Un repaso del cine del franquismo a través de la biografía de Cesáreo González, productor cinematográfico responsable de más de 250 películas y dundador de Suevia Films. Personaje emblemático y desconcertante, empezó como panadero y se inció en la industria del celuloide sin saber nada de cine, para acabar siendo uno de los principales personajes dle panorama cinematográfico español. En las páginas de este libro a medio camino entre la nostalgia y la ironía, y con abundantes notas de humor, se hace un recorrido histórico y anecdótico de cuanto definió nuestro cine a lo largo de treinta y cinco años.
El presente libro se propone desentrañar un misterio: el sentido último que da coherencia y dota de significado a una de las trayectorias de cine más sugerentes del Hollywood de los últimos tiempos. Detrás de la filmografía de David Mamet como director, jalonada primero por hitos como "Casa de juego" o "Las cosas cambian" y escorada paulatinamente hacia entretenimientos muchos más sombríos y profundos de lo que parece a primera vista ("El último golpe", "Spartan", la serie televisiva "The Unit"), se esconde una figura compleja y heterodoxa. Su difícil catalogación se debe tanto a su multidisciplinar formación, fundamentada en su famosa carrera como autor teatral ("Glengarry Glen Ross", "American Buffalo", "Oleanna"), como al hecho de hallarnos ante una de las voces más aceradas del cine americano contra la Modernidad imperante. Este libro no sólo pretende situar a David Mamet dentro del hábitat fílmico al que pertenece, sino desvelar sus preocupaciones e inquietudes sobre problemas de hondo calado existencial: el engaño, la violencia, la confianza, el juego y la magia como metáforas del cine y de la vida.
"Jaume Balagueró: en nombre de la oscuridad" ofrece un análisis pormenorizado y riguroso de las constantes formales y temáticas del director catalán, realizador de películas de éxito extraordinario, como la saga "[Rec]", "Los sin nombre" o "Frágiles". El cineasta leridense ha sabido unir como pocos las bases del terror clásico y una decidida apuesta por la expresión autoral, gracias a su enorme cultura cinematográfica y a su voluntad de renovación. Haciendo de la intertextualidad y la experimentación los baluartes creativos de su cine, el realizador nos presenta una galería grotesca y deshumanizada de personajes, en la que aflora la mitad oscura del hombre. Este libro brinda las claves que permiten apreciar en toda su riqueza la obra de Balagueró, a la que hasta ahora no se había prestado atención crítica suficiente.
Más de 250 películas imprescindibles de España e Hispanoamérica desde el inicio del sonoro hasta hoy, rodadas en español. Una selección de las más destacadas películas de nuestra cultura, rescatando las joyas olvidadas sin prescindir de las cintas más comerciales y conocidas. Un enfoque totalmente innovador que asocia la mejor producción cinematográfica rodada en español. Esta antología pretende acercar al espectador los títulos más significativos rodados en el idioma español en cualquiera de los países que componen su comunidad idiomática a ambos lados del Atlántico. Se trata de un libro didáctico a la vez que crítico. Un manual de consulta entretenido y bien ilustrado que invita al lector a convertirse en espectador. Los conocedores del cine español descubrirán que el cine hispanoamericano -un hermano lejano y poco visitado- ha producido valiosas historias dignas de ser reconocidas. Y junto a ellas, títulos clásicos del cine español arropados por una serie de películas con menos galones pero que también iluminan la cultura expresada en nuestra lengua, un idioma que compartimos más de 400 millones de hablantes repartidos en una veintena de países.
La dirección de cine es un oficio y para ejercerlo se precisa la colaboración de profesionales de otros oficios: actores, iluminador, operador, figurinista, maquillador, electricista, decorador... Por ello, Jaime Camino relaciona en su texto todos los elementos básicos de dichos oficios con la dirección para la consecución de un buen resultado cinematográfico. Este manual, eminentemente práctico, aborda de entrada tres temas básicos: ¿qué es el cine?, el guión cinematográfico y la figura del director. A continuación desarrolla paso a paso el trabajo del director, desde la preparación del rodaje, el proceso del rodaje en sí mismo, el montaje y la edición, así como los fundamentos de la dirección de actores ante la cámara.
