«Señora, no soy Sisebuto; soy el alma de Póstumo en el cuerpo de aquel. Los dos morimos y se me permitió resucitar en el cuerpo de mi enemigo para venir a ajustar a usted las cuentas en este mundo.» Ante la mezquindad, en esta novela se apuesta por la carcajada en personajes inolvidables como don Horóscopo, que conoce lo por venir; Perpetuo Paquidermo, inmortal; Cósmico, que recuerda todas sus vidas pasadas; la señora de Doble Anzuelo, los ángeles custodios, la Dirección General de Encarnadores, Cervantes, el apóstol san Pedro e incluso Dios.
La historia del teatro está llena de obras amenas, brillantes, divertidas o profundas que no han llegado a convertirse en clásicos de primera línea. Estudiadas en los manuales de literatura, rara vez editadas y apenas representadas, estas obras han quedado muchas veces ocultas para el público, al no existir una edición moderna. La Biblioteca Temática RESAD se propone llenar este vacío con volúmenes que recojan textos con un criterio temático para ofrecer una visión amplia de ciertos movimientos, estilos o temas que son hoy patrimonio de los especialistas. Esta edición quiere dar visibilidad al teatro que ha realizado Yeses a lo largo de más de 30 años, en los que ha producido más de 42 montajes, ha cosechado premios muy importantes y ha superado múltiples dificultades. Las ocho obras que aquí se ofrecen son representativas del método de trabajo de esta atípica compañía y concentran dos de los objetivos perseguidos por el grupo: el teatro como instrumento regenerador, convertido en un modo de inclusión social lo que le emparenta con el pensamiento de Clara Campoamor, Concepción Arenal, Victoria Kent y Rivas Cherif, y la concienciación del público que asiste a las representaciones de Yeses; al que se intenta sensibilizar sobre la libertad, la igualdad y la justicia social. Como complemento, se ha trazado una historia del nacimiento, desarrollo y evolución del grupo, explicando sus características estéticas más sobresalientes con especial atención a los textos de creación colectiva propia y aclarando en notas a pie de página determinadas expresiones, conceptos o referencias culturales. Elena Cánovas es titulada en Interpretación y Dirección por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid (RESAD), graduada en Criminología por la Universidad Complutense de Madrid y funcionaria del Cuerpo Especial de Instituciones Penitenciarias. Como fundadora y directora de la compañía Teatro Yeses, formada por mujeres presas y actores profesionales, ha sido merecedora de los siguientes premios: accésit Calderón de la Barca 1990 del Ministerio de Cultura, Medalla al Mérito Penitenciario 1996, Mujer Creadora 2006, Dionisos de Teatro de la UNESCO 2007, Mujeres en Unión de la Unión de Actores 2008 y un Max a las Artes Escénicas 2017 de la SGAE. Milagros Sánchez Arnosi es licenciada en Literatura Hispánica y Periodismo, catedrática y profesora de Lengua y Literatura. Ha sido crítica literaria en Ínsula, La Estafeta Literaria, Arbor y Cuadernos Hispanoamericanos, entre otras revistas literarias, así como en la 2 de Televisión Española. Ponente en diferentes congresos sobre autores del siglo XX y asesora literaria de Educa Red, es también autora de múltiples ediciones críticas de teatro contemporáneo.
