Equidistante de la «antología personal» y la «poesía reunida», El camino original agrupa, total o parcialmente, todos los libros del autor: varias colecciones de poemas escritos en poco más de tres décadas (1980-2012) y en los que el autor todavía se reconoce. Al decir de Luis Alberto de Cuenca, que firma el prólogo: «Todo en él está hecho de observación de la naturaleza, de temblor delicado ante el paso del tiempo, de trazos y de signos sencillísimos que ocultan una rara sabiduría milenaria, de talento constructivo».
Alcorta ha ido construyendo una obra sostenida por un firme pulso poético, que, tras las tentativas iniciales, adquiere auténtica singularidad a partir de Cuestiones personales (1997), el primer libro representado en esta antología, que abre un ciclo que culminará con Sutura (2007) y que comprende, entre otras, piezas como Compás de espera (2001), Trama (2003) y Corriente subterránea (2003). El siguiente libro, Sol de resurrección (2009), asume ya la nueva percepción del mundo que se entreveía, pero no alcanzaba a verterse resueltamente, en Sutura, y que sitúa al autor en una dimensión celebrativa de la existencia que amortigua notablemente el pesimismo dominante de las entregas anteriores, que sin embargo no ha desaparecido del todo. Si para Alcorta cada poema es «un fragmento de un autorretrato inacabado que contribuye a que nos conozcamos mejor», los que contiene esta antología, bien representativa de las modulaciones de su voz, no completan, en efecto, el retrato de su autor, como tampoco completan el nuestro, pero proponen, para él y para nosotros, el juicioso programa existencial que venimos glosando: aprender a mirar para aprender a ser.
Guido Gozzano (nacido en Turín en 1883 y muerto prematuramente también en su ciudad en 1916) es uno de los poetas más influyentes y queridos por los lectores de la poesía italiana del siglo XX. Publicó en vida dos libros de poesía, La via del rifugio (Turín, 1907), e I colloqui. Liriche (Milán, 1911). Cultivó también la prosa, escribiendo relatos y artículos periodísticos, destacando de entre ellos los relativos a su viaje curativo a la India en 1912 publicados póstumos (Milán, 1917) con el título Verso la cuna del mondo. Lettere dal India (1912-1913), donde Gozzano alcanza su plenitud intelectual y artística. El desarrollo de su obra coincide con una crisis profunda de las instituciones poéticas en Italia motivada en buena medida por el estancamiento de la literatura decadente esteticista y clasicista de Gabriele DAnnunzio y Giovanni Pascoli. A sus maestros y mediadores decimonónicos Gozzano opone un replanteamiento de la poesía repleto de tierna ironía siguiendo los modelos franceses intimistas e impresionistas más innovadores donde destaca la simpleza y el refinamiento poético. La presente antología ofrece al lector en lengua española una amplia selección de sus poemas en edición bilingüe que abarca todas las fases creativas de Gozzano en su corta y densa experiencia poético-artística que sin duda han conformado la obra de uno de los últimos clásicos de la literatura italiana. José Muñoz Rivas (Murcia, 1963) es profesor titular de filología italiana en la Universidad de Extremadura. Su actividad investigadora se centra en la literatura italiana moderna y contemporánea, a través de estudios sobre autores de este periodo (Guido Gozzano, Giuseppe Ungaretti, Cesare Pavese, Alfredo Giuliani, etc.). De entre estos sobresale su libro La poesía de Cesare Pavese. (Atravesando la mirada en el espejo), en el que también se hace una valoración crítica de la obra de Gozzano en la poesía italiana del siglo XX (Cáceres, 2002). En cuanto a sus trabajos de traducción poética, habría que señalar las ediciones en español de Versos y noversos, de Alfredo Giuliani (Murcia, 1991) y Los coloquios, de Guido Gozzano (Madrid, 2014).
El irlandés Joseph Sheridan Le Fanu (Dublín, 1814-1873) es uno de los primeros y también de los más grandes maestros del terror sobrenatural, asunto al que en sus distintas variantes (con una muy especial predilección por las historias de fantasmas) dedicó numerosas novelas y relatos. Escritores de renombre y gran solvencia en asuntos terroríficos como Bram Stoker, Henry James o J.R. James, entre otros, reconocieron públicamente su magisterio. Durante el último medio siglo, tanto en España como en Hispanoamérica, han ido siendo reeditados sus cuentos y novelas, y no hay antología del género terrorífico que no le incluya en lugar destacado. El familiar y Té verde son dos de sus narraciones más reconocidas y características.
La colección «Antologías» de Renacimiento se abre a nuestros autores clásicos con esta antología de Bocángel editada e introducida por Luis Alberto de Cuenca, director de esta nueva sección de la serie. Gabriel Bocángel y Unzueta, madrileño de 1603, falleció en la capital de España en 1658. Su poesía se sitúa en la estela de su maestro, Luis de Góngora, como una de las flores más delicadas y exquisitas de su guirnalda. El presente florilegio ofrece un buen número de sonetos bocangelinos y, en su integridad, los dos poemas largos que salieron de la pluma de don Gabriel: El Fernando y Hero y Leandro. Se ha acudido para ello a la última compilación de la poesía de Bocángel aparecida en vida de su autor, la célebre Lira de las Musas (Madrid, 1637). Los poemas se ofrecen modernizados en lo que a ortografía y puntuación se refiere y limpios de toda exégesis, con el fin de que nada se interponga entre un poeta tan vivo y actual como Gabriel Bocángel y el lector de hoy.
