquietudes propias del principiante: cómo componer, cómo encuadrar, qué punto de vista escoger, cómo dibujar el boceto y con qué, cómo plantear las mezclas en cada medio y cómo utilizar sus respectivas técnicas. A través de textos cortos y con el apoyo de numerosas fotografías y un diseño ágil, atractivo y moderno, este cuaderno constituye una guía didáctica elemental para pintar flores.
Se resumen sus principales textos sobre Velázquez: un libro breve en el que estudia (por primera vez) cuales fueron las posibles influencias formales y compositiva de su pintura, y varios artículos dedicados a estudiar sus pinturas.
Esta obra analiza la historia de la pintura francesa en el siglo XIX tratando de definir qué es moderno de aquella pintura y en qué radica, relacionándolo con las transformaciones de París -especialmente bajo los auspicios del barón Haussman-, con la mentalidad y usos de la burguesía del momento, y con la capacidad de esa pintura de reflejar todos los cambios que se estaban produciendo en el entorno y en la sociedad.
Recetas de cómo decorar una casa usted mismo, desde pintar paredes con distintas técnicas hasta decorar cajas de cartón o madera. Incluso se le invita a reciclar muebles que iban a ser tirados.
Cada título de esta serie está dedicado a una técnica (acuarela, óleo, acrílica, pastel, etc.), tal y como reza el enunciado de la colección. Se trata de un conjunto de libros en cada uno de los cuales se explican de forma detallada y exhaustiva todos los aspectos que necesita saber para conseguir conocer a fondo la técnica en cuestión y poder así pintar con ella con soltura y dominio. Los volúmenes están estructurados de forma enciclopédica, a base de capítulos monográficos que contienen pequeños apartados. Todas las explicaciones se acompañan de la ilustración correspondiente al objeto de que ningún tema quede sin comprensión. Los volúmenes se cierran con un índice detallado para facilitar la consulta, la utilidad y el manejo de cada tomo, que viene a ser un vademécum con todo el acopio de conocimientos sobre la técnica en él tratada.
Todo el Renacimiento gira obsesivamente en torno a la búsqueda de lo específicamente humano. Una indagación sobre el hombre, su pensamiento, su sentido, su propia materialidad. Por ello el retrato -y no sólo lo que estrictamente se entiende por tal, sino también los cientos de representaciones humanas que figuran en los frescos y en las grandes pinturas religiosas-, ocupa un lugar central en las preocupaciones de sus artistas, orfebres, pintores y escultores .... A través del estudio ya clásico de John Pope-Hennesy podemos descubrir algunas de las claves de lo que fue aquel nuevo humanismo renacentista, un nuevo mundo, una nueva visión.
Más de cincuenta años dedicó Charles de Tolnay, heredero de la gran tradición centroeuropea, al estudio de la vida y obra de Miguel Angel Buonarroti, en un caso sin apenas parangón en la historia del arte. Fruto de esa pasión crítica es -además de casi sesenta artículos y varios libros- su ya clásica monografía Miguel Angel. Escultor, pintor y arquitecto, perfecta síntesis de la prodigiosa labor desarrollada por el genial florentino en los campos de la escultura, la pintura y la aarquitectura. Adoptando una perspectiva cronológica, y aunando el análisis formal e iconográfico con el estudio de los escritos del propio Miguel Angel en torno al fluir de las ideas de su tiempo. Charles de Tolnay nos va desvelando magistralmente la razón de ser de una obra que une a su profundo carácter intelectual una intensidad poco común en el arte occidental. El volumen está enriquecido por casi cuatrocientas ilustraciones, una nota bibliográfica, un catálogo de su obra y una bibliografía seleccionada.
Julia Minguillón (Lugo, 1906 - Madrid, 1965) pertenece a una generación de artistas gallegos nacidos alrededor del año 1900, del mayor interés. Su condición de pintora gallega debe ser no sólo tenida en cuenta sino destacada y el lector a través del texto, documentación gráfica y apéndice documental, llegará a la conclusión de que su nombre debe figurar en el panorama de la pintura gallega del siglo XX al lado de Maside, Frau, Colmeiro, Laxeiro, Pesqueira, Lugrís, Maruja Mallo, Seoane o Arturo Souto, entre otros.
Una extraordinaria selección de obras de artistas de todo el mundo, del siglo XVII hasta la actualidad, que ponen el foco sobre la fi gura del perro. De Goya a Sally Muir pasando por David Hockney o Marie Laurencin, las distintas miradas artísticas, combinadas con breves textos sobre las obras, los movimientos y las razas, nos acercan a nuestra concepción del mundo canino, así como a las relaciones que se tejen entre el ser humano, el arte y el mundo animal.