Franz y su hermana pequeña Greta se han perdido en un centro comercial. Franz intenta controlar la situación: a punto de dejar de ser un niño, está aprendiendo a transitar desde su mente infantil al pensamiento adulto, el descubrimiento más relevante de los últimos meses que le está procurando grandes y extraordinarios hallazgos. Así que se dirige al Departamento de Niños Perdidos del centro. Las normas absurdas de ese lugar, regentado por sor Fauna y sor Flora, espolean la rebeldía de Franz, que no ve el momento de abandonarlo, pero la única huida posible pasa por adentrarse en los llamados Territorios Asombrosos, de donde se dice que nadie ha vuelto nunca en su sano juicio. Comienza entonces una aventura que sitúa a Franz y a Greta en una dimensión fantástica, fuera del mundo real, y que sin embargo les ofrece como nunca antes han tenido claves más certeras y signi? cativas para descifrar su propia historia y encontrar el camino de regreso a casa.Esta experiencia es la vuelta de tuerca a la que recurrirá años después un Franz que hace demasiado tiempo que olvidó el valor, la osadía y el sentido de la belleza del niño que una vez fue.Como un Murakami a la europea, David Cameo bebe de las tradiciones cultas y los iconos pop, del videojuego y del cuento popular, de referentes cinematográ?cos y musicales, y construye una imaginativa novela que desborda atrevimiento y libertad.
Este libro constituye un interesante, equilibrado y ameno compendio del fenómeno musical: la primera parte es una historia de la música y la orquesta, y la segunda está dedicada a los instrumentos: su historia, características, diferentes variedades del instrumento, así como los autores más famosos que han compuesto música él.
Para aprender a improvisar, como para iniciarse en cualquier práctica creativa, no existe el método. La búsqueda, los encuentros, los avances y retrocesos son siempre personales. No hay otra manera de aprender que no sea a través del propio autoconocimiento, el mismo que va a permitir conocer a (y aprender de) los demás. En este libro se recogen un puñado de propuestas que inciden en actitudes y parámetros musicales de los que no se habla en ningún método de enseñanza de la música. Actitudes que nos permitirán relacionarnos con los demás y reaccionar a lo que está sucediendo en el momento. Estos ejercicios los han puesto en práctica numerosos grupos y talleres interdisciplinares de improvisación en España y Latinoamérica. Son propuestas musicales y de interacción basadas en juegos, imágenes, textos, objetos, poemas y haikus. Complementando el contenido práctico, nueve artículos reflexionan sobre diferentes aspectos de la improvisación libre, su enseñanza y su valor como herramienta comunicativa, compositiva y de integración social. Los destinatarios son todos aquellos interesados en los procesos creativos y comunicativos, que están relacionados con la música y el sonido (y por lo tanto, con el espacio y el tiempo). Es aconsejable especialmente para músicos -estudiantes, profesionales y profesores-, terapeutas y profesionales de la escena (bailarines, actores, poetas, gente de circo, artistas plásticos). El libro se acompaña de un DVD con el audio de las propuestas, un concierto en directo de la Orquesta Foco conducida por Chefa Alonso y un fragmento del video de la muestra de un taller interdisciplinar de improvisación libre, en La Casa Encendida, en enero de 2012.
Está bien. Aceptemos que hay un yo que, de un golpe de voz, puede ser dicho. Aceptemos que ese yo que es capaz de nombrarse tiene a veces mi cara, se parece a este cuerpo esquinado. Está bien. No hablemos de ficción ni de relato. Repitamos yo, yo, yo tantas veces como sean precisas para armarlo. Juntemos las astillas hasta inventar el hueso. Pronunciemos yo y veamos qué turba se despierta al decirlo. ?Aceptemos?, de Olalla Castro OLALLA CASTRO (Granada, 1979) es doctora por la Universidad de Granada y licenciada en Periodismo y Teoría de la Literatura. Premio Extraordinario de Tesis Doctoral con su investigación sobre la narrativa de Enrique Vila-Matas, ha escrito los poemarios La vida en los ramajes (Devenir, 2013), Los sonidos del barro (Aguaclara, 2016) y Bajo la luz, el cepo (Hiperión, 2018), el libro de narrativa infantil Un visitante salido de la nada (Dauro, 2016) y el ensayo Entre-lugares de la Modernidad: filosofía, literatura y Terceros Espacios (Siglo XXI, 2017), además de editar y prologar las antologías Ocho paisajes, nueve poe-tas (Dauro, 2009) y Juan de Loxa: resistir en el margen (Diputación de Granada, 2018). Ganadora del Premio Nacional de Poesía Miguel Hernández, del Premi Tardor de Poesía, del Premio Internacional Antonio Machado en Baeza y del Premio Unicaja de Poesía, entre otros, sus poemas y relatos breves han sido recogidos en una veintena de antologías y traducidos a varias lenguas. Fue columnista del diario La Opinión de Granada durante sus nueve años de existencia y actualmente es columnista de El Salto Diario. Ha sido cantante y letrista de diversos proyectos musicales, como Rebelmadiaq, Sister Castro o Nour, formaciones con las que ha firmado una decena de discos y ofrecido conciertos por países como Argentina, México, Costa Rica, Jordania, Marruecos, Argelia, Francia, Holanda o Alemania.
