Es la última obra de Shakespeare y, para muchos, la culminación de todo su proceso creador. Pieza alegórica, utópica, realista, romántica, pastoril y mítica, se nos presenta como un cuento maravilloso que encierra algún enigma o significado huidizo. Su composición parece inspirada en un célebre naufragio ocurrido en 1609 cerca de las Bermudas. El pasaje, que se creía muerto, se salvó y vivió durante un tiempo en una isla paradisíaca. En pleno debate sobre el descubrimiento y la colonización del Nuevo Mundo, Shakespeare aborda en su obra los problemas de la relación con otras culturas y las perspectivas de convivencia o sometimiento; el encuentro del civilizado con el salvaje; lo primario e instintivo frente a lo racional; la posibilidad de crear una comunidad con un nuevo orden social basado en otros valores, y los obstáculos para llevarlo a cavo. Pero La tempestad es, también, una reflexión extrema sobre los límites entre ficción y realidad. Inagotable en posibilidades escénicas, en ella dejó Shakespeare su última palabra sobre la magia del teatro. Traducción de Ängel-Luis Pujante, que recibió por esta obra el premio Nacional a la Mejor Traducción en 1998.
Tras su éxito en el Festival de Otoño de Madrid de 2009, y en el Festival de Aviñón de 2010, donde fue recibida como toda una revolución («Cinco horas trabajadas hasta la exasperación por unas ganas furiosas de entender por qué todo va tan mal», según Le Monde), la editorial La uÑa RoTa publica La casa de la fuerza, inédita hasta hoy. El volumen se completa con otros dos textos inéditos, tan sugerentes como intensos, Anfaegtelse y Te haré invencible con mi derrota. Tres obras en las que Angélica Liddell, una de las escritoras más emblemáticas de lo que va de siglo xxi, se interna por infiernos raramente visitados por la literatura española, con un estilo turbador y vibrante, sin concesiones, y haciendo uso de un hondo intimismo. La casa de la fuerza nos habla sobre cómo «el amor fracasa, la inteligencia fracasa, y nos destrozamos los unos a los otros, por cobardía, y humillamos y somos humillados hasta el final», según la autora. Es una descarnada reflexión sobre la condición de la mujer en este siglo XXI y sobre el machismo cotidiano. Y en concreto, sobre los asesinatos y violaciones de niñas y mujeres que aún hoy tienen lugar en Ciudad Juárez (México). Todo ello dentro de un mundo «colorido por fuera y podrido por dentro», en palabras de Liddell. En la lectura de La casa de la fuerza se superponen multitud de historias que están en juego al mismo tiempo: el desamor, la dominación de género, el dolor, el suicidio, la resistencia, la locura, mientras de fondo suenan rancheras, mariachis, pop y música clásica En definitiva, una trama marcada por el dolor y por la fuerza, como una forma de llegar a la calma espiritual. En Te haré invencible con mi derrota, asistimos a un diálogo interno de la autora con Jackie du Pre (1945-1987) una de las mejores chelistas del siglo xx, fallecida a los 42 años. Un emotivo texto que trata el conflicto entre la materia y el espíritu, cuando el cuerpo y la enfermedad están por encima de la voluntad. Y ahonda en la belleza y en el dolor, un dolor personal que aquí se hace universal, y en la imposibilidad por parte de Jackie de seguir tocando el chelo a causa de una esclerosis que empieza a atrofiar sus manos antes de cumplir los treinta años. Por último, Anfaegtelsees un canto afónico al amor en su versión más cruda, con su luz y sus tinieblas, al amor ya imposible que siente hacia David, un niño de diez años, mientras ajusta cuentas con la figura de la madre y del padre.«Anfaegtelse», que podría traducirse por «angustia«, «horror» o «inquietud» se repite como un mantra a lo largo de la obra. «Cuando amamos entramos en guerra, es decir, entramos en Anfaegtelse, y cada uno de nosotros será grande dependiendo de aquel con quien batalló», como dice Kierkegaard en Temor y temblor. «Escritora inalcanzable, nombre de referencia» Escritora, directora teatral y actriz, la trayectoria de Angélica Liddell traza, desde principio de los años noventa, una curva de crecimiento sin parangón en la escena española. Sus obras oscilan entre el expresionismo desgarrador, la crítica social, la pureza y la búsqueda del significado a través del dolor y la subversión. Como escritora, directora y