«Quiero hacer en este libro algunas insinuaciones sobre lo que podríamos hacer mejor en la economía, la sociedad y la política. No solo se trata en ello de buena o mala disposición. Se trata de cómo puede fomentarse nuestro compromiso para con los demás, en un momento en el que nuestro modelo de sociedad está en juego como no lo estaba desde hace muchos decenios. Y de propuestas de cómo podríamos modificar las instituciones sociales de modo que hagan más fácil el bien y más difícil el mal.» R. D. Precht ¿Por qué nos resulta tan difícil ser buenos? ¿Es el ser humano bueno o malo? ¿En el fondo somos egoístas o altruistas? Y ¿cómo es posible que casi todos los seres humanos nos declaremos en mayor o menor medida a favor de «los buenos»y, sin embargo, haya tanta desgracia en el mundo? En El arte de no ser egoísta, el reconocido filósofo alemán Richard D. Precht desarrolla una interesante aproximación a la naturaleza moral del ser humano, sin plantear exigencias sobre cómo tiene que ser el hombre. Analiza la cuestión de cómo nos comportamos en nuestra vida diaria y de por qué somos como somos: egoístas y altruistas, competitivos y cooperativos, cortos de miras y conscientes de nuestras responsabilidades. Porque cuanto más y mejor conozcamos nuestra naturaleza mejor actuaremos en la sociedad, en la economía y en la política.
Ésta es la historia del siglo XX a través de su música, desde la Viena de antes de la Primera Guerra Mundial hasta el París de los años 20; desde la Alemania de Hitler o la Rusia de Stalin al Nueva York de los años 60. Transportando a los lectores por el laberinto del sonido moderno, Alex Ross nos descubre las conexiones entre los acontecimientos más importantes y los compositores más influyentes, hombres que se rebelaron contra el culto al pasado clásico, lucharon contra la indiferencia del gran público y desafiaron a dictadores. Alex Ross ha firmado un libro imprescindible sobre un tiempo fascinante, caótico y estridente. El ruido eterno ha sido galardonado con el National Book Critics Circle Award, el Guardian First Book Award y un Royal Philharmonic Society Award; ha sido finalista del Premio Pulitzer y del Premio Samuel Johnson, y ha sido elegido como uno de los mejores libros del año por The New York Times, The Washington Post, Time, LA Times, The Economist, Slate y Newsweek.«Un libro que se lee de forma compulsiva», Time Out New York; «Una narración impresionante? El visionario crítico Alex Ross se acerca más que nadie a describir las hechizantes sensaciones que provoca la música», Financial Times; «Un libro de referencia que se convertirá en un clásico de la historia del siglo xx», Kirkus Reviews.
El presente libro recoge los contenidos recogidos en el nuevo currículo de la asignatura de Música de 4.º de ESO. Se incluyen numerosas actividades de distinto tipo (investigación, composición, interpretación...) que ayudarán al alumno a fijar y profundizar lo desarrollado en los apartados propiamente teóricos. Se incluye un CD con los ejemplos musicales sobre los que trabajar.
"Forma y diseño" es una práctica y completa introducción a las principales formas musicales. A través de sus páginas, el lector encontrará información sobre los aspectos esenciales, así como ejemplos de piezas que ilustran cada una de las formas tratadas. El repertorio musical escogido cubre una amplia selección de piezas orquestales, instrumentales y para teclado. El libro incluye partituras completas o reducciones de cada una de las piezas analizadas, así como dos discos compactos con grabaciones de las mismas.
Las 15 «lecciones» magistrales que contiene este libro revolucionaron, ya en los años sesenta, la manera de enseñar música. En ese momento, el prestigioso compositor y director de orquesta Leonard Bernstein (1918-1990) presentaba en televisión sus famosos Conciertos para jóvenes, y explicaba de una forma amena y didáctica esos conceptos y puntos considerados aburridos o difíciles en la música: el solfeo, el contrapunto, los acordes, qué es un concierto, la música sinfónica, cómo suenan los diferentes instrumentos, etc. En esta cuidada selección de dichos conciertos advertiremos que, lo más curioso, es que Bernstein, para ofrecer claridad en sus explicaciones, acude no solo a los propios clásicos sino a la música moderna de los Beatles o al jazz. Desde su publicación en Estados Unidos, este libro ha demostrado que la música no tiene por qué ser solo para entendidos. El «método Bernstein» se ha venido aplicando desde entonces en los conservatorios de todo el mundo para acabar con esa ingrata enseñanza de la música que tantas veces ha provocado rechazo. Por fin, un maravilloso libro que da la posibilidad de entender la música de nuestros clásicos a cualquier lector, a cualquier edad.
