Oscar Wilde nació en Dublín en 1854. Se trasladó a Inglaterra a estudiar lenguas clásicas en la Universidad de Oxford, donde encontró un ambiente, el de los jóvenes de las clases acomodadas inglesas, en el que no lograba integrarse. Esa excentricidad le lleva a construirse una personalidad exhibicionista inspirada en el dandismo y en ciertas teorías que proclamaban el placer como único objetivo de la práctica artística. Con " El abanico de Lady Windermere " obtuvo Wilde su primer éxito teatral de público. La crítica fue más distante. Reconocía el ingenio de los diálogos, pero insistía en la poca originalidad de los motivos (el chantaje, el abanico comprometedor, la infidelidad conyugal). " La importancia de llamarse Ernest " pondría fin a la trivialidad de sus tramas. Empezando por el difícilmente traducible juego de palabras del título, Wilde consigue expresar en esta obra su visión del mundo en varios niveles: divirtiendo al público aristocrático y arreglándoselas para comunicar al espectador contemporáneo su credo individualista.
El genio dramático de Galdós llevó obras a escena a lo largo de treinta años ininterrumpidos y conoció casi todos los recorridos del éxito y del fracaso. La vocación primera de Galdós fue la teatral, pero la dificultad para hacerse camino en las tablas lo encaminó hacia la novela, algunas de las cuales llevan en sí mismas el germen del teatro, hasta el punto de crear el subgénero de «novela dialogada», y que fueron adaptadas por él mismo a la escena. El vehículo teatral siempre lo utilizó Galdós como tribuna principal para la disertación ideológica y como escenario de su utópico cambio social, línea maestra de su pensamiento. Favoreció de forma decisiva la innovación del caduco teatro de la época mediante nuevos conceptos, temas y fórmulas dramáticas. Conoció el éxito con el estreno de «Electra». Fue sacado a hombros por el público y vendió al mes y medio de su estreno en España veinte mil ejemplares. También el fracaso con «Los condenados» o «Alma y vida», muestras ambas de la incomunicación acaecida entre su texto y el espectador. Con el drama «Realidad» sentará las bases del nuevo teatro español, con cambios significativos que servirán a las nuevas generaciones de autores teatrales. Galdós quiso compartir con el público sus emociones y creó una relación entre autor, público y espectáculo esencialmente emocional. Sentía que a través de la emoción el público se podía identificar con la ficción teatral. En el teatro de Galdós lo que importa no es sólo la acción. Pero donde Galdós llegó a innovar verdaderamente es en los personajes femeninos. Casi la totalidad de sus protagonistas son mujeres que buscan la libertad, redimen al hombre o sirven de inspiración ideológica.
El teatro de Miguel Hernández constituye una notable singularidad en la literatura española del siglo XX que sobresale por su carácter mixto. Escrita por un poeta de superior inspiración, responde, sin embargo, a circunstancias externas al quehacer literario que revisten una notoria peculiaridad. " El labrador de más aire " se inscribe en el llamado teatro social dentro de la producción dramática hernandiana. Es la principal pieza dramática en verso del poeta de Orihuela, de clara intención social y de raíz tradicional, rara combinación de eficacia dramática y acento lírico, salpicada de canciones populares. Una nueva visión -ahora dramática- que enriquece la oferta de Letras Hispánicas de la obra de Miguel Hernández. Este es el cuarto volumen dedicado a ella. Los profesores De Paco y Díez de Revenga han colaborado ya en la colección y son un buen aval para la difusión de la obra.
Tomás de Iriarte forjaría su fama permanente con dos géneros: la fábula y la comedia. Sus «Fábulas literarias» significan la innovación más radical en su género desde la antigüedad. Sus comedias, costumbristas, destacan por pintar ante los ojos del espectador/lector un ambiente físico, humano, social y económico de un admirable realismo teatral. Esta edición ofrece las siete piezas que conforman el teatro original completo de Iriarte: las cuatro comedias mayores, «Hacer que hacemos», «El señorito mimado», «La señorita malcriada» y «El don de gentes»; dos comedias menores, «La librería» y «Donde menos se piensa salta la liebre»; y «Guzmán el Bueno», una de las grandes tragedias del siglo XVIII.
