Alfonso Jiménez Romero es el dramaturgo que en las últimas cuatro décadas del siglo xx ha llevado a los escenarios la imagen más poderosa y profunda de Andalucía. Suyo es un teatro tradicional y moderno, y suya es en gran parte la procura de una identidad andaluza sobre las tablas. Oratorio es la obra inolvidable que dio expresión en los años sesenta al resurgir de un sentimiento de una comunidad histórica. Esta y otros títulos suyos recogen una cultura ya en su época amenazada, y hoy prácticamente vencida por la estandarización de los patrones culturales posmodernos. Pero el trabajo de este autor va más allá de una mera exaltación folclórica de su tierra. Antes de arribar a la Andalucía dramática, sus piezas habían pulsado los registros del teatro simbólico y existencial, que agrupó bajo el marbete de misterios. Son estos, hasta ahora inéditos, los que aquí queremos dar a conocer: su Trilogía del más allá Alguien allá lejos, Diálogos de una espera y Conversaciones con un niño se plantea la tragedia de la mortalidad, la finitud y el absurdo de la peripecia vital. Algún día las estrellas persigue la humana búsqueda de la identidad y Ensueños, diálogo onírico del autor con su público, anuncia el final del teatro experimental y el retorno a la ceremonia y los ritos escénicos. Miguel Nieto Nuño es profesor titular de la Universidad de Sevilla. Dirige el Grupo de Investigación Literatura y Creatividad (HUM 925) de la Junta de Andalucía. En los últimos años viene dedicándose al teatro contemporáneo, con estudios sobre Antonio Buero Vallejo, José Luis Alonso de Santos o Rodrigo García, y ediciones de obras de Carlos Arniches y Alonso de Santos. María Teresa Mora Álvarez es asistente honoraria del Departamento de Comunicación Audiovisual y Publicidad y Literatura de la Universidad de Sevilla, en el que se doctoró con una tesis sobre Alfonso Jiménez Romero. Integrante del Grupo de Investigación Literatura y Creatividad, durante años se ha entregado a la búsqueda de documentación sobre el dramaturgo sevillano.
Tenemos en nuestras manos El teatro joven de 13 a 16 años, un completo recurso que concluye una trilogía pedagógica teatral, justificada y experimentada con un enfoque totalmente educativo y humanista. Como continuación de los dos textos anteriores: El juego dramático de 5 a 9 años y La dramática creativa de 9 a 13 años, escritos conjuntamente con la profesora Rosario Navarro y publicados en esta misma colección, Alfredo Mantovani completa su «sistema de teatro evolutivo por etapas» y corona su larga trayectoria como profesor de teatro con un libro lleno de sugerencias, estructuras y elementos probados para llevar a cabo prácticas artísticas con jóvenes. Entre sus numerosas aportaciones, merecen destacarse los pasos para conseguir una creación colectiva o la adaptación y puesta en escena de una obra teatral, como son una recreación del clásico Fuenteovejuna y una obra inédita titulada Adolescentes. De este modo, el autor cierra un trabajo innovador, fruto de su afán por delimitar un campo específico que necesitaba un marco referencial teórico, con la novedad de considerar a los adolescentes «buscadores de su identidad», que necesitan ser tratados como «comunicadores» más que como actores o actrices. Sin duda, una obra útil para docentes, profesores de teatro, animadores o monitores, que podrán multiplicar con eficacia las actividades dramáticas en institutos, colegios, escuelas de teatro, clubs de tiempo libre, asociaciones juveniles, centros culturales y allí donde exista un grupo de jóvenes con ganas de expresarse.