Cuando Bartolomeo Cristofori construyó el primer piano, en 1698, los grandes clavincembalistas, de Bach a Andel, de Couperin a Rameau y Domenico Scarlatti, lo ignoraron y se mantuvieron fieles a su instrumento. Con el barroco, sin embargo, el piano se convirtió en el instrumento musical por excelencia: de Mozart a Beethoven, de Chopin a Debussy, los grandes maestros se dedicaron por completo a su estudio y le reservaron una parte notable de su repertorio. PIERO RATTALINO estudió piano y composición en el conservatorio de Parma y ha impartido clases en varios conservatorios y academias musicales de Italia. Ha sido director artístico en Bolonia, Génova y Turín y actualmente ejerce esete cargo en el Teatro Bellini de Catania. Entre sus libros destacan: Da Clementi a Pollini, Le grande scuole pianistiche, Pianisti e fortisti, Memoriale di Pura Siccome y La vera storia di Amadeus
Esta obra ofrece una síntesis de los recientes descubrimientos sobre el funcionamiento del cerebro en las diversas formas de la actividad musical. A partir de los procesos cerebrales en juego, el autor ilumina las dificultades del aprendizaje musical de los niños. Por primera vez se explica neurológicamente la imposibilidad de adaptación infantil a ciertos modos específicos del aprendizaje musical. Partiendo de la base de que un ser humano perfectamente equilibrado hace funcionar alternativa o simultáneamente los dos hemisferios cerebrales, el autor aboga por una pedagogía diversificada que se ajuste a los distintos estilos de aprendizaje de los niños. Su criterio es que los niños no existen para satisfacer las normas educativas, sino que éstas deben modificarse conforme a las necesidades infantiles, sobre todo en la medida en que se amplían los conocimientos neurológicos. Cuestiones fundamentales como los factores que explican la asimetría de los hemisferios, la incidencia de influencias socioeconómicas y culturales, la diferencia de sexo y su papel en la capacitación para actividades musicales, se tratan detalladamente y se articulan en un enfoque integrador que concibe al individuo musical como «ser humano total».
El cuarteto de cuerda es, sin duda, uno de los principales géneros musicales. Desde su creación en el siglo XVIII, todos los grandes músicos se han enfrentado a él como un campo de experimentación en el que abordar y poner a prueba sus ideas musicales más avanzadas. Y es sin duda esta razón la que ha hecho que, como ningún otro género musical, mantenga su vigencia hasta nuestros días. Hasta la fecha no existe en castellano ninguna obra que, más allá de ser una introducción, ofrezca una historia de este género musical clave. El presente libro aspira a ocupar ese vacío y contar esa historia, pero no como un mero inventario de obras o una simple acumulación de datos, sino planteándola desde el análisis musical, señalando cuáles son las premisas estéticas en las que se funda o cómo ha ido evolucionando a lo largo del tiempo. Se incluye la reproducción y comentario de numerosos fragmentos de obras, desde los cuartetos de Haydn o el Op. 132 de Beethoven hasta las sonoridades extremas de Lachenmann (Gran Torso) o Stockhausen (Helikopter-Quartett). Un texto que quiere convertirse en referencia obligada en la bibliografía musical en castellano, además de consulta imprescindible tanto para estudiantes y profesores de Musicología como para aficionados en general.