Eurípides (c. 480-406 a.C.) vivió en la época del mayor esplendor político y económico de Atenas, asistió a la construcción del Partenón y los más hermosos monumentos de la Acrópolis, y compartió con sincero patriotismo el orgullo de los ideales democráticos. Son muchos los datos que desconocemos de su vida. De su obra se han conservado dieciocho tragedias, casi todas ellas escritas en la etapa de plena madurez del autor. En su innovadora Helena, compuesta en el 412 a.C., Eurípides transgrede una vez más los preceptos de la tragedia y, además, no sigue la versión más tradicional sobre el destino su protagonista durante la guerra de Troya. Nos presenta a una casta Helena que ha vivido en Egipto bajo la protección de su rey, Proteo. Al morir éste, su hijo Teoclímeno acosa a Helena y pretende casarse con ella. A pesar de que el marido de Helena, Menelao, aparece en escena como un náufrago llegado a las costas egipcias, será la heroína la que deberá desplegar sus habilidades para liberarse de Teoclímeno. «Eurípides fue el dramaturgo decisivo para el teatro posterior, tanto en el griego como en el romano. Séneca se inspiró en él constantemente, y luego su huella ha resurgido en cualquier intento de teatro neoclásico, en Racine, por ejemplo. Muchos han visto en él no sólo al trágico más moderno, humano y realista, sino al más trágico de los trágicos». Carlos García Gual
Litoral, la obra que KRK pone hoy a disposición de los lectores españoles, narra una historia sencilla, pero de hondo significado: Wilfrid, el protagonista, está haciendo el amor con una joven y, justo en el momento del orgasmo, suena el teléfono y recibe la noticia de que su padre, a quien no ha llegado a conocer, ha muerto. A su madre tampoco la había conocido, puesto que había muerto como consecuencia del parto que lo trajo al mundo. Ahí tenemos las señas de identidad de Edipo; es decir, la ausencia de toda seña de identidad. Wilfrid es el niño, en este caso el adolescente, que no sabe quién es y que, como Edipo -o como Segismundo-, va a poner todo su empeño en descubrirlo. Y ser aquí significa pertenecer, el ser individual como lugar de paso de una corriente que viene de muy atrás y proseguirá más allá de nosotros, en la lejanía de los tiempos. El ser individual como una encrucijada donde está uno mismo pero también está el otro. El padre muerto en el instante del orgasmo de su hijo, la madre muerta y la génesis de la vida, invitan a pensar sobre su sentido mismo, a hacerse las no por tópicas menos esenciales preguntas sobre quiéns soy, de dónde vengo, a dónde voy. Y Wilfrid recorrerá su personal camino para tratar de respondérselas a través de un mundo desolado por la guerra y la violencia atávica.
Ambientada fonamentalment al Pallars nadiu de l'autora, Pedra de tartera narra la vida de Conxa, que va des de començament del segle XX fins a la dècada de 1960; una vida marcada per la supervivència i el desarrelament. L'adaptació teatral que presentem, a càrrec de Marc Rosich, il·lumina des d'una nova perspectiva un dels textos essencials de la literatura catalana contemporània.Víctima passiva del seu temps, Conxa representa totes aquelles dones que, mentre la vida les obliga a callar, han vist com el temps els passa per davant sense poder fer-hi res. A través de les seves paraules i, especialment, dels seus silencis, Barbal retrata la duresa de l'existència d'una dona pagesa, mentre els ecos dels esdeveniments històrics que sacsegen el país, des de l'adveniment de la República fins a la dictadura, van arribant, a poc a poc, a les comarques del Pallars.
La argentina Griselda Gambaro se encuentra entre los más relevantes dramaturgos latinoamericanos. Sus obras dramáticas han sido estrenadas en distintos países de América Latina, Estados Unidos y Europa. Ha recibido premios nacionales e internacionales y sus obras han sido traducidas a una decena de lenguas. «Decir sí» y «La malasangre» se estrenaron durante la última dictadura; la primera en 1981 dentro del ciclo Teatro Abierto, que pretendía romper el silencio impuesto por los militares, y la segunda en agosto de 1982, cuando acababa de terminar la Guerra de las Malvinas. Ambas piezas obtuvieron un gran éxito por parte del público y de los críticos, y desde entonces han sido representadas con frecuencia en los escenarios nacionales e internacionales. En «Decir sí» encontramos un patrón frecuente en algunas de las obras de la autora: un hombre inocente llega a un lugar aparentemente inofensivo, una peluquería. Un acto absolutamente rutinario sirve para hablar de represión y violencia, de sumisión y servilismo, de victimización y su resultado. Tras la sencilla historia de «La malasangre» (una pareja de enamorados se fuga ante la oposición del padre de la joven a la relación amorosa) se esconde una denuncia del ejercicio arbitrario del poder, tanto en el espacio privado de la familia como en el socio-político del Estado.
