El autor demuestra cómo una percepción (el sonido) influye en la otra (la visión) y la transforma. Esa audiovisión funciona esencialmente por proyección y contaminación recíproca de lo oído sobre lo visto, o bien en forma indirecta, por sugestión. Por lo tanto, es un ilusionismo cuyos mil recursos supo explotar el cine. A la vez teórico, histórico y práctico, La audiovisión descompone la relación sonido/imagen con ayuda de fragmentos escogidos en el cine clásico, de género y contemporáneo, y luego bosqueja un método de observación y de análisis fílmico. Repensada y actualizada, esta edición se enriquece con dos herramientas esenciales: una selección cronológica comentada de obras de ficción que testimonian la evolución del cine sonoro y un glosario que explicita los conceptos propuestos.
Pese a estar catalogada como una película de ciencia-ficción, "Blade Runner" obra maestra que se ha convertido merecidamente en un icono cultural de nuestro tiempo tiene poco que ver con las utopías futuristas propias del género; al contrario, plantea problemas eternos la vida y la muerte, el fatídico discurrir del tiempo, la rebelión contra nuestro infausto destino, la extrañeza ante el otro protagonizados por hombres que habitan en el caos deshumanizado de las grandes metrópolis; es decir, por hombres como nosotros mismos. Sin embargo, cuando fue estrenada en 1982, la crítica especializada la tachó de efectista y pretenciosa. Los mandarines culturales no supieron ver que, bajo el colorista artificio de los efectos especiales y el sofisticado ropaje del diseño, se ocultaba una de las mayores reflexiones sobre la condición humana que se hayan hecho nunca en el cine. En este ensayo se analizan las diferentes versiones de "Blade Runner" y se abordan, con un estilo ágil y gran rigor analítico, las reflexiones antropológicas y morales que propone la película. ¿Qué era lo que Deckard no sabía?
Libro que sigue un guión didáctico, ameno y fascinador para introducir el cine en las aulas. Distribuido en dos partes bien diferenciadas -un bloque teórico para los contenidos de cine y otro con las propuestas didácticas--, facilita al máximo el trabajo del docente.
José Luis Garci ha seleccionado sus 19 obras maestras del cine del siglo XXI y ha encargado a varios especialistas de prestigio que den su visión de ellas. Se ha encargado también de la iconografía del libro.
Cuenta André Breton que, cuando el grupo surrealista acudía al cine, acostumbraba a entrar comenzada la proyección, y la abandonaba al poco tiempo para volver a irrumpir en otra sala, donde se exhibía otra película, en cualquier momento de la función. Al final de la jornada, las secuencias dispersas, cubiertos los huecos en la imaginación, iban construyendo en la memoria un nuevo argumento, a partir de la lógi-ca irracional, fragmentaria y elíptica del inconsciente. Algo de la visión «sonámbula», y profundamente liberadora, que reivindicaba el surrea-lismo, subyace en el viaje por el imaginario histórico a través del cine italiano que recorre las páginas de este libro. Los autores proponen un itinerario punteado de elipsis, saltos, pasadizos subterráneos, flashbacks y flashforwards, un recorrido transhistórico que se apoya en el asincronismo entre el tiempo que señalan las tramas, a partir del cual se ha ordenado la selección de los films, y el de su producción y estre-no en sala. En resumen, lo que este volumen plantea es una de tantas historias posibles de Italia tantas como antologías probables a tra-vés del objetivo de la cámara.
Transcurriendo en paralelo a las rupturas estéticas de las vanguardias artísticas de principios del siglo XX, el cine experimental investiga el potencial del medio cinematográfico a través de sus posibilidades formales y su trasfondo crítico. Estas prácticas fílmicas interrogan las imágenes y los sonidos tencológicos vindicando un espíritu autodidacta, narraciones atípicas, formulaciones abstractas y temporalidades inusitadas. Radicales libres analiza cincuenta obras fundamentales que constatan el desarrollo de la experimentación desde la década de los años 20 hasta la actualidad. De la sinestesia de la música visual a la transgresión del surrealismo; del vigor autobiográfico del cine lírico al reciclaje matérico del found footage; del minimalismo del structural film a la irradiación del expanded cinema; del discurso metafílmico del cine-ensayo a la pausa del documental contemplativo y del elogio fotoquímico del celuloide al cine de artistas en el cubo blanco. Libertad y radicalidad fundamentadas de modo cinemático.