«Que la obra de Eugenio Montale, uno de los mayores poetas contemporáneos, haya sido muy poco difundida en español, es uno de esos hechos inexplicables que tan a menudo sirven para denunciar el dudoso mercado de prestigios que oscurece el mundo de la literatura.» Así comenzaba el prólogo de Horacio Armani a la antología de Montale que el poeta y traductor argentino publicó en Buenos Aires en 1971. Desgraciadamente, hasta hace muy poco esas palabras mantenían toda su vigencia: la mayor parte de la obra del poeta italiano continuaba sin ser traducida al castellano. Ni siquiera el centenario de su nacimiento, en 1996, sirvió para remediar esa situación. De hecho, hasta hace escasamente un año no estaba al alcance del público español ninguno de los libros de Montale, ni siquiera la citada antología de Armani, ni tampoco las versiones del mismo traductor, publicadas pocos años después, de sus dos primeros libros: Ossi di seppia y Le Occasioni; ediciones todas que desaparecieron hace lustros de nuestras librerías. Afortunadamente, en pocos meses la situación ha variado radicalmente. En mayo de 1999 se publicó en Barcelona el Diario póstumo último libro del poeta, editado por primera vez en Italia en 1996, coincidiendo con el centenario de Montale, y muy poco después, la revista Poesía y Poética de México publicó en su colección de poesía Cuaderno de cuatro años, excelente edición que apenas ha tenido difusión en España. La publicación ahora de una nueva versión de Huesos de sepia en Igitur y el anuncio de la próxima aparición de Satura en la editorial Icaria, dibujan un panorama no sólo diferente sino francamente alentador. Ossi di seppia se publicó en Turín en 1925. Los poemas que lo componen fueron, pues, escritos cuando Montale era aún muy joven. Sorprende, en cambio, la madurez y el «milagro» de esta poesía. Uno tiene la sensación al leer este libro de tener el enorme privilegio de asistir al nacimiento de una voz poética personalísima, de entrar en un universo poético que impone su verdad y su presencia por vez primera con la misma naturalidad que la árida y pedregosa naturaleza de la costa ligur que le sirve de marco. Desde los primeros versos, sentimos que la palabra poética que aquí nace es necesaria en su pura materialidad; oscura y sin embargo tan cierta, luminosa y sin embargo tan oculta. Como señala Alfredo Gargiulo, en el prólogo a la edición de 1928 que con excelente criterio se reproduce en la edición que aquí comentamos, «en Montale no hay ni rastro de residuo literario: el residuo es todo documento, vida». Más que nunca, por tanto, la palabra poética, al ser vida, es aquí un todo, un todo verbal del que no se puede separar el concepto. Creo, por eso, que el traductor de la edición que comentamos se equivoca en esto cuando en el epílogo afirma que «para el traductor el hecho de trabajar con un material limpio de residuos literarios es una clara invitación a la fidelidad conceptual». Es obvio que el traductor ha de ser fiel al concepto en su traducción, pero no lo es menos que igualmente lo ha de ser a sus características fónicas, rítmicas y prosódicas. De hecho el misterio de esta poesía es sobre todo musical. El propio Montale era plenamente consciente de ello, y lo dijo de forma rotunda: «Ignoro que méritos tenga mi poesía, quizá muy pocos, pero creo que son específicamente musicales». Sigo pensando, además, que aunque el texto de Gargiulo sea magnífico y haya servido para que muchos después de él repitan sus inteligentes observaciones, el que mejor ha reflexionado sobre esta poesía es el propio poeta, y, al hacerlo ha insistido sobre todo en que su secreto se le impuso, casi involuntariamente, no desde la idea sino desde la música: «No; cuando escribía mi primer libro (un libro que se escribió solo) no me atuve a tales ideas [...]. Obedecí a una necesidad de expresión musical. Quería que mi palabra fuera más adherente que la de otros poetas que había conocido. ¿Más adherente a qué? Me parecía vivir bajo una campana de vidrio, y sin embargo me sentía vecino a algo esencial. Un velo sutil, un hilo apenas me separaba del quid definitivo»
