El presente libro es obra de dos profesionales de la psicología y amantes del cine, que no solo evidencian la estrecha vinculación entre ambas disciplinas, ni los distintos roles que ha ido adoptando el psicólogo en el cine, o sus diferencias con la psiquiatría, sino que divulgan la psicología a través del cine y lo hacen de una forma entretenida y didáctica. Se trata de una obra rigurosa pero escrita en un lenguaje sencillo, que huye de terminologías complejas, y con un enfoque práctico: la explicación de las diferentes patologías se enlaza con referencias a la película en cuestión, a cómo afronta el personaje cada situación y a las emociones derivadas de las mismas. Resulta de gran ayuda para cualquier profesional del ámbito de la salud que desee ampliar sus conocimientos sobre psicología, apoyándose en el cine para indagar cómo tratar ciertas patologías. Los amantes del cine que quieran conocer el punto de vista psicológico de las películas y los estudiantes de psicología que quieran familiarizarse, de una manera amena, con algunas de las alteraciones psicológicas más conocidas, encontrarán también de gran interés su lectura. José Antonio Molina (Madrid, 1972) es licenciado en Psicología por la U.C.M. Ha publicado diferentes artículos en revistas de investigación, tanto nacionales como extranjeras, colaborador habitual de medios de comunicación y autor del libro SOS? Tengo una adicción (2011). Desde 1996 tiene su propia consulta. En 2009 funda Psicohealth, un recurso novedoso basado en la intervención intensiva e individualizada. Miguel del Nogal (Madrid, 1976) es licenciado en psicología por la Universidad Complutense de Madrid, Máster en psicología clínica y de la salud, y Especialista en drogodependencias. Compatibiliza su actividad clínica (tanto con personas drogodependientes como con otras problemáticas) con la actividad docente (otra de sus grandes pasiones). Es autor de "Cómo superar el tabaco, el alcohol y las drogas" y "El tratamiento de los problemas de drogas".
Esta publicación continúa la senda iniciada en el volumen "Territorios y fronteras. Experiencias documentales contemporáneas" (2012), recogiendo el testigo de los encuentros entre directores, académicos y críticos de cine organizados por la Universidad del País Vasco / Euskal Herriko Unibertsitatea junto a la Fundación BilbaoArte. Una vez más, equilibristas del cine contemporáneo y de la academia se dan cita en este volumen, que emerge también de largos e intensos debates, discusiones, e-mails y conversaciones, prestando especial atención al crecimiento y las mutaciones del cine contemporáneo.
Dibujante, director e incluso poeta, Tim Burton es un creador único en la historia del cine. Autor de una selecta filmografía con películas inolvidables que van desde las sensibles Eduardo Manosti jeras y Big Fish, pasando por sus peculiares biografías Ed Wood y la nueva Big Eyes, además de las taquilleras Batman y Alicia en el país de las Maravillas. Su imaginación desbordante ha logrado crear un mundo de ambientes tenebrosos y personajes extravagantes. Un universo claramente reconocible, consiguiendo que cualquier espectador que vea un par de fotogramas de sus películas pueda saber quién es el director sin tener que mirar los títulos de crédito. En este libro el lector encontrará una visión diferente sobre el brillante trabajo de Tim Burton, además de aportar el punto de vista de algunos de sus colaboradores habituales como Johnny Depp, Helena Bonham Carter y el compositor Danny Elfman. Un estudio con multitud de apuntes inéditos e información precisa sobre sus películas, fruto de la sincera admiración que por Burton y su obra sienten los autores, algo que tiene su reflejo en estas páginas dirigidas especialmente a quienes también adoran su cine.