Las tres obras que componen este libro, prologado por Emilio Peral Vega, dan nueva muestra de la pericia de Jesús Carazo para hacer de la normalidad un acto poético. La eternidad sitúa en un infierno imaginario a los dos grandes dictadores de la Europa del siglo xx, Hitler y Stalin, tras los que se incorpora la versión patria de la especie, Franco y, algo más adulterada, en modalidad democrática, la de Estados Unidos: George W. Bush. En Naufragio(s), inspirada en el hundimiento del Costa Concordia frente a la isla del Giglio, dos hermanas, ricas herederas y contumaces cultivadoras del dolce far niente, gastan algo de su fortuna en un crucero por el Mediterráneo. Por último, Homo sapiens nos sitúa ante Vicente y su paciente mujer, Gloria, en una confrontación a dos voces que evidencia la alienación que padecen los varones cuando, apartados de su vida laboral, descubren con pavor actividades en las que ni siquiera habían reparado. Este es el quinto volumen de teatro que Jesús Carazo ha publicado en la colección Espiral. Su obra Último verano en el paraíso, editada por Fundamentos conjuntamente con Dos viejos lagartos, fue Premio Lope de Vega en 2004. De la mano del grupo Histrión, otra de sus piezas La reina que no quiso reinar alcanzará este año ciento cincuenta representaciones. Además, ha publicado dieciséis novelas y obtenido numerosos premios de narrativa. Algunas de sus obras han sido traducidas al vasco, al catalán, al francés, al alemán y al inglés. Para más información, visite la página web del autor: www.jesuscarazo.com
Es esta la primera traducción al español de la totalidad de fragmentos de la Comedia Nueva, a excepción de los atribuidos a Menandro, a algunos de los cuales ya se han dedicado dos volúmenes en esta colección. Asimismo, recogemos la totalidad de los autores aunque no se conserven fragmentos o títulos que puedan traducirse. Se incluye una amplia introducción que sitúa la Néa en su contexto histórico y social. Describe, además, sus motivos, argumentos, pe rsonajes, formas y funciones, ordena cronológicamente a todos los poetas cómicos y aporta un resumen de lo más reseñable de cada uno de ellos.
Jesús Jara nos transmite un concepto novedoso de lo que es un payaso en cuanto a su proyección y trascendencia más allá de los límites de las artes escénicas, y pone a disposición de los formadores, profesores, estudiantes de pedagogía, monitores, animadores, profesionales del teatro y aficionados una herramienta que es, al mismo tiempo, divertida y práctica. En la primera parte, realiza un breve estudio histórico sobre el desarrollo del clown en el teatro, el cine y el circo. En la segunda, nos desvela variados aspectos sobre su filosofía payasa y nos ofrece pautas sobre el uso de la nariz, la mirada, la voz, el vestuario y el maquillaje, así como indicaciones relativas al formador y su trabajo. En la tercera, ofrece una gran cantidad de juegos y ejercicios que ayudan a conocer y desarrollar el clown que cada persona tiene en su interior. Alfredo Mantovani, especialista en teatro en la educación, prologa este manual de técnicas clownescas, afirmando que ir en busca del propio clown nos inducirá siempre a explorarnos y a recuperar nuestro niño interior. Jugar en clave de clown es representarnos a nosotros mismos como lo hacen las niñas y los niños cuando juegan al teatro.
Una jove és obligada a prendre lhàbit pel seu pare, ric i devot, que vol impedir que la noia es casi amb el seu cosí perquè és de la «raça dels lliberals». Per evitar el triomf de lamor i apropiar-se el dot de la novícia, el mossèn i labadessa del convent lenterren en vida, però ella és rescatada casualment per un veí prompte a satisfer els antulls de la seva dona prenyada... Aquesta obra, que es fa ressò duna de les llegendes urbanes més truculentes de la Barcelona vuitcentista, va significar lèxit més esclatant de lautor. Potser la seva influència sobre les masses explica que, anys més tard, els revoltats de la Setmana Tràgica, en comptes docupar llocs estratègics, satardessin desenterrant les monges dels monestirs que havien incendiat.
Hasta hace muy poco, Mujeres y criados era una de las obras de la ingente producción dramática de Lope de Vega de la que solo se conocía el título. Sin embargo, el reciente y feliz hallazgo de un manuscrito del siglo XVII en la Biblioteca Nacional nos ha permitido por fin conocer esta elegante comedia de enredo concebida por su autor en pleno período de madurez creativa. Escrita y representada hacia 1613-1614, la obra explica la historia de dos hermanas que intentan deshacerse de sendos pretendientes para poder estar con sus amados, y posee todos los elementos que convirtieron a Lope un maestro del género: triángulos amorosos, engaños, celos, dilemas de honor, conflictos entre jerarquías sociales?