El único poemario de una artista polifacética que es todo un referente para varias generaciones: feminista, música y poeta; comprometida y talentosa. Gata Cattana. La escala de Mohs es una tabla de diez minerales ordenados por su dureza que se usa para medir la maleabilidad de cualquier otro. Y eso son también estos poemas, una unidad de medida de nuestros principios, como personas y como sociedad, un libro que nos pregunta salvajemente por lo que creemos y nos creemos. "Todo el mundo se vende. Yo me vendí por tres milímetros de iris azul tanzanita en cada ojo" escribe Gata. "Todo el mundo tiene un precio". La identidad, la crítica a una sociedad grotesca, el feminismo, el amor, la torpe historia que se repite agónicamente... Todo eso es este libro. Pero ante todo, es el legado de un talento magnífico, el de la politóloga, rapera y poeta Gata Cattana, un mito y una voz imprescindible para nuestras generaciones. El libro contiene dos poemas inéditos de Gata, uno de ellos en su versión manuscrita. Críticas:«Bajo su cabeza llevaba el cartel de promesa. Muchos la veían como la sucesora de La Mala Rodríguez, otros como la que vendría a salvar el rap femenino y feminista en nuestro país.»Eldiario.es «Un año después de su muerte la gente no se ha olvidado de Gata Cattana. Su música sigue siendo referente para muchas jóvenes empoderadas y los designios musicales que transitó en su corta pero intensa carrera artística a buen seguro serán objeto de estudio en un futuro.»AS «Una de las voces más potentes y lúcidas del rap español: capaz de invocar, en una misma canción, a la pensadora Silvia Federici, la Teoría King Kong de Virgine Despentes, o a la republicana Clara Campoamor.»Playground Magazine «Gata comparte todo lo que le pasa por dentro con sinceridad y determinación. Porque, en ella, las ideas se hacen arte; se hacen inmortales.»Vice «Inteligente y sensible, su trabajo estaba cambiando muchas cosas.»Mala Rodríguez
Once relatos, once ritmos, una sola melodía: la de la mejor literatura negro-criminal. Una celebración del ritmo y la literatura negro-criminal, una original antología que reúne a los grandes autores del género con los más variados estilos musicales. «Sabido es que los escritores suelen ser muy afectos a la música. Nietzsche dijo que sin la música la vida sería un error. Victor Hugo sostenía que la música expresa lo que no puede decirse con palabras y que no puede permanecer en silencio. Julio Cortázar decía: ;El jazz tuvo gran influencia en mí, el fluir de la invención permanente me pareció una lección para la escritura, para darle libertad y no repetir partituras;. Y, finalmente, Platón, estaba convencido de que ;la música le da alma al universo, alas a la mente, vuelo a la imaginación y vida a todas las cosas;. De la unión de estas dos artes, la más efímera y la más perdurable surge esta antología que ahora usted, lector, tiene en sus manos, una celebración de esta historia de amor entre la música y la letra. Convocamos a diez autores, españoles y americanos, más un irlandés, que sienten esa conexión eléctrica con la música, a quienes se les propuso que escribieran un texto, de algún modo relacionado con la música, con un tema en particular, con un ritmo, con una melodía. El resultado es este conjunto de cuentos excelentes». ERNESTO MALLO
La familia de Marta tiene una tienda de instrumentos musicales y sus amigos van a visitarla porque quieren montar una orquesta. ¿Qué instrumento tocará Luna, que es tan alegre y elegante? ¿Quién tocará el piano? ¿Y quién será el director de la orquesta? Disfruta de esta historia y descubre, al mismo tiempo, cómo suenan los instrumentos, pulsando el botón que encontrarás en cada página del libro.
La revolución del cine DSLR comenzó hace aproximadamente diez años. Cineastas, directores, productoras, estudiantes y aficionados aprovecharon la oportunidad de grabar vídeo con calidad cinemática con aquellas cámaras de bajo presupuesto. La primera edición del libro marcó el camino centrándose exclusivamente en las cámaras DSLR. Esta nueva edición le enseñará a realizar impresionantes creaciones cinematográficas utilizando desde los iPhone a las C200. Kurt examina nuevas cámaras y proyectos mientras los cineastas crean películas de acción con la Panasonic GH5, cuentan historias personales con la Pocket Cinema Camera de Blackmagic, hacen documentales y cortometrajes con la C100 Mark II de Canon y graban vídeos musicales con la 5D Mark IV de Canon. Este libro aprovecha los conocimientos y consejos de algunos de los mejores fotógrafos, e incluye nuevos casos prácticos y ejemplos de directores internacionales, expertos e innovadores en el mundo de la grabación. Contiene las herramientas esenciales para ayudarle a mejorar en su faceta de contador de historias visuales.
¿Cómo aprender a disfrutar de la mejor música de todos los tiempos? ¿Cómo entender su intención y su belleza, su capacidad de conmover y de comunicar? Puede decirse que toda la gran música está accesible hoy en Internet, al alcance de cualquiera y con una calidad sorprendente, pero cada una oculta una historia personal y una inspiración particularísima. El autor ofrece en este volumen una guía para aproximarse a ese inmenso universo, y lo hace mediante 100 breves comentarios, uno para cada obra seleccionada. Leer los textos, más aún mientras se escucha alguna de las numerosas interpretaciones accesibles desde cualquier dispositivo, proporcionará al lector una experiencia estética, cultural y también espiritual difícilmente repetible.