Agustí Villaronga es una de las voces más personales y secretas del cine europeo. La obra completa del autor de "Tras el cristal" se aborda en este libro el primero de estas características escrito y publicado en nuestro país de manera sistemática, empezando por sus primeros cortometrajes y llegando hasta películas de reconocimiento internacional como "Aro Tobulkhin". Siempre transgresor, el arte de Villaronga se mueve por senderos valientes e implacables. A veces transita por el cine de género ("99.9", "El pasajero clandestino"), pero con frecuencia lo desborda ("El niño de la luna", "El mar"), explorando con rigor territorios poco frecuentados por el cine español. Su variable fortuna con la crítica, enfrentada con una obra que no se deja domesticar con facilidad, vuelve aún más necesario un acercamiento sin prejuicios a las claves profundas de su cine, situado sin paliativos en la parte del mal y de la muerte, como exorcismo y reflexión profunda.
El cine de Woody Allen fue, en su versión inglesa, uno de los primeros libros que se ocuparon en profundidad de la larga trayectoria del director como artista y realizador serio. Sam B. Girgus sitúa a Allen en un lugar destacado de la conciencia crítica y cultural contemporánea, pues considera que ha sido capaz de modificar las nociones de autoría, perspectiva, construcción de personajes, temática, ideología, género y sexualidad. Señala, asimismo, que el escándalo surgido en torno a la vida privada del realizador a comienzos de los noventa alteró su imagen pública de modo tal que surgió un nuevo posicionamiento moral ante su trabajo. La conjunción del Allen público y el Allen privado, y la particular expectación que se creó a su alrededor, no se deshizo a pesar de los esfuerzos ímprobos por separar su vida privada de la imagen cinematográfica. Este «escándalo» también afectó a sus películas: ahora, Allen se ha sumergido en las aguas de un relativismo ético posmoderno y un realismo sensual que difiere considerablemente de la sensibilidad moral de sus primeros filmes.
Repasando la notable filmografía de Kubrick es evidente que tiene la característica calidad arquitectónica de todo gran sistema filosófico: tiene algo que decir sobre casi todo. Todas las facetas de la naturaleza humana se revelan en su gran diversidad: la alta cultura y la cultura popular, el amor y el sexo, la historia, la guerra, el crimen, la locura, los viajes espaciales, el condicionamiento social y la tecnología. Y pese a lo diversa que es en su temática, tomada en conjunto la filmografía de Kubrick es muy coherente, por cuanto toma los diferentes aspectos de la realidad y los unifica en una rica y compleja visión filosófica que resulta ser muy afín al existencialismo. Jerold J. Abrams A lo largo de medio siglo de carrera, Stanley Kubrick produjo algunas de las imágenes cinematográficas más evocadoras e indelebles de la historia del cine. Sus películas abordan una amplia variedad de temas y de preguntas sobre la vida, la conducta y las emociones humanas. Dentro de esta gran variedad temática, Kubrick examina los diferentes aspectos de la realidad y los unifica en una rica visión filosófica similar al existencialismo. Probablemente más que ningún otro concepto filosófico, el existencialismo la creencia de que la verdad filosófica solo tiene sentido cuando es libremente elegida por el individuo ha bajado de la torre de marfil de la filosofía para impregnar a la cultura popular en su conjunto. Los ensayos de este volumen examinan los intereses de Kubrick en la moralidad y el destino, y ponen de manifiesto una mentalidad estoica en muchas de sus películas. Varios de los colaboradores de este volumen consideran que la obra de Kubrick se caracteriza por el escepticismo, la ironía y un hedonismo sin trabas. En películas como La naranja mecánica o 2001, una odisea del espacio, Kubrick se enfrenta a la noción del hombre en lucha contra sus propias creaciones científicas y tecnológicas. Tomados en conjunto, los ensayos de La filosofía de Stanley Kubrick constituyen una lúcida mirada a la visión que tenía el gran director de un universo físico y moral en constante transformación, y aportan profundidad y complejidad a la interpretación de la obra de Kubrick. Jerold J. Abrams es profesor adjunto de Filosofía en la Universidad de Creighton, en Omaha, Nebraska. Sus ensayos han aparecido en las revistas Modern Schoolman, Philosophy Today, Human Studies y Transactions of the Charles S. Peirce Society, y en los volúmenes colectivos James Bond and Philosophy (Open Court, en preparación), Woody Allen and Philosophy (Open Court, 2004), Star Wars and Philosophy (Open Court, 2005) y The Philosophy of Film Noir (University Press of Kentucky, 2005).