Es una visión costumbrista del Madrid de finales del siglo XIX a través de D. Severino, provinciano que acude a la capital con su mujer Dña. Robustiana «dispuestos a verlo todo; a correr sin descanso hasta que volvamos al pueblo», y tras múltiples vicisitudes y deambular por los espacios e individuos que llenan los cafés, los teatros y las calles de la capital, encuentran el significado de la ciudad en el corazón de los personajes que la habitan.
Auténtico enamorado del teatro, como hombre de su época, Cervantes no es sólo el maestro inigualable de la novela, sino que también es un extraordinario dramaturgo, enormemente original e incansable experimentador. Obras teatrales cortas, de estética cómica, popular y costumbrista, los Entremeses de Cervantes están considerados por la crítica moderna como modelos de verdad realista y dramática, como pequeñas obras maestras que ponen de manifiesto una nueva y penetrante actitud del artista ante la realidad y una voluntad de búsqueda y renovación de medios expresivos en el teatro de su época. En esta edición, Andrés Amorós ha recogido los ocho entremeses publicados por Cervantes, respetando el orden tradicional de la edición, más de los tradicionalmente atribuidos: El Hospital de los dridos y Los habladores. Y ha versionado todos ellos para acercarlos, aún más si cabe, a nuestra lengua actual. "Él vierta añejo vino en odres nuevos", M. Menéndez Pelayo LAS OBRAS MÁS IMPORTANTES DE LA LITERATURA ESPAÑOLA SE VIERTEN AL LENGUAJE ESPAÑOL MODERNO PARA PONERLAS AL ALCANCE DE TODOS LOS LECTORES.
Sainetazos a la crisis es la última creación de José Cedena, el autor teatral contemporáneo que más éxito tiene en su género. Seis son los nuevos sainetes que componen esta nueva colección, que incluye la esperada se- gunda parte de El conde de Burra regresa de las cruzadas.
El teatro irlandés generado durante la era del Celtic Tiger refleja la nueva realidad del país: la migración, la post- colonización, el desinterés por el catolicismo, los prejuicios y los conflictos raciales; así como la enorme incidencia del abuso infantil, los escándalos políticos y la corrupción. En las obras de este periodo abundan los comportamientos violentos, destructores y auto-destructivos. Estéticas de la destrucción ofrece un estudio (de los primeros publicados en español) sobre la repercusión cultural y teatral de este fenómeno tan complejo, al tiempo que aúna la traducción de dos piezas de éxito mundial, La reina de la belleza de Leenane (1996), de Martin McDonagh, y Mujer y Espantapájaros (2006), de Marina Carr; dos figuras clave del teatro irlandés, que tornan la crueldad, la barbarie y el humor grotesco en fundamentos estéticos de su dramaturgia.
La historia del teatro está llena de obras amenas, brillantes, divertidas o profundas que no han llegado a convertirse en clásicos de primera línea. Estudiadas en los manuales de literatura, rara vez editadas y apenas representadas, estas obras han quedado muchas veces ocultas para el público, al no existir una edición moderna. La BiBlioteca temática ReSaD se propone llenar este vacío con volúmenes que recojan textos con un criterio temático para ofrecer una visión amplia de ciertos movimientos, estilos o temas que son hoy patrimonio de los especialistas. Este era el caso del teatro breve que acompañaba a las comedias de nuestro teatro clásico. Aunque hoy existen numerosos estudios tanto de autores concretos como de determinados géneros, se había desatendido la publicación de antologías contemporáneas a las representaciones del siglo xvii, cuyo estudio resulta imprescindible para obtener una visión de conjunto del espectáculo teatral áureo. Ramillete de sainetes es una colección muy completa, tanto por la variedad de géneros y temas como por la heterogeneidad de sus autores. Esta edición crítica rescata un repertorio que no había vuelto a ser publicado desde 1672 y que ofrece un amplio panorama de los gustos del público en una época de esplendor del espectáculo teatral. A la vez, se recuperan obras y autores que constituyen parte de nuestro patrimonio teatral clásico.
