«No soy tan ingenuo como para pensar que el teatro pueda transformar la sociedad, pero estoy convencido de que existe una posibilidad de ayudar a despertarla». Adolfo Marsillach En este libro, editado por Pedro Víllora, se encuentran reunidas: Yo me bajo en la próxima, ¿y usted?, Mata-Hari, Proceso a Mata-Hari, Se vende ático, Feliz aniversario, El saloncito chino, Extraño anuncio y Noche de Reyes sin Shakespeare, que constituyen toda la obra dramatúrgica de una de las personalidades más importantes del teatro español.
«Sergio Blanco está considerado como uno de los cuatro o cinco dramaturgos mayores de la lengua española en la actualidad.» José-Luis García Barrientos (Especialista en teoría teatral, investigador del CSIC) «Un lujo intelectual en tiempos de teatro huérfano de ideas.» Miguel Ayanz, Volodia «Kassandra, un texto muy llamativo de Sergio Blanco, el dramaturgo uruguayo que se ha ganado todos los premios importantes de su paísy ahora triunfa en Europa.» Alberto Sanabria, El tiempo «Un espectáculo sensacional que descubre todo lo que ocultael embozo de la tradición, la inercia y la costumbre [?] Tebas Landes una obra para que estallen los actores.» Saúl Fernández, La Nueva España «La obra está escrita con una pericia técnica y un sentidodel ritmo encomiables.» [Sobre Tebas Land] Raúl Losánez, La Razón «Al final de la noche, cuando empieza a amanecer, y el horizonte empieza a dibujar los perfiles negros de las cosas, Sergio y Roxana Blanco, por mor del talento y el genio, nos enseñan que no existeverdad en el mundo que valga lo que la verdad poética.» [Sobre Ostia] Bernado Borkenztain, Revista Dossier «Los puntos de fuga que ofrece la pieza son sus momentos más ricos, esos que no cierran con la lógica estricta que el policial demanda,donde los múltiples planos y paradojas con los que juega La irade Narciso encuentran su unión.» Gabriel Isod, La Nación «En este nuevo trabajo escénico Blanco se muestra como un gran director de escena, y no solamente como un escritor ingenioso, con talento para contar historias de un modo original. [?] Blanco sabe escribir y escenificar acorde al deseo de muchos espectadores.En esta obra hay un toque culto, ensayístico, y también referenciasa la cultura de masas, y hasta algo de humor.» [Sobre El bramido de Düsseldorf] Carlos Reyes, El País Uruguay «Poner los mitos y lo mejor del arte en moldes contemporáneos, desarrollar una prosa impecablemente elegante para crear formas de teatralidad que trastornan lo establecido y mirar de frente las tragedias contemporáneas, son sólo algunas de las razones que hacen de Sergio Blanco el mayor dramaturgo en lengua hispana de nuestro tiempo.» María Esther Burgueño, Ideas
Esquilo, Sófocles, Eurípides, Aristófanes: eso era más o menos lo que se sabía en España del teatro griego hasta hoy. ¿Y luego, qué? En la cuna del teatro ¿el legado quedó sin herederos? Ediciones Antígona presenta, por primera vez en castellano, seis autoras y autores griegos contemporáneos, seis textos del siglo XXI, seis voces interesantes del país europeo del que más se ha hablado en los últimos años. Traducidas directamente del original, las obras tratan temas como la inmigración de los jóvenes (Quiero un país), la lucha intergeneracional en una época de crisis no solo económica sino también de valores (Métodos revolucionarios para la limpieza de su piscina), la pérdida (El punto ciego), la soledad (M.A.R.I.L.U.L.A), la familia disfuncional (Hambre), la búsqueda de la felicidad (Hijos e hijas). Un fresco de la dramaturgia neogriega, una reflexión sobre la sociedad griega de hoy, tan cercana a la nuestra, aunque al otro lado del mediterráneo.