Ernesto Caballero (Madrid, 1957) ha estado siempre relacionado con el teatro en todos sus aspectos: como escritor, como director, como profesor y -esto último en muy escasa medida- como actor. La mezcla de denuncia e ironía es la clave en todo el teatro de Ernesto Caballero. " Auto " es una obra paradigmática de un momento y de su autor. Si en la superficie parece una comedia costumbrista con algún toque macabro, en realidad estamos ante una de las más duras requisitorias contra una sociedad que ha hecho del consumismo la razón de su existir. " Sentido del deber " es una tragedia que analiza un fenómeno que nos preocupa y que ha dado lugar a una ley específica: la violencia contra las mujeres. Las cuatro jóvenes actrices que aparecen en " Naces consumes mueres " son un ejemplo de esa generación, " la mejor preparada en la historia de España " , abocada al paro y a la emigración, y representan un estado de conciencia, mirando hacia atrás con ira y repasando todos los factores que han contribuido a crear esa situación.
Cicely Berry nos relata y trasmite las investigaciones que ha realizado en torno a la voz durante los últimos 50 años con actores, directores y dramaturgos. Una generosa labor que ofrece al lector la ocasión de sentirse partícipe de una experiencia única. Pocos libros trazan una reflexión tan compleja como asequible sobre las relaciones entre el lenguaje, el pensamiento y el mundo. Sobre la influencia de la lengua en la percepción y el pensamiento. Si algo caracteriza los libros de esta autora no es tanto su carga teórica sino su praxis, los ejercicios que comparte minuciosamente con lectores y alumnos. Quien nos interpela en este libro es la voz obstinadamente joven de una mujer de 80 años que nos habla del juego y de la vida, empecinada además en romper con las convenciones del idioma y batallar así contra los tópicos que abundan en el mundo del teatro. Para Cicely Berry un nimio detalle, un gesto, una sola palabra puede revelar la verdad de un personaje hasta el punto de ofrecer la clave de todo un espectáculo teatral. CICELY BERRY (1926-) ha sido directora vocal de la Royal Shakespeare Company (RSC) y asesora de todas sus producciones teatrales. Estudió Arte Dramático en la Central School of Speech and Drama. Ha trabajado con actores de renombre internacional como Peter Finch, Sean Connery, Ann Bancroft, Richard Chamberlain, Derek Jacobi y Jeremy Irons y directores como Peter Brook, Trevor Nunn, Bernardo Bertolucci, Augusto Boal o Sam Mendes. También está muy involucrada en la educación internacional, ha impartido clases particulares a profesores de enseñanzas medias y políticos, y ha enseñado en prisiones. Es profesora honoraria de la Universidad de Monfort de Leicester y Doctora Honoris Causa por la Academia Nacional de las Artes de Cinematografía y Teatro de Bulgaria y de Literatura por la Universidad de Birmingham de Inglaterra. VICENTE FUENTES es Doctor por la Universidad de Alcalá y Catedrático de la RESAD. En 1975 es becado por la Fundación Juan March para ampliar sus estudios teatrales Inglaterra. En Londres investiga con el profesor Roy Hart y redacta su trabajo La Voz Humana u Objetiva. Completa su formación en Stratford con Cicely Berry. Es asesor de Verso de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Director del Laboratorio del la CNTC para la formación de jóvenes actores y miembro fundador del Roy Hart International
El pobre Argan está enfermo y pasa todo el día en cama, quejándose y pendiente de los remedios que le precriben unos médicos más deseosos de ganar dinero a expensas de la enfermedad que de cortar de raíz sus causas. Y por si ese tormento fuera poco, su hija Angélique se ha enamorado del pretendiente equivocado. Por suerte ahí está Toinette, la criada, que no es médico pero tiene remedio para todo.
Auténtico enamorado del teatro, como hombre de su época, Cervantes no es sólo el maestro inigualable de la novela, sino que también es un extraordinario dramaturgo, enormemente original e incansable experimentador. Obras teatrales cortas, de estética cómica, popular y costumbrista, los Entremeses representan el teatro de entretenimiento en su estado más puro: farsas y amoríos, chascarrillos y equívocos, adúlteras y bobos se mueven al servicio de una trama principalmente humorística. Y los Entremeses de Cervantes están considerados por la crítica moderna como modelos de verdad realista y dramática, donde el autor despliega toda su capacidad irónica y crítica a fin de censurar, entre burlas y veras, algunos de los principales vicios del ser humano, en su época y hoy en día: la incultura, la corrupción, el poder del dinero, la hipocresía social, todo un vasto retablo de la necedad humana. En definitiva, pequeñas obras maestras que ponen de manifiesto una nueva y penetrante actitud del artista ante la realidad y una voluntad de búsqueda y renovación de medios expresivos en el teatro de su época.