Paul Schrader es uno de los autores más singulares de la generación que se hizo con las riendas del cine estadounidense en la década de los setenta. Educado en una estricta familia calvinista, su aproximación al séptimo arte fue tan tardía como voraz. Tras ejercer como crítico y ensayista, se convirtió en uno de los mejores guionistas contemporáneos, labor en la que sobresalen sus colaboraciones con Martin Scorsese en títulos como "Taxi Driver" o "La última tentación de Cristo". Su obra como director está marcada por la coherencia, las alusiones cinéfilas y un espíritu muy sincero que se percibe en filmes como "American Gigolo", "Mishima" o "Aflicción". Depurado y al mismo tiempo exuberante, obsesionado con temas como la culpa y la redención, su cine es un intento de acceder a lo trascendente mediante un trabajo meticuloso de puesta en escena, que da lugar a uno de los crisoles más sugestivos del cine estadounidense de las últimas décadas.
El mundo del cine ha ejercido siempre una gran fascinación sobre Terenci Moix , y en la serie de semblanzas publicadas en la revista Blanco y Negro ha explicado magistralmente, con un gran conocimiento del tema y también con su característico humor, el sentido profundo de esta mitología popular gracias a la cual las estrellas de Hollywood han alcanzado un simulacro de inmortalidad en el recuerdo de todos.
Un repaso del cine del franquismo a través de la biografía de Cesáreo González, productor cinematográfico responsable de más de 250 películas y dundador de Suevia Films. Personaje emblemático y desconcertante, empezó como panadero y se inció en la industria del celuloide sin saber nada de cine, para acabar siendo uno de los principales personajes dle panorama cinematográfico español. En las páginas de este libro a medio camino entre la nostalgia y la ironía, y con abundantes notas de humor, se hace un recorrido histórico y anecdótico de cuanto definió nuestro cine a lo largo de treinta y cinco años.
El presente libro se propone desentrañar un misterio: el sentido último que da coherencia y dota de significado a una de las trayectorias de cine más sugerentes del Hollywood de los últimos tiempos. Detrás de la filmografía de David Mamet como director, jalonada primero por hitos como "Casa de juego" o "Las cosas cambian" y escorada paulatinamente hacia entretenimientos muchos más sombríos y profundos de lo que parece a primera vista ("El último golpe", "Spartan", la serie televisiva "The Unit"), se esconde una figura compleja y heterodoxa. Su difícil catalogación se debe tanto a su multidisciplinar formación, fundamentada en su famosa carrera como autor teatral ("Glengarry Glen Ross", "American Buffalo", "Oleanna"), como al hecho de hallarnos ante una de las voces más aceradas del cine americano contra la Modernidad imperante. Este libro no sólo pretende situar a David Mamet dentro del hábitat fílmico al que pertenece, sino desvelar sus preocupaciones e inquietudes sobre problemas de hondo calado existencial: el engaño, la violencia, la confianza, el juego y la magia como metáforas del cine y de la vida.