La Ternura cuenta la historia de una reina algo maga y sus dos hijas princesas que viajan en la Armada Invencible obligadas por Felipe II a casarse en matrimonios de conveniencia con nobles ingleses una vez que se lograse con éxito la invasión de Inglaterra. La Reina Esmeralda odia a los hombres porque siempre han condicionado su vida y le han quitado la libertad, así que no está dispuesta a que sus hijas tenga el mismo destino que ella. Cuando la Armada pasa cerca de una isla que La Reina considera desierta crea una tempestad que hunde el barco en el que viajan. Su plan es quedarse a vivir en esa isla con sus hijas para no volver a ver un hombre en su vida. El problema es que eligen una isla en la que desde hace veinte años vive un leñador con sus dos hijos que huyeron allí para no volver a ver una mujer en su vida
El segundo volumen con la producción teatral de uno de los autores más destacados de la España contemporánea: Ramón María del Valle-Inclán. En su incesante exploración de una nueva teatralidad, Valle-Inclán emprende muy pronto un radical proceso de estilización dramática que cultiva el grotesco, la farsa, el metateatro y la deshumanización de los personajes. Títulos como Tablado de marionetas (1926), Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte (1927) y Martes de Carnaval (1930), en que recoge su producción de dos décadas, son expresivos de una tendencia que culmina en la formulación de una nueva y portentosa estética, el esperpento, cuyas premisas expone en la que es considerada por muchos su obra maestra: Luces de bohemia (1924). Reseña:«Alrededor de él vivía la vorágine del verbo, y lo mismo se le podía llamar demiurgo que taumaturgo.»Ramón Gómez de la Serna
Molière, el mejor comediógrafo francés de todos los tiempos, es también un maestro en el arte de mezclar lo cómico y lo dramático, y en obras tan complejas como Don Juan y Tartufo sugiere unas inquietantes perspectivas que van mucho más allá de lo que suele ofrecer una comedia. El tema que vincula las dos obras es el de la hipocresía como principio y motor de la sociedad. Si Molière hablase por boca de don Juan, podría decir: «Nadie se avergüenza ya de comportarse así: la hipocresía es una moda. Y un vicio que está de moda viene a ser como una virtud. El mejor papel que se puede desempeñar en estos tiempos es el de hombre de bien. Y el profesar la hipocresía ofrece ventajas admirables. Es un arte cuya impostura se respeta siempre. Y, aunque se descubra, nadie se atreve a criticarla».
Decantado por la tradición como el más grande poeta cómico griego de la época clásica y de la llamada Comedia Antigua, Aristófanes (ca. 450-ca. 385 a.C.) escribió la mayor parte de su obra durante el largo periodo de la guerra del Peloponeso. El presente volumen reúne " Los pájaros " , en la que dos viejos atenienses, hastiados del ambiente de su ciudad, deciden buscar mejor sitio donde vivir; Las ranas, para muchos la mejor obra del autor, que lleva a la escena un peculiar y jocoso juicio entre los trágicos Esquilo y Eurípides, y, por último, " Las asambleístas " , comedia en la que, como en " Lisístrata " , las mujeres toman el mando y propugnan un comunismo sexual de impredecibles consecuencias. Otras obras de Aristófanes en esta colección: " Las nubes. Lisístrata. Dinero " . Traducción e introducción de Javier Martínez García
Atrapats en la guerra fratricida entre Atenes i Esparta, que sallarga indefinidament per raó de la política corrupta de dirigents i militars -els quals prefereixen fer durar la farsa bèl·lica com més temps millor per seguir cobrant els seus sous elevats-, els pagesos atenesos malden per sobreviure dins les muralles de la ciutat un cop han perdut els camps i les collites a mans dels enemics. Un daquests pagesos, el sorneguer Diceòpolis, decideix acordar ell tot sol la pau amb Esparta com a simple particular, i fa veure als seus conciutadans -i a tots nosaltres- la ineptitud i la hipocresia dels governants, que massa sovint ens volen fer beure a galet