Poc abans de lesclat de la Guerra Civil, Martí de Riquer va escriure dues comèdies, Spinoza i els gentils i El triomf de la fonètica. En aquestes obres, lautor reprèn la tradició dun humor català lliure i absurd, ple de caricatura i de farsa. A El triomf de la fonètica, els preparatius dun matrimoni per interès es convertiran en un deliri amb esquimals, una cabra, filòlegs i gent que menja espelmes; mentre que a Spinoza i els gentils un grup de familiars pocavergonyes es volen quedar els diners de la pobra hereva dun oncle mort que no és veritablement mort. Amb un humor de la corda dels germans Marx, Boris Vian o Ionesco, aquestes dues obres de joventut de Riquer ens fan anar de lestupor i el somriure a la riallada franca. «Ens trobem davant duna obra escrita essencialment per instint teatral i bàsicament sostinguda per una cultura sòlida. Es tracta, per tant, dun veritable exemple de teatre net, sa; recolzat i assegurat sobre una base que fa superar els riscs de carrincloneria, sentimentalisme o grotesc que aquella condició per si sola acostuma a comportar. [ ] En El triomf de la fonètica hi ha una gran abundància dimaginació, dhumor, de sàtira, etc., no acumulades avariciosament i capriciosament com perles precioses i fràgils, sinó donades a doll».
El lector o espectador que se aproxime a las tragedias de honra de Calderón de la Barca se hallará, ciertamente, frente al mismo problema interpretativo con el que todavía lidia la crítica hispanista. Si bien el dramaturgo da sobradas muestras de modernidad en otras obras, su trilogía del honor conyugal parece respaldar la violencia uxoricida que pone en escena. De hecho, el cierre de las piezas supone un enigma profundamente inquietante, pues las tres esposas -inocentes del adulterio del que se las acusa- resuelven con su muerte el conflicto dramático. Este libro parte de las teorías de Réné Girard en torno a la violencia y el sacrificio para tratar de explorar una clave hermenéutica alternativa válida que ilumine unas piezas que mantienen vigente su capacidad de asombrar y conmover.
Bajo la denominación " Comedias bárbaras " se agrupan, por orden de publicación, " Águila de Blasón " (1907), " Romance de Lobos " (1908) y " Cara de Plata " (1923), ciclo que gira en torno a la estirpe hidalga de los Montenegro y la conflictiva relación del patriarca, Don Juan Manuel,encarnación de una sociedad profundamente tradicional, como la gallega decimonónica, que se resquebrajaba ante el ascenso de la nueva y pujante burguesía, con sus hijos. En este enfrentamiento, propiciado por la codicia de éstos y por la desmesura del Mayorazgo, Ramón del Valle-Inclán (1866-1936) pinta con colores tremendos y episodios bizarros que anticipan el esperpento la degeneración moral de una familia y la desaparición de una sociedad. En Águila de Blasón es el cruel, codicioso y cínico primogénito Don Pedrito quien se enfrenta sin escrúpulos a su padre, estampa casi insuperable del señor de horca y cuchillo. Edición de Margarita Santos Zas
Bajo la denominación " Comedias bárbaras " se agrupan, por orden de publicación, " Águila de Blasón " (1907), " Romance de Lobos " (1908) y " Cara de Plata " (1923), ciclo que gira en torno a la estirpe hidalga de los Montenegro y la conflictiva relación del patriarca, Don Juan Manuel, encarnación de una sociedad profundamente tradicional, como la gallega decimonónica, que se resquebrajaba ante el ascenso de la nueva y pujante burguesía, con sus hijos. En este enfrentamiento, propiciado por la codicia de éstos y por la desmesura del Mayorazgo, Ramón del Valle-Inclán (1866-1936) pinta con colores tremendos y episodios bizarros que anticipan el esperpento la degeneración moral de una familia y la desaparición de una sociedad. Romance de Lobos hace alusión al carácter salvaje y feroz de los «cinco hijos» desalmados de Don Juan Manuel, se exceptúa al sexto, Miguel " Cara de Plata " , alistado en las filas carlistas, quienes lo acosan como una manada hasta desembocar en un trágico final. Edición de Margarita Santos Zas