En Tres versiones de la vida (2001), dos matrimonios bien situados, cultos, conocedores y practicantes de las convenciones, se ven impelidos a abandonarlas en el transcurso de una cena improvisada a base de aperitivos; pero las humillaciones que se suceden pueden ser de distinto signo o podrían no serlo en absoluto: la obra ofrece, ingeniosamente, tres variaciones sobre la misma situación. En Una comedia española (2004), una chejoviana reunión familiar incluye, entre sus rutinas, secretos contados a voces y crisis de ansiedad mientras los actores que la interpretan dan su propia versión de los personajes y de lo que el autor les exige («El actor que no quiere aniquilar al escritor está jodido», dice uno de ellos). Ambas obras, que aquí presentamos en las excelentes versiones de Natalia Menéndez y Fernando Gómez Grande que se utilizaron para su estreno en España, son puro universo Yasmina Reza. Un teatro en el que los personajes, a pesar de sus pequeñeces burguesas, siempre se preguntan si la vida lleva a alguna parte, sin encontrar una respuesta que los instale en la esperanza, ni tampoco en un cómodo pesimismo.
De Jardiel Poncela se puede decir renovó el humor en la literatura española, hasta entonces de raíz costumbrista y sentimental, muy cercano a la «astracanada» y al retruécano. De acuerdo con las vanguardias, Jardiel subió a escena la risa de hoy, con un humor más inverosímil, pleno de imaginación y sagacidad poética. Así,Usted tiene ojos de mujer fatal nos presenta a Sergio, un seductor que nunca se enamora hasta que repara en Elena, la primera mujer que rechaza sus encantos. Por su parte, Angelina ?de Angelina o el honor de un brigadier? huye con su amante Germán antes de que Rodolfo, por expreso deseo del padre de ella, el brigadier don Marcial, le pida la mano. Ambas comedias son buena muestra del mejor teatro, paródico e hilarante, de Jardiel.
Oscar Wilde nació en Dublín en 1854. Se trasladó a Inglaterra a estudiar lenguas clásicas en la Universidad de Oxford, donde encontró un ambiente, el de los jóvenes de las clases acomodadas inglesas, en el que no lograba integrarse. Esa excentricidad le lleva a construirse una personalidad exhibicionista inspirada en el dandismo y en ciertas teorías que proclamaban el placer como único objetivo de la práctica artística. Con " El abanico de Lady Windermere " obtuvo Wilde su primer éxito teatral de público. La crítica fue más distante. Reconocía el ingenio de los diálogos, pero insistía en la poca originalidad de los motivos (el chantaje, el abanico comprometedor, la infidelidad conyugal). " La importancia de llamarse Ernest " pondría fin a la trivialidad de sus tramas. Empezando por el difícilmente traducible juego de palabras del título, Wilde consigue expresar en esta obra su visión del mundo en varios niveles: divirtiendo al público aristocrático y arreglándoselas para comunicar al espectador contemporáneo su credo individualista.
El genio dramático de Galdós llevó obras a escena a lo largo de treinta años ininterrumpidos y conoció casi todos los recorridos del éxito y del fracaso. La vocación primera de Galdós fue la teatral, pero la dificultad para hacerse camino en las tablas lo encaminó hacia la novela, algunas de las cuales llevan en sí mismas el germen del teatro, hasta el punto de crear el subgénero de «novela dialogada», y que fueron adaptadas por él mismo a la escena. El vehículo teatral siempre lo utilizó Galdós como tribuna principal para la disertación ideológica y como escenario de su utópico cambio social, línea maestra de su pensamiento. Favoreció de forma decisiva la innovación del caduco teatro de la época mediante nuevos conceptos, temas y fórmulas dramáticas. Conoció el éxito con el estreno de «Electra». Fue sacado a hombros por el público y vendió al mes y medio de su estreno en España veinte mil ejemplares. También el fracaso con «Los condenados» o «Alma y vida», muestras ambas de la incomunicación acaecida entre su texto y el espectador. Con el drama «Realidad» sentará las bases del nuevo teatro español, con cambios significativos que servirán a las nuevas generaciones de autores teatrales. Galdós quiso compartir con el público sus emociones y creó una relación entre autor, público y espectáculo esencialmente emocional. Sentía que a través de la emoción el público se podía identificar con la ficción teatral. En el teatro de Galdós lo que importa no es sólo la acción. Pero donde Galdós llegó a innovar verdaderamente es en los personajes femeninos. Casi la totalidad de sus protagonistas son mujeres que buscan la libertad, redimen al hombre o sirven de inspiración ideológica.