«Los más jóvenes no se han cansado de proclamar en los últimos años la estricta actualidad de Valle, y ven en los esperpentos la más segura vía de un teatro crítico.» Antonio Buero Vallejo Escritas con pocos meses de diferencia, en 1919 y 1920, después de una prolongada crisis creativa, las dos piezas reunidas en este volumen son unánimemente consideradas la cima del teatro de Valle-Inclán, lo que vale por decir que se cuentan entre las cumbres indiscutibles del teatro español (y europeo) del siglo XX, sobre el que han ejercido una persistente influencia. Por vías distintas -pues sus escenarios respectivos son la Galicia rural y el Madrid de la bohemia modernista-, las dos marcan un punto de inflexión en la trayectoria de su autor, que funda a partir de ellas una estética propia, el esperpento, con la que aspira a captar «el espíritu trágico de la vida española». Reseñas:«Valle-Inclán parece que escribió para nosotros y para quienes vengan después que nosotros, y es al mismo tiempo nuestro predecesor y nuestro contemporáneo.»Antonio Muñoz Molina «Una poderosa inyección vigorizante para la literatura en idioma castellano.»Juan Carlos Onetti «Valle-Inclán, el gran renovador del teatro español del siglo XX.»Ramón Irigoyen, El País
Si en el convivir es inevitable pasar de un yo a un nosotros, ¿qué sucede cuando se empieza a agrietar el nosotros y se pronuncia solamente el yo? En "La clausura del amor", Stan y Audrey, pareja sentimental, entran en una sala. Él dice: «quería verte para decirte que esto se acaba / que no va a seguir / no vamos a seguir». Y a continuación lanza un flujo ininterrumpido de razones directo al cuerpo de ella. Audrey calla, escucha paciente, herida, hasta que llega su derecho a réplica, y responde a cada una de sus embestidas: «¿en quién te has convertido? / ¿nos conocemos?». En "Ensayo", cuatro amigos, dos parejas (entre ellos, Audrey y Stan) forman un grupo de teatro, una estructura. Aquí es una mirada la que activa la mecha de un discurso que, al multiplicarse, incendiará cada una de las voces, al tiempo que los cuerpos se van desencajando. Un texto que indaga asimismo en el vínculo entre artista y creación. En definitiva, un doble combate que describe con nitidez, por medio de la palabra (una palabra bisturí que sabe dónde hacer daño), el proceso de una ruptura, de una demolición. Pascal Rambert (Niza,1962) es autor de teatro, director y coreógrafo.Su obra, estrenada y traducida a varios idiomas (inglés, ruso, italiano, alemán, japonés, chino, holandés?) ha obtenido numerosos premios, entre ellos el Premio Émile Augier de Literatura y Filosofía por su obra Ensayo en 2015 y el Premio de Teatro de la Academia Francesa al conjunto de su obra en 2016. Recientemente ha estrenado Une Vie en la Comédie-Française. Además, ha dirigido una serie de cortometrajes, algunos de ellos premiados en los festivales de Pantin, Locarno y París. En 2007, convierte el Théâtre de Gennevilliers «T2G» en un centro nacional de creación contemporánea, dedicado exclusivamente a artistas vivos. Desde enero de 2017 es artista residente del Théâtre des Bouffes du Nord en París, fundado por Peter Brook. Actualmente está preparando una película con Isabelle Huppert como actriz protagonista.
Las Comedias bárbaras -formada por Águila de Blasón (1907), Romance de Lobos (1908) y Cara de Plata (1922)- conforman una sola obra, una única pieza de tres jornadas y, todas ellas, en su conjunto, constituyen una ácida visión de la sociedad española de la época de Valle-Inclán. Un mundo, el hispánico de finales del siglo XIX que se cae a pedazos. Son "comedias" por el deseo del autor de crear un verdadero teatro libre, donde se rompan todas las unidades y las instrucciones; y a la vez son "bárbaras" porque reflejan lo primitivo, la animalización del ser humano, como éste es dominado por sus pasiones, pues lo brutal prevalece. Evocan, sin más, un mundo brutal pero en el que aún están representadas la justicia y la caridad. Esta obra, única edición en el mercado que reúne estas tres obras, es un homenaje a Valle-Inclán coincidiendo con el 80 aniversario de su muerte. La edición ha sido fijada por Luis M. González, catedrático de Literatura Españala en EE.UU, que además ha escrito un prólogo para esta edición.