Los dibujos vivos de Walt Disney nos atrapan. Sabemos que son dibujos y no seres vivos. Sabemos que son dibujos proyectados sobre una pantalla. Sabemos que son maravillas y trucos de la técnica y que semejantes seres no existen en ningún lugar del mundo. Y, sin embargo, nos seducen en sus actos y comportamientos, los percibimos como seres vivos, los sentimos como vivos.
En este libro, el multiculturalismo y la crítica del eurocentrismo son dos conceptos inseparables, pues relaciona dos temas que a menudo se relegan a ámbitos reservados a los especialistas: por un lado, los debates referentes a las políticas de identidad y raza; por otro, los debates sobre el discurso (pos)colonial y el nacionalismo en el Tercer Mundo. Stam y Shohat sitúan la cultura popular en el centro mismo de estos debates posmodernos y señalan que los medios de comunicación desempeñan un papel importantísimo a la hora de modelar las comunidades y determinar la pertenencia a un grupo. Éste es el primer estudio detallado de un nuevo campo de investigación que los autores denominan "estudios multiculturales de los medios de comunicación", lo cual hace que esta obra sea una lectura fundamental para los estudiosos de los medios. El libro establece un modelo teórico para analizar tanto los productos de Hollywood y de los medios de comunicación de masas (los musicales, los westerns, las películas imperiales, las noticias de televisión) como productos culturales alternativos (películas comerciales de cierto alcance crítico, el "Tercer Cine", los vídeos de rap, los medios de comunicación "diaspóricos" e "indígenas"). Los autores también mantienen que un replanteamiento de la enseñanza de la comunicación puede contribuir a establecer y fortalecer paradigmas alternativos de la conciencia histórica. El libro abarca una gran variedad de disciplinas (literatura, cine, antropología, cultura popular, etc.) y sitúa los estudios culturales en un marco multicultural al explorar asuntos como los debates contemporáneos sobre Colón, las aporías del análisis de estereotipos, las contradicciones que se hallan en la hibridación poscolonial o las actitudes del espectador. Según Stam y Shohat, todas estas cuestiones no son más que las manifestaciones superficiales de un cambio más profundo: la lucha por descolonizar la cultura global.
Una historia de amor al cine contada en 100 capítulos. Ricardo Cavolo recrea a modo de diario personal una historia del cine a través de sus 100 películas imprescindibles. Con más de 100 ilustraciones y textos escritos a mano, con notas y anécdotas personales.
El autor demuestra cómo una percepción (el sonido) influye en la otra (la visión) y la transforma. Esa audiovisión funciona esencialmente por proyección y contaminación recíproca de lo oído sobre lo visto, o bien en forma indirecta, por sugestión. Por lo tanto, es un ilusionismo cuyos mil recursos supo explotar el cine. A la vez teórico, histórico y práctico, La audiovisión descompone la relación sonido/imagen con ayuda de fragmentos escogidos en el cine clásico, de género y contemporáneo, y luego bosqueja un método de observación y de análisis fílmico. Repensada y actualizada, esta edición se enriquece con dos herramientas esenciales: una selección cronológica comentada de obras de ficción que testimonian la evolución del cine sonoro y un glosario que explicita los conceptos propuestos.
Pese a estar catalogada como una película de ciencia-ficción, "Blade Runner" obra maestra que se ha convertido merecidamente en un icono cultural de nuestro tiempo tiene poco que ver con las utopías futuristas propias del género; al contrario, plantea problemas eternos la vida y la muerte, el fatídico discurrir del tiempo, la rebelión contra nuestro infausto destino, la extrañeza ante el otro protagonizados por hombres que habitan en el caos deshumanizado de las grandes metrópolis; es decir, por hombres como nosotros mismos. Sin embargo, cuando fue estrenada en 1982, la crítica especializada la tachó de efectista y pretenciosa. Los mandarines culturales no supieron ver que, bajo el colorista artificio de los efectos especiales y el sofisticado ropaje del diseño, se ocultaba una de las mayores reflexiones sobre la condición humana que se hayan hecho nunca en el cine. En este ensayo se analizan las diferentes versiones de "Blade Runner" y se abordan, con un estilo ágil y gran rigor analítico, las reflexiones antropológicas y morales que propone la película. ¿Qué era lo que Deckard no sabía?
Libro que sigue un guión didáctico, ameno y fascinador para introducir el cine en las aulas. Distribuido en dos partes bien diferenciadas -un bloque teórico para los contenidos de cine y otro con las propuestas didácticas--, facilita al máximo el trabajo del docente.
José Luis Garci ha seleccionado sus 19 obras maestras del cine del siglo XXI y ha encargado a varios especialistas de prestigio que den su visión de ellas. Se ha encargado también de la iconografía del libro.
