" El mejor alcalde, el rey " continúa atrayendo la atención de los críticos porque es una pieza paradigmática entre las obras de Lope de Vega. Su importancia estriba no sólo en la pureza de sus líneas dramáticas, sino también en el desarrollo de temas fundamentales de la Comedia: la tiranía de los poderosos, la honradez y el sufrimiento de los campesinos y la inevitable imposición de la justicia por parte del rey. La presencia de estos personajes, el rey, el noble y el villano, nos remite a una visión netamente feudal que además de dar forma a la estructura social de las comedias de temas históricos y rurales, nos proporciona una reflexión sobre una etapa importante del desarrollo de nuestra sociedad.
Considerado como el más grande poeta cómico griego de la época clásica, Aristófanes (ca. 445-ca. 386 a.C.) publica la mayor parte de su obra durante el largo periodo de la guerra del Peloponeso. Sus comedias -aparentemente fantasías verbales y burlas groseras destinadas a provocar la risa del pueblo que acudía a las fiestas- son, sin embargo, el testimonio de su actitud reflexiva ante los problemas de la sociedad de la época y la expresión de sus profundas convicciones de ciudadano. " Las nubes " , " Lisístrata " y " Dinero " ejemplifican tanto el compromiso directo de Aristófanes con la vida pública, como su genial capacidad para elevarse por encima de las circunstancias particulares de su tiempo. Traducción e introducción de Elsa García Novo
Recluidos en un sótano, un grupo de vencidos de la guerra civil contempla la vida a través de un simbólico tragaluz. Jugando con el tiempo, Buero Vallejo consigue una dimensión de «sobrecogimiento histórico» que obliga al espectador a entrar en acción y afrontar los problemas de su entorno. Luis Iglesias Feijoo, de la Universidad de Santiago de Compostela, analiza El tragaluz como testimonio excepcional del acierto de combinar, dentro de un teatro de vocación realista, el interés por la intriga con la reflexión crítica. En la Guía de lectura, Ana María Platas ofrece una rica selección de textos que ilustran el sentido y la trascendencia de la obra, y un detallado análisis de la obra que enriquece su lectura. El perfecto maridaje entre ética y estética eleva El tragaluz a la categoría de clásico contemporáneo.
Macbeth cuenta una historia de crimen y castigo entreverada de brujería y elementos sobrenaturales. Amparado en las engañosas profecías de las Hermanas Fatídicas, brujas o diosas del destino, Macbeth decide asesinar a su rey y tomar la corona. Consciente del horror al que se entrega, forja su terrible destino y se deja poseer por el mal que nace del ansia de poder, creyéndose invencible y eterno. Esta obra tenebrosa e inquietante, de acción vertiginosa, es también profundamente introspectiva. A través de un lenguaje metafórico y sensorial, la obra indaga en lo prohibido, explora la transgresión y ofrece la oportunidad única de compartir la vida interior de un asesino, con su horror y su misterio. En el estudio introductorio, Ángel-Luis Pujante desvela el significado de ese juego de símbolos, el primitivismo y el concepto mágico del mundo que representan, y aclara cómo la altura poética e intelectual de Macbeth no oculta ni suaviza la situación política concreta de sangre y violencia, ambición y deslealtad en que la acción se desenvuelve.
La gavina (1896), L'oncle Vània (1897), Tres germanes (1902) i El jardí dels cirerers (1903) són les obres mestres indiscutibles dins la producció dramàtica d'Anton P. Txèkhov: quatre peces que van canviar el curs de la tradició teatral russa, europea i nord-americana. Perquè Txèkhov, per primera vegada, hi va renunciar a desenvolupar una acció dramàtica convencional i es va concentrar en la pintura d'atmosferes, i així va aconseguir que, per sota del text, sense fer-se mai explícita del tot, es reveli sempre el que en podríem dir la vida soterrada: l'autèntica vida interior dels personatges, els estats d'ànim d'uns homes i unes dones que, amb més o menys angoixa i amb més o menys resignació, assisteixen a l'acompliment del destí que els ha correspost mentre observen la decadència del seu món amb l'esperança d'entreveure'n un de millor.