Antanas Baranauskas (1875-1902), eminente poeta, lingüista, matemático y teólogo lituano, nació en Anykciai, en el noreste de Lituania, entonces parte del imperio ruso. Hijo de campesinos, estudió en la escuela estatal de escribanos y ejerció esta profesión durante tres años, tras los cuales ingresó en el seminario gracias a la intercesión de una familia influyente. Continuó sus estudios en la Academia Católica de San Petersburgo y fue ordenado sacerdote en 1862. Tras pasar un tiempo en las universidades de Múnich, Lovaina y Roma, impartió clases de Teología, primero en la Academia y después en el seminario de Kaunas, donde se dedicó también a sus investigaciones lingüísticas y matemáticas. En 1897 fue nombrado obispo de Sejny (en la actual Polonia); ahí le sorprendió la muerte traduciendo la Biblia al lituano. La floresta de Anykciai (Anykciu ilelis) se considera la expresión más elevada de la relación entre el hombre y la naturaleza, tan propia de la tradición cultural lituana, así como uno de los hitos de la poesía en ese idioma. En sus dos partes escritas en la tierra natal del poeta durante los veranos de 1858 y 1859 se narra la historia de los bosques de Anykciai. La obra es como un grito de dolor no solo por los bosques perdidos, sino por la situación de la patria oprimida. Para describir estos sentimientos y experiencias espirituales, así como las maravillas de la naturaleza y el deleite que produce a todos los sentidos, el poeta utiliza de forma creativa los recursos del vocabulario popular. El texto fue publicado por primera vez en el almanaque de L. Ivinskis (1860-1861). Es una de las obras más representativas de la literatura lituana. Dra. Carmen Caro Dugo lleva más de quince años dedicada a la enseñanza del castellano en la Universidad de Vilnius (Lituania), donde actualmente es profesora titular del Departamento de Lenguas Románicas y dirige cursos de traducción. Dra. Brigita Speicyte es especialista en literatura lituana, profesora titular del Departamento de Literatura Lituana de la Universidad de Vilnius e investigadora en el Instituto de Literatura y Folclore lituanos.
El arte de contar cuentos a los niños se publicó por primera vez en Buenos Aires en 1947 y constituye un texto clave dentro de la literatura de exilio de Elena Fortún. Reflexiona la autora en estas páginas sobre el valor literario y moral de los cuentos en la conferencia del mismo título, leída en 1946, e incluida en este volumen junto con ensayos que recogen su criterio sobre el arte de aprender y de contar cuentos. Ambas tareas son artísticas. Y, junto con el cuento mismo, constituyen la base de la educación del niño, en línea con los presupuestos institucionistas de enseñar deleitando que tan importantes fueron en la vida de Fortún. La selección de cuentos para todas las edades incluidos en este volumen harán las delicias de pequeños y grandes por sus variados escenarios y por ser, sin excepción, historias de gran belleza y dinamismo, un placer para mente y oído, como la autora pretendía. Elena Fortún (Madrid, 1886-1952). Creadora de las célebres novelas de Celia, el personaje infantil más emblemático de la literatura española, comenzó a publicar las aventuras de esta niña madrileña que quería ser escritora el año 1928 en el suplemento infantil Gente Menuda. A través de sus vivencias y las de los otros protagonistas de la saga (Cuchifritín, Matonkikí, Patita y Mila) Elena Fortún construyó una fiel crónica de los años más convulsos del siglo XX español con la visión extraordinaria y fiel de unos personajes que, como su creadora, nunca terminaron de adaptarse al mundo moderno. Nuria Capdevila-Argüelles es catedrática de Estudios Hispánicos y Estudios de Género en la Universidad de Exeter. Su labor docente e investigadora se ha centrado en la historia del pensamiento feminista y la autoría femenina en España. Ha publicado libros y artículos sobre Elena Fortún y otras escritoras, pintoras e intelectuales españolas activas en la primera mitad del siglo XX. Entre sus títulos en español destacan Autoras inciertas, Artistas y precursoras, la traducción He de tener libertad y la antología crítica El camino es nuestro, con textos de Elena Fortún y Matilde Ras.
La poesía de Ángeles Mora posee las nada frecuentes cualidades de una cuidadísima construcción de la emoción y de una muy sólida ligereza. La verdadera ligereza es algo extremadamente difícil de conseguir, igual que la verdadera claridad, siempre compleja, elaborada y epidérmica. Tiene que ver con la corporalidad del vuelo, y es la marca de los auténticos poetas. «Dentro de nosotros, en el lugar donde estamos más solos, hay unos poemas y una música cerca de una chimenea encendida que sólo se apagará con la muerte», escribe Joan Margarit. Los poemas de Ángeles Mora habitarán siempre este lugar y se transforman ellos mismos en un lugar irrenunciable, una habitación íntima y compartida. I.G. Ángeles Mora (Rute, Córdoba) es autora de ocho libros de poemas: Pensando que el camino iba derecho (1982), La canción del olvido (1985), La guerra de los treinta años (1990, premio Rafael Alberti), La dama errante (1990), Caligrafía de ayer (2000), Contradicciones, pájaros (2001, premio Ciudad de Melilla), Bajo la alfombra (2008) y Ficciones para una autobiografía (2015, Premio de la Crítica y Premio Nacional de Poesía en 2016).