Alfonso Jiménez Romero es el dramaturgo que en las últimas cuatro décadas del siglo xx ha llevado a los escenarios la imagen más poderosa y profunda de Andalucía. Suyo es un teatro tradicional y moderno, y suya es en gran parte la procura de una identidad andaluza sobre las tablas. Oratorio es la obra inolvidable que dio expresión en los años sesenta al resurgir de un sentimiento de una comunidad histórica. Esta y otros títulos suyos recogen una cultura ya en su época amenazada, y hoy prácticamente vencida por la estandarización de los patrones culturales posmodernos. Pero el trabajo de este autor va más allá de una mera exaltación folclórica de su tierra. Antes de arribar a la Andalucía dramática, sus piezas habían pulsado los registros del teatro simbólico y existencial, que agrupó bajo el marbete de misterios. Son estos, hasta ahora inéditos, los que aquí queremos dar a conocer: su Trilogía del más allá Alguien allá lejos, Diálogos de una espera y Conversaciones con un niño se plantea la tragedia de la mortalidad, la finitud y el absurdo de la peripecia vital. Algún día las estrellas persigue la humana búsqueda de la identidad y Ensueños, diálogo onírico del autor con su público, anuncia el final del teatro experimental y el retorno a la ceremonia y los ritos escénicos. Miguel Nieto Nuño es profesor titular de la Universidad de Sevilla. Dirige el Grupo de Investigación Literatura y Creatividad (HUM 925) de la Junta de Andalucía. En los últimos años viene dedicándose al teatro contemporáneo, con estudios sobre Antonio Buero Vallejo, José Luis Alonso de Santos o Rodrigo García, y ediciones de obras de Carlos Arniches y Alonso de Santos. María Teresa Mora Álvarez es asistente honoraria del Departamento de Comunicación Audiovisual y Publicidad y Literatura de la Universidad de Sevilla, en el que se doctoró con una tesis sobre Alfonso Jiménez Romero. Integrante del Grupo de Investigación Literatura y Creatividad, durante años se ha entregado a la búsqueda de documentación sobre el dramaturgo sevillano.
Tenemos en nuestras manos El teatro joven de 13 a 16 años, un completo recurso que concluye una trilogía pedagógica teatral, justificada y experimentada con un enfoque totalmente educativo y humanista. Como continuación de los dos textos anteriores: El juego dramático de 5 a 9 años y La dramática creativa de 9 a 13 años, escritos conjuntamente con la profesora Rosario Navarro y publicados en esta misma colección, Alfredo Mantovani completa su «sistema de teatro evolutivo por etapas» y corona su larga trayectoria como profesor de teatro con un libro lleno de sugerencias, estructuras y elementos probados para llevar a cabo prácticas artísticas con jóvenes. Entre sus numerosas aportaciones, merecen destacarse los pasos para conseguir una creación colectiva o la adaptación y puesta en escena de una obra teatral, como son una recreación del clásico Fuenteovejuna y una obra inédita titulada Adolescentes. De este modo, el autor cierra un trabajo innovador, fruto de su afán por delimitar un campo específico que necesitaba un marco referencial teórico, con la novedad de considerar a los adolescentes «buscadores de su identidad», que necesitan ser tratados como «comunicadores» más que como actores o actrices. Sin duda, una obra útil para docentes, profesores de teatro, animadores o monitores, que podrán multiplicar con eficacia las actividades dramáticas en institutos, colegios, escuelas de teatro, clubs de tiempo libre, asociaciones juveniles, centros culturales y allí donde exista un grupo de jóvenes con ganas de expresarse.