Franz y su hermana pequeña Greta se han perdido en un centro comercial. Franz intenta controlar la situación: a punto de dejar de ser un niño, está aprendiendo a transitar desde su mente infantil al pensamiento adulto, el descubrimiento más relevante de los últimos meses que le está procurando grandes y extraordinarios hallazgos. Así que se dirige al Departamento de Niños Perdidos del centro. Las normas absurdas de ese lugar, regentado por sor Fauna y sor Flora, espolean la rebeldía de Franz, que no ve el momento de abandonarlo, pero la única huida posible pasa por adentrarse en los llamados Territorios Asombrosos, de donde se dice que nadie ha vuelto nunca en su sano juicio. Comienza entonces una aventura que sitúa a Franz y a Greta en una dimensión fantástica, fuera del mundo real, y que sin embargo les ofrece como nunca antes han tenido claves más certeras y signi? cativas para descifrar su propia historia y encontrar el camino de regreso a casa.Esta experiencia es la vuelta de tuerca a la que recurrirá años después un Franz que hace demasiado tiempo que olvidó el valor, la osadía y el sentido de la belleza del niño que una vez fue.Como un Murakami a la europea, David Cameo bebe de las tradiciones cultas y los iconos pop, del videojuego y del cuento popular, de referentes cinematográ?cos y musicales, y construye una imaginativa novela que desborda atrevimiento y libertad.
Este libro constituye un interesante, equilibrado y ameno compendio del fenómeno musical: la primera parte es una historia de la música y la orquesta, y la segunda está dedicada a los instrumentos: su historia, características, diferentes variedades del instrumento, así como los autores más famosos que han compuesto música él.
Para aprender a improvisar, como para iniciarse en cualquier práctica creativa, no existe el método. La búsqueda, los encuentros, los avances y retrocesos son siempre personales. No hay otra manera de aprender que no sea a través del propio autoconocimiento, el mismo que va a permitir conocer a (y aprender de) los demás. En este libro se recogen un puñado de propuestas que inciden en actitudes y parámetros musicales de los que no se habla en ningún método de enseñanza de la música. Actitudes que nos permitirán relacionarnos con los demás y reaccionar a lo que está sucediendo en el momento. Estos ejercicios los han puesto en práctica numerosos grupos y talleres interdisciplinares de improvisación en España y Latinoamérica. Son propuestas musicales y de interacción basadas en juegos, imágenes, textos, objetos, poemas y haikus. Complementando el contenido práctico, nueve artículos reflexionan sobre diferentes aspectos de la improvisación libre, su enseñanza y su valor como herramienta comunicativa, compositiva y de integración social. Los destinatarios son todos aquellos interesados en los procesos creativos y comunicativos, que están relacionados con la música y el sonido (y por lo tanto, con el espacio y el tiempo). Es aconsejable especialmente para músicos -estudiantes, profesionales y profesores-, terapeutas y profesionales de la escena (bailarines, actores, poetas, gente de circo, artistas plásticos). El libro se acompaña de un DVD con el audio de las propuestas, un concierto en directo de la Orquesta Foco conducida por Chefa Alonso y un fragmento del video de la muestra de un taller interdisciplinar de improvisación libre, en La Casa Encendida, en enero de 2012.
Está bien. Aceptemos que hay un yo que, de un golpe de voz, puede ser dicho. Aceptemos que ese yo que es capaz de nombrarse tiene a veces mi cara, se parece a este cuerpo esquinado. Está bien. No hablemos de ficción ni de relato. Repitamos yo, yo, yo tantas veces como sean precisas para armarlo. Juntemos las astillas hasta inventar el hueso. Pronunciemos yo y veamos qué turba se despierta al decirlo. ?Aceptemos?, de Olalla Castro OLALLA CASTRO (Granada, 1979) es doctora por la Universidad de Granada y licenciada en Periodismo y Teoría de la Literatura. Premio Extraordinario de Tesis Doctoral con su investigación sobre la narrativa de Enrique Vila-Matas, ha escrito los poemarios La vida en los ramajes (Devenir, 2013), Los sonidos del barro (Aguaclara, 2016) y Bajo la luz, el cepo (Hiperión, 2018), el libro de narrativa infantil Un visitante salido de la nada (Dauro, 2016) y el ensayo Entre-lugares de la Modernidad: filosofía, literatura y Terceros Espacios (Siglo XXI, 2017), además de editar y prologar las antologías Ocho paisajes, nueve poe-tas (Dauro, 2009) y Juan de Loxa: resistir en el margen (Diputación de Granada, 2018). Ganadora del Premio Nacional de Poesía Miguel Hernández, del Premi Tardor de Poesía, del Premio Internacional Antonio Machado en Baeza y del Premio Unicaja de Poesía, entre otros, sus poemas y relatos breves han sido recogidos en una veintena de antologías y traducidos a varias lenguas. Fue columnista del diario La Opinión de Granada durante sus nueve años de existencia y actualmente es columnista de El Salto Diario. Ha sido cantante y letrista de diversos proyectos musicales, como Rebelmadiaq, Sister Castro o Nour, formaciones con las que ha firmado una decena de discos y ofrecido conciertos por países como Argentina, México, Costa Rica, Jordania, Marruecos, Argelia, Francia, Holanda o Alemania.