A la primera dècada del segle XX, en un clima d?ebullició social a Catalunya, en plena lluita política entre catalanistes i republicans, Santiago Rusiñol es decanta, superada la seva etapa simbolista, per portar als escenaris un teatre absolutament popular, marcadament polític. Amb esperit polèmic i amb l?irreverent sentit de l?humor que sempre el va acompanyar, el ja reconegut artista i escriptor s?aplica a combatre tots aquells discursos ideològics encaminats a aconseguir, en detriment del benestar d?individus i col·lectivitat, un rendiment electoral. Per això, desemmascararà els tòpics del progressisme, del tradicionalisme, del catolicisme, del catalanisme, del republicanisme i de l?espanyolisme a través del qüestionament d?automatismes de llenguatge, símbols, mites o estereotips, alguns dels quals, són encara plenament vigents. El volum inclou sis obres de teatre de les més conegudes, aplaudides i polèmiques de Santiago Rusiñol: Llibertat! (1901), Els Jocs Florals de Canprosa (1902), L?Hèroe (1903), El Místic (1903), El bon policia (1905) i La ?merienda? fraternal (1907).
Publicada en 1919, pero no representada hasta 1933, " Divinas Palabras " supone, dentro de la obra de Ramón del Valle-Inclán (1866-1936), un jalón decisivo en su incorporación a la literatura puntera del siglo XX, así como en la madurez de modos de expresión y métodos (como el distanciamiento) que acabarían culminando en su gran creación: el esperpento. Escrita más para ser leída que representada, esta «Tragicomedia de aldea» se sitúa en una Galicia rural detenida en el tiempo, poblada de desvalidos, romeros y mendigos, en la que estalla lo peor de la condición humana y sobre la que se alza finalmente, a modo de extemporánea y rústica Salomé, la figura rítmica e impetuosa de Mari-Gaila. Edición de Rosario Mascato Rey
La influencia de José Sanchis Sinisterra como autor dramático, director y pedagogo, se extiende por toda Iberoamérica. Y con razón. En las doce obras de este primer volumen de su Teatro unido (1980-1996) conviven la exploración y el atrevimiento extremos con la sencillez y la voluntad de ofrecer un teatro inteligible y placentero. Aquí dentro usted hallará el desafío y la subversión de los modelos clásicos. Se verá interpelado e incluso implicado en la trama. Acabará reconciliándose con el desconcierto y con la ambigüedad, aspectos esenciales de estas obras, como de la vida. Descubrirá la conexión entre el misterio y el humor, que aquí abunda. Le divertirán el recurso a la divagación y la exuberancia verbal. Le emocionará el protagonismo indiscutible de quienes muy raramente habían tenido derecho a la palabra. ¿Es usted el receptor ideal de este libro? Tan pronto como emprenda su lectura, lo será: José Sanchis Sinisterra sabrá que está usted ahí y lo convertirá generosamente en cocreador, e incluso en personaje, de su Teatro unido.
Cuenta Mayorga que, hace unos años, se ofreció para un experimento de hipnosis, pero fue rechazado. «Al volver a la butaca, no pude evitar pensar: ¿y si esta vuelta forma parte de la sesión?». Desde allí, viendo lo que sucedía a los voluntarios aptos, se le ocurrió una obra de teatro que empezó a escribir enseguida. La acción tiene lugar en una casa. Nadia llega del teatro. Su marido y su hija están preparando la mesa para una cena. Nadia acaba de participar en una sesión de hipnosis dirigida por un mago desconocido y aparentemente torpe. Durante el número, el Mago la ha hecho volar sobre los tejados de la ciudad. Lo que parecía un pasatiempo, se ha complicado: Nadia ha vuelto transformada; se comporta y habla de una forma extraña: ¿y si en realidad no ha vuelto y sigue en el escenario, con los ojos cerrados, junto al mago? En este caso, ¿quién es entonces esta mujer que se parece tanto a Nadia? ¿Puede alguien desdoblarse y estar en dos sitios a la vez?