"Jaume Balagueró: en nombre de la oscuridad" ofrece un análisis pormenorizado y riguroso de las constantes formales y temáticas del director catalán, realizador de películas de éxito extraordinario, como la saga "[Rec]", "Los sin nombre" o "Frágiles". El cineasta leridense ha sabido unir como pocos las bases del terror clásico y una decidida apuesta por la expresión autoral, gracias a su enorme cultura cinematográfica y a su voluntad de renovación. Haciendo de la intertextualidad y la experimentación los baluartes creativos de su cine, el realizador nos presenta una galería grotesca y deshumanizada de personajes, en la que aflora la mitad oscura del hombre. Este libro brinda las claves que permiten apreciar en toda su riqueza la obra de Balagueró, a la que hasta ahora no se había prestado atención crítica suficiente.
Más de 250 películas imprescindibles de España e Hispanoamérica desde el inicio del sonoro hasta hoy, rodadas en español. Una selección de las más destacadas películas de nuestra cultura, rescatando las joyas olvidadas sin prescindir de las cintas más comerciales y conocidas. Un enfoque totalmente innovador que asocia la mejor producción cinematográfica rodada en español. Esta antología pretende acercar al espectador los títulos más significativos rodados en el idioma español en cualquiera de los países que componen su comunidad idiomática a ambos lados del Atlántico. Se trata de un libro didáctico a la vez que crítico. Un manual de consulta entretenido y bien ilustrado que invita al lector a convertirse en espectador. Los conocedores del cine español descubrirán que el cine hispanoamericano -un hermano lejano y poco visitado- ha producido valiosas historias dignas de ser reconocidas. Y junto a ellas, títulos clásicos del cine español arropados por una serie de películas con menos galones pero que también iluminan la cultura expresada en nuestra lengua, un idioma que compartimos más de 400 millones de hablantes repartidos en una veintena de países.
La dirección de cine es un oficio y para ejercerlo se precisa la colaboración de profesionales de otros oficios: actores, iluminador, operador, figurinista, maquillador, electricista, decorador... Por ello, Jaime Camino relaciona en su texto todos los elementos básicos de dichos oficios con la dirección para la consecución de un buen resultado cinematográfico. Este manual, eminentemente práctico, aborda de entrada tres temas básicos: ¿qué es el cine?, el guión cinematográfico y la figura del director. A continuación desarrolla paso a paso el trabajo del director, desde la preparación del rodaje, el proceso del rodaje en sí mismo, el montaje y la edición, así como los fundamentos de la dirección de actores ante la cámara.
Agustí Villaronga es una de las voces más personales y secretas del cine europeo. La obra completa del autor de "Tras el cristal" se aborda en este libro el primero de estas características escrito y publicado en nuestro país de manera sistemática, empezando por sus primeros cortometrajes y llegando hasta películas de reconocimiento internacional como "Aro Tobulkhin". Siempre transgresor, el arte de Villaronga se mueve por senderos valientes e implacables. A veces transita por el cine de género ("99.9", "El pasajero clandestino"), pero con frecuencia lo desborda ("El niño de la luna", "El mar"), explorando con rigor territorios poco frecuentados por el cine español. Su variable fortuna con la crítica, enfrentada con una obra que no se deja domesticar con facilidad, vuelve aún más necesario un acercamiento sin prejuicios a las claves profundas de su cine, situado sin paliativos en la parte del mal y de la muerte, como exorcismo y reflexión profunda.
El cine de Woody Allen fue, en su versión inglesa, uno de los primeros libros que se ocuparon en profundidad de la larga trayectoria del director como artista y realizador serio. Sam B. Girgus sitúa a Allen en un lugar destacado de la conciencia crítica y cultural contemporánea, pues considera que ha sido capaz de modificar las nociones de autoría, perspectiva, construcción de personajes, temática, ideología, género y sexualidad. Señala, asimismo, que el escándalo surgido en torno a la vida privada del realizador a comienzos de los noventa alteró su imagen pública de modo tal que surgió un nuevo posicionamiento moral ante su trabajo. La conjunción del Allen público y el Allen privado, y la particular expectación que se creó a su alrededor, no se deshizo a pesar de los esfuerzos ímprobos por separar su vida privada de la imagen cinematográfica. Este «escándalo» también afectó a sus películas: ahora, Allen se ha sumergido en las aguas de un relativismo ético posmoderno y un realismo sensual que difiere considerablemente de la sensibilidad moral de sus primeros filmes.