José María Álvarez (Cartagena, 1942) fue un destacado partícipe de la renovación de la poesía española llevada por el grupo de poetas llamado «novísimos» hacia 1970. Desaparecidos personal o literariamente la mayoría de ellos con el paso de los años, Álvarez es ahora el principal y casi único representante de esa tendencia y uno de los poetas mayores vivos. Desde El botín del mundo (1994) a Seek to know no more (2015), Álvarez ha ido publicando en la editorial Renacimiento, a lo largo de los últimos veinte años, seis nuevos libros de poemas y dos ediciones actualizadas de Museo de Cera. Reconocido por los lectores pero no por las instituciones más o menos relacionadas con la cultura de nuestro país, que ninguno de sus libros haya recibido, pese a sus altos méritos literarios, premios como el Nacional o el de la Crítica, dice mucho de la novedosa, creciente y complacida postración cultural de la España de hoy. Abelardo Linares
El asturiano Ramón de Campoamor (1817-1901) fue el poeta más conocido y admirado durante la segunda mitad del siglo XIX y las décadas iniciales del siglo siguiente. Su primer libro data de 1837, en plena época romántica. El tono personal moralizante, prosaico, amable o amargamente volteriano lo encontrará en las Doloras (1846, pero muy aumentadas en ediciones posteriores). A ese libro seguirán los Pequeños poemas (narrativos, discursivos, con toques de humor y patetismo), publicados a partir de 1872, y las Humoradas (1886), que entremezclan el ingenioso epigrama, con la reflexión sentenciosa y la galantería de abanico. Es autor también de varias obras teatrales, de estudios filosóficos (El personalismo, Lo absoluto) y de una Poética, reeditada recientemente por esta misma editorial, que puede incluirse entre las más inteligentes reflexiones sobre la poesía que se han escrito en lengua española.
Percy B. Shelley (1792-1822) está considerado el máximo exponente de la segunda generación romántica, la época poética por antonomasia de la literatura inglesa. Poeta paradójico y multifacético, el anhelo ilimitado de libertad que transmiten su vida y su poesía, lo sigue haciendo fascinante. De su obra se han recogido en este volumen tres poemas muy representativos de sus trabajos de largo aliento: «Mont Blanc», «Oda a la Libertad» y «Carta a Maria Gisborne», composición esta última de gran singularidad dentro de la producción poética de su autor, asimismo reseñable por su estrecha vinculación con España. También es de destacar el poema «La nube» que, con el resto de las piezas más breves incluidas, nos ofrece una imagen fiel y suficientemente completa de la obra poética de Shelley. Rafael Lobarte Fontecha es autor de varias colecciones de poemas: Aprendiendo soledad (1979), Las moradas de Eros (2006), Los negros soles (2011), Doce coronas blancas (2016), Demoras sicilianas (2017). Como traductor de poesía cuenta en su haber con las siguientes publicaciones: Epipsychidion de Percy B. Shelley (2008), Antología poética de John Keats (2009), y La historia de Kieu del poeta vietnamita Nguyen Du (2014).
Algo más épico sin duda reúne ciento ochenta poemas de Roger Wolfe, extraídos de doce libros publicados entre 1986 y 2014 y precedidos por un largo prólogo escrito expresamente por su autor para la ocasión. Se trata de la primera antología preparada personalmente por el poeta hasta la fecha, e incluye numerosas versiones corregidas de los originales, además de piezas nuevas o nuevamente tituladas, como las pertenecientes al libro de poemas en prosa Vela en este entierro, sepultadas hasta este momento en mínimas publicaciones «de culto», de escasísima difusión, y que ahora estarán por fin disponibles para un más amplio público lector. En estas páginas encontraremos una magnífica panorámica, muy cariñosa y cuidadosamente dispuesta, de unos treinta y cinco años de denodada e intensa labor poética, que abarca desde la profunda melancolía y el ambiente desasosegado de los primeros poemas de Wolfe, de corte simbolista y meditador, hasta el hiperrealismo cotidiano de su época más conocida y el atisbo de su más reciente etapa, de «investigador» de los afectos, el amor y el desamor. La poesía española actual no sería la misma sin la voz de Roger Wolfe, recogida en esta muestra con todas las variables modulaciones de su íntima angustia existencial, su tremendo humor y su trágica y a un tiempo épica y vital desesperanza. Nada suena exactamente igual que un poema made in Wolfe; aquí el lector podrá permitirse el lujo de oír los inimitables registros de toda la gama vocal del poeta, preludiados en amena charla informal, fascinantemente ilustrativa, por el propio autor. Roger Wolfe nació en Westerham, condado de Kent, Inglaterra, en 1962. Reside en España desde la infancia. Su obra literaria, escrita mayoritariamente en español, incluye más de una veintena de libros, que abarcan la poesía, la narrativa y el ensayo. De poesía, ha publicado Diecisiete poemas (1986), Días perdidos en los transportes públicos (1992), Hablando de pintura con un ciego (1993), Arde Babilonia (1994), Mensajes en botellas rotas (1996), Cinco años de cama (1998), Enredado en el fango (1999), El arte en la era del consumo (2001), Vela en este entierro (2006), Noches de blanco papel (2008), Afuera canta un mirlo (2009), Gran esperanza un tiempo (2013), El amor y media vuelta (2014) y Pasos en el corredor (2016).