La vida dels habitants de la petita localitat nord-americana de Grover?s Corners transcorre com a qualsevol altre lloc del món: neixen, creixen, s?enamoren, es casen i moren. L?aparent senzillesa de la seva existència es converteix en un cant als petits esdeveniments quotidians i en una colpidora reflexió sobre la consciència de viure. Amb aquest text, Thornton Wilder construeix una obra coral i sobre el pas del temps, guardonada amb el Premi Pulitzer de Teatre l?any 1938.
Nada de lo que los antiguos maestros grecolatinos escribieron ha dejado de importarnos, de iluminarnos, de darnos rostro y alma, y, dentro del teatro trágico, Electra y Medea son, junto a Antígona, Fedra e Ifigenia, las heroínas que más inspiraron a los dramaturgos posteriores como O´Neill, Hofmannsthal, Anouilh, Giraudoux, Marina Tsvietáieva, Alfonso Reyes, Jean-Paul Sartre, Marguerite Yourcenar o Virgilio Piñera, por hablar solo de autores del siglo xx. Al escribir en el año 2012 Electra, Vicente Molina Foix, siguiendo la estela de los escritores de todos los tiempos que fueron a los orígenes del drama para abastecerse y revalidar su lección, confiesa en el prólogo que ha hecho a esta edición haber querido ser un ferviente infiel: a partir de la variante argumental de Eurípides su intención es plasmar libremente una tragedia familiar que rememora hechos remotos sin perder resonancia en nuestra conciencia contemporánea, ampliando el papel de la reina Clitemnestra (antagonista esencial de la obra), y dando mayor desarrollo y relieve a personajes como el Ayo y el Labrador, aquí llamado Alceo. Respecto a Medea, escrita en 2015, se trata de un personaje doblemente legendario, porque a la suya le precede otra leyenda no menos poderosa, la del viaje en busca del Vellocino de Oro emprendido por los Argonautas al mando de Jasón. La Medea de Molina Foix refleja el mundo soñado de esta mujer impetuosa y los antecedentes de la conquista del sagrado trofeo, fundiendo la persona y las artes de la princesa hechicera con la silueta del marino desposeído de su reino y su orgullo guerrero. Y todo ello sobre el fondo de una crisis de pareja hecha de intereses, miedos y amor violentamente defraudado. Este libro recoge los textos completos de las dos tragedias, estrenadas ambas en el Teatro Romano de Mérida con la dirección escénica de José Carlos Plaza y la interpretación en el rol titular de Ana Belén.
«El crisol» puede enmarcarse en la categoría de teatro político, por un lado, y teatro histórico, por otro. Ambientada en las colonias inglesas en el Nuevo Mundo, a finales del siglo XVII, la obra no habría sido escrita de no ser por otro momento histórico: lo que dos siglos y medio después estaba aconteciendo en Estados Unidos y en el resto del mundo, justo en los albores de la conocida como Guerra Fría. Otra " caza de brujas " , la que tuvo lugar a principios de los años 50 del pasado siglo, sin duda una de las más conocidas, que el propio Miller sufrió y durante la que escribió «El crisol». Los acontecimientos que se produjeron en Salem, Massachusetts, en 1692, durante los cuales casi doscientas personas fueron acusadas de practicar la brujería, y que terminaron con la ejecución de varios inocentes, son una manifestación perversa del pánico de las autoridades ante la pérdida de poder y su empeño por restaurarlo. Lo que empezó siendo un juego de niñas terminó convirtiéndose en un instrumento para hacer volver a los colonos al redil de la fe y las buenas costumbres, estableciendo una suerte de imperio del terror. El paralelismo entre Salem y los albores de la Guerra Fría figura en el mapa de nuestra conciencia histórica gracias a la obra del genial dramaturgo norteamericano.
No le cuesta nada contraer matrimonio: es el lazo con que caza a sus víctimas, y las puede cazar por docenas. Damas o doncellas, burguesas o villanas: ninguna es demasiado buena o demasiado mala para él. Y si quisiera decirte los nombres de todas las mujeres con las que se ha casado en diversos lugares, no acabaría hasta la noche.»Molière, el mejor comediógrafo francés de todos los tiempos, es también un maestro en el arte de mezclar lo cómico y lo dramático, y en obras tan complejas como Don Juan sugiere unas inquietantes perspectivas que van mucho más allá de lo que suele ofrecer una comedia.