actriz ha estrenado una veintena de creaciones, entre las que destacan El matrimonio Palavrakis (2001), Y cómo no se pudrió Blancanieves (2005), Perro muerto en tintorería: los fuertes (2007) y Maldito sea el hombre que confía en el hombre (2011). Ha obtenido numerosos premios, como el Premio de Dramaturgia Innovadora Casa de América por La pasión anotada de Nubila Wahlheim; el Ojo Crítico Segundo Milenio a toda su trayectoria y el Valle Inclán por El año de Ricardo. Sus textos han sido traducidos al inglés, francés, rumano, ruso y portugués. Con La casa de la fuerza, Te haré invencible con mi derrota y Anfaegtelse, la decidida voluntad de Angélica Liddell de traspasar las fronteras de la ficción, le ha permitido acercarse a la realidad física y social del lector y del espectador. La crítica ha dicho de su teatro que es «vanguardista y político, lleno de sentido, absolutamente necesario». Para Luis María Anson, estamos ante una «escritora inalcanzable, [que] es hoy el nombre de referencia del teatro español». El volumen se cierra con un breve y sugerente ensayo de Óscar Cornago, titular de Lengua y Literatura del CSIC, y especialista en la obra de Angélica Liddell. Cornago es autor, entre otros libros, de Ética del cuerpo y Políticas de la palabra (editados en Fundamentos) sobre destacados creadores escénicos españoles de las últimas décadas. El diseño del libro incluye en su cubierta una ilustración realizada ex profeso por el pintor catalán Ramon Sanmiquel.
Se reúnen por primera vez las voces de tres maestros del teatro español: José Luis Alonso de Santos, José Sanchis Sinisterra y Fermín Cabal. Publican aquí una serie de piezas breves inéditas y escritas o reescritas para esta colección. En ellas, los tres comparten un mismo cañamazo dramatúrgico: el teatro dentro del teatro y el juego teatral; su misterio y su divertimento. Desde este marco, indagan en las nuevas formas dramáticas, mostrando su profundo conocimiento y amor al teatro, no exento de preguntas sobre lo ya transitado, lo que les coloca en un lugar privilegiado del teatro español contemporáneo. Son voces fundamentales por el conjunto de su extensa e intensa obra, y porque ejercen un continuo magisterio como dramaturgos/hombres de teatro, y como docentes y teóricos, lo que nos obliga a destacar que su presencia ha sido y es un faro ineludible en el devenir de la creación teatral en España. Desde esta colección nuestro máximo agradecimiento.
He aquí 35 obras breves, aunque de muy diversa brevedad. Las más, escritas en clave de humor, si bien no todas, que las hay que escuecen. Una suerte de variaciones sobre temas oscuros y luminosos que se articulan o se contraponen en este caleidoscopio teatral. Así, al mirar por el canuto, nos daremos de bruces con la danza macabra (Danza de ausencias); y, tras interrogarnos sobre lo ineludible, veremos el jolgorio de lo coyuntural (Entremeses variados); de ahí al absurdo (Tema libre en espacio cerrado) solo hay un abismo. Y, vistas estas follas, aún quedará un chorreo de «Obras con vida propia», que colman la edición sobradamente. Escritas entre 1964 y 2014, las piezas que aquí se presentan dan buena muestra de las distintas formas dramáticas que Jesús Campos frecuentó a lo largo de este medio siglo (también en formatos mayores), dando así buena muestra de su eclecticismo militante. El volumen se inicia con un prólogo de Berta Muñoz, e incluye estudios críticos de Josep Lluís Sirera, Carlos Alba Peinado, Diego Santos Sánchez y Antonio Fernández Insuela.
Sam Shepard (1943) llegó a la ciudad de Nueva York en 1963, en un período de intensa experimentación y renovación de las artes escénicas. Tras estrenar sus primeras piezas teatrales en el Theatre Genesis de la iglesia de St. Mark's in-the-Bowery, el joven dramaturgo se entregó con fervor a la libertad creativa propia de la escena del Off-Off-Broadway neoyorquino durante toda la década de los sesenta. Este volumen estudia cómo sus obras breves de este período se trasladaron a los escenarios, con una viveza sin precedentes en la tradición dramática estadounidense, una sensibilidad contracultural y juvenil que tomaba como referencia el lenguaje musical del rock y los iconos de la cultura popular. En estas obras se encuentra el origen de toda una poética de la imaginación escénica: una apertura hacia lo posible.