Fernando Pessoa (1888-1935) es uno de los nombres fundamentales de la poesía universal. Nacido en Lisboa, educado en África del Sur, durante su vida, aparte de la colaboración en efímeras revistas, solo publicó un libro, Mensaje, y tres folletos de versos ingleses. Su obra póstuma, sin embargo, parece inagotable: transcurridos ochenta años de su muerte, aún sigue ofreciéndonos novedosas revelaciones. Fernando Pessoa no fue solo poeta apenas hubo asunto ni género literario ajeno a su curiosidad intelectual, pero fue sobre todo un poeta que se desdobló en tres, Alberto Caeiro, Ricardo Reis y Álvaro de Campos, los famosos heterónimos, y en un personaje literario, Bernardo Soares, al que le atribuyó el Libro del desasosiego, obra fragmentaria que oscila entre el diario íntimo, la reflexión filosófica y el poema en prosa. La prometeica figura de Fernando Pessoa pasan del centenar los autores ficticios creados por él, la novelería y el mito que rodean su figura, pueden hacernos olvidar lo fundamental de su obra: un puñado de poemas que están, desde hace décadas, en la memoria de todos los buenos lectores de poesía y otros muchos que merecen estarlo. Plural esencial pretende ofrecer una muestra esencial del Pessoa plural. José Luis García Martín publicó en 1983 un estudio-antología dedicado a la figura de Fernando Pessoa. Desde entonces se ha ocupado de él en diversas publicaciones, entre las que pueden destacarse la biografía, Fernando Pessoa, Sociedad Ilimitada, y los Aforismos publicados recientemente por esta misma editorial.
PARA el estudio del alma leopardiana tienen especial importancia sus Pensamientos, una verdadera enciclopedia de meditaciones más o menos filosóficas y literarias, de anotaciones filológicas, de historia, etc., que el poeta escribió para sí. En ella está el fruto de sus soliloquios, desde las observaciones íntimas y poéticas hasta los razonamientos puros y fríos del hombre objetivo. De sus páginas hemos extraído estas otras que publicamos bajo el título de Mi vida sin esperanza, y a las que hemos agregado la «Carta dedicatoria a los amigos de Toscana», que figura en la edición florentina de los Cantos, y la «Despedida de Tristán al amigo», extraída de las Pequeñas obras morales. A través de este volumen, seguimos la metamorfosis del poeta que desde las dulces y serenas ilusiones del primer amor cae en el terrible anonadamiento de su melancolía. Y seguimos también la evolución de su estilo y de su agudo espíritu analítico que será, sin duda, la cruz de su vida. No ya como literato puro, sino como hombre, adherido a la vida y a la naturaleza, como filósofo, crítico y político, Leopardi es siempre poeta, imprime sentido y expresión poética a todo lo que escribe. Aun lo que nos repugna y entristece, como la muerte, el dolor y la desesperanza, se filtra suavemente en nosotros con la serena y delicada fruición de su arte. GIACOMO LEOPARDI (Recanati, 1798-Nápoles, 1837) es el más celebrado poeta del Ottocento italiano y por su pensamiento una de las figuras más relevantes de la Europa de su tiempo. Tuvo una infancia poco común, debido a su siempre frágil estado de salud y a la educación conservadora a la que estuvo sometido. Por eso, desde niño se propuso estudiar solo. A los trece años ya componía versos y logró dar fin a una tragedia: Pompeyo en Egipto. A los quince, enclaustrado en la biblioteca de su padre, estudió y aprendió latín, griego y hebreo a la perfección. Muy pronto hizo acopio de una extraordinaria erudición filosófica que concretó en traducciones y otros trabajos. Publicó su obra poética entre los años 1824 y 1831, hoy conocida bajo el título genérico de Cantos.
Toda antología se resigna, por su propia esencia, a ser injusta, puesto que supone una elección subjetiva y habitualmente requiere descartes. Los ocho poetas de Las aguas tranquilas no constituyen un cenáculo literario ni comparten un mismo registro poético. Esta no pretende ser una antología panorámica ni generacional; responde, con mayor o menor acierto, a las preferencias personales del antólogo. Nacidos entre principios de los sesenta y finales de los setenta, los ocho son, por encima de todo, auténticos poetas, de calidad indudable. Apenas han sido traducidos al castellano (o no con la debida difusión), y el propósito es que se descubran a un público lector más amplio. Que estas páginas sean un pórtico a la poesía que se está haciendo en el País Vasco en euskera, a algunos de sus representantes más destacados, a lo que la diferencia y la hace excepcionalmente genuina.