El teatro de Miguel Hernández constituye una notable singularidad en la literatura española del siglo XX que sobresale por su carácter mixto. Escrita por un poeta de superior inspiración, responde, sin embargo, a circunstancias externas al quehacer literario que revisten una notoria peculiaridad. " El labrador de más aire " se inscribe en el llamado teatro social dentro de la producción dramática hernandiana. Es la principal pieza dramática en verso del poeta de Orihuela, de clara intención social y de raíz tradicional, rara combinación de eficacia dramática y acento lírico, salpicada de canciones populares. Una nueva visión -ahora dramática- que enriquece la oferta de Letras Hispánicas de la obra de Miguel Hernández. Este es el cuarto volumen dedicado a ella. Los profesores De Paco y Díez de Revenga han colaborado ya en la colección y son un buen aval para la difusión de la obra.
Tomás de Iriarte forjaría su fama permanente con dos géneros: la fábula y la comedia. Sus «Fábulas literarias» significan la innovación más radical en su género desde la antigüedad. Sus comedias, costumbristas, destacan por pintar ante los ojos del espectador/lector un ambiente físico, humano, social y económico de un admirable realismo teatral. Esta edición ofrece las siete piezas que conforman el teatro original completo de Iriarte: las cuatro comedias mayores, «Hacer que hacemos», «El señorito mimado», «La señorita malcriada» y «El don de gentes»; dos comedias menores, «La librería» y «Donde menos se piensa salta la liebre»; y «Guzmán el Bueno», una de las grandes tragedias del siglo XVIII.
Eurípides (c. 480-406 a.C.) vivió en la época del mayor esplendor político y económico de Atenas, asistió a la construcción del Partenón y los más hermosos monumentos de la Acrópolis, y compartió con sincero patriotismo el orgullo de los ideales democráticos. Son muchos los datos que desconocemos de su vida. De su obra se han conservado dieciocho tragedias, casi todas ellas escritas en la etapa de plena madurez del autor. En su innovadora Helena, compuesta en el 412 a.C., Eurípides transgrede una vez más los preceptos de la tragedia y, además, no sigue la versión más tradicional sobre el destino su protagonista durante la guerra de Troya. Nos presenta a una casta Helena que ha vivido en Egipto bajo la protección de su rey, Proteo. Al morir éste, su hijo Teoclímeno acosa a Helena y pretende casarse con ella. A pesar de que el marido de Helena, Menelao, aparece en escena como un náufrago llegado a las costas egipcias, será la heroína la que deberá desplegar sus habilidades para liberarse de Teoclímeno. «Eurípides fue el dramaturgo decisivo para el teatro posterior, tanto en el griego como en el romano. Séneca se inspiró en él constantemente, y luego su huella ha resurgido en cualquier intento de teatro neoclásico, en Racine, por ejemplo. Muchos han visto en él no sólo al trágico más moderno, humano y realista, sino al más trágico de los trágicos». Carlos García Gual
Litoral, la obra que KRK pone hoy a disposición de los lectores españoles, narra una historia sencilla, pero de hondo significado: Wilfrid, el protagonista, está haciendo el amor con una joven y, justo en el momento del orgasmo, suena el teléfono y recibe la noticia de que su padre, a quien no ha llegado a conocer, ha muerto. A su madre tampoco la había conocido, puesto que había muerto como consecuencia del parto que lo trajo al mundo. Ahí tenemos las señas de identidad de Edipo; es decir, la ausencia de toda seña de identidad. Wilfrid es el niño, en este caso el adolescente, que no sabe quién es y que, como Edipo -o como Segismundo-, va a poner todo su empeño en descubrirlo. Y ser aquí significa pertenecer, el ser individual como lugar de paso de una corriente que viene de muy atrás y proseguirá más allá de nosotros, en la lejanía de los tiempos. El ser individual como una encrucijada donde está uno mismo pero también está el otro. El padre muerto en el instante del orgasmo de su hijo, la madre muerta y la génesis de la vida, invitan a pensar sobre su sentido mismo, a hacerse las no por tópicas menos esenciales preguntas sobre quiéns soy, de dónde vengo, a dónde voy. Y Wilfrid recorrerá su personal camino para tratar de respondérselas a través de un mundo desolado por la guerra y la violencia atávica.