Desde sus inicios en la Grecia clásica hasta la música de masas (pop, rock...) la tercera edición, revisada y aumentada, de este libro, concebido para los amantes de la música, es una invitación para acercarse a los fundamentos más relevantes que han configurado los principales cimientos de las obras musicales occidentales y también de sus principales protagonistas, con toda la amplitud del tratamiento de las músicas conocidas como culta y popular, contextualizadas, todas ellas, en sus distintas épocas. Su autora, personalidad internacional en el campo de las artes, ha resaltado las características que definen, de manera esencial, los principales estilos musicales y sus formas más representativas, a la vez que nos propone descubrir, compás a compás, la magia que se encierra en este arte tan peculiar, lenguaje artístico universal por excelencia, que es la música.
El presente libro constituye una aproximación exhaustiva y novedosa al tema de la comicidad musical, examinando sus diversos registros, desde la broma, la parodia y el golpe de ingenio hasta el estadio superior de la ironía. Ilustrado con numerosos ejemplos musicales y sus correspondientes análisis, abarca desde el barroco hasta el siglo xx. Partiendo del estudio minucioso de la broma musical de Mozart y la ópera Falstaff de Verdi, el interés de las consideraciones desarrolladas a lo largo del texto se ve acrecentado por su enfoque multidisciplinar, lo que se refleja en sendos paralelismos con el lenguaje cinematográfico y la pintura.
Este libro es un viaje. A los guetos de Jamaica, en el corazón del Caribe, pero también al eco hipnótico de los tambores y los graves primigenios del África profunda. En "Bass Culture: La historia del reggae", Lloyd Bradley cuenta la apasionante historia de la música jamaicana en su contexto social, político, económico y espiritual, desde los sound systems de los años cincuenta, pasando por el ska, el rocksteady y el dub, hasta el éxito internacional de Bob Marley y el posterior nacimiento del dancehall. Más allá de documentar la evolución musical, Bradley se sumerge en una historia de Black Power, altavoces que retumban, cantantes con agujeros en los zapatos, vudú anticolonialista, ligoteo en la pista de baile, rastas antisistema, productores avariciosos, espiritualidad profunda, filrteos con el puk, malotes barriobajeros, estudios de grabación envueltos en marihuana, skinheads que bailan música negra, tejemanejes de la guerra fría, pistoleros en las chabolas, miembros de los Rolling Stones locos por el reggae, revueltas en las calles británicas, reciclaje sonoro y cultura del pueblo para el pueblo. Cargado de testimonios de los grandes del género (Prince Buster, Horace Andy, Bunny Lee, Jimmy Cliff, Lee Scratch Perry), "Bass Culture" captura en una narración narcótica la historia de una comunidad del llamado "tercer mundo" que alzó la voz para decir que no solo existían, sino que tenían ganas de dar guerra y bailar hasta el amanecer.