«Señora, no soy Sisebuto; soy el alma de Póstumo en el cuerpo de aquel. Los dos morimos y se me permitió resucitar en el cuerpo de mi enemigo para venir a ajustar a usted las cuentas en este mundo.» Ante la mezquindad, en esta novela se apuesta por la carcajada en personajes inolvidables como don Horóscopo, que conoce lo por venir; Perpetuo Paquidermo, inmortal; Cósmico, que recuerda todas sus vidas pasadas; la señora de Doble Anzuelo, los ángeles custodios, la Dirección General de Encarnadores, Cervantes, el apóstol san Pedro e incluso Dios.
La historia del teatro está llena de obras amenas, brillantes, divertidas o profundas que no han llegado a convertirse en clásicos de primera línea. Estudiadas en los manuales de literatura, rara vez editadas y apenas representadas, estas obras han quedado muchas veces ocultas para el público, al no existir una edición moderna. La Biblioteca Temática RESAD se propone llenar este vacío con volúmenes que recojan textos con un criterio temático para ofrecer una visión amplia de ciertos movimientos, estilos o temas que son hoy patrimonio de los especialistas. Esta edición quiere dar visibilidad al teatro que ha realizado Yeses a lo largo de más de 30 años, en los que ha producido más de 42 montajes, ha cosechado premios muy importantes y ha superado múltiples dificultades. Las ocho obras que aquí se ofrecen son representativas del método de trabajo de esta atípica compañía y concentran dos de los objetivos perseguidos por el grupo: el teatro como instrumento regenerador, convertido en un modo de inclusión social lo que le emparenta con el pensamiento de Clara Campoamor, Concepción Arenal, Victoria Kent y Rivas Cherif, y la concienciación del público que asiste a las representaciones de Yeses; al que se intenta sensibilizar sobre la libertad, la igualdad y la justicia social. Como complemento, se ha trazado una historia del nacimiento, desarrollo y evolución del grupo, explicando sus características estéticas más sobresalientes con especial atención a los textos de creación colectiva propia y aclarando en notas a pie de página determinadas expresiones, conceptos o referencias culturales. Elena Cánovas es titulada en Interpretación y Dirección por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid (RESAD), graduada en Criminología por la Universidad Complutense de Madrid y funcionaria del Cuerpo Especial de Instituciones Penitenciarias. Como fundadora y directora de la compañía Teatro Yeses, formada por mujeres presas y actores profesionales, ha sido merecedora de los siguientes premios: accésit Calderón de la Barca 1990 del Ministerio de Cultura, Medalla al Mérito Penitenciario 1996, Mujer Creadora 2006, Dionisos de Teatro de la UNESCO 2007, Mujeres en Unión de la Unión de Actores 2008 y un Max a las Artes Escénicas 2017 de la SGAE. Milagros Sánchez Arnosi es licenciada en Literatura Hispánica y Periodismo, catedrática y profesora de Lengua y Literatura. Ha sido crítica literaria en Ínsula, La Estafeta Literaria, Arbor y Cuadernos Hispanoamericanos, entre otras revistas literarias, así como en la 2 de Televisión Española. Ponente en diferentes congresos sobre autores del siglo XX y asesora literaria de Educa Red, es también autora de múltiples ediciones críticas de teatro contemporáneo.