La estanquera de Vallecas es el primer gran éxito en la línea de un teatro popular y humorístico en la trayectoria de Alonso de Santos, sin duda, uno de los nombres más importantes del teatro español actual. Basada en un hecho real que terminó de forma trágica, en tanto que la obra circula por el tornasolado camino del humor. La sombra del Tenorio es un monólogo teataral en el que el protagonista Ciutti, el criado de don Juan Tenorio, revive sus múltiples experiencias. (De la edición de Andrés Amorós)
La loca pasión por Melibea, hija de un rico mercader, lleva al joven Calisto a romper todas las barreras y a aliarse con una vieja alcahueta. Desde el momento en que entra en escena, Celestina avasalla toda la obra hasta convertirse en un personaje literario de fama universal. Reflejo de una sociedad conflictiva, Celestina resume y liquida la tradición medieval y abre las puertas a nuevos aires y tiempos nuevos.
La historia de Romeo y Julieta tiene antecedentes en la mitología y literatura griegas y en algunas leyendas medievales. Durante los siglos XV y XVI fue objeto de múltiples versiones, pero fue Shakespeare quien le infundió una pasión y un dramatismo inéditos hasta entonces y que han contribuido a mantener la leyenda en la memoria colectiva. En Verona, dos jóvenes enamorados, de dos familias enemigas, son víctimas de una situación de odio y violencia que ni desean ni pueden remediar. En una de esas tardes de verano en que el calor «inflama la sangre», Romeo, recién casado en secreto con su amada Julieta, mata al primo de ésta. A partir de ahí Shakespeare desencadena la tragedia y precipita los acontecimientos, guiados por el azar y la fatalidad. Ángel-Luis Pujante destaca en esta edición la fuerza poética y retórica de ROMEO Y JULIETA: los juegos de palabras, la coexistencia de prosa y verso, de lo culto y lo coloquial, de lo lírico y lo dramático contribuyen a intensificar los contrastes de la acción. Clara Calvo ofrece en la Guía de lectura una rica documentación complementaria y unas sugerentes propuestas que ayudan a enriquecer la lectura de esta obra capital de la literatura universal.
Federico García Lorca dirigió La Barraca, experiencia teatral decisiva para la escena española. Desde 1918, en que publicó su primer libro, hasta su muerte, Federico no dejó nunca de componer versos y escribir teatro. Austral presenta en este volumen Bodas de sangre, ejemplo esencial de su obra dramática, que construye a partir de un hecho real, una pequeña noticia del periódico, una tragedia cargada de lirismo y de elementos simbólicos. Escenifica, en prosa y en verso, la crónica llena de presagios de una pasión, de la lucha por una mujer que lleva hasta la muerte a los dos rivales. El que fue director de la Real Academia Española, Fernando Lázaro Carreter, analizó en su Introducción la génesis de la tragedia y su situación en la obra de Lorca, desvelando su simbología y su significación última.
Enrique Jardiel Poncela figura a la cabeza de los comediógrafos renovadores del siglo XX. Tras décadas de marginación, sus obras se leen, vuelven a los escenarios y recuperan el reconocimiento que alcanzaron en su tiempo. "Angelina o el honor de un brigadier," primera comedia del humor genuino del autor, es también la primera muestra de las piezas que Jardiel denominó «teatro sin corazón», y una parodia hilarante del drama realista decimonónico. "Un marido de ida y vuelta" pertenece al grupo de obras escritas entre 1936 y 1943, que constituyen la cima de la producción jardielesca. En esta farsa repleta de humorismo y poesía el autor alcanza lo más genuino de su teatro de lo inverosímil y crea algunas de las escenas más logradas de nuestro teatro cómico. Edición de Francico Díaz de Castro y Almudena del Olmo Iturriarte.
Preparada por Manuel Rosales, Os vellos non deben de namorarse é unha excelente mostra das ideas e das capacidades teatrais de Castelao, que logrou plasmar nesta peza un mundo escénico no que a tradición popular galega avivece en contacto coas tendencias renovadoras do teatro europeo. Pedra angular da literatura dramática galega, a popularidade desta fermosa obra non deixou de medrar desde a súa estrea en Bos Aires no ano 1941. Chega agora esta versión dentro da Edición do cincuentenario, ilustrada coas láminas en branco e negro e en cor elaboradas polo propio Castelao.