La España Dramática es el nombre de la galería teatral publicada por el Círculo Literario Comercial entre 1849 y 1881. El presente estudio reconstruye la vida de la colección desde un punto de vista bibliográfico y editorial además de realizar una aproximación a los aspectos literarios y escenográficos de las obras que forman la galería. Esta colección, de gran valor literario, incorpora obras de dramaturgos muy diferentes. Obras de Bretón y García Gutiérrez se editan en la galería junto a creaciones de autores destacados en el momento como Luis Olona o Asquerino e incluso del propio Avecilla, propietario de la colección durante la etapa central de su vida editorial.
La importancia de un cuadro no se mide por la cantidad de pared que ocupa, sino por la fuerza con que tensiona esa pared. La de una escultura o la de una composición musical, por su capacidad de dar plenitud al espacio o al tiempo, más allá de lo que ese
A pesar de la enorme popularidad de «El señor de las moscas», su autor, William Golding, continúa siendo un desconocido para la mayoría de los lectores. Comúnmente se sabe que obtuvo el Premio Nobel de Literatura en 1983, y, aunque escribió doce novelas, un libro de relatos, dos volúmenes de ensayos, un peculiar diario de viajes, obras de teatro, artículos no compilados y un temprano libro de poemas, sigue siendo prácticamente el autor de un solo libro, uno de los clásicos por excelencia del siglo xx. «La mariposa de latón» es una adaptación teatral del relato de Golding " El enviado especial " . Ambientada en la Roma del siglo iii d.C. puede ser leída como una pieza de carácter satírico o como un relato de ciencia-ficción, pues presenta como posible la invención de tres artefactos extemporáneos: la máquina de vapor, los proyectiles y la imprenta. Una fábula divertida e ingeniosa, preñada de ironía y perspicacia, en la que se confrontan ciencia y religión y el choque entre el mundo antiguo y el moderno sirve como metáfora del progreso.
Es la última obra de Shakespeare y, para muchos, la culminación de todo su proceso creador. Pieza alegórica, utópica, realista, romántica, pastoril y mítica, se nos presenta como un cuento maravilloso que encierra algún enigma o significado huidizo. Su composición parece inspirada en un célebre naufragio ocurrido en 1609 cerca de las Bermudas. El pasaje, que se creía muerto, se salvó y vivió durante un tiempo en una isla paradisíaca. En pleno debate sobre el descubrimiento y la colonización del Nuevo Mundo, Shakespeare aborda en su obra los problemas de la relación con otras culturas y las perspectivas de convivencia o sometimiento; el encuentro del civilizado con el salvaje; lo primario e instintivo frente a lo racional; la posibilidad de crear una comunidad con un nuevo orden social basado en otros valores, y los obstáculos para llevarlo a cavo. Pero La tempestad es, también, una reflexión extrema sobre los límites entre ficción y realidad. Inagotable en posibilidades escénicas, en ella dejó Shakespeare su última palabra sobre la magia del teatro. Traducción de Ängel-Luis Pujante, que recibió por esta obra el premio Nacional a la Mejor Traducción en 1998.
