Esa es la lucidez que caracteriza la poesía de Antonio Jiménez Millán, una poesía culta a la hora de huir del culturalismo y de acercarse a las ciudades para elegir una tradición de libros vividos: una música marcada por la sobriedad del mirar. Basta con mirar y dar testimonio de la mirada para convivir a la vez con el presente de uno mismo, con los ecos de la historia y con las huellas de las otras vidas. La mirada siempre es personal, un acuerdo entre el propio sentir y la realidad del mundo. Pero la mirada retrospectiva es siempre infiel, una reelaboración inevitable de lo vivido. Acordar el deseo con la lucidez, o con una conciencia nítida de la infidelidad, nutre la raíz de esta poesía. Es la única forma de aspirar a la verdad sin perder el pudor. Luis García Montero Antonio Jiménez Millán (Granada, 1954) es catedrático de Literaturas Románicas en la Universidad de Málaga. Ha publicado siete libros de poemas: una selección de los primeros, entre los que destaca Ventanas sobre el bosque (1987), se encuentra en la antología La mirada infiel (2000). Sus libros más recientes son Casa invadida (1995), Inventario del desorden (2003) y Clandestinidad (2011).
Mário de Sá-Carneiro (1880-1916) es uno de los grandes poetas portugueses de las vanguardias de principios del siglo XX, que ha representado de un modo ejemplar la permeabilidad hacia las nuevas formas poemáticas. Amigo de Pessoa, con quien dirigió la revista Orpheu, en Sá-Carneiro su obra en verso puede dividirse en dos partes, ya que existe un antes y un después de 1912, fecha en la que conoce al poeta de los heterónimos. Antes de esta fecha crea todos sus «Poemas de juventud» y es a partir de ahí cuando se acerca a las tendencias vanguardistas europeas, sobre todo en la obra Dispersión, publicada en 1914 y que sería el único poemario suyo que vería publicado, ya que su otra gran obra poética, Indicios de Oro, no se publicaría de forma íntegra hasta 1937. Inundado por una insatisfacción permanente, en sus poemas se traza la vida de un intelectual preocupado por su propio destino que intenta construirse, a través de su yo poético, una salida para una realidad que le atormenta, o como escribe en uno de sus poemas: Yo no soy yo ni soy el otro, soy cualquier cosa de intermedio: pilar del puente del tedio que va de mí hacia el Otro.
Damos a luz una nueva serie de antologías temáticas, concebida como otra manera de acercarse a la poesía. La primogénita está dedicada a la figura del padre. No sobre la paternidad en general, sino al padre concreto, cuya sangre corre en nuestras venas. En la historia de la poesía, encontramos más poemas a la madre y, sin duda, poemas a los hijos. La poesía al padre, sin embargo, tiene unos acentos propios que la llenan de potencia, de hondura psicológica y de intensidad biográfica. Desde la Biblia, con Isaac, y desde Homero, con Telémaco, acompaña el discurrir de la literatura universal. En español, nos honramos con Las coplas a la muerte de su padre. Acogiéndonos a la sombra tutelar de tales precedentes, en esta antología nos concentraremos en la poesía hispánica moderna, que se mantiene fiel a las líneas de la tradición y, a la vez, la enriquece con la complejidad de unos tiempos en que la figura del padre ha sido cuestionada y se enfrenta a cambios importantes y a retos inéditos. No tenemos la pulsión del coleccionista. Reuniendo estos poemas, buscamos fundir la perspectiva histórica, la reflexión social y el goce estético allí donde se encuentran: en la emoción poética. Poemas al padre de Miguel de Unamuno, Antonio Machado, Juan Ramón Jiménez, Leopoldo Panero, Jaime Sabines, Manuel Alcántara, Gloria Fuertes, Aquilino Duque, Francisco Brines, Eugenio Montejo, Juan Luis Panero, Francisco Bejarano, Miguel dOrs, Leopoldo María Panero, Eloy Sánchez Rosillo, Susana Benet, Luis Alberto de Cuenca, Jon Juaristi, Andrés Trapiello, Vicente Quiriarte, José Cereijo, Felipe Benítez Reyes, Amalia Bautista y José Mateos entre otros.
Francisco Villaespesa (1877-1936) merece ser considerado uno de los mejores poetas del Modernismo español. De manera muy temprana, sus libros supieron plasmar con maestría la renovación lírica impulsada desde América por Rubén Darío. Thule, título de esta antología, no sólo alude a una de las obras principales que consagró al autor, evoca también el reino ideal del arte y el mito con que desafiar la prosa del mundo. Por estas páginas desfila toda una geografía de la imaginación poblada de crepúsculos, cisnes, esfinges femeninas, paraísos artificiales, solitarios parques de otoño y sonámbula música de fuentes que dibujan la sensibilidad compleja de la modernidad, pero también la expresión de la melancolía y el enigma vital que nos adentra en el reino interior del Simbolismo. Aquí reside lo más valioso de Villaespesa: un lirismo matizado y sentimental que intensifica la sugerencia para interrogarse sobre el alma de las cosas abismándose en el misterio de la naturaleza.