Cuando Bartolomeo Cristofori construyó el primer piano, en 1698, los grandes clavincembalistas, de Bach a Andel, de Couperin a Rameau y Domenico Scarlatti, lo ignoraron y se mantuvieron fieles a su instrumento. Con el barroco, sin embargo, el piano se convirtió en el instrumento musical por excelencia: de Mozart a Beethoven, de Chopin a Debussy, los grandes maestros se dedicaron por completo a su estudio y le reservaron una parte notable de su repertorio. PIERO RATTALINO estudió piano y composición en el conservatorio de Parma y ha impartido clases en varios conservatorios y academias musicales de Italia. Ha sido director artístico en Bolonia, Génova y Turín y actualmente ejerce esete cargo en el Teatro Bellini de Catania. Entre sus libros destacan: Da Clementi a Pollini, Le grande scuole pianistiche, Pianisti e fortisti, Memoriale di Pura Siccome y La vera storia di Amadeus
Esta obra ofrece una síntesis de los recientes descubrimientos sobre el funcionamiento del cerebro en las diversas formas de la actividad musical. A partir de los procesos cerebrales en juego, el autor ilumina las dificultades del aprendizaje musical de los niños. Por primera vez se explica neurológicamente la imposibilidad de adaptación infantil a ciertos modos específicos del aprendizaje musical. Partiendo de la base de que un ser humano perfectamente equilibrado hace funcionar alternativa o simultáneamente los dos hemisferios cerebrales, el autor aboga por una pedagogía diversificada que se ajuste a los distintos estilos de aprendizaje de los niños. Su criterio es que los niños no existen para satisfacer las normas educativas, sino que éstas deben modificarse conforme a las necesidades infantiles, sobre todo en la medida en que se amplían los conocimientos neurológicos. Cuestiones fundamentales como los factores que explican la asimetría de los hemisferios, la incidencia de influencias socioeconómicas y culturales, la diferencia de sexo y su papel en la capacitación para actividades musicales, se tratan detalladamente y se articulan en un enfoque integrador que concibe al individuo musical como «ser humano total».
La música pop es la banda sonora de nuestras vidas. Nos acompaña en los mejores y en los peores momentos, y con ella forjamos y damos sentido a muchos de nuestros recuerdos. A ella le rinde tributo Luis Bustos en 'POP', un libro a doble cara que analiza, lista y repasa los grandes éxitos de la música popular, desde las canciones de amor a las de rebeldía adolescente, pasando por la evolución de los formatos, la psicodelia musical o las grandes leyendas urbanas de los artistas que pasaron a la historia. 'POP' es una pequeña enciclopedia musical, sentimental y personal a tamaño vinilo, un repaso a la ética y la estética de quien se pone delante pero también de quien está detrás de un bajo, una guitarra o una caja de ritmos.
«Quiero hacer en este libro algunas insinuaciones sobre lo que podríamos hacer mejor en la economía, la sociedad y la política. No solo se trata en ello de buena o mala disposición. Se trata de cómo puede fomentarse nuestro compromiso para con los demás, en un momento en el que nuestro modelo de sociedad está en juego como no lo estaba desde hace muchos decenios. Y de propuestas de cómo podríamos modificar las instituciones sociales de modo que hagan más fácil el bien y más difícil el mal.» R. D. Precht ¿Por qué nos resulta tan difícil ser buenos? ¿Es el ser humano bueno o malo? ¿En el fondo somos egoístas o altruistas? Y ¿cómo es posible que casi todos los seres humanos nos declaremos en mayor o menor medida a favor de «los buenos»y, sin embargo, haya tanta desgracia en el mundo? En El arte de no ser egoísta, el reconocido filósofo alemán Richard D. Precht desarrolla una interesante aproximación a la naturaleza moral del ser humano, sin plantear exigencias sobre cómo tiene que ser el hombre. Analiza la cuestión de cómo nos comportamos en nuestra vida diaria y de por qué somos como somos: egoístas y altruistas, competitivos y cooperativos, cortos de miras y conscientes de nuestras responsabilidades. Porque cuanto más y mejor conozcamos nuestra naturaleza mejor actuaremos en la sociedad, en la economía y en la política.
Ésta es la historia del siglo XX a través de su música, desde la Viena de antes de la Primera Guerra Mundial hasta el París de los años 20; desde la Alemania de Hitler o la Rusia de Stalin al Nueva York de los años 60. Transportando a los lectores por el laberinto del sonido moderno, Alex Ross nos descubre las conexiones entre los acontecimientos más importantes y los compositores más influyentes, hombres que se rebelaron contra el culto al pasado clásico, lucharon contra la indiferencia del gran público y desafiaron a dictadores. Alex Ross ha firmado un libro imprescindible sobre un tiempo fascinante, caótico y estridente. El ruido eterno ha sido galardonado con el National Book Critics Circle Award, el Guardian First Book Award y un Royal Philharmonic Society Award; ha sido finalista del Premio Pulitzer y del Premio Samuel Johnson, y ha sido elegido como uno de los mejores libros del año por The New York Times, The Washington Post, Time, LA Times, The Economist, Slate y Newsweek.«Un libro que se lee de forma compulsiva», Time Out New York; «Una narración impresionante? El visionario crítico Alex Ross se acerca más que nadie a describir las hechizantes sensaciones que provoca la música», Financial Times; «Un libro de referencia que se convertirá en un clásico de la historia del siglo xx», Kirkus Reviews.