La Ternura cuenta la historia de una reina algo maga y sus dos hijas princesas que viajan en la Armada Invencible obligadas por Felipe II a casarse en matrimonios de conveniencia con nobles ingleses una vez que se lograse con éxito la invasión de Inglaterra. La Reina Esmeralda odia a los hombres porque siempre han condicionado su vida y le han quitado la libertad, así que no está dispuesta a que sus hijas tenga el mismo destino que ella. Cuando la Armada pasa cerca de una isla que La Reina considera desierta crea una tempestad que hunde el barco en el que viajan. Su plan es quedarse a vivir en esa isla con sus hijas para no volver a ver un hombre en su vida. El problema es que eligen una isla en la que desde hace veinte años vive un leñador con sus dos hijos que huyeron allí para no volver a ver una mujer en su vida
El segundo volumen con la producción teatral de uno de los autores más destacados de la España contemporánea: Ramón María del Valle-Inclán. En su incesante exploración de una nueva teatralidad, Valle-Inclán emprende muy pronto un radical proceso de estilización dramática que cultiva el grotesco, la farsa, el metateatro y la deshumanización de los personajes. Títulos como Tablado de marionetas (1926), Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte (1927) y Martes de Carnaval (1930), en que recoge su producción de dos décadas, son expresivos de una tendencia que culmina en la formulación de una nueva y portentosa estética, el esperpento, cuyas premisas expone en la que es considerada por muchos su obra maestra: Luces de bohemia (1924). Reseña:«Alrededor de él vivía la vorágine del verbo, y lo mismo se le podía llamar demiurgo que taumaturgo.»Ramón Gómez de la Serna
Molière, el mejor comediógrafo francés de todos los tiempos, es también un maestro en el arte de mezclar lo cómico y lo dramático, y en obras tan complejas como Don Juan y Tartufo sugiere unas inquietantes perspectivas que van mucho más allá de lo que suele ofrecer una comedia. El tema que vincula las dos obras es el de la hipocresía como principio y motor de la sociedad. Si Molière hablase por boca de don Juan, podría decir: «Nadie se avergüenza ya de comportarse así: la hipocresía es una moda. Y un vicio que está de moda viene a ser como una virtud. El mejor papel que se puede desempeñar en estos tiempos es el de hombre de bien. Y el profesar la hipocresía ofrece ventajas admirables. Es un arte cuya impostura se respeta siempre. Y, aunque se descubra, nadie se atreve a criticarla».
Decantado por la tradición como el más grande poeta cómico griego de la época clásica y de la llamada Comedia Antigua, Aristófanes (ca. 450-ca. 385 a.C.) escribió la mayor parte de su obra durante el largo periodo de la guerra del Peloponeso. El presente volumen reúne " Los pájaros " , en la que dos viejos atenienses, hastiados del ambiente de su ciudad, deciden buscar mejor sitio donde vivir; Las ranas, para muchos la mejor obra del autor, que lleva a la escena un peculiar y jocoso juicio entre los trágicos Esquilo y Eurípides, y, por último, " Las asambleístas " , comedia en la que, como en " Lisístrata " , las mujeres toman el mando y propugnan un comunismo sexual de impredecibles consecuencias. Otras obras de Aristófanes en esta colección: " Las nubes. Lisístrata. Dinero " . Traducción e introducción de Javier Martínez García
Atrapats en la guerra fratricida entre Atenes i Esparta, que sallarga indefinidament per raó de la política corrupta de dirigents i militars -els quals prefereixen fer durar la farsa bèl·lica com més temps millor per seguir cobrant els seus sous elevats-, els pagesos atenesos malden per sobreviure dins les muralles de la ciutat un cop han perdut els camps i les collites a mans dels enemics. Un daquests pagesos, el sorneguer Diceòpolis, decideix acordar ell tot sol la pau amb Esparta com a simple particular, i fa veure als seus conciutadans -i a tots nosaltres- la ineptitud i la hipocresia dels governants, que massa sovint ens volen fer beure a galet
«Los más jóvenes no se han cansado de proclamar en los últimos años la estricta actualidad de Valle, y ven en los esperpentos la más segura vía de un teatro crítico.» Antonio Buero Vallejo Escritas con pocos meses de diferencia, en 1919 y 1920, después de una prolongada crisis creativa, las dos piezas reunidas en este volumen son unánimemente consideradas la cima del teatro de Valle-Inclán, lo que vale por decir que se cuentan entre las cumbres indiscutibles del teatro español (y europeo) del siglo XX, sobre el que han ejercido una persistente influencia. Por vías distintas -pues sus escenarios respectivos son la Galicia rural y el Madrid de la bohemia modernista-, las dos marcan un punto de inflexión en la trayectoria de su autor, que funda a partir de ellas una estética propia, el esperpento, con la que aspira a captar «el espíritu trágico de la vida española». Reseñas:«Valle-Inclán parece que escribió para nosotros y para quienes vengan después que nosotros, y es al mismo tiempo nuestro predecesor y nuestro contemporáneo.»Antonio Muñoz Molina «Una poderosa inyección vigorizante para la literatura en idioma castellano.»Juan Carlos Onetti «Valle-Inclán, el gran renovador del teatro español del siglo XX.»Ramón Irigoyen, El País
Este libro contiene dos obras de teatro en español e inglés, adaptadas por Paulino García de Andrés: El legado del moro y el califa cigüeña.