Cuando Bartolomeo Cristofori construyó el primer piano, en 1698, los grandes clavincembalistas, de Bach a Andel, de Couperin a Rameau y Domenico Scarlatti, lo ignoraron y se mantuvieron fieles a su instrumento. Con el barroco, sin embargo, el piano se convirtió en el instrumento musical por excelencia: de Mozart a Beethoven, de Chopin a Debussy, los grandes maestros se dedicaron por completo a su estudio y le reservaron una parte notable de su repertorio. PIERO RATTALINO estudió piano y composición en el conservatorio de Parma y ha impartido clases en varios conservatorios y academias musicales de Italia. Ha sido director artístico en Bolonia, Génova y Turín y actualmente ejerce esete cargo en el Teatro Bellini de Catania. Entre sus libros destacan: Da Clementi a Pollini, Le grande scuole pianistiche, Pianisti e fortisti, Memoriale di Pura Siccome y La vera storia di Amadeus
Esta obra ofrece una síntesis de los recientes descubrimientos sobre el funcionamiento del cerebro en las diversas formas de la actividad musical. A partir de los procesos cerebrales en juego, el autor ilumina las dificultades del aprendizaje musical de los niños. Por primera vez se explica neurológicamente la imposibilidad de adaptación infantil a ciertos modos específicos del aprendizaje musical. Partiendo de la base de que un ser humano perfectamente equilibrado hace funcionar alternativa o simultáneamente los dos hemisferios cerebrales, el autor aboga por una pedagogía diversificada que se ajuste a los distintos estilos de aprendizaje de los niños. Su criterio es que los niños no existen para satisfacer las normas educativas, sino que éstas deben modificarse conforme a las necesidades infantiles, sobre todo en la medida en que se amplían los conocimientos neurológicos. Cuestiones fundamentales como los factores que explican la asimetría de los hemisferios, la incidencia de influencias socioeconómicas y culturales, la diferencia de sexo y su papel en la capacitación para actividades musicales, se tratan detalladamente y se articulan en un enfoque integrador que concibe al individuo musical como «ser humano total».
El cuarteto de cuerda es, sin duda, uno de los principales géneros musicales. Desde su creación en el siglo XVIII, todos los grandes músicos se han enfrentado a él como un campo de experimentación en el que abordar y poner a prueba sus ideas musicales más avanzadas. Y es sin duda esta razón la que ha hecho que, como ningún otro género musical, mantenga su vigencia hasta nuestros días. Hasta la fecha no existe en castellano ninguna obra que, más allá de ser una introducción, ofrezca una historia de este género musical clave. El presente libro aspira a ocupar ese vacío y contar esa historia, pero no como un mero inventario de obras o una simple acumulación de datos, sino planteándola desde el análisis musical, señalando cuáles son las premisas estéticas en las que se funda o cómo ha ido evolucionando a lo largo del tiempo. Se incluye la reproducción y comentario de numerosos fragmentos de obras, desde los cuartetos de Haydn o el Op. 132 de Beethoven hasta las sonoridades extremas de Lachenmann (Gran Torso) o Stockhausen (Helikopter-Quartett). Un texto que quiere convertirse en referencia obligada en la bibliografía musical en castellano, además de consulta imprescindible tanto para estudiantes y profesores de Musicología como para aficionados en general.