El documental es tan viejo como el cine, pues ya de los hermanos Lumière podía decirse que hacían documental sin saberlo. El género engloba prácticas muy diferentes y toda tentativa de definirlo será por fuerza reductora ante su diversidad. Interrogar al cine por su vocación documental equivale a interrogarse sobre el estatuto de la realidad ante la cámara, o sobre la relación del filme con la realidad. Ficción y documental son dos ejes de un mismo arte que recupera la realidad. Hoy los límites entre ambos se difuminan y tienden a confundirse. En cambio, la frontera entre el cine documental y el reportaje, el magazine o cualquier formato de tiende a definirse cada vez más nítidamente. La captura de imágenes, el «directo» o el dispositivo, tal y como los practica la televisión, se distancian cada vez más del arte de la puesta en escena, el único capaz de restituir la riqueza y complejidad de lo real. Jean Breschand apoya su análisis en películas y cineastas, empezando por los pioneros, por los Lumière, pero también por Flaherty y Vertov, y por Jean Vigo. Luego sigue con las grandes figuras de Jean Rouch y Joris Ivens, y con cineastas como Abbas Kiarostami y Chantal Akerman. Las cuestiones de la memoria y la historia son consustanciales al género, desde Nuit et Brouillard, de Alain Resnais, hasta Shoah, de Claude Lanzmann, pasando por la obra esencial de Chris Marker. Cineastas contemporáneos como Michael Moore completan un panorama que en modo alguno puede ser exhaustivo.
María José Gámez Fuentes es Doctora en Comunicación Audiovisual por la University of Nottingham (Reino Unido) donde ejerció también como docente. En la actualidad es profesora del Área de Comunicación Audiovisual y Publicidad de la Universitat Jaume I de Castellón. Sus investigaciones se centran an la crítica cultural y de género aplicada a los medios de comunicación. Entre sus últimas publicaciones cabe destacar Cinematografía. La madre en el cine y la literatura de la democracia, Castellón: Ellago y UJI (2004), Medios de comunicación y solidaridad. Reflexiones en torno a la (des)articulación social (coeditado con Eloísa Nos), Castellón: UJI(2006) y la participación en la elaboración del informe representación de la violencia de género en los informativos de TVE (dir. Pilar López Díez), Madrid: IORTV e Instituto de la Mujer (2006).
Orson Welles es uno de los grandes realizadores a propósito de los cuales se nos vienen en tropel a la mente las leyendas más variadas. Hijo rebelde de América, su triunfal entrada en el cine con "Ciudadano Kane" le propulsa como joven prodigio de Hollywood. Sus altercados con los estudios le aderezan con la imagen de un artista maltratado por los productores. Su carrera de actor le confiere el halo de seducción de una estrella de cine, pronto duplicada por la del ogro de sus papeles shakesperianos. Sus idas y venidas entre Estados Unidos y Europa le hacen ganar la fama de un autor de genio inagotable y contradictorio. La virtud principal de esta obra es desprenderse de los a priori fojados por el mito de Orson Welles, volver a las fuentes de los hechos, analizar los documentos de primera mano para dibujar el relato del cineasta en acción. Su poder de creación le dota de una excepcional facultad de adaptación, modificando de arriba abajo las opciones estilísticas de una película en función de las condiciones de producción que le son propuestas. La energía de su proyecto artístico es tan intensa, que el cambio de métodos de una película a otra, incluso en el transcurso de un mismo film, termina indefectiblemente en una obra marcada con su sello. Desde "Ciudadano Kane" hasta "Filming Othello", los autores restituyen la génesis de cada una de sus películas gracias a su trabajo de investigación en archivos europeos y americanos. El resultado es esta espléndida monografía profusamente ilustrada, que incluey fotos de rodaje únicas y numerosos documentos de trabajo inéditos.
Este libro, cuidadosamente estructurado, contiene una amplia serie de consejos prácticos para quienes estén interesados en la cinematografía y la creación de cortos, ya sean para proyectarlos en sesiones privadas, en festivales, concursos, en la televisión o en Internet. Desde la planificación inicial, pasando por constituir un equipo técnico y escoger un reparto, este libro cubre todos los pasos acerca de cómo hacer una película y moverla.