Cuenta André Breton que, cuando el grupo surrealista acudía al cine, acostumbraba a entrar comenzada la proyección, y la abandonaba al poco tiempo para volver a irrumpir en otra sala, donde se exhibía otra película, en cualquier momento de la función. Al final de la jornada, las secuencias dispersas, cubiertos los huecos en la imaginación, iban construyendo en la memoria un nuevo argumento, a partir de la lógi-ca irracional, fragmentaria y elíptica del inconsciente. Algo de la visión «sonámbula», y profundamente liberadora, que reivindicaba el surrea-lismo, subyace en el viaje por el imaginario histórico a través del cine italiano que recorre las páginas de este libro. Los autores proponen un itinerario punteado de elipsis, saltos, pasadizos subterráneos, flashbacks y flashforwards, un recorrido transhistórico que se apoya en el asincronismo entre el tiempo que señalan las tramas, a partir del cual se ha ordenado la selección de los films, y el de su producción y estre-no en sala. En resumen, lo que este volumen plantea es una de tantas historias posibles de Italia tantas como antologías probables a tra-vés del objetivo de la cámara. 
Transcurriendo en paralelo a las rupturas estéticas de las vanguardias artísticas de principios del siglo XX, el cine experimental investiga el potencial del medio cinematográfico a través de sus posibilidades formales y su trasfondo crítico. Estas prácticas fílmicas interrogan las imágenes y los sonidos tencológicos vindicando un espíritu autodidacta, narraciones atípicas, formulaciones abstractas y temporalidades inusitadas. Radicales libres analiza cincuenta obras fundamentales que constatan el desarrollo de la experimentación desde la década de los años 20 hasta la actualidad. De la sinestesia de la música visual a la transgresión del surrealismo; del vigor autobiográfico del cine lírico al reciclaje matérico del found footage; del minimalismo del structural film a la irradiación del expanded cinema; del discurso metafílmico del cine-ensayo a la pausa del documental contemplativo y del elogio fotoquímico del celuloide al cine de artistas en el cubo blanco. Libertad y radicalidad fundamentadas de modo cinemático.
Los dibujos vivos de Walt Disney nos atrapan. Sabemos que son dibujos y no seres vivos. Sabemos que son dibujos proyectados sobre una pantalla. Sabemos que son maravillas y trucos de la técnica y que semejantes seres no existen en ningún lugar del mundo. Y, sin embargo, nos seducen en sus actos y comportamientos, los percibimos como seres vivos, los sentimos como vivos.
En este libro, el multiculturalismo y la crítica del eurocentrismo son dos conceptos inseparables, pues relaciona dos temas que a menudo se relegan a ámbitos reservados a los especialistas: por un lado, los debates referentes a las políticas de identidad y raza; por otro, los debates sobre el discurso (pos)colonial y el nacionalismo en el Tercer Mundo. Stam y Shohat sitúan la cultura popular en el centro mismo de estos debates posmodernos y señalan que los medios de comunicación desempeñan un papel importantísimo a la hora de modelar las comunidades y determinar la pertenencia a un grupo. Éste es el primer estudio detallado de un nuevo campo de investigación que los autores denominan "estudios multiculturales de los medios de comunicación", lo cual hace que esta obra sea una lectura fundamental para los estudiosos de los medios. El libro establece un modelo teórico para analizar tanto los productos de Hollywood y de los medios de comunicación de masas (los musicales, los westerns, las películas imperiales, las noticias de televisión) como productos culturales alternativos (películas comerciales de cierto alcance crítico, el "Tercer Cine", los vídeos de rap, los medios de comunicación "diaspóricos" e "indígenas"). Los autores también mantienen que un replanteamiento de la enseñanza de la comunicación puede contribuir a establecer y fortalecer paradigmas alternativos de la conciencia histórica. El libro abarca una gran variedad de disciplinas (literatura, cine, antropología, cultura popular, etc.) y sitúa los estudios culturales en un marco multicultural al explorar asuntos como los debates contemporáneos sobre Colón, las aporías del análisis de estereotipos, las contradicciones que se hallan en la hibridación poscolonial o las actitudes del espectador. Según Stam y Shohat, todas estas cuestiones no son más que las manifestaciones superficiales de un cambio más profundo: la lucha por descolonizar la cultura global.
Una historia de amor al cine contada en 100 capítulos. Ricardo Cavolo recrea a modo de diario personal una historia del cine a través de sus 100 películas imprescindibles. Con más de 100 ilustraciones y textos escritos a mano, con notas y anécdotas personales.