En 1692, en la pequeña localidad de Salem (Massachusetts), corre el rumor de que una joven ha hecho un obsceno maleficio. Los habitantes se acusan unos a otros y son presa de una incontenible histeria colectiva, y entonces se inicia un juicio que tal vez propicie temibles venganzas... Arthur Miller concibió Las brujas de Salem en la época negra de la «caza de brujas» desplegada en Estados Unidos durante el macarthismo. Posteriormente colaboró en su adaptación al cine, titulada El crisol y cuyo guión se ofrece a continuación de la obra teatral.
La selección del presente volumen no obedece a criterios cronológicos, y es casual que las tres obras se sucedieran en el tiempo. El ignorante y el demente (1972), ocupa un puesto de excepción en la producción bernhardiana. Literalmente llena de connotaciones, su primera lectura suscita el recuerdo inmediato de Delvaux, Resnais o, sobre todo, Gottfried Benn..., es decir, de todos los que se han atrevido a mostrar en una autopsia el horror del cuerpo humano. La partida de caza (1974), con su interminable juego de cartas y su teatro dentro del teatro, ofrece inmensas posibilidades a unos buenos actores. Y La fuerza de la costumbre (1974), por último, es para muchos la obra maestra de Bernhard. Aunque él mismo la calificara de ?comedia?, pocas veces consiguió abolir tan convincentemente la oposición entre tragedia y comedia, que era una de sus manías constantes. Los personajes, como en todas sus obras, se limitan básicamente a monologar, sin que llegue a surgir un verdadero diálogo, y no ocurre gran cosa en el escenario. Sin embargo, lo atroz y lo ridículo van de la mano y el lenguaje lo es todo: un lenguaje casi versificado, en el que el ritmo es rey.
«No soy tan ingenuo como para pensar que el teatro pueda transformar la sociedad, pero estoy convencido de que existe una posibilidad de ayudar a despertarla». Adolfo Marsillach En este libro, editado por Pedro Víllora, se encuentran reunidas: Yo me bajo en la próxima, ¿y usted?, Mata-Hari, Proceso a Mata-Hari, Se vende ático, Feliz aniversario, El saloncito chino, Extraño anuncio y Noche de Reyes sin Shakespeare, que constituyen toda la obra dramatúrgica de una de las personalidades más importantes del teatro español.
«Sergio Blanco está considerado como uno de los cuatro o cinco dramaturgos mayores de la lengua española en la actualidad.» José-Luis García Barrientos (Especialista en teoría teatral, investigador del CSIC) «Un lujo intelectual en tiempos de teatro huérfano de ideas.» Miguel Ayanz, Volodia «Kassandra, un texto muy llamativo de Sergio Blanco, el dramaturgo uruguayo que se ha ganado todos los premios importantes de su paísy ahora triunfa en Europa.» Alberto Sanabria, El tiempo «Un espectáculo sensacional que descubre todo lo que ocultael embozo de la tradición, la inercia y la costumbre [?] Tebas Landes una obra para que estallen los actores.» Saúl Fernández, La Nueva España «La obra está escrita con una pericia técnica y un sentidodel ritmo encomiables.» [Sobre Tebas Land] Raúl Losánez, La Razón «Al final de la noche, cuando empieza a amanecer, y el horizonte empieza a dibujar los perfiles negros de las cosas, Sergio y Roxana Blanco, por mor del talento y el genio, nos enseñan que no existeverdad en el mundo que valga lo que la verdad poética.» [Sobre Ostia] Bernado Borkenztain, Revista Dossier «Los puntos de fuga que ofrece la pieza son sus momentos más ricos, esos que no cierran con la lógica estricta que el policial demanda,donde los múltiples planos y paradojas con los que juega La irade Narciso encuentran su unión.» Gabriel Isod, La Nación «En este nuevo trabajo escénico Blanco se muestra como un gran director de escena, y no solamente como un escritor ingenioso, con talento para contar historias de un modo original. [?] Blanco sabe escribir y escenificar acorde al deseo de muchos espectadores.En esta obra hay un toque culto, ensayístico, y también referenciasa la cultura de masas, y hasta algo de humor.» [Sobre El bramido de Düsseldorf] Carlos Reyes, El País Uruguay «Poner los mitos y lo mejor del arte en moldes contemporáneos, desarrollar una prosa impecablemente elegante para crear formas de teatralidad que trastornan lo establecido y mirar de frente las tragedias contemporáneas, son sólo algunas de las razones que hacen de Sergio Blanco el mayor dramaturgo en lengua hispana de nuestro tiempo.» María Esther Burgueño, Ideas