Tras su éxito en el Festival de Otoño de Madrid de 2009, y en el Festival de Aviñón de 2010, donde fue recibida como toda una revolución («Cinco horas trabajadas hasta la exasperación por unas ganas furiosas de entender por qué todo va tan mal», según Le Monde), la editorial La uÑa RoTa publica La casa de la fuerza, inédita hasta hoy. El volumen se completa con otros dos textos inéditos, tan sugerentes como intensos, Anfaegtelse y Te haré invencible con mi derrota. Tres obras en las que Angélica Liddell, una de las escritoras más emblemáticas de lo que va de siglo xxi, se interna por infiernos raramente visitados por la literatura española, con un estilo turbador y vibrante, sin concesiones, y haciendo uso de un hondo intimismo. La casa de la fuerza nos habla sobre cómo «el amor fracasa, la inteligencia fracasa, y nos destrozamos los unos a los otros, por cobardía, y humillamos y somos humillados hasta el final», según la autora. Es una descarnada reflexión sobre la condición de la mujer en este siglo XXI y sobre el machismo cotidiano. Y en concreto, sobre los asesinatos y violaciones de niñas y mujeres que aún hoy tienen lugar en Ciudad Juárez (México). Todo ello dentro de un mundo «colorido por fuera y podrido por dentro», en palabras de Liddell. En la lectura de La casa de la fuerza se superponen multitud de historias que están en juego al mismo tiempo: el desamor, la dominación de género, el dolor, el suicidio, la resistencia, la locura, mientras de fondo suenan rancheras, mariachis, pop y música clásica
En definitiva, una trama marcada por el dolor y por la fuerza, como una forma de llegar a la calma espiritual. En Te haré invencible con mi derrota, asistimos a un diálogo interno de la autora con Jackie du Pre (1945-1987) una de las mejores chelistas del siglo xx, fallecida a los 42 años. Un emotivo texto que trata el conflicto entre la materia y el espíritu, cuando el cuerpo y la enfermedad están por encima de la voluntad. Y ahonda en la belleza y en el dolor, un dolor personal que aquí se hace universal, y en la imposibilidad por parte de Jackie de seguir tocando el chelo a causa de una esclerosis que empieza a atrofiar sus manos antes de cumplir los treinta años. Por último, Anfaegtelsees un canto afónico al amor en su versión más cruda, con su luz y sus tinieblas, al amor ya imposible que siente hacia David, un niño de diez años, mientras ajusta cuentas con la figura de la madre y del padre.«Anfaegtelse», que podría traducirse por «angustia«, «horror» o «inquietud» se repite como un mantra a lo largo de la obra. «Cuando amamos entramos en guerra, es decir, entramos en Anfaegtelse, y cada uno de nosotros será grande dependiendo de aquel con quien batalló», como dice Kierkegaard en Temor y temblor. «Escritora inalcanzable, nombre de referencia» Escritora, directora teatral y actriz, la trayectoria de Angélica Liddell traza, desde principio de los años noventa, una curva de crecimiento sin parangón en la escena española. Sus obras oscilan entre el expresionismo desgarrador, la crítica social, la pureza y la búsqueda del significado a través del dolor y la subversión. Como escritora, directora y actriz ha estrenado una veintena de creaciones, entre las que destacan El matrimonio Palavrakis (2001), Y cómo no se pudrió Blancanieves (2005), Perro muerto en tintorería: los fuertes (2007) y Maldito sea el hombre que confía en el hombre (2011). Ha obtenido numerosos premios, como el Premio de Dramaturgia Innovadora Casa de América por La pasión anotada de Nubila Wahlheim; el Ojo Crítico Segundo Milenio a toda su trayectoria y el Valle Inclán por El año de Ricardo. Sus textos han sido traducidos al inglés, francés, rumano, ruso y portugués. Con La casa de la fuerza, Te haré invencible con mi derrota y Anfaegtelse, la decidida voluntad de Angélica Liddell de traspasar las fronteras de la ficción, le ha permitido acercarse a la realidad física y social del lector y del espectador. La crítica ha dicho de su teatro que es «vanguardista y político, lleno de sentido, absolutamente necesario». Para Luis María Anson, estamos ante una «escritora inalcanzable, [que] es hoy el nombre de referencia del teatro español». El volumen se cierra con un breve y sugerente ensayo de Óscar Cornago, titular de Lengua y Literatura del CSIC, y especialista en la obra de Angélica Liddell. Cornago es autor, entre otros libros, de Ética del cuerpo y Políticas de la palabra (editados en Fundamentos) sobre destacados creadores escénicos españoles de las últimas décadas. El diseño del libro incluye en su cubierta una ilustración realizada ex profeso por el pintor catalán Ramon Sanmiquel.
Se reúnen por primera vez las voces de tres maestros del teatro español: José Luis Alonso de Santos, José Sanchis Sinisterra y Fermín Cabal. Publican aquí una serie de piezas breves inéditas y escritas o reescritas para esta colección. En ellas, los tres comparten un mismo cañamazo dramatúrgico: el teatro dentro del teatro y el juego teatral; su misterio y su divertimento. Desde este marco, indagan en las nuevas formas dramáticas, mostrando su profundo conocimiento y amor al teatro, no exento de preguntas sobre lo ya transitado, lo que les coloca en un lugar privilegiado del teatro español contemporáneo. Son voces fundamentales por el conjunto de su extensa e intensa obra, y porque ejercen un continuo magisterio como dramaturgos/hombres de teatro, y como docentes y teóricos, lo que nos obliga a destacar que su presencia ha sido y es un faro ineludible en el devenir de la creación teatral en España. Desde esta colección nuestro máximo agradecimiento.