Equidistante de la «antología personal» y la «poesía reunida», El camino original agrupa, total o parcialmente, todos los libros del autor: varias colecciones de poemas escritos en poco más de tres décadas (1980-2012) y en los que el autor todavía se reconoce. Al decir de Luis Alberto de Cuenca, que firma el prólogo: «Todo en él está hecho de observación de la naturaleza, de temblor delicado ante el paso del tiempo, de trazos y de signos sencillísimos que ocultan una rara sabiduría milenaria, de talento constructivo».
Alcorta ha ido construyendo una obra sostenida por un firme pulso poético, que, tras las tentativas iniciales, adquiere auténtica singularidad a partir de Cuestiones personales (1997), el primer libro representado en esta antología, que abre un ciclo que culminará con Sutura (2007) y que comprende, entre otras, piezas como Compás de espera (2001), Trama (2003) y Corriente subterránea (2003). El siguiente libro, Sol de resurrección (2009), asume ya la nueva percepción del mundo que se entreveía, pero no alcanzaba a verterse resueltamente, en Sutura, y que sitúa al autor en una dimensión celebrativa de la existencia que amortigua notablemente el pesimismo dominante de las entregas anteriores, que sin embargo no ha desaparecido del todo. Si para Alcorta cada poema es «un fragmento de un autorretrato inacabado que contribuye a que nos conozcamos mejor», los que contiene esta antología, bien representativa de las modulaciones de su voz, no completan, en efecto, el retrato de su autor, como tampoco completan el nuestro, pero proponen, para él y para nosotros, el juicioso programa existencial que venimos glosando: aprender a mirar para aprender a ser.
Guido Gozzano (nacido en Turín en 1883 y muerto prematuramente también en su ciudad en 1916) es uno de los poetas más influyentes y queridos por los lectores de la poesía italiana del siglo XX. Publicó en vida dos libros de poesía, La via del rifugio (Turín, 1907), e I colloqui. Liriche (Milán, 1911). Cultivó también la prosa, escribiendo relatos y artículos periodísticos, destacando de entre ellos los relativos a su viaje curativo a la India en 1912 publicados póstumos (Milán, 1917) con el título Verso la cuna del mondo. Lettere dal India (1912-1913), donde Gozzano alcanza su plenitud intelectual y artística. El desarrollo de su obra coincide con una crisis profunda de las instituciones poéticas en Italia motivada en buena medida por el estancamiento de la literatura decadente esteticista y clasicista de Gabriele DAnnunzio y Giovanni Pascoli. A sus maestros y mediadores decimonónicos Gozzano opone un replanteamiento de la poesía repleto de tierna ironía siguiendo los modelos franceses intimistas e impresionistas más innovadores donde destaca la simpleza y el refinamiento poético. La presente antología ofrece al lector en lengua española una amplia selección de sus poemas en edición bilingüe que abarca todas las fases creativas de Gozzano en su corta y densa experiencia poético-artística que sin duda han conformado la obra de uno de los últimos clásicos de la literatura italiana. José Muñoz Rivas (Murcia, 1963) es profesor titular de filología italiana en la Universidad de Extremadura. Su actividad investigadora se centra en la literatura italiana moderna y contemporánea, a través de estudios sobre autores de este periodo (Guido Gozzano, Giuseppe Ungaretti, Cesare Pavese, Alfredo Giuliani, etc.). De entre estos sobresale su libro La poesía de Cesare Pavese. (Atravesando la mirada en el espejo), en el que también se hace una valoración crítica de la obra de Gozzano en la poesía italiana del siglo XX (Cáceres, 2002). En cuanto a sus trabajos de traducción poética, habría que señalar las ediciones en español de Versos y noversos, de Alfredo Giuliani (Murcia, 1991) y Los coloquios, de Guido Gozzano (Madrid, 2014).
El irlandés Joseph Sheridan Le Fanu (Dublín, 1814-1873) es uno de los primeros y también de los más grandes maestros del terror sobrenatural, asunto al que en sus distintas variantes (con una muy especial predilección por las historias de fantasmas) dedicó numerosas novelas y relatos. Escritores de renombre y gran solvencia en asuntos terroríficos como Bram Stoker, Henry James o J.R. James, entre otros, reconocieron públicamente su magisterio. Durante el último medio siglo, tanto en España como en Hispanoamérica, han ido siendo reeditados sus cuentos y novelas, y no hay antología del género terrorífico que no le incluya en lugar destacado. El familiar y Té verde son dos de sus narraciones más reconocidas y características.
La colección «Antologías» de Renacimiento se abre a nuestros autores clásicos con esta antología de Bocángel editada e introducida por Luis Alberto de Cuenca, director de esta nueva sección de la serie. Gabriel Bocángel y Unzueta, madrileño de 1603, falleció en la capital de España en 1658. Su poesía se sitúa en la estela de su maestro, Luis de Góngora, como una de las flores más delicadas y exquisitas de su guirnalda. El presente florilegio ofrece un buen número de sonetos bocangelinos y, en su integridad, los dos poemas largos que salieron de la pluma de don Gabriel: El Fernando y Hero y Leandro. Se ha acudido para ello a la última compilación de la poesía de Bocángel aparecida en vida de su autor, la célebre Lira de las Musas (Madrid, 1637). Los poemas se ofrecen modernizados en lo que a ortografía y puntuación se refiere y limpios de toda exégesis, con el fin de que nada se interponga entre un poeta tan vivo y actual como Gabriel Bocángel y el lector de hoy.