Esquilo, Sófocles, Eurípides, Aristófanes: eso era más o menos lo que se sabía en España del teatro griego hasta hoy. ¿Y luego, qué? En la cuna del teatro ¿el legado quedó sin herederos? Ediciones Antígona presenta, por primera vez en castellano, seis autoras y autores griegos contemporáneos, seis textos del siglo XXI, seis voces interesantes del país europeo del que más se ha hablado en los últimos años. Traducidas directamente del original, las obras tratan temas como la inmigración de los jóvenes (Quiero un país), la lucha intergeneracional en una época de crisis no solo económica sino también de valores (Métodos revolucionarios para la limpieza de su piscina), la pérdida (El punto ciego), la soledad (M.A.R.I.L.U.L.A), la familia disfuncional (Hambre), la búsqueda de la felicidad (Hijos e hijas). Un fresco de la dramaturgia neogriega, una reflexión sobre la sociedad griega de hoy, tan cercana a la nuestra, aunque al otro lado del mediterráneo.
A la primera dècada del segle XX, en un clima d?ebullició social a Catalunya, en plena lluita política entre catalanistes i republicans, Santiago Rusiñol es decanta, superada la seva etapa simbolista, per portar als escenaris un teatre absolutament popular, marcadament polític. Amb esperit polèmic i amb l?irreverent sentit de l?humor que sempre el va acompanyar, el ja reconegut artista i escriptor s?aplica a combatre tots aquells discursos ideològics encaminats a aconseguir, en detriment del benestar d?individus i col·lectivitat, un rendiment electoral. Per això, desemmascararà els tòpics del progressisme, del tradicionalisme, del catolicisme, del catalanisme, del republicanisme i de l?espanyolisme a través del qüestionament d?automatismes de llenguatge, símbols, mites o estereotips, alguns dels quals, són encara plenament vigents. El volum inclou sis obres de teatre de les més conegudes, aplaudides i polèmiques de Santiago Rusiñol: Llibertat! (1901), Els Jocs Florals de Canprosa (1902), L?Hèroe (1903), El Místic (1903), El bon policia (1905) i La ?merienda? fraternal (1907).
Publicada en 1919, pero no representada hasta 1933, " Divinas Palabras " supone, dentro de la obra de Ramón del Valle-Inclán (1866-1936), un jalón decisivo en su incorporación a la literatura puntera del siglo XX, así como en la madurez de modos de expresión y métodos (como el distanciamiento) que acabarían culminando en su gran creación: el esperpento. Escrita más para ser leída que representada, esta «Tragicomedia de aldea» se sitúa en una Galicia rural detenida en el tiempo, poblada de desvalidos, romeros y mendigos, en la que estalla lo peor de la condición humana y sobre la que se alza finalmente, a modo de extemporánea y rústica Salomé, la figura rítmica e impetuosa de Mari-Gaila. Edición de Rosario Mascato Rey
La influencia de José Sanchis Sinisterra como autor dramático, director y pedagogo, se extiende por toda Iberoamérica. Y con razón. En las doce obras de este primer volumen de su Teatro unido (1980-1996) conviven la exploración y el atrevimiento extremos con la sencillez y la voluntad de ofrecer un teatro inteligible y placentero. Aquí dentro usted hallará el desafío y la subversión de los modelos clásicos. Se verá interpelado e incluso implicado en la trama. Acabará reconciliándose con el desconcierto y con la ambigüedad, aspectos esenciales de estas obras, como de la vida. Descubrirá la conexión entre el misterio y el humor, que aquí abunda. Le divertirán el recurso a la divagación y la exuberancia verbal. Le emocionará el protagonismo indiscutible de quienes muy raramente habían tenido derecho a la palabra. ¿Es usted el receptor ideal de este libro? Tan pronto como emprenda su lectura, lo será: José Sanchis Sinisterra sabrá que está usted ahí y lo convertirá generosamente en cocreador, e incluso en personaje, de su Teatro unido.