La información que poseemos sobre la biografía de Terencio es amplia y abundante. Suetonio, Donato o San Jerónimo nos han suministrado noticias sobre el autor latino, y fuentes no propiamente biográficas nos han proporcionado información variada sobre las circunstancias de la representación de sus comedias. Sin embargo, a pesar de la abundancia de datos, sobre la vida de Terencio caben tantas dudas como sobre la de cualquier otro escritor arcaico. Sobre estas dudas podríamos fijar su fecha de nacimiento en torno al 195 / 194 a. C., en Cartago, aunque no fuera de estirpe cartaginesa, y habría llegado a Roma, en circunstancias desconocidas, donde habría establecido relaciones poco claras con personajes ilustres y nobles. Su muerte puede situarse en Roma hacia 159 a. C., tras un viaje a Grecia. Las seis comedias de Terencio pertenecen al tipo de las llamada fabulae palliatae, comedias que ponían en escena personajes y vestidos griegos y que eran traducciones o adaptaciones de originales griegos. Si embargo, Terencio modifica y se aleja de los modelos griegos para adaptarse a los gustos del público romano, tratando de añadir emotividad, vivacidad y comicidad a sus comedias, enriqueciendo la acción y la caracterización psicológica de sus personajes y plantear así cuestiones relativas al comportamiento humano.
Empobrecimiento. Desesperación. Muerte. Roberto "Tito" Cossa inventa un pequeño mundo tragicómico en el que la voracidad de la abuela, la Nona, va degradando poco a poco la vida familiar hasta los límites del absurdo. Pero, ¿qué se puede hacer cuando el hambre no tiene fin? Por primera vez se publica en España una de las obras maestras del teatro argentino contemporáneo. Estrenada en 1977, se comunica con el lector de hoy mediante una crítica vigente, esa forma de crítica tan hispana, al mismo tiempo ácida y tierna: reírse por no llorar.
" El mejor alcalde, el rey " continúa atrayendo la atención de los críticos porque es una pieza paradigmática entre las obras de Lope de Vega. Su importancia estriba no sólo en la pureza de sus líneas dramáticas, sino también en el desarrollo de temas fundamentales de la Comedia: la tiranía de los poderosos, la honradez y el sufrimiento de los campesinos y la inevitable imposición de la justicia por parte del rey. La presencia de estos personajes, el rey, el noble y el villano, nos remite a una visión netamente feudal que además de dar forma a la estructura social de las comedias de temas históricos y rurales, nos proporciona una reflexión sobre una etapa importante del desarrollo de nuestra sociedad.
Considerado como el más grande poeta cómico griego de la época clásica, Aristófanes (ca. 445-ca. 386 a.C.) publica la mayor parte de su obra durante el largo periodo de la guerra del Peloponeso. Sus comedias -aparentemente fantasías verbales y burlas groseras destinadas a provocar la risa del pueblo que acudía a las fiestas- son, sin embargo, el testimonio de su actitud reflexiva ante los problemas de la sociedad de la época y la expresión de sus profundas convicciones de ciudadano. " Las nubes " , " Lisístrata " y " Dinero " ejemplifican tanto el compromiso directo de Aristófanes con la vida pública, como su genial capacidad para elevarse por encima de las circunstancias particulares de su tiempo. Traducción e introducción de Elsa García Novo
Recluidos en un sótano, un grupo de vencidos de la guerra civil contempla la vida a través de un simbólico tragaluz. Jugando con el tiempo, Buero Vallejo consigue una dimensión de «sobrecogimiento histórico» que obliga al espectador a entrar en acción y afrontar los problemas de su entorno. Luis Iglesias Feijoo, de la Universidad de Santiago de Compostela, analiza El tragaluz como testimonio excepcional del acierto de combinar, dentro de un teatro de vocación realista, el interés por la intriga con la reflexión crítica. En la Guía de lectura, Ana María Platas ofrece una rica selección de textos que ilustran el sentido y la trascendencia de la obra, y un detallado análisis de la obra que enriquece su lectura. El perfecto maridaje entre ética y estética eleva El tragaluz a la categoría de clásico contemporáneo.