Ambientada fonamentalment al Pallars nadiu de l'autora, Pedra de tartera narra la vida de Conxa, que va des de començament del segle XX fins a la dècada de 1960; una vida marcada per la supervivència i el desarrelament. L'adaptació teatral que presentem, a càrrec de Marc Rosich, il·lumina des d'una nova perspectiva un dels textos essencials de la literatura catalana contemporània.Víctima passiva del seu temps, Conxa representa totes aquelles dones que, mentre la vida les obliga a callar, han vist com el temps els passa per davant sense poder fer-hi res. A través de les seves paraules i, especialment, dels seus silencis, Barbal retrata la duresa de l'existència d'una dona pagesa, mentre els ecos dels esdeveniments històrics que sacsegen el país, des de l'adveniment de la República fins a la dictadura, van arribant, a poc a poc, a les comarques del Pallars.
La argentina Griselda Gambaro se encuentra entre los más relevantes dramaturgos latinoamericanos. Sus obras dramáticas han sido estrenadas en distintos países de América Latina, Estados Unidos y Europa. Ha recibido premios nacionales e internacionales y sus obras han sido traducidas a una decena de lenguas. «Decir sí» y «La malasangre» se estrenaron durante la última dictadura; la primera en 1981 dentro del ciclo Teatro Abierto, que pretendía romper el silencio impuesto por los militares, y la segunda en agosto de 1982, cuando acababa de terminar la Guerra de las Malvinas. Ambas piezas obtuvieron un gran éxito por parte del público y de los críticos, y desde entonces han sido representadas con frecuencia en los escenarios nacionales e internacionales. En «Decir sí» encontramos un patrón frecuente en algunas de las obras de la autora: un hombre inocente llega a un lugar aparentemente inofensivo, una peluquería. Un acto absolutamente rutinario sirve para hablar de represión y violencia, de sumisión y servilismo, de victimización y su resultado. Tras la sencilla historia de «La malasangre» (una pareja de enamorados se fuga ante la oposición del padre de la joven a la relación amorosa) se esconde una denuncia del ejercicio arbitrario del poder, tanto en el espacio privado de la familia como en el socio-político del Estado.
Es una visión costumbrista del Madrid de finales del siglo XIX a través de D. Severino, provinciano que acude a la capital con su mujer Dña. Robustiana «dispuestos a verlo todo; a correr sin descanso hasta que volvamos al pueblo», y tras múltiples vicisitudes y deambular por los espacios e individuos que llenan los cafés, los teatros y las calles de la capital, encuentran el significado de la ciudad en el corazón de los personajes que la habitan.
Auténtico enamorado del teatro, como hombre de su época, Cervantes no es sólo el maestro inigualable de la novela, sino que también es un extraordinario dramaturgo, enormemente original e incansable experimentador. Obras teatrales cortas, de estética cómica, popular y costumbrista, los Entremeses de Cervantes están considerados por la crítica moderna como modelos de verdad realista y dramática, como pequeñas obras maestras que ponen de manifiesto una nueva y penetrante actitud del artista ante la realidad y una voluntad de búsqueda y renovación de medios expresivos en el teatro de su época. En esta edición, Andrés Amorós ha recogido los ocho entremeses publicados por Cervantes, respetando el orden tradicional de la edición, más de los tradicionalmente atribuidos: El Hospital de los dridos y Los habladores. Y ha versionado todos ellos para acercarlos, aún más si cabe, a nuestra lengua actual. "Él vierta añejo vino en odres nuevos", M. Menéndez Pelayo LAS OBRAS MÁS IMPORTANTES DE LA LITERATURA ESPAÑOLA SE VIERTEN AL LENGUAJE ESPAÑOL MODERNO PARA PONERLAS AL ALCANCE DE TODOS LOS LECTORES.