Las tres obras que componen este libro, prologado por Emilio Peral Vega, dan nueva muestra de la pericia de Jesús Carazo para hacer de la normalidad un acto poético. La eternidad sitúa en un infierno imaginario a los dos grandes dictadores de la Europa del siglo xx, Hitler y Stalin, tras los que se incorpora la versión patria de la especie, Franco y, algo más adulterada, en modalidad democrática, la de Estados Unidos: George W. Bush. En Naufragio(s), inspirada en el hundimiento del Costa Concordia frente a la isla del Giglio, dos hermanas, ricas herederas y contumaces cultivadoras del dolce far niente, gastan algo de su fortuna en un crucero por el Mediterráneo. Por último, Homo sapiens nos sitúa ante Vicente y su paciente mujer, Gloria, en una confrontación a dos voces que evidencia la alienación que padecen los varones cuando, apartados de su vida laboral, descubren con pavor actividades en las que ni siquiera habían reparado. Este es el quinto volumen de teatro que Jesús Carazo ha publicado en la colección Espiral. Su obra Último verano en el paraíso, editada por Fundamentos conjuntamente con Dos viejos lagartos, fue Premio Lope de Vega en 2004. De la mano del grupo Histrión, otra de sus piezas La reina que no quiso reinar alcanzará este año ciento cincuenta representaciones. Además, ha publicado dieciséis novelas y obtenido numerosos premios de narrativa. Algunas de sus obras han sido traducidas al vasco, al catalán, al francés, al alemán y al inglés. Para más información, visite la página web del autor: www.jesuscarazo.com
Es esta la primera traducción al español de la totalidad de fragmentos de la Comedia Nueva, a excepción de los atribuidos a Menandro, a algunos de los cuales ya se han dedicado dos volúmenes en esta colección. Asimismo, recogemos la totalidad de los autores aunque no se conserven fragmentos o títulos que puedan traducirse. Se incluye una amplia introducción que sitúa la Néa en su contexto histórico y social. Describe, además, sus motivos, argumentos, pe rsonajes, formas y funciones, ordena cronológicamente a todos los poetas cómicos y aporta un resumen de lo más reseñable de cada uno de ellos.
Jesús Jara nos transmite un concepto novedoso de lo que es un payaso en cuanto a su proyección y trascendencia más allá de los límites de las artes escénicas, y pone a disposición de los formadores, profesores, estudiantes de pedagogía, monitores, animadores, profesionales del teatro y aficionados una herramienta que es, al mismo tiempo, divertida y práctica. En la primera parte, realiza un breve estudio histórico sobre el desarrollo del clown en el teatro, el cine y el circo. En la segunda, nos desvela variados aspectos sobre su filosofía payasa y nos ofrece pautas sobre el uso de la nariz, la mirada, la voz, el vestuario y el maquillaje, así como indicaciones relativas al formador y su trabajo. En la tercera, ofrece una gran cantidad de juegos y ejercicios que ayudan a conocer y desarrollar el clown que cada persona tiene en su interior. Alfredo Mantovani, especialista en teatro en la educación, prologa este manual de técnicas clownescas, afirmando que ir en busca del propio clown nos inducirá siempre a explorarnos y a recuperar nuestro niño interior. Jugar en clave de clown es representarnos a nosotros mismos como lo hacen las niñas y los niños cuando juegan al teatro.
Una jove és obligada a prendre lhàbit pel seu pare, ric i devot, que vol impedir que la noia es casi amb el seu cosí perquè és de la «raça dels lliberals». Per evitar el triomf de lamor i apropiar-se el dot de la novícia, el mossèn i labadessa del convent lenterren en vida, però ella és rescatada casualment per un veí prompte a satisfer els antulls de la seva dona prenyada... Aquesta obra, que es fa ressò duna de les llegendes urbanes més truculentes de la Barcelona vuitcentista, va significar lèxit més esclatant de lautor. Potser la seva influència sobre les masses explica que, anys més tard, els revoltats de la Setmana Tràgica, en comptes docupar llocs estratègics, satardessin desenterrant les monges dels monestirs que havien incendiat.
Hasta hace muy poco, Mujeres y criados era una de las obras de la ingente producción dramática de Lope de Vega de la que solo se conocía el título. Sin embargo, el reciente y feliz hallazgo de un manuscrito del siglo XVII en la Biblioteca Nacional nos ha permitido por fin conocer esta elegante comedia de enredo concebida por su autor en pleno período de madurez creativa. Escrita y representada hacia 1613-1614, la obra explica la historia de dos hermanas que intentan deshacerse de sendos pretendientes para poder estar con sus amados, y posee todos los elementos que convirtieron a Lope un maestro del género: triángulos amorosos, engaños, celos, dilemas de honor, conflictos entre jerarquías sociales?