Mike Figgis presenta una obra para estudiantes y creadores cinematográficos en la que explica los secretos prácticos del manejo de diferentes cámaras y vídeos que, actualmente, el avance de la técnica ha puesto al alcance de muchos más creadores que ante
«Mi vida ha sido mucho más que un cuento de hadas», dijo Audrey Hepburn en una ocasión. Ciertamente, fue mucho más compleja y absorbente que cualquier película de Hollywood. Desde sus primeras actuaciones para la resistencia holandesa durante la segunda guerra mundial, sus días de cabaret en Londres y sus papeles en Gigi y Vacaciones en Roma, hasta su inagotable trabajo como embajadora internacional de buena voluntad de UNICEF, su vida fue un ejemplo de estilo y determinación. Los tesoros de Audrey Hepburn rezuma la esencia de este ser humano extraordinario a través de sus propias palabras y de doscientas fotografías cuidadosamente seleccionadas, que ilustran algunos de los momentos más significativos de su vida. Una narración única, personal y reveladora, acompañada por reproducciones de documentos privados como su carné de identidad durante la guerra, su contrato para el musical High Button Shoes o una carta de Truman Capote. Pedacitos de la vida de la niña que soñaba con ser bailarina y enseñaba ballet a refugiadas, de la mujer a la que todos adoraban y del icono que supo aprovechar su fama en beneficio de los niños.
Tras el éxito del primer volumen de Lecciones de cine, la presente recopilación ofrece una nueva serie de entrevistas con algunos de los más grandes cineastas contemporáneos: Forman, Polanski, Soderbergh, Jarmusch, Téchiné, Egoyan y muchos otros? Una ocasión única para que expliquen, de manera clara y con la ayuda de ejemplos precisos, sus métodos de trabajo en todas las etapas de la creación: elección del tema, escritura, desglose en escenas, dirección de actores, ensayos, organización del rodaje, entre otros aspectos de su oficio. Estas apasionantes entrevistas permiten comprender de qué modo sensibilidades tan diferentes conducen a obras tan diversas y, lejos de ofrecer ?recetas? preconcebidas y supuestamente universales, nos proporcionan numerosos ?secretos de elaboración? de ?grandes cocineros?.
El presente libro es obra de dos profesionales de la psicología y amantes del cine, que no solo evidencian la estrecha vinculación entre ambas disciplinas, ni los distintos roles que ha ido adoptando el psicólogo en el cine, o sus diferencias con la psiquiatría, sino que divulgan la psicología a través del cine y lo hacen de una forma entretenida y didáctica. Se trata de una obra rigurosa pero escrita en un lenguaje sencillo, que huye de terminologías complejas, y con un enfoque práctico: la explicación de las diferentes patologías se enlaza con referencias a la película en cuestión, a cómo afronta el personaje cada situación y a las emociones derivadas de las mismas. Resulta de gran ayuda para cualquier profesional del ámbito de la salud que desee ampliar sus conocimientos sobre psicología, apoyándose en el cine para indagar cómo tratar ciertas patologías. Los amantes del cine que quieran conocer el punto de vista psicológico de las películas y los estudiantes de psicología que quieran familiarizarse, de una manera amena, con algunas de las alteraciones psicológicas más conocidas, encontrarán también de gran interés su lectura. José Antonio Molina (Madrid, 1972) es licenciado en Psicología por la U.C.M. Ha publicado diferentes artículos en revistas de investigación, tanto nacionales como extranjeras, colaborador habitual de medios de comunicación y autor del libro SOS? Tengo una adicción (2011). Desde 1996 tiene su propia consulta. En 2009 funda Psicohealth, un recurso novedoso basado en la intervención intensiva e individualizada. Miguel del Nogal (Madrid, 1976) es licenciado en psicología por la Universidad Complutense de Madrid, Máster en psicología clínica y de la salud, y Especialista en drogodependencias. Compatibiliza su actividad clínica (tanto con personas drogodependientes como con otras problemáticas) con la actividad docente (otra de sus grandes pasiones). Es autor de "Cómo superar el tabaco, el alcohol y las drogas" y "El tratamiento de los problemas de drogas".