Sainetazos a la crisis es la última creación de José Cedena, el autor teatral contemporáneo que más éxito tiene en su género. Seis son los nuevos sainetes que componen esta nueva colección, que incluye la esperada se- gunda parte de El conde de Burra regresa de las cruzadas.
El teatro irlandés generado durante la era del Celtic Tiger refleja la nueva realidad del país: la migración, la post- colonización, el desinterés por el catolicismo, los prejuicios y los conflictos raciales; así como la enorme incidencia del abuso infantil, los escándalos políticos y la corrupción. En las obras de este periodo abundan los comportamientos violentos, destructores y auto-destructivos. Estéticas de la destrucción ofrece un estudio (de los primeros publicados en español) sobre la repercusión cultural y teatral de este fenómeno tan complejo, al tiempo que aúna la traducción de dos piezas de éxito mundial, La reina de la belleza de Leenane (1996), de Martin McDonagh, y Mujer y Espantapájaros (2006), de Marina Carr; dos figuras clave del teatro irlandés, que tornan la crueldad, la barbarie y el humor grotesco en fundamentos estéticos de su dramaturgia.
La historia del teatro está llena de obras amenas, brillantes, divertidas o profundas que no han llegado a convertirse en clásicos de primera línea. Estudiadas en los manuales de literatura, rara vez editadas y apenas representadas, estas obras han quedado muchas veces ocultas para el público, al no existir una edición moderna. La BiBlioteca temática ReSaD se propone llenar este vacío con volúmenes que recojan textos con un criterio temático para ofrecer una visión amplia de ciertos movimientos, estilos o temas que son hoy patrimonio de los especialistas. Este era el caso del teatro breve que acompañaba a las comedias de nuestro teatro clásico. Aunque hoy existen numerosos estudios tanto de autores concretos como de determinados géneros, se había desatendido la publicación de antologías contemporáneas a las representaciones del siglo xvii, cuyo estudio resulta imprescindible para obtener una visión de conjunto del espectáculo teatral áureo. Ramillete de sainetes es una colección muy completa, tanto por la variedad de géneros y temas como por la heterogeneidad de sus autores. Esta edición crítica rescata un repertorio que no había vuelto a ser publicado desde 1672 y que ofrece un amplio panorama de los gustos del público en una época de esplendor del espectáculo teatral. A la vez, se recuperan obras y autores que constituyen parte de nuestro patrimonio teatral clásico.
En Tres versiones de la vida (2001), dos matrimonios bien situados, cultos, conocedores y practicantes de las convenciones, se ven impelidos a abandonarlas en el transcurso de una cena improvisada a base de aperitivos; pero las humillaciones que se suceden pueden ser de distinto signo o podrían no serlo en absoluto: la obra ofrece, ingeniosamente, tres variaciones sobre la misma situación. En Una comedia española (2004), una chejoviana reunión familiar incluye, entre sus rutinas, secretos contados a voces y crisis de ansiedad
mientras los actores que la interpretan dan su propia versión de los personajes y de lo que el autor les exige («El actor que no quiere aniquilar al escritor está jodido», dice uno de ellos). Ambas obras, que aquí presentamos en las excelentes versiones de Natalia Menéndez y Fernando Gómez Grande que se utilizaron para su estreno en España, son puro universo Yasmina Reza. Un teatro en el que los personajes, a pesar de sus pequeñeces burguesas, siempre se preguntan si la vida lleva a alguna parte, sin encontrar una respuesta que los instale en la esperanza, ni tampoco en un cómodo pesimismo.
De Jardiel Poncela se puede decir renovó el humor en la literatura española, hasta entonces de raíz costumbrista y sentimental, muy cercano a la «astracanada» y al retruécano. De acuerdo con las vanguardias, Jardiel subió a escena la risa de hoy, con un humor más inverosímil, pleno de imaginación y sagacidad poética. Así,Usted tiene ojos de mujer fatal nos presenta a Sergio, un seductor que nunca se enamora hasta que repara en Elena, la primera mujer que rechaza sus encantos. Por su parte, Angelina ?de Angelina o el honor de un brigadier? huye con su amante Germán antes de que Rodolfo, por expreso deseo del padre de ella, el brigadier don Marcial, le pida la mano. Ambas comedias son buena muestra del mejor teatro, paródico e hilarante, de Jardiel.