Antanas Baranauskas (1875-1902), eminente poeta, lingüista, matemático y teólogo lituano, nació en Anykciai, en el noreste de Lituania, entonces parte del imperio ruso. Hijo de campesinos, estudió en la escuela estatal de escribanos y ejerció esta profesión durante tres años, tras los cuales ingresó en el seminario gracias a la intercesión de una familia influyente. Continuó sus estudios en la Academia Católica de San Petersburgo y fue ordenado sacerdote en 1862. Tras pasar un tiempo en las universidades de Múnich, Lovaina y Roma, impartió clases de Teología, primero en la Academia y después en el seminario de Kaunas, donde se dedicó también a sus investigaciones lingüísticas y matemáticas. En 1897 fue nombrado obispo de Sejny (en la actual Polonia); ahí le sorprendió la muerte traduciendo la Biblia al lituano. La floresta de Anykciai (Anykciu ilelis) se considera la expresión más elevada de la relación entre el hombre y la naturaleza, tan propia de la tradición cultural lituana, así como uno de los hitos de la poesía en ese idioma. En sus dos partes escritas en la tierra natal del poeta durante los veranos de 1858 y 1859 se narra la historia de los bosques de Anykciai. La obra es como un grito de dolor no solo por los bosques perdidos, sino por la situación de la patria oprimida. Para describir estos sentimientos y experiencias espirituales, así como las maravillas de la naturaleza y el deleite que produce a todos los sentidos, el poeta utiliza de forma creativa los recursos del vocabulario popular. El texto fue publicado por primera vez en el almanaque de L. Ivinskis (1860-1861). Es una de las obras más representativas de la literatura lituana. Dra. Carmen Caro Dugo lleva más de quince años dedicada a la enseñanza del castellano en la Universidad de Vilnius (Lituania), donde actualmente es profesora titular del Departamento de Lenguas Románicas y dirige cursos de traducción. Dra. Brigita Speicyte es especialista en literatura lituana, profesora titular del Departamento de Literatura Lituana de la Universidad de Vilnius e investigadora en el Instituto de Literatura y Folclore lituanos.
El arte de contar cuentos a los niños se publicó por primera vez en Buenos Aires en 1947 y constituye un texto clave dentro de la literatura de exilio de Elena Fortún. Reflexiona la autora en estas páginas sobre el valor literario y moral de los cuentos en la conferencia del mismo título, leída en 1946, e incluida en este volumen junto con ensayos que recogen su criterio sobre el arte de aprender y de contar cuentos. Ambas tareas son artísticas. Y, junto con el cuento mismo, constituyen la base de la educación del niño, en línea con los presupuestos institucionistas de enseñar deleitando que tan importantes fueron en la vida de Fortún. La selección de cuentos para todas las edades incluidos en este volumen harán las delicias de pequeños y grandes por sus variados escenarios y por ser, sin excepción, historias de gran belleza y dinamismo, un placer para mente y oído, como la autora pretendía. Elena Fortún (Madrid, 1886-1952). Creadora de las célebres novelas de Celia, el personaje infantil más emblemático de la literatura española, comenzó a publicar las aventuras de esta niña madrileña que quería ser escritora el año 1928 en el suplemento infantil Gente Menuda. A través de sus vivencias y las de los otros protagonistas de la saga (Cuchifritín, Matonkikí, Patita y Mila) Elena Fortún construyó una fiel crónica de los años más convulsos del siglo XX español con la visión extraordinaria y fiel de unos personajes que, como su creadora, nunca terminaron de adaptarse al mundo moderno. Nuria Capdevila-Argüelles es catedrática de Estudios Hispánicos y Estudios de Género en la Universidad de Exeter. Su labor docente e investigadora se ha centrado en la historia del pensamiento feminista y la autoría femenina en España. Ha publicado libros y artículos sobre Elena Fortún y otras escritoras, pintoras e intelectuales españolas activas en la primera mitad del siglo XX. Entre sus títulos en español destacan Autoras inciertas, Artistas y precursoras, la traducción He de tener libertad y la antología crítica El camino es nuestro, con textos de Elena Fortún y Matilde Ras.
La poesía de Ángeles Mora posee las nada frecuentes cualidades de una cuidadísima construcción de la emoción y de una muy sólida ligereza. La verdadera ligereza es algo extremadamente difícil de conseguir, igual que la verdadera claridad, siempre compleja, elaborada y epidérmica. Tiene que ver con la corporalidad del vuelo, y es la marca de los auténticos poetas. «Dentro de nosotros, en el lugar donde estamos más solos, hay unos poemas y una música cerca de una chimenea encendida que sólo se apagará con la muerte», escribe Joan Margarit. Los poemas de Ángeles Mora habitarán siempre este lugar y se transforman ellos mismos en un lugar irrenunciable, una habitación íntima y compartida. I.G. Ángeles Mora (Rute, Córdoba) es autora de ocho libros de poemas: Pensando que el camino iba derecho (1982), La canción del olvido (1985), La guerra de los treinta años (1990, premio Rafael Alberti), La dama errante (1990), Caligrafía de ayer (2000), Contradicciones, pájaros (2001, premio Ciudad de Melilla), Bajo la alfombra (2008) y Ficciones para una autobiografía (2015, Premio de la Crítica y Premio Nacional de Poesía en 2016).