He aquí 35 obras breves, aunque de muy diversa brevedad. Las más, escritas en clave de humor, si bien no todas, que las hay que escuecen. Una suerte de variaciones sobre temas oscuros y luminosos que se articulan o se contraponen en este caleidoscopio teatral. Así, al mirar por el canuto, nos daremos de bruces con la danza macabra (Danza de ausencias); y, tras interrogarnos sobre lo ineludible, veremos el jolgorio de lo coyuntural (Entremeses variados); de ahí al absurdo (Tema libre en espacio cerrado) solo hay un abismo. Y, vistas estas follas, aún quedará un chorreo de «Obras con vida propia», que colman la edición sobradamente. Escritas entre 1964 y 2014, las piezas que aquí se presentan dan buena muestra de las distintas formas dramáticas que Jesús Campos frecuentó a lo largo de este medio siglo (también en formatos mayores), dando así buena muestra de su eclecticismo militante. El volumen se inicia con un prólogo de Berta Muñoz, e incluye estudios críticos de Josep Lluís Sirera, Carlos Alba Peinado, Diego Santos Sánchez y Antonio Fernández Insuela.
Sam Shepard (1943) llegó a la ciudad de Nueva York en 1963, en un período de intensa experimentación y renovación de las artes escénicas. Tras estrenar sus primeras piezas teatrales en el Theatre Genesis de la iglesia de St. Mark's in-the-Bowery, el joven dramaturgo se entregó con fervor a la libertad creativa propia de la escena del Off-Off-Broadway neoyorquino durante toda la década de los sesenta. Este volumen estudia cómo sus obras breves de este período se trasladaron a los escenarios, con una viveza sin precedentes en la tradición dramática estadounidense, una sensibilidad contracultural y juvenil que tomaba como referencia el lenguaje musical del rock y los iconos de la cultura popular. En estas obras se encuentra el origen de toda una poética de la imaginación escénica: una apertura hacia lo posible.
La España Dramática es el nombre de la galería teatral publicada por el Círculo Literario Comercial entre 1849 y 1881. El presente estudio reconstruye la vida de la colección desde un punto de vista bibliográfico y editorial además de realizar una aproximación a los aspectos literarios y escenográficos de las obras que forman la galería. Esta colección, de gran valor literario, incorpora obras de dramaturgos muy diferentes. Obras de Bretón y García Gutiérrez se editan en la galería junto a creaciones de autores destacados en el momento como Luis Olona o Asquerino e incluso del propio Avecilla, propietario de la colección durante la etapa central de su vida editorial.
La importancia de un cuadro no se mide por la cantidad de pared que ocupa, sino por la fuerza con que tensiona esa pared. La de una escultura o la de una composición musical, por su capacidad de dar plenitud al espacio o al tiempo, más allá de lo que ese
A pesar de la enorme popularidad de «El señor de las moscas», su autor, William Golding, continúa siendo un desconocido para la mayoría de los lectores. Comúnmente se sabe que obtuvo el Premio Nobel de Literatura en 1983, y, aunque escribió doce novelas, un libro de relatos, dos volúmenes de ensayos, un peculiar diario de viajes, obras de teatro, artículos no compilados y un temprano libro de poemas, sigue siendo prácticamente el autor de un solo libro, uno de los clásicos por excelencia del siglo xx. «La mariposa de latón» es una adaptación teatral del relato de Golding " El enviado especial " . Ambientada en la Roma del siglo iii d.C. puede ser leída como una pieza de carácter satírico o como un relato de ciencia-ficción, pues presenta como posible la invención de tres artefactos extemporáneos: la máquina de vapor, los proyectiles y la imprenta. Una fábula divertida e ingeniosa, preñada de ironía y perspicacia, en la que se confrontan ciencia y religión y el choque entre el mundo antiguo y el moderno sirve como metáfora del progreso.