Ernesto Caballero (Madrid, 1957) ha estado siempre relacionado con el teatro en todos sus aspectos: como escritor, como director, como profesor y -esto último en muy escasa medida- como actor. La mezcla de denuncia e ironía es la clave en todo el teatro de Ernesto Caballero. " Auto " es una obra paradigmática de un momento y de su autor. Si en la superficie parece una comedia costumbrista con algún toque macabro, en realidad estamos ante una de las más duras requisitorias contra una sociedad que ha hecho del consumismo la razón de su existir. " Sentido del deber " es una tragedia que analiza un fenómeno que nos preocupa y que ha dado lugar a una ley específica: la violencia contra las mujeres. Las cuatro jóvenes actrices que aparecen en " Naces consumes mueres " son un ejemplo de esa generación, " la mejor preparada en la historia de España " , abocada al paro y a la emigración, y representan un estado de conciencia, mirando hacia atrás con ira y repasando todos los factores que han contribuido a crear esa situación.
Cicely Berry nos relata y trasmite las investigaciones que ha realizado en torno a la voz durante los últimos 50 años con actores, directores y dramaturgos. Una generosa labor que ofrece al lector la ocasión de sentirse partícipe de una experiencia única. Pocos libros trazan una reflexión tan compleja como asequible sobre las relaciones entre el lenguaje, el pensamiento y el mundo. Sobre la influencia de la lengua en la percepción y el pensamiento. Si algo caracteriza los libros de esta autora no es tanto su carga teórica sino su praxis, los ejercicios que comparte minuciosamente con lectores y alumnos. Quien nos interpela en este libro es la voz obstinadamente joven de una mujer de 80 años que nos habla del juego y de la vida, empecinada además en romper con las convenciones del idioma y batallar así contra los tópicos que abundan en el mundo del teatro. Para Cicely Berry un nimio detalle, un gesto, una sola palabra puede revelar la verdad de un personaje hasta el punto de ofrecer la clave de todo un espectáculo teatral. CICELY BERRY (1926-) ha sido directora vocal de la Royal Shakespeare Company (RSC) y asesora de todas sus producciones teatrales. Estudió Arte Dramático en la Central School of Speech and Drama. Ha trabajado con actores de renombre internacional como Peter Finch, Sean Connery, Ann Bancroft, Richard Chamberlain, Derek Jacobi y Jeremy Irons y directores como Peter Brook, Trevor Nunn, Bernardo Bertolucci, Augusto Boal o Sam Mendes. También está muy involucrada en la educación internacional, ha impartido clases particulares a profesores de enseñanzas medias y políticos, y ha enseñado en prisiones. Es profesora honoraria de la Universidad de Monfort de Leicester y Doctora Honoris Causa por la Academia Nacional de las Artes de Cinematografía y Teatro de Bulgaria y de Literatura por la Universidad de Birmingham de Inglaterra. VICENTE FUENTES es Doctor por la Universidad de Alcalá y Catedrático de la RESAD. En 1975 es becado por la Fundación Juan March para ampliar sus estudios teatrales Inglaterra. En Londres investiga con el profesor Roy Hart y redacta su trabajo La Voz Humana u Objetiva. Completa su formación en Stratford con Cicely Berry. Es asesor de Verso de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Director del Laboratorio del la CNTC para la formación de jóvenes actores y miembro fundador del Roy Hart International
El pobre Argan está enfermo y pasa todo el día en cama, quejándose y pendiente de los remedios que le precriben unos médicos más deseosos de ganar dinero a expensas de la enfermedad que de cortar de raíz sus causas. Y por si ese tormento fuera poco, su hija Angélique se ha enamorado del pretendiente equivocado. Por suerte ahí está Toinette, la criada, que no es médico pero tiene remedio para todo.
Auténtico enamorado del teatro, como hombre de su época, Cervantes no es sólo el maestro inigualable de la novela, sino que también es un extraordinario dramaturgo, enormemente original e incansable experimentador. Obras teatrales cortas, de estética cómica, popular y costumbrista, los Entremeses representan el teatro de entretenimiento en su estado más puro: farsas y amoríos, chascarrillos y equívocos, adúlteras y bobos se mueven al servicio de una trama principalmente humorística. Y los Entremeses de Cervantes están considerados por la crítica moderna como modelos de verdad realista y dramática, donde el autor despliega toda su capacidad irónica y crítica a fin de censurar, entre burlas y veras, algunos de los principales vicios del ser humano, en su época y hoy en día: la incultura, la corrupción, el poder del dinero, la hipocresía social, todo un vasto retablo de la necedad humana. En definitiva, pequeñas obras maestras que ponen de manifiesto una nueva y penetrante actitud del artista ante la realidad y una voluntad de búsqueda y renovación de medios expresivos en el teatro de su época.