Esta publicación continúa la senda iniciada en el volumen "Territorios y fronteras. Experiencias documentales contemporáneas" (2012), recogiendo el testigo de los encuentros entre directores, académicos y críticos de cine organizados por la Universidad del País Vasco / Euskal Herriko Unibertsitatea junto a la Fundación BilbaoArte. Una vez más, equilibristas del cine contemporáneo y de la academia se dan cita en este volumen, que emerge también de largos e intensos debates, discusiones, e-mails y conversaciones, prestando especial atención al crecimiento y las mutaciones del cine contemporáneo.
Dibujante, director e incluso poeta, Tim Burton es un creador único en la historia del cine. Autor de una selecta filmografía con películas inolvidables que van desde las sensibles Eduardo Manosti jeras y Big Fish, pasando por sus peculiares biografías Ed Wood y la nueva Big Eyes, además de las taquilleras Batman y Alicia en el país de las Maravillas. Su imaginación desbordante ha logrado crear un mundo de ambientes tenebrosos y personajes extravagantes. Un universo claramente reconocible, consiguiendo que cualquier espectador que vea un par de fotogramas de sus películas pueda saber quién es el director sin tener que mirar los títulos de crédito. En este libro el lector encontrará una visión diferente sobre el brillante trabajo de Tim Burton, además de aportar el punto de vista de algunos de sus colaboradores habituales como Johnny Depp, Helena Bonham Carter y el compositor Danny Elfman. Un estudio con multitud de apuntes inéditos e información precisa sobre sus películas, fruto de la sincera admiración que por Burton y su obra sienten los autores, algo que tiene su reflejo en estas páginas dirigidas especialmente a quienes también adoran su cine.
El documental es tan viejo como el cine, pues ya de los hermanos Lumière podía decirse que hacían documental sin saberlo. El género engloba prácticas muy diferentes y toda tentativa de definirlo será por fuerza reductora ante su diversidad. Interrogar al cine por su vocación documental equivale a interrogarse sobre el estatuto de la realidad ante la cámara, o sobre la relación del filme con la realidad. Ficción y documental son dos ejes de un mismo arte que recupera la realidad. Hoy los límites entre ambos se difuminan y tienden a confundirse. En cambio, la frontera entre el cine documental y el reportaje, el magazine o cualquier formato de tiende a definirse cada vez más nítidamente. La captura de imágenes, el «directo» o el dispositivo, tal y como los practica la televisión, se distancian cada vez más del arte de la puesta en escena, el único capaz de restituir la riqueza y complejidad de lo real. Jean Breschand apoya su análisis en películas y cineastas, empezando por los pioneros, por los Lumière, pero también por Flaherty y Vertov, y por Jean Vigo. Luego sigue con las grandes figuras de Jean Rouch y Joris Ivens, y con cineastas como Abbas Kiarostami y Chantal Akerman. Las cuestiones de la memoria y la historia son consustanciales al género, desde Nuit et Brouillard, de Alain Resnais, hasta Shoah, de Claude Lanzmann, pasando por la obra esencial de Chris Marker. Cineastas contemporáneos como Michael Moore completan un panorama que en modo alguno puede ser exhaustivo.
María José Gámez Fuentes es Doctora en Comunicación Audiovisual por la University of Nottingham (Reino Unido) donde ejerció también como docente. En la actualidad es profesora del Área de Comunicación Audiovisual y Publicidad de la Universitat Jaume I de Castellón. Sus investigaciones se centran an la crítica cultural y de género aplicada a los medios de comunicación. Entre sus últimas publicaciones cabe destacar Cinematografía. La madre en el cine y la literatura de la democracia, Castellón: Ellago y UJI (2004), Medios de comunicación y solidaridad. Reflexiones en torno a la (des)articulación social (coeditado con Eloísa Nos), Castellón: UJI(2006) y la participación en la elaboración del informe representación de la violencia de género en los informativos de TVE (dir. Pilar López Díez), Madrid: IORTV e Instituto de la Mujer (2006).