Macbeth cuenta una historia de crimen y castigo entreverada de brujería y elementos sobrenaturales. Amparado en las engañosas profecías de las Hermanas Fatídicas, brujas o diosas del destino, Macbeth decide asesinar a su rey y tomar la corona. Consciente del horror al que se entrega, forja su terrible destino y se deja poseer por el mal que nace del ansia de poder, creyéndose invencible y eterno. Esta obra tenebrosa e inquietante, de acción vertiginosa, es también profundamente introspectiva. A través de un lenguaje metafórico y sensorial, la obra indaga en lo prohibido, explora la transgresión y ofrece la oportunidad única de compartir la vida interior de un asesino, con su horror y su misterio. En el estudio introductorio, Ángel-Luis Pujante desvela el significado de ese juego de símbolos, el primitivismo y el concepto mágico del mundo que representan, y aclara cómo la altura poética e intelectual de Macbeth no oculta ni suaviza la situación política concreta de sangre y violencia, ambición y deslealtad en que la acción se desenvuelve.
La gavina (1896), L'oncle Vània (1897), Tres germanes (1902) i El jardí dels cirerers (1903) són les obres mestres indiscutibles dins la producció dramàtica d'Anton P. Txèkhov: quatre peces que van canviar el curs de la tradició teatral russa, europea i nord-americana. Perquè Txèkhov, per primera vegada, hi va renunciar a desenvolupar una acció dramàtica convencional i es va concentrar en la pintura d'atmosferes, i així va aconseguir que, per sota del text, sense fer-se mai explícita del tot, es reveli sempre el que en podríem dir la vida soterrada: l'autèntica vida interior dels personatges, els estats d'ànim d'uns homes i unes dones que, amb més o menys angoixa i amb més o menys resignació, assisteixen a l'acompliment del destí que els ha correspost mentre observen la decadència del seu món amb l'esperança d'entreveure'n un de millor.
La estanquera de Vallecas es el primer gran éxito en la línea de un teatro popular y humorístico en la trayectoria de Alonso de Santos, sin duda, uno de los nombres más importantes del teatro español actual. Basada en un hecho real que terminó de forma trágica, en tanto que la obra circula por el tornasolado camino del humor. La sombra del Tenorio es un monólogo teataral en el que el protagonista Ciutti, el criado de don Juan Tenorio, revive sus múltiples experiencias. (De la edición de Andrés Amorós)
La loca pasión por Melibea, hija de un rico mercader, lleva al joven Calisto a romper todas las barreras y a aliarse con una vieja alcahueta. Desde el momento en que entra en escena, Celestina avasalla toda la obra hasta convertirse en un personaje literario de fama universal. Reflejo de una sociedad conflictiva, Celestina resume y liquida la tradición medieval y abre las puertas a nuevos aires y tiempos nuevos. 
Usted ignora el valor que tiene Harriet para la historia. La memoria de Harriet es un tesoro. Harriet es
Harriet es la tortuga de Darwin.
La historia de Romeo y Julieta tiene antecedentes en la mitología y literatura griegas y en algunas leyendas medievales. Durante los siglos XV y XVI fue objeto de múltiples versiones, pero fue Shakespeare quien le infundió una pasión y un dramatismo inéditos hasta entonces y que han contribuido a mantener la leyenda en la memoria colectiva. En Verona, dos jóvenes enamorados, de dos familias enemigas, son víctimas de una situación de odio y violencia que ni desean ni pueden remediar. En una de esas tardes de verano en que el calor «inflama la sangre», Romeo, recién casado en secreto con su amada Julieta, mata al primo de ésta. A partir de ahí Shakespeare desencadena la tragedia y precipita los acontecimientos, guiados por el azar y la fatalidad. Ángel-Luis Pujante destaca en esta edición la fuerza poética y retórica de ROMEO Y JULIETA: los juegos de palabras, la coexistencia de prosa y verso, de lo culto y lo coloquial, de lo lírico y lo dramático contribuyen a intensificar los contrastes de la acción. Clara Calvo ofrece en la Guía de lectura una rica documentación complementaria y unas sugerentes propuestas que ayudan a enriquecer la lectura de esta obra capital de la literatura universal.