Poc abans de lesclat de la Guerra Civil, Martí de Riquer va escriure dues comèdies, Spinoza i els gentils i El triomf de la fonètica. En aquestes obres, lautor reprèn la tradició dun humor català lliure i absurd, ple de caricatura i de farsa. A El triomf de la fonètica, els preparatius dun matrimoni per interès es convertiran en un deliri amb esquimals, una cabra, filòlegs i gent que menja espelmes; mentre que a Spinoza i els gentils un grup de familiars pocavergonyes es volen quedar els diners de la pobra hereva dun oncle mort que no és veritablement mort. Amb un humor de la corda dels germans Marx, Boris Vian o Ionesco, aquestes dues obres de joventut de Riquer ens fan anar de lestupor i el somriure a la riallada franca. «Ens trobem davant duna obra escrita essencialment per instint teatral i bàsicament sostinguda per una cultura sòlida. Es tracta, per tant, dun veritable exemple de teatre net, sa; recolzat i assegurat sobre una base que fa superar els riscs de carrincloneria, sentimentalisme o grotesc que aquella condició per si sola acostuma a comportar. [
] En El triomf de la fonètica hi ha una gran abundància dimaginació, dhumor, de sàtira, etc., no acumulades avariciosament i capriciosament com perles precioses i fràgils, sinó donades a doll».
El lector o espectador que se aproxime a las tragedias de honra de Calderón de la Barca se hallará, ciertamente, frente al mismo problema interpretativo con el que todavía lidia la crítica hispanista. Si bien el dramaturgo da sobradas muestras de modernidad en otras obras, su trilogía del honor conyugal parece respaldar la violencia uxoricida que pone en escena. De hecho, el cierre de las piezas supone un enigma profundamente inquietante, pues las tres esposas -inocentes del adulterio del que se las acusa- resuelven con su muerte el conflicto dramático. Este libro parte de las teorías de Réné Girard en torno a la violencia y el sacrificio para tratar de explorar una clave hermenéutica alternativa válida que ilumine unas piezas que mantienen vigente su capacidad de asombrar y conmover.
Bajo la denominación " Comedias bárbaras " se agrupan, por orden de publicación, " Águila de Blasón " (1907), " Romance de Lobos " (1908) y " Cara de Plata " (1923), ciclo que gira en torno a la estirpe hidalga de los Montenegro y la conflictiva relación del patriarca, Don Juan Manuel,encarnación de una sociedad profundamente tradicional, como la gallega decimonónica, que se resquebrajaba ante el ascenso de la nueva y pujante burguesía, con sus hijos. En este enfrentamiento, propiciado por la codicia de éstos y por la desmesura del Mayorazgo, Ramón del Valle-Inclán (1866-1936) pinta con colores tremendos y episodios bizarros que anticipan el esperpento la degeneración moral de una familia y la desaparición de una sociedad. En Águila de Blasón es el cruel, codicioso y cínico primogénito Don Pedrito quien se enfrenta sin escrúpulos a su padre, estampa casi insuperable del señor de horca y cuchillo. Edición de Margarita Santos Zas
Bajo la denominación " Comedias bárbaras " se agrupan, por orden de publicación, " Águila de Blasón " (1907), " Romance de Lobos " (1908) y " Cara de Plata " (1923), ciclo que gira en torno a la estirpe hidalga de los Montenegro y la conflictiva relación del patriarca, Don Juan Manuel, encarnación de una sociedad profundamente tradicional, como la gallega decimonónica, que se resquebrajaba ante el ascenso de la nueva y pujante burguesía, con sus hijos. En este enfrentamiento, propiciado por la codicia de éstos y por la desmesura del Mayorazgo, Ramón del Valle-Inclán (1866-1936) pinta con colores tremendos y episodios bizarros que anticipan el esperpento la degeneración moral de una familia y la desaparición de una sociedad. Romance de Lobos hace alusión al carácter salvaje y feroz de los «cinco hijos» desalmados de Don Juan Manuel, se exceptúa al sexto, Miguel " Cara de Plata " , alistado en las filas carlistas, quienes lo acosan como una manada hasta desembocar en un trágico final. Edición de Margarita Santos Zas