En esta entrega va un pack dos números (254-256) con los medios de transporte como nexo común, donde la poesía, el arte y el pensamiento acompañarán, de la mano de grandes pasajeros de la literatura, al lector en su travesía.
Los poemas que ha recogido José Gutiérrez (Nigüelas, Granada, 1955) en Islas de claridad, una muestra de casi cuarenta años de dedicación a la escritura, constituyen, más que una antología, el itinerario de una educación. Es una educación que me resulta muy familiar porque ha sido paralela a la mía, y porque en muchos casos las dos se han entrecruzado. [...] Con la perspectiva del tiempo, ahora se ve que José Gutiérrez ha sido un poeta de copiosos arrebatos y de largos silencios. En la poesía, más aún que en la prosa, una parte grande del proceso de la escritura sucede en la oscuridad y en la inconsciencia, de modo que tan importante como escribir puede ser no escribir. Ningún aprendizaje responde a un progreso lineal. Y quizás una de las cosas más difíciles y más necesarias de aprender es la elección de una u otra actitud, o más bien la obediencia a un impulso o a otro. [...] De repente, en los últimos tiempos, José Gutiérrez ha elegido, o ha descubierto más bien, con visible regocijo, la regularidad métrica, la rima consonante, las estrofas muy ceñidas, las formas más exigentes y cerradas, el soneto, la sextina, la décima. Antonio Muñoz Molina
Dos son los protagonistas de Educación nocturna: el tiempo y el deseo. Pocos poetas como Hilario Barrero han sabido describir con tanta minuciosa sensualidad la aparición de los primeros deseos eróticos, su gozosa realización en la juventud, el ultraje de la vejez. La historia de siempre, la historia de Yeats, Cavafis o Cernuda, pero vivida en otro tiempo más cercano al nuestro: la dura adolescencia en la España de la posguerra, en un Toledo de cuartel y sacristía, de mentiras y secretos; la Barcelona luego de los años de la Transición, con su colorista carnaval de rebeldías, y finalmente la llegada a Nueva York donde, tras las turbulencias de los primeros tiempos, se encuentra el puerto seguro hasta que comienzan a sentirse los pasos, cada vez más cercanos, de una desconocida que no faltará a la cita. José Luis García Martín Hilario Barrero (Toledo, 1946) es poeta (In tempora belli, Libro de familia), traductor (ha traducido, entre otros, a Jane Kenyon, Ted Kooser o Henry James) y autor de diversos volúmenes autobiográficos entre los que destacan Días de Brooklyn o Nueva York a diario.
Lo que ha quedado del imperio de los zares, publicado por vez primera en el periódico Ahora en 1931, es un reportaje sobre la vida dramática de los dos millones de personas que tuvieron que salir de Rusia tras la Revolución de 1917, una revolución que por aquellos años era defendida y admirada por la izquierda española. Chaves Nogales conoció y entrevistó en París a muchas personas que habían tenido una crucial intervención en aquella y en la posterior guerra civil rusa. Contados por sus protagonistas, esos hechos están llenos de un gran dramatismo. La propaganda que entonces anunciaba la publicación explicaba las características de este particular libro: «Un reportaje más novelesco que muchas novelas. Las vidas llenas de aventuras que han llevado desde que fueron expulsados por los bolcheviques los grandes duques, los personajes políticos, los príncipes y aristócratas, los ministros y los generales, los industriales millonarios, los grandes terratenientes y los artistas de fama mundial, hoy diseminados por el mundo, en la mayor miseria. La vida de cada uno de estos potentados, contada por ellos mismos, es un verdadero folletín preñado de episodios emocionantes, que no podría superar la imaginación de ningún novelista». Manuel Chaves Nogales (Sevilla, 1897-Londres, 1944) se ha convertido ya en un valor seguro en la cambiante bolsa de valores de la literatura española del siglo XX. Gran escritor por gran periodista (o viceversa), tentó con fortuna los géneros más en boga de su momento histórico: el gran reportaje, viajero o novelesco, un tanto al modo de Albert Londres: La vuelta al mundo en avión (1929), Lo que ha quedado del imperio de los zares (1931; Renacimiento, 2011 y 2017), El maestro Juan Martínez que estaba allí (1934); y la biografía, abordada con la misma ambición de aunar verdad y tensión novelesca perceptible en las obras contemporáneas de Stefan Zweig y Lytton Strachey: Juan Belmonte, matador de toros. Su vida y sus hazañas (1935; Renacimiento, 2013). Pero quizá la obra de Chaves Nogales más representativa, y también de mayor reconocimiento e influencia, sea A sangre y fuego. Héroes, bestias y mártires de España (1937), escalofriante y personalísima visión de la guerra civil a través de once piezas, cuya definitiva versión completa ilustrada ha editado Espuela de Plata en su colección Narrativa en 2013, así como La bolchevique enamorada y otros relatos, en 2015, con cuatro cuentos inéditos, además de haber publicado en 2011, dentro de su colección España en Armas, Crónicas de la guerra civil y La defensa de Madrid, reeditada en 2017 corregida y aumentada.