«Que la obra de Eugenio Montale, uno de los mayores poetas contemporáneos, haya sido muy poco difundida en español, es uno de esos hechos inexplicables que tan a menudo sirven para denunciar el dudoso mercado de prestigios que oscurece el mundo de la literatura.» Así comenzaba el prólogo de Horacio Armani a la antología de Montale que el poeta y traductor argentino publicó en Buenos Aires en 1971. Desgraciadamente, hasta hace muy poco esas palabras mantenían toda su vigencia: la mayor parte de la obra del poeta italiano continuaba sin ser traducida al castellano. Ni siquiera el centenario de su nacimiento, en 1996, sirvió para remediar esa situación. De hecho, hasta hace escasamente un año no estaba al alcance del público español ninguno de los libros de Montale, ni siquiera la citada antología de Armani, ni tampoco las versiones del mismo traductor, publicadas pocos años después, de sus dos primeros libros: Ossi di seppia y Le Occasioni; ediciones todas que desaparecieron hace lustros de nuestras librerías. Afortunadamente, en pocos meses la situación ha variado radicalmente. En mayo de 1999 se publicó en Barcelona el Diario póstumo último libro del poeta, editado por primera vez en Italia en 1996, coincidiendo con el centenario de Montale, y muy poco después, la revista Poesía y Poética de México publicó en su colección de poesía Cuaderno de cuatro años, excelente edición que apenas ha tenido difusión en España. La publicación ahora de una nueva versión de Huesos de sepia en Igitur y el anuncio de la próxima aparición de Satura en la editorial Icaria, dibujan un panorama no sólo diferente sino francamente alentador. Ossi di seppia se publicó en Turín en 1925. Los poemas que lo componen fueron, pues, escritos cuando Montale era aún muy joven. Sorprende, en cambio, la madurez y el «milagro» de esta poesía. Uno tiene la sensación al leer este libro de tener el enorme privilegio de asistir al nacimiento de una voz poética personalísima, de entrar en un universo poético que impone su verdad y su presencia por vez primera con la misma naturalidad que la árida y pedregosa naturaleza de la costa ligur que le sirve de marco. Desde los primeros versos, sentimos que la palabra poética que aquí nace es necesaria en su pura materialidad; oscura y sin embargo tan cierta, luminosa y sin embargo tan oculta. Como señala Alfredo Gargiulo, en el prólogo a la edición de 1928 que con excelente criterio se reproduce en la edición que aquí comentamos, «en Montale no hay ni rastro de residuo literario: el residuo es todo documento, vida». Más que nunca, por tanto, la palabra poética, al ser vida, es aquí un todo, un todo verbal del que no se puede separar el concepto. Creo, por eso, que el traductor de la edición que comentamos se equivoca en esto cuando en el epílogo afirma que «para el traductor el hecho de trabajar con un material limpio de residuos literarios es una clara invitación a la fidelidad conceptual». Es obvio que el traductor ha de ser fiel al concepto en su traducción, pero no lo es menos que igualmente lo ha de ser a sus características fónicas, rítmicas y prosódicas. De hecho el misterio de esta poesía es sobre todo musical. El propio Montale era plenamente consciente de ello, y lo dijo de forma rotunda: «Ignoro que méritos tenga mi poesía, quizá muy pocos, pero creo que son específicamente musicales». Sigo pensando, además, que aunque el texto de Gargiulo sea magnífico y haya servido para que muchos después de él repitan sus inteligentes observaciones, el que mejor ha reflexionado sobre esta poesía es el propio poeta, y, al hacerlo ha insistido sobre todo en que su secreto se le impuso, casi involuntariamente, no desde la idea sino desde la música: «No; cuando escribía mi primer libro (un libro que se escribió solo) no me atuve a tales ideas [...]. Obedecí a una necesidad de expresión musical. Quería que mi palabra fuera más adherente que la de otros poetas que había conocido. ¿Más adherente a qué? Me parecía vivir bajo una campana de vidrio, y sin embargo me sentía vecino a algo esencial. Un velo sutil, un hilo apenas me separaba del quid definitivo»