El presente libro recoge los contenidos recogidos en el nuevo currículo de la asignatura de Música de 4.º de ESO. Se incluyen numerosas actividades de distinto tipo (investigación, composición, interpretación...) que ayudarán al alumno a fijar y profundizar lo desarrollado en los apartados propiamente teóricos. Se incluye un CD con los ejemplos musicales sobre los que trabajar.
"Forma y diseño" es una práctica y completa introducción a las principales formas musicales. A través de sus páginas, el lector encontrará información sobre los aspectos esenciales, así como ejemplos de piezas que ilustran cada una de las formas tratadas. El repertorio musical escogido cubre una amplia selección de piezas orquestales, instrumentales y para teclado. El libro incluye partituras completas o reducciones de cada una de las piezas analizadas, así como dos discos compactos con grabaciones de las mismas.
Las 15 «lecciones» magistrales que contiene este libro revolucionaron, ya en los años sesenta, la manera de enseñar música. En ese momento, el prestigioso compositor y director de orquesta Leonard Bernstein (1918-1990) presentaba en televisión sus famosos Conciertos para jóvenes, y explicaba de una forma amena y didáctica esos conceptos y puntos considerados aburridos o difíciles en la música: el solfeo, el contrapunto, los acordes, qué es un concierto, la música sinfónica, cómo suenan los diferentes instrumentos, etc. En esta cuidada selección de dichos conciertos advertiremos que, lo más curioso, es que Bernstein, para ofrecer claridad en sus explicaciones, acude no solo a los propios clásicos sino a la música moderna de los Beatles o al jazz. Desde su publicación en Estados Unidos, este libro ha demostrado que la música no tiene por qué ser solo para entendidos. El «método Bernstein» se ha venido aplicando desde entonces en los conservatorios de todo el mundo para acabar con esa ingrata enseñanza de la música que tantas veces ha provocado rechazo. Por fin, un maravilloso libro que da la posibilidad de entender la música de nuestros clásicos a cualquier lector, a cualquier edad.
Desde sus inicios en la Grecia clásica hasta la música de masas (pop, rock...) la tercera edición, revisada y aumentada, de este libro, concebido para los amantes de la música, es una invitación para acercarse a los fundamentos más relevantes que han configurado los principales cimientos de las obras musicales occidentales y también de sus principales protagonistas, con toda la amplitud del tratamiento de las músicas conocidas como culta y popular, contextualizadas, todas ellas, en sus distintas épocas. Su autora, personalidad internacional en el campo de las artes, ha resaltado las características que definen, de manera esencial, los principales estilos musicales y sus formas más representativas, a la vez que nos propone descubrir, compás a compás, la magia que se encierra en este arte tan peculiar, lenguaje artístico universal por excelencia, que es la música.
El presente libro constituye una aproximación exhaustiva y novedosa al tema de la comicidad musical, examinando sus diversos registros, desde la broma, la parodia y el golpe de ingenio hasta el estadio superior de la ironía. Ilustrado con numerosos ejemplos musicales y sus correspondientes análisis, abarca desde el barroco hasta el siglo xx. Partiendo del estudio minucioso de la broma musical de Mozart y la ópera Falstaff de Verdi, el interés de las consideraciones desarrolladas a lo largo del texto se ve acrecentado por su enfoque multidisciplinar, lo que se refleja en sendos paralelismos con el lenguaje cinematográfico y la pintura.