José María Álvarez (Cartagena, 1942) fue un destacado partícipe de la renovación de la poesía española llevada por el grupo de poetas llamado «novísimos» hacia 1970. Desaparecidos personal o literariamente la mayoría de ellos con el paso de los años, Álvarez es ahora el principal y casi único representante de esa tendencia y uno de los poetas mayores vivos. Desde El botín del mundo (1994) a Seek to know no more (2015), Álvarez ha ido publicando en la editorial Renacimiento, a lo largo de los últimos veinte años, seis nuevos libros de poemas y dos ediciones actualizadas de Museo de Cera. Reconocido por los lectores pero no por las instituciones más o menos relacionadas con la cultura de nuestro país, que ninguno de sus libros haya recibido, pese a sus altos méritos literarios, premios como el Nacional o el de la Crítica, dice mucho de la novedosa, creciente y complacida postración cultural de la España de hoy. Abelardo Linares
El asturiano Ramón de Campoamor (1817-1901) fue el poeta más conocido y admirado durante la segunda mitad del siglo XIX y las décadas iniciales del siglo siguiente. Su primer libro data de 1837, en plena época romántica. El tono personal moralizante, prosaico, amable o amargamente volteriano lo encontrará en las Doloras (1846, pero muy aumentadas en ediciones posteriores). A ese libro seguirán los Pequeños poemas (narrativos, discursivos, con toques de humor y patetismo), publicados a partir de 1872, y las Humoradas (1886), que entremezclan el ingenioso epigrama, con la reflexión sentenciosa y la galantería de abanico. Es autor también de varias obras teatrales, de estudios filosóficos (El personalismo, Lo absoluto) y de una Poética, reeditada recientemente por esta misma editorial, que puede incluirse entre las más inteligentes reflexiones sobre la poesía que se han escrito en lengua española.
Percy B. Shelley (1792-1822) está considerado el máximo exponente de la segunda generación romántica, la época poética por antonomasia de la literatura inglesa. Poeta paradójico y multifacético, el anhelo ilimitado de libertad que transmiten su vida y su poesía, lo sigue haciendo fascinante. De su obra se han recogido en este volumen tres poemas muy representativos de sus trabajos de largo aliento: «Mont Blanc», «Oda a la Libertad» y «Carta a Maria Gisborne», composición esta última de gran singularidad dentro de la producción poética de su autor, asimismo reseñable por su estrecha vinculación con España. También es de destacar el poema «La nube» que, con el resto de las piezas más breves incluidas, nos ofrece una imagen fiel y suficientemente completa de la obra poética de Shelley. Rafael Lobarte Fontecha es autor de varias colecciones de poemas: Aprendiendo soledad (1979), Las moradas de Eros (2006), Los negros soles (2011), Doce coronas blancas (2016), Demoras sicilianas (2017). Como traductor de poesía cuenta en su haber con las siguientes publicaciones: Epipsychidion de Percy B. Shelley (2008), Antología poética de John Keats (2009), y La historia de Kieu del poeta vietnamita Nguyen Du (2014).
Algo más épico sin duda reúne ciento ochenta poemas de Roger Wolfe, extraídos de doce libros publicados entre 1986 y 2014 y precedidos por un largo prólogo escrito expresamente por su autor para la ocasión. Se trata de la primera antología preparada personalmente por el poeta hasta la fecha, e incluye numerosas versiones corregidas de los originales, además de piezas nuevas o nuevamente tituladas, como las pertenecientes al libro de poemas en prosa Vela en este entierro, sepultadas hasta este momento en mínimas publicaciones «de culto», de escasísima difusión, y que ahora estarán por fin disponibles para un más amplio público lector. En estas páginas encontraremos una magnífica panorámica, muy cariñosa y cuidadosamente dispuesta, de unos treinta y cinco años de denodada e intensa labor poética, que abarca desde la profunda melancolía y el ambiente desasosegado de los primeros poemas de Wolfe, de corte simbolista y meditador, hasta el hiperrealismo cotidiano de su época más conocida y el atisbo de su más reciente etapa, de «investigador» de los afectos, el amor y el desamor. La poesía española actual no sería la misma sin la voz de Roger Wolfe, recogida en esta muestra con todas las variables modulaciones de su íntima angustia existencial, su tremendo humor y su trágica y a un tiempo épica y vital desesperanza. Nada suena exactamente igual que un poema made in Wolfe; aquí el lector podrá permitirse el lujo de oír los inimitables registros de toda la gama vocal del poeta, preludiados en amena charla informal, fascinantemente ilustrativa, por el propio autor. Roger Wolfe nació en Westerham, condado de Kent, Inglaterra, en 1962. Reside en España desde la infancia. Su obra literaria, escrita mayoritariamente en español, incluye más de una veintena de libros, que abarcan la poesía, la narrativa y el ensayo. De poesía, ha publicado Diecisiete poemas (1986), Días perdidos en los transportes públicos (1992), Hablando de pintura con un ciego (1993), Arde Babilonia (1994), Mensajes en botellas rotas (1996), Cinco años de cama (1998), Enredado en el fango (1999), El arte en la era del consumo (2001), Vela en este entierro (2006), Noches de blanco papel (2008), Afuera canta un mirlo (2009), Gran esperanza un tiempo (2013), El amor y media vuelta (2014) y Pasos en el corredor (2016).