Si en el convivir es inevitable pasar de un yo a un nosotros, ¿qué sucede cuando se empieza a agrietar el nosotros y se pronuncia solamente el yo? En "La clausura del amor", Stan y Audrey, pareja sentimental, entran en una sala. Él dice: «quería verte para decirte que esto se acaba / que no va a seguir / no vamos a seguir». Y a continuación lanza un flujo ininterrumpido de razones directo al cuerpo de ella. Audrey calla, escucha paciente, herida, hasta que llega su derecho a réplica, y responde a cada una de sus embestidas: «¿en quién te has convertido? / ¿nos conocemos?». En "Ensayo", cuatro amigos, dos parejas (entre ellos, Audrey y Stan) forman un grupo de teatro, una estructura. Aquí es una mirada la que activa la mecha de un discurso que, al multiplicarse, incendiará cada una de las voces, al tiempo que los cuerpos se van desencajando. Un texto que indaga asimismo en el vínculo entre artista y creación. En definitiva, un doble combate que describe con nitidez, por medio de la palabra (una palabra bisturí que sabe dónde hacer daño), el proceso de una ruptura, de una demolición. Pascal Rambert (Niza,1962) es autor de teatro, director y coreógrafo.Su obra, estrenada y traducida a varios idiomas (inglés, ruso, italiano, alemán, japonés, chino, holandés?) ha obtenido numerosos premios, entre ellos el Premio Émile Augier de Literatura y Filosofía por su obra Ensayo en 2015 y el Premio de Teatro de la Academia Francesa al conjunto de su obra en 2016. Recientemente ha estrenado Une Vie en la Comédie-Française. Además, ha dirigido una serie de cortometrajes, algunos de ellos premiados en los festivales de Pantin, Locarno y París. En 2007, convierte el Théâtre de Gennevilliers «T2G» en un centro nacional de creación contemporánea, dedicado exclusivamente a artistas vivos. Desde enero de 2017 es artista residente del Théâtre des Bouffes du Nord en París, fundado por Peter Brook. Actualmente está preparando una película con Isabelle Huppert como actriz protagonista.
Las Comedias bárbaras -formada por Águila de Blasón (1907), Romance de Lobos (1908) y Cara de Plata (1922)- conforman una sola obra, una única pieza de tres jornadas y, todas ellas, en su conjunto, constituyen una ácida visión de la sociedad española de la época de Valle-Inclán. Un mundo, el hispánico de finales del siglo XIX que se cae a pedazos. Son "comedias" por el deseo del autor de crear un verdadero teatro libre, donde se rompan todas las unidades y las instrucciones; y a la vez son "bárbaras" porque reflejan lo primitivo, la animalización del ser humano, como éste es dominado por sus pasiones, pues lo brutal prevalece. Evocan, sin más, un mundo brutal pero en el que aún están representadas la justicia y la caridad. Esta obra, única edición en el mercado que reúne estas tres obras, es un homenaje a Valle-Inclán coincidiendo con el 80 aniversario de su muerte. La edición ha sido fijada por Luis M. González, catedrático de Literatura Españala en EE.UU, que además ha escrito un prólogo para esta edición.