Este libro es un viaje. A los guetos de Jamaica, en el corazón del Caribe, pero también al eco hipnótico de los tambores y los graves primigenios del África profunda. En "Bass Culture: La historia del reggae", Lloyd Bradley cuenta la apasionante historia de la música jamaicana en su contexto social, político, económico y espiritual, desde los sound systems de los años cincuenta, pasando por el ska, el rocksteady y el dub, hasta el éxito internacional de Bob Marley y el posterior nacimiento del dancehall. Más allá de documentar la evolución musical, Bradley se sumerge en una historia de Black Power, altavoces que retumban, cantantes con agujeros en los zapatos, vudú anticolonialista, ligoteo en la pista de baile, rastas antisistema, productores avariciosos, espiritualidad profunda, filrteos con el puk, malotes barriobajeros, estudios de grabación envueltos en marihuana, skinheads que bailan música negra, tejemanejes de la guerra fría, pistoleros en las chabolas, miembros de los Rolling Stones locos por el reggae, revueltas en las calles británicas, reciclaje sonoro y cultura del pueblo para el pueblo. Cargado de testimonios de los grandes del género (Prince Buster, Horace Andy, Bunny Lee, Jimmy Cliff, Lee Scratch Perry), "Bass Culture" captura en una narración narcótica la historia de una comunidad del llamado "tercer mundo" que alzó la voz para decir que no solo existían, sino que tenían ganas de dar guerra y bailar hasta el amanecer.
Cuando Bartolomeo Cristofori construyó el primer piano, en 1698, los grandes clavincembalistas, de Bach a Andel, de Couperin a Rameau y Domenico Scarlatti, lo ignoraron y se mantuvieron fieles a su instrumento. Con el barroco, sin embargo, el piano se convirtió en el instrumento musical por excelencia: de Mozart a Beethoven, de Chopin a Debussy, los grandes maestros se dedicaron por completo a su estudio y le reservaron una parte notable de su repertorio. PIERO RATTALINO estudió piano y composición en el conservatorio de Parma y ha impartido clases en varios conservatorios y academias musicales de Italia. Ha sido director artístico en Bolonia, Génova y Turín y actualmente ejerce esete cargo en el Teatro Bellini de Catania. Entre sus libros destacan: Da Clementi a Pollini, Le grande scuole pianistiche, Pianisti e fortisti, Memoriale di Pura Siccome y La vera storia di Amadeus
Esta obra ofrece una síntesis de los recientes descubrimientos sobre el funcionamiento del cerebro en las diversas formas de la actividad musical. A partir de los procesos cerebrales en juego, el autor ilumina las dificultades del aprendizaje musical de los niños. Por primera vez se explica neurológicamente la imposibilidad de adaptación infantil a ciertos modos específicos del aprendizaje musical. Partiendo de la base de que un ser humano perfectamente equilibrado hace funcionar alternativa o simultáneamente los dos hemisferios cerebrales, el autor aboga por una pedagogía diversificada que se ajuste a los distintos estilos de aprendizaje de los niños. Su criterio es que los niños no existen para satisfacer las normas educativas, sino que éstas deben modificarse conforme a las necesidades infantiles, sobre todo en la medida en que se amplían los conocimientos neurológicos. Cuestiones fundamentales como los factores que explican la asimetría de los hemisferios, la incidencia de influencias socioeconómicas y culturales, la diferencia de sexo y su papel en la capacitación para actividades musicales, se tratan detalladamente y se articulan en un enfoque integrador que concibe al individuo musical como «ser humano total».
La música pop es la banda sonora de nuestras vidas. Nos acompaña en los mejores y en los peores momentos, y con ella forjamos y damos sentido a muchos de nuestros recuerdos. A ella le rinde tributo Luis Bustos en 'POP', un libro a doble cara que analiza, lista y repasa los grandes éxitos de la música popular, desde las canciones de amor a las de rebeldía adolescente, pasando por la evolución de los formatos, la psicodelia musical o las grandes leyendas urbanas de los artistas que pasaron a la historia. 'POP' es una pequeña enciclopedia musical, sentimental y personal a tamaño vinilo, un repaso a la ética y la estética de quien se pone delante pero también de quien está detrás de un bajo, una guitarra o una caja de ritmos.