Orson Welles es uno de los grandes realizadores a propósito de los cuales se nos vienen en tropel a la mente las leyendas más variadas. Hijo rebelde de América, su triunfal entrada en el cine con "Ciudadano Kane" le propulsa como joven prodigio de Hollywood. Sus altercados con los estudios le aderezan con la imagen de un artista maltratado por los productores. Su carrera de actor le confiere el halo de seducción de una estrella de cine, pronto duplicada por la del ogro de sus papeles shakesperianos. Sus idas y venidas entre Estados Unidos y Europa le hacen ganar la fama de un autor de genio inagotable y contradictorio. La virtud principal de esta obra es desprenderse de los a priori fojados por el mito de Orson Welles, volver a las fuentes de los hechos, analizar los documentos de primera mano para dibujar el relato del cineasta en acción. Su poder de creación le dota de una excepcional facultad de adaptación, modificando de arriba abajo las opciones estilísticas de una película en función de las condiciones de producción que le son propuestas. La energía de su proyecto artístico es tan intensa, que el cambio de métodos de una película a otra, incluso en el transcurso de un mismo film, termina indefectiblemente en una obra marcada con su sello. Desde "Ciudadano Kane" hasta "Filming Othello", los autores restituyen la génesis de cada una de sus películas gracias a su trabajo de investigación en archivos europeos y americanos. El resultado es esta espléndida monografía profusamente ilustrada, que incluey fotos de rodaje únicas y numerosos documentos de trabajo inéditos.
Este libro, cuidadosamente estructurado, contiene una amplia serie de consejos prácticos para quienes estén interesados en la cinematografía y la creación de cortos, ya sean para proyectarlos en sesiones privadas, en festivales, concursos, en la televisión o en Internet. Desde la planificación inicial, pasando por constituir un equipo técnico y escoger un reparto, este libro cubre todos los pasos acerca de cómo hacer una película y moverla.
Mike Figgis presenta una obra para estudiantes y creadores cinematográficos en la que explica los secretos prácticos del manejo de diferentes cámaras y vídeos que, actualmente, el avance de la técnica ha puesto al alcance de muchos más creadores que ante
«Mi vida ha sido mucho más que un cuento de hadas», dijo Audrey Hepburn en una ocasión. Ciertamente, fue mucho más compleja y absorbente que cualquier película de Hollywood. Desde sus primeras actuaciones para la resistencia holandesa durante la segunda guerra mundial, sus días de cabaret en Londres y sus papeles en Gigi y Vacaciones en Roma, hasta su inagotable trabajo como embajadora internacional de buena voluntad de UNICEF, su vida fue un ejemplo de estilo y determinación. Los tesoros de Audrey Hepburn rezuma la esencia de este ser humano extraordinario a través de sus propias palabras y de doscientas fotografías cuidadosamente seleccionadas, que ilustran algunos de los momentos más significativos de su vida. Una narración única, personal y reveladora, acompañada por reproducciones de documentos privados como su carné de identidad durante la guerra, su contrato para el musical High Button Shoes o una carta de Truman Capote. Pedacitos de la vida de la niña que soñaba con ser bailarina y enseñaba ballet a refugiadas, de la mujer a la que todos adoraban y del icono que supo aprovechar su fama en beneficio de los niños.
Tras el éxito del primer volumen de Lecciones de cine, la presente recopilación ofrece una nueva serie de entrevistas con algunos de los más grandes cineastas contemporáneos: Forman, Polanski, Soderbergh, Jarmusch, Téchiné, Egoyan y muchos otros? Una ocasión única para que expliquen, de manera clara y con la ayuda de ejemplos precisos, sus métodos de trabajo en todas las etapas de la creación: elección del tema, escritura, desglose en escenas, dirección de actores, ensayos, organización del rodaje, entre otros aspectos de su oficio. Estas apasionantes entrevistas permiten comprender de qué modo sensibilidades tan diferentes conducen a obras tan diversas y, lejos de ofrecer ?recetas? preconcebidas y supuestamente universales, nos proporcionan numerosos ?secretos de elaboración? de ?grandes cocineros?.