Repasando la notable filmografía de Kubrick es evidente que tiene la característica calidad arquitectónica de todo gran sistema filosófico: tiene algo que decir sobre casi todo. Todas las facetas de la naturaleza humana se revelan en su gran diversidad: la alta cultura y la cultura popular, el amor y el sexo, la historia, la guerra, el crimen, la locura, los viajes espaciales, el condicionamiento social y la tecnología. Y pese a lo diversa que es en su temática, tomada en conjunto la filmografía de Kubrick es muy coherente, por cuanto toma los diferentes aspectos de la realidad y los unifica en una rica y compleja visión filosófica que resulta ser muy afín al existencialismo. Jerold J. Abrams A lo largo de medio siglo de carrera, Stanley Kubrick produjo algunas de las imágenes cinematográficas más evocadoras e indelebles de la historia del cine. Sus películas abordan una amplia variedad de temas y de preguntas sobre la vida, la conducta y las emociones humanas. Dentro de esta gran variedad temática, Kubrick examina los diferentes aspectos de la realidad y los unifica en una rica visión filosófica similar al existencialismo. Probablemente más que ningún otro concepto filosófico, el existencialismo la creencia de que la verdad filosófica solo tiene sentido cuando es libremente elegida por el individuo ha bajado de la torre de marfil de la filosofía para impregnar a la cultura popular en su conjunto. Los ensayos de este volumen examinan los intereses de Kubrick en la moralidad y el destino, y ponen de manifiesto una mentalidad estoica en muchas de sus películas. Varios de los colaboradores de este volumen consideran que la obra de Kubrick se caracteriza por el escepticismo, la ironía y un hedonismo sin trabas. En películas como La naranja mecánica o 2001, una odisea del espacio, Kubrick se enfrenta a la noción del hombre en lucha contra sus propias creaciones científicas y tecnológicas. Tomados en conjunto, los ensayos de La filosofía de Stanley Kubrick constituyen una lúcida mirada a la visión que tenía el gran director de un universo físico y moral en constante transformación, y aportan profundidad y complejidad a la interpretación de la obra de Kubrick. Jerold J. Abrams es profesor adjunto de Filosofía en la Universidad de Creighton, en Omaha, Nebraska. Sus ensayos han aparecido en las revistas Modern Schoolman, Philosophy Today, Human Studies y Transactions of the Charles S. Peirce Society, y en los volúmenes colectivos James Bond and Philosophy (Open Court, en preparación), Woody Allen and Philosophy (Open Court, 2004), Star Wars and Philosophy (Open Court, 2005) y The Philosophy of Film Noir (University Press of Kentucky, 2005).
Paul Schrader es uno de los autores más singulares de la generación que se hizo con las riendas del cine estadounidense en la década de los setenta. Educado en una estricta familia calvinista, su aproximación al séptimo arte fue tan tardía como voraz. Tras ejercer como crítico y ensayista, se convirtió en uno de los mejores guionistas contemporáneos, labor en la que sobresalen sus colaboraciones con Martin Scorsese en títulos como "Taxi Driver" o "La última tentación de Cristo". Su obra como director está marcada por la coherencia, las alusiones cinéfilas y un espíritu muy sincero que se percibe en filmes como "American Gigolo", "Mishima" o "Aflicción". Depurado y al mismo tiempo exuberante, obsesionado con temas como la culpa y la redención, su cine es un intento de acceder a lo trascendente mediante un trabajo meticuloso de puesta en escena, que da lugar a uno de los crisoles más sugestivos del cine estadounidense de las últimas décadas.
El mundo del cine ha ejercido siempre una gran fascinación sobre Terenci Moix , y en la serie de semblanzas publicadas en la revista Blanco y Negro ha explicado magistralmente, con un gran conocimiento del tema y también con su característico humor, el sentido profundo de esta mitología popular gracias a la cual las estrellas de Hollywood han alcanzado un simulacro de inmortalidad en el recuerdo de todos.