Fernando Pessoa (1888-1935) es uno de los nombres fundamentales de la poesía universal. Nacido en Lisboa, educado en África del Sur, durante su vida, aparte de la colaboración en efímeras revistas, solo publicó un libro, Mensaje, y tres folletos de versos ingleses. Su obra póstuma, sin embargo, parece inagotable: transcurridos ochenta años de su muerte, aún sigue ofreciéndonos novedosas revelaciones. Fernando Pessoa no fue solo poeta apenas hubo asunto ni género literario ajeno a su curiosidad intelectual, pero fue sobre todo un poeta que se desdobló en tres, Alberto Caeiro, Ricardo Reis y Álvaro de Campos, los famosos heterónimos, y en un personaje literario, Bernardo Soares, al que le atribuyó el Libro del desasosiego, obra fragmentaria que oscila entre el diario íntimo, la reflexión filosófica y el poema en prosa. La prometeica figura de Fernando Pessoa pasan del centenar los autores ficticios creados por él, la novelería y el mito que rodean su figura, pueden hacernos olvidar lo fundamental de su obra: un puñado de poemas que están, desde hace décadas, en la memoria de todos los buenos lectores de poesía y otros muchos que merecen estarlo. Plural esencial pretende ofrecer una muestra esencial del Pessoa plural. José Luis García Martín publicó en 1983 un estudio-antología dedicado a la figura de Fernando Pessoa. Desde entonces se ha ocupado de él en diversas publicaciones, entre las que pueden destacarse la biografía, Fernando Pessoa, Sociedad Ilimitada, y los Aforismos publicados recientemente por esta misma editorial.
PARA el estudio del alma leopardiana tienen especial importancia sus Pensamientos, una verdadera enciclopedia de meditaciones más o menos filosóficas y literarias, de anotaciones filológicas, de historia, etc., que el poeta escribió para sí. En ella está el fruto de sus soliloquios, desde las observaciones íntimas y poéticas hasta los razonamientos puros y fríos del hombre objetivo. De sus páginas hemos extraído estas otras que publicamos bajo el título de Mi vida sin esperanza, y a las que hemos agregado la «Carta dedicatoria a los amigos de Toscana», que figura en la edición florentina de los Cantos, y la «Despedida de Tristán al amigo», extraída de las Pequeñas obras morales. A través de este volumen, seguimos la metamorfosis del poeta que desde las dulces y serenas ilusiones del primer amor cae en el terrible anonadamiento de su melancolía. Y seguimos también la evolución de su estilo y de su agudo espíritu analítico que será, sin duda, la cruz de su vida. No ya como literato puro, sino como hombre, adherido a la vida y a la naturaleza, como filósofo, crítico y político, Leopardi es siempre poeta, imprime sentido y expresión poética a todo lo que escribe. Aun lo que nos repugna y entristece, como la muerte, el dolor y la desesperanza, se filtra suavemente en nosotros con la serena y delicada fruición de su arte. GIACOMO LEOPARDI (Recanati, 1798-Nápoles, 1837) es el más celebrado poeta del Ottocento italiano y por su pensamiento una de las figuras más relevantes de la Europa de su tiempo. Tuvo una infancia poco común, debido a su siempre frágil estado de salud y a la educación conservadora a la que estuvo sometido. Por eso, desde niño se propuso estudiar solo. A los trece años ya componía versos y logró dar fin a una tragedia: Pompeyo en Egipto. A los quince, enclaustrado en la biblioteca de su padre, estudió y aprendió latín, griego y hebreo a la perfección. Muy pronto hizo acopio de una extraordinaria erudición filosófica que concretó en traducciones y otros trabajos. Publicó su obra poética entre los años 1824 y 1831, hoy conocida bajo el título genérico de Cantos.
Toda antología se resigna, por su propia esencia, a ser injusta, puesto que supone una elección subjetiva y habitualmente requiere descartes. Los ocho poetas de Las aguas tranquilas no constituyen un cenáculo literario ni comparten un mismo registro poético. Esta no pretende ser una antología panorámica ni generacional; responde, con mayor o menor acierto, a las preferencias personales del antólogo. Nacidos entre principios de los sesenta y finales de los setenta, los ocho son, por encima de todo, auténticos poetas, de calidad indudable. Apenas han sido traducidos al castellano (o no con la debida difusión), y el propósito es que se descubran a un público lector más amplio. Que estas páginas sean un pórtico a la poesía que se está haciendo en el País Vasco en euskera, a algunos de sus representantes más destacados, a lo que la diferencia y la hace excepcionalmente genuina.