Después de la poesía, el aforismo nos espera como una posibilidad de realización para el escritor perezoso. Lo maravilloso que tiene el aforismo es que el fogonazo intenso que lo produce necesita mucha menos elaboración que cualquier otro género literario. No se trata de una imagen ni de un dicho, un verso o únicamente una sentencia, sino de todas esas cualidades juntas y alguna más, pero que pueden reducirse a una sola frase compuesta de cuatro o cinco palabras. Álvaro Salvador (Granada, 1950) ha publicado diez libros de poemas reunidos en el volumen antológico Suena una música (Sevilla, Renacimiento, 2008); en ese mismo año obtuvo el premio Generación del 27 por su último libro de poemas, La canción del outsider (Madrid, Visor, 2009). Junto a Luis García Montero y Javier Egea promocionó a comienzos de los ochenta la tendencia poética bautizada como otra sentimentalidad, germen de la posterior poesía de la experiencia. Ha publicado además dos novelas, algunos libros de ensayo, varias obras de teatro y un libro de aforismos, Después de la poesía (Almería, El Gaviero, 2006).
Antonio Cabrera nace en Medina Sidonia (Cádiz) en 1958, si bien vive afincado desde niño en la Comunidad Valenciana. En el año 2000 publica su primer libro, En la estación perpetua, avalado por el XII Premio Loewe y, más tarde, el Premio Nacional de la Crítica. En 2001 aparece la colección de haikus Tierra en el cielo, a la que siguen Con el aire (Premio Ciudad de Melilla y Premio de la Crítica Valenciana, 2004) y Piedras al agua (2010). También es autor del volumen de prosas El minuto y el año (2008) y de traducciones de Gianni Vattimo, Josep Maria de Sagarra y Vicent Alonso.
La escritura poética de Boris Vian (1920-1959) se extiende a lo largo de dos décadas, de los primeros años cuarenta hasta finales de los cincuenta. Tan solo dos colecciones Barnums Digest y Cantinelas en jalea aparecen en vida del escritor. Los Cien sonetos que empieza a crear tal vez a finales de los años treinta y el primer lustro de los cuarenta son publicados en 1984 de la mano del editor Jean-Jacques Pauvert; los poemas agrupados en torno a No quisiera palmarla, lo hacen en 1962, con notable éxito de ventas en la década de los sesenta y setenta. Si comparamos su producción poética con el resto de su obra, puede pensarse que esta ocupa un lugar relativamente reducido. Pero lo cierto es que ya se hable de poesía, de novela, de teatro o de canción, el espíritu poético que preside el conjunto de lo escrito por Boris Vian es incuestionable. De hecho, a lo primero que debemos dar el calificativo de poético es a su vida, ahora ya perteneciente a los dominios del mito, fuertemente impulsada por un deseo transformador propio de alguien que quiere construir un mundo a su medida, que quiere hacer de la vida algo diferente a lo que llamamos realidad. Vida y obra están íntimamente unidas en Vian, el hombre se encuentra siempre detrás de su escritura, mudado a una nueva dimensión, la del yo poético, es decir, la de la vida poética.
William Shakespeare no tuvo nada en contra de la publicación de sus propias obras, que constituía una fuente de ingresos para su negocio. Pero en lo relativo a los poemas su actitud fue muy variable: se ocupó con sumo cuidado de la publicación de los poemas narrativos que dedicó al conde de Southampton ( " Venus y Adonis " y " El rapto de Lucrecia " ), de los cuales se realizaron numerosas reimpresiones que los hicieron muy populares, pero, según parece, no intervino en la recopilación ni en la publicación de los sonetos. El autor se comportó con sus composiciones líricas más breves de manera despreocupada y negligente, y se limitó a distribuirlos entre sus allegados. La autoría de Shakespeare en lo que respecta a los sonetos nunca ha sido seriamente puesta en entredicho. La fuerza, la belleza y el brillo del lenguaje, la complejidad de la sintaxis y la sutileza de los ritmos parecen perfectamente acordes con la variedad estilística de la mejor poesía que despliegan sus obras de teatro. Sin embargo, el absoluto desconocimiento de las circunstancias que los llevaron a la imprenta y la rareza de los personajes que los pueblan y de las situaciones a que aluden dieron lugar a especulaciones sobre la identidad de las personas y los acontecimientos reales en los que se sustentan. Lo que sí ofrece en