Cuenta Mayorga que, hace unos años, se ofreció para un experimento de hipnosis, pero fue rechazado. «Al volver a la butaca, no pude evitar pensar: ¿y si esta vuelta forma parte de la sesión?». Desde allí, viendo lo que sucedía a los voluntarios aptos, se le ocurrió una obra de teatro que empezó a escribir enseguida. La acción tiene lugar en una casa. Nadia llega del teatro. Su marido y su hija están preparando la mesa para una cena. Nadia acaba de participar en una sesión de hipnosis dirigida por un mago desconocido y aparentemente torpe. Durante el número, el Mago la ha hecho volar sobre los tejados de la ciudad. Lo que parecía un pasatiempo, se ha complicado: Nadia ha vuelto transformada; se comporta y habla de una forma extraña: ¿y si en realidad no ha vuelto y sigue en el escenario, con los ojos cerrados, junto al mago? En este caso, ¿quién es entonces esta mujer que se parece tanto a Nadia? ¿Puede alguien desdoblarse y estar en dos sitios a la vez?
La vida dels habitants de la petita localitat nord-americana de Grover?s Corners transcorre com a qualsevol altre lloc del món: neixen, creixen, s?enamoren, es casen i moren. L?aparent senzillesa de la seva existència es converteix en un cant als petits esdeveniments quotidians i en una colpidora reflexió sobre la consciència de viure. Amb aquest text, Thornton Wilder construeix una obra coral i sobre el pas del temps, guardonada amb el Premi Pulitzer de Teatre l?any 1938.
Presentamos las dos primeras obras de Tim Crouch, considerado uno de los autores más innovadores de la escena británica contemporánea.
Nada de lo que los antiguos maestros grecolatinos escribieron ha dejado de importarnos, de iluminarnos, de darnos rostro y alma, y, dentro del teatro trágico, Electra y Medea son, junto a Antígona, Fedra e Ifigenia, las heroínas que más inspiraron a los dramaturgos posteriores como O´Neill, Hofmannsthal, Anouilh, Giraudoux, Marina Tsvietáieva, Alfonso Reyes, Jean-Paul Sartre, Marguerite Yourcenar o Virgilio Piñera, por hablar solo de autores del siglo xx. Al escribir en el año 2012 Electra, Vicente Molina Foix, siguiendo la estela de los escritores de todos los tiempos que fueron a los orígenes del drama para abastecerse y revalidar su lección, confiesa en el prólogo que ha hecho a esta edición haber querido ser un ferviente infiel: a partir de la variante argumental de Eurípides su intención es plasmar libremente una tragedia familiar que rememora hechos remotos sin perder resonancia en nuestra conciencia contemporánea, ampliando el papel de la reina Clitemnestra (antagonista esencial de la obra), y dando mayor desarrollo y relieve a personajes como el Ayo y el Labrador, aquí llamado Alceo. Respecto a Medea, escrita en 2015, se trata de un personaje doblemente legendario, porque a la suya le precede otra leyenda no menos poderosa, la del viaje en busca del Vellocino de Oro emprendido por los Argonautas al mando de Jasón. La Medea de Molina Foix refleja el mundo soñado de esta mujer impetuosa y los antecedentes de la conquista del sagrado trofeo, fundiendo la persona y las artes de la princesa hechicera con la silueta del marino desposeído de su reino y su orgullo guerrero. Y todo ello sobre el fondo de una crisis de pareja hecha de intereses, miedos y amor violentamente defraudado. Este libro recoge los textos completos de las dos tragedias, estrenadas ambas en el Teatro Romano de Mérida con la dirección escénica de José Carlos Plaza y la interpretación en el rol titular de Ana Belén.