El único poemario de una artista polifacética que es todo un referente para varias generaciones: feminista, música y poeta; comprometida y talentosa. Gata Cattana. La escala de Mohs es una tabla de diez minerales ordenados por su dureza que se usa para medir la maleabilidad de cualquier otro. Y eso son también estos poemas, una unidad de medida de nuestros principios, como personas y como sociedad, un libro que nos pregunta salvajemente por lo que creemos y nos creemos. "Todo el mundo se vende. Yo me vendí por tres milímetros de iris azul tanzanita en cada ojo" escribe Gata. "Todo el mundo tiene un precio". La identidad, la crítica a una sociedad grotesca, el feminismo, el amor, la torpe historia que se repite agónicamente... Todo eso es este libro. Pero ante todo, es el legado de un talento magnífico, el de la politóloga, rapera y poeta Gata Cattana, un mito y una voz imprescindible para nuestras generaciones. El libro contiene dos poemas inéditos de Gata, uno de ellos en su versión manuscrita. Críticas:«Bajo su cabeza llevaba el cartel de promesa. Muchos la veían como la sucesora de La Mala Rodríguez, otros como la que vendría a salvar el rap femenino y feminista en nuestro país.»Eldiario.es «Un año después de su muerte la gente no se ha olvidado de Gata Cattana. Su música sigue siendo referente para muchas jóvenes empoderadas y los designios musicales que transitó en su corta pero intensa carrera artística a buen seguro serán objeto de estudio en un futuro.»AS «Una de las voces más potentes y lúcidas del rap español: capaz de invocar, en una misma canción, a la pensadora Silvia Federici, la Teoría King Kong de Virgine Despentes, o a la republicana Clara Campoamor.»Playground Magazine «Gata comparte todo lo que le pasa por dentro con sinceridad y determinación. Porque, en ella, las ideas se hacen arte; se hacen inmortales.»Vice «Inteligente y sensible, su trabajo estaba cambiando muchas cosas.»Mala Rodríguez
Once relatos, once ritmos, una sola melodía: la de la mejor literatura negro-criminal. Una celebración del ritmo y la literatura negro-criminal, una original antología que reúne a los grandes autores del género con los más variados estilos musicales. «Sabido es que los escritores suelen ser muy afectos a la música. Nietzsche dijo que sin la música la vida sería un error. Victor Hugo sostenía que la música expresa lo que no puede decirse con palabras y que no puede permanecer en silencio. Julio Cortázar decía: ;El jazz tuvo gran influencia en mí, el fluir de la invención permanente me pareció una lección para la escritura, para darle libertad y no repetir partituras;. Y, finalmente, Platón, estaba convencido de que ;la música le da alma al universo, alas a la mente, vuelo a la imaginación y vida a todas las cosas;. De la unión de estas dos artes, la más efímera y la más perdurable surge esta antología que ahora usted, lector, tiene en sus manos, una celebración de esta historia de amor entre la música y la letra. Convocamos a diez autores, españoles y americanos, más un irlandés, que sienten esa conexión eléctrica con la música, a quienes se les propuso que escribieran un texto, de algún modo relacionado con la música, con un tema en particular, con un ritmo, con una melodía. El resultado es este conjunto de cuentos excelentes». ERNESTO MALLO
La familia de Marta tiene una tienda de instrumentos musicales y sus amigos van a visitarla porque quieren montar una orquesta. ¿Qué instrumento tocará Luna, que es tan alegre y elegante? ¿Quién tocará el piano? ¿Y quién será el director de la orquesta? Disfruta de esta historia y descubre, al mismo tiempo, cómo suenan los instrumentos, pulsando el botón que encontrarás en cada página del libro.
La revolución del cine DSLR comenzó hace aproximadamente diez años. Cineastas, directores, productoras, estudiantes y aficionados aprovecharon la oportunidad de grabar vídeo con calidad cinemática con aquellas cámaras de bajo presupuesto. La primera edición del libro marcó el camino centrándose exclusivamente en las cámaras DSLR. Esta nueva edición le enseñará a realizar impresionantes creaciones cinematográficas utilizando desde los iPhone a las C200. Kurt examina nuevas cámaras y proyectos mientras los cineastas crean películas de acción con la Panasonic GH5, cuentan historias personales con la Pocket Cinema Camera de Blackmagic, hacen documentales y cortometrajes con la C100 Mark II de Canon y graban vídeos musicales con la 5D Mark IV de Canon. Este libro aprovecha los conocimientos y consejos de algunos de los mejores fotógrafos, e incluye nuevos casos prácticos y ejemplos de directores internacionales, expertos e innovadores en el mundo de la grabación. Contiene las herramientas esenciales para ayudarle a mejorar en su faceta de contador de historias visuales.
¿Cómo aprender a disfrutar de la mejor música de todos los tiempos? ¿Cómo entender su intención y su belleza, su capacidad de conmover y de comunicar? Puede decirse que toda la gran música está accesible hoy en Internet, al alcance de cualquiera y con una calidad sorprendente, pero cada una oculta una historia personal y una inspiración particularísima. El autor ofrece en este volumen una guía para aproximarse a ese inmenso universo, y lo hace mediante 100 breves comentarios, uno para cada obra seleccionada. Leer los textos, más aún mientras se escucha alguna de las numerosas interpretaciones accesibles desde cualquier dispositivo, proporcionará al lector una experiencia estética, cultural y también espiritual difícilmente repetible.