Federico García Lorca dirigió La Barraca, experiencia teatral decisiva para la escena española. Desde 1918, en que publicó su primer libro, hasta su muerte, Federico no dejó nunca de componer versos y escribir teatro. Austral presenta en este volumen Bodas de sangre, ejemplo esencial de su obra dramática, que construye a partir de un hecho real, una pequeña noticia del periódico, una tragedia cargada de lirismo y de elementos simbólicos. Escenifica, en prosa y en verso, la crónica llena de presagios de una pasión, de la lucha por una mujer que lleva hasta la muerte a los dos rivales. El que fue director de la Real Academia Española, Fernando Lázaro Carreter, analizó en su Introducción la génesis de la tragedia y su situación en la obra de Lorca, desvelando su simbología y su significación última.
Enrique Jardiel Poncela figura a la cabeza de los comediógrafos renovadores del siglo XX. Tras décadas de marginación, sus obras se leen, vuelven a los escenarios y recuperan el reconocimiento que alcanzaron en su tiempo. "Angelina o el honor de un brigadier," primera comedia del humor genuino del autor, es también la primera muestra de las piezas que Jardiel denominó «teatro sin corazón», y una parodia hilarante del drama realista decimonónico. "Un marido de ida y vuelta" pertenece al grupo de obras escritas entre 1936 y 1943, que constituyen la cima de la producción jardielesca. En esta farsa repleta de humorismo y poesía el autor alcanza lo más genuino de su teatro de lo inverosímil y crea algunas de las escenas más logradas de nuestro teatro cómico. Edición de Francico Díaz de Castro y Almudena del Olmo Iturriarte.
Preparada por Manuel Rosales, Os vellos non deben de namorarse é unha excelente mostra das ideas e das capacidades teatrais de Castelao, que logrou plasmar nesta peza un mundo escénico no que a tradición popular galega avivece en contacto coas tendencias renovadoras do teatro europeo. Pedra angular da literatura dramática galega, a popularidade desta fermosa obra non deixou de medrar desde a súa estrea en Bos Aires no ano 1941. Chega agora esta versión dentro da Edición do cincuentenario, ilustrada coas láminas en branco e negro e en cor elaboradas polo propio Castelao.
La información que poseemos sobre la biografía de Terencio es amplia y abundante. Suetonio, Donato o San Jerónimo nos han suministrado noticias sobre el autor latino, y fuentes no propiamente biográficas nos han proporcionado información variada sobre las circunstancias de la representación de sus comedias. Sin embargo, a pesar de la abundancia de datos, sobre la vida de Terencio caben tantas dudas como sobre la de cualquier otro escritor arcaico. Sobre estas dudas podríamos fijar su fecha de nacimiento en torno al 195 / 194 a. C., en Cartago, aunque no fuera de estirpe cartaginesa, y habría llegado a Roma, en circunstancias desconocidas, donde habría establecido relaciones poco claras con personajes ilustres y nobles. Su muerte puede situarse en Roma hacia 159 a. C., tras un viaje a Grecia. Las seis comedias de Terencio pertenecen al tipo de las llamada fabulae palliatae, comedias que ponían en escena personajes y vestidos griegos y que eran traducciones o adaptaciones de originales griegos. Si embargo, Terencio modifica y se aleja de los modelos griegos para adaptarse a los gustos del público romano, tratando de añadir emotividad, vivacidad y comicidad a sus comedias, enriqueciendo la acción y la caracterización psicológica de sus personajes y plantear así cuestiones relativas al comportamiento humano.
Empobrecimiento. Desesperación. Muerte. Roberto "Tito" Cossa inventa un pequeño mundo tragicómico en el que la voracidad de la abuela, la Nona, va degradando poco a poco la vida familiar hasta los límites del absurdo. Pero, ¿qué se puede hacer cuando el hambre no tiene fin? Por primera vez se publica en España una de las obras maestras del teatro argentino contemporáneo. Estrenada en 1977, se comunica con el lector de hoy mediante una crítica vigente, esa forma de crítica tan hispana, al mismo tiempo ácida y tierna: reírse por no llorar.