«El crisol» puede enmarcarse en la categoría de teatro político, por un lado, y teatro histórico, por otro. Ambientada en las colonias inglesas en el Nuevo Mundo, a finales del siglo XVII, la obra no habría sido escrita de no ser por otro momento histórico: lo que dos siglos y medio después estaba aconteciendo en Estados Unidos y en el resto del mundo, justo en los albores de la conocida como Guerra Fría. Otra " caza de brujas " , la que tuvo lugar a principios de los años 50 del pasado siglo, sin duda una de las más conocidas, que el propio Miller sufrió y durante la que escribió «El crisol». Los acontecimientos que se produjeron en Salem, Massachusetts, en 1692, durante los cuales casi doscientas personas fueron acusadas de practicar la brujería, y que terminaron con la ejecución de varios inocentes, son una manifestación perversa del pánico de las autoridades ante la pérdida de poder y su empeño por restaurarlo. Lo que empezó siendo un juego de niñas terminó convirtiéndose en un instrumento para hacer volver a los colonos al redil de la fe y las buenas costumbres, estableciendo una suerte de imperio del terror. El paralelismo entre Salem y los albores de la Guerra Fría figura en el mapa de nuestra conciencia histórica gracias a la obra del genial dramaturgo norteamericano.
No le cuesta nada contraer matrimonio: es el lazo con que caza a sus víctimas, y las puede cazar por docenas. Damas o doncellas, burguesas o villanas: ninguna es demasiado buena o demasiado mala para él. Y si quisiera decirte los nombres de todas las mujeres con las que se ha casado en diversos lugares, no acabaría hasta la noche.»Molière, el mejor comediógrafo francés de todos los tiempos, es también un maestro en el arte de mezclar lo cómico y lo dramático, y en obras tan complejas como Don Juan sugiere unas inquietantes perspectivas que van mucho más allá de lo que suele ofrecer una comedia.
En 1692, en la pequeña localidad de Salem (Massachusetts), corre el rumor de que una joven ha hecho un obsceno maleficio. Los habitantes se acusan unos a otros y son presa de una incontenible histeria colectiva, y entonces se inicia un juicio que tal vez propicie temibles venganzas... Arthur Miller concibió Las brujas de Salem en la época negra de la «caza de brujas» desplegada en Estados Unidos durante el macarthismo. Posteriormente colaboró en su adaptación al cine, titulada El crisol y cuyo guión se ofrece a continuación de la obra teatral.
La selección del presente volumen no obedece a criterios cronológicos, y es casual que las tres obras se sucedieran en el tiempo. El ignorante y el demente (1972), ocupa un puesto de excepción en la producción bernhardiana. Literalmente llena de connotaciones, su primera lectura suscita el recuerdo inmediato de Delvaux, Resnais o, sobre todo, Gottfried Benn..., es decir, de todos los que se han atrevido a mostrar en una autopsia el horror del cuerpo humano. La partida de caza (1974), con su interminable juego de cartas y su teatro dentro del teatro, ofrece inmensas posibilidades a unos buenos actores. Y La fuerza de la costumbre (1974), por último, es para muchos la obra maestra de Bernhard. Aunque él mismo la calificara de ?comedia?, pocas veces consiguió abolir tan convincentemente la oposición entre tragedia y comedia, que era una de sus manías constantes. Los personajes, como en todas sus obras, se limitan básicamente a monologar, sin que llegue a surgir un verdadero diálogo, y no ocurre gran cosa en el escenario. Sin embargo, lo atroz y lo ridículo van de la mano y el lenguaje lo es todo: un lenguaje casi versificado, en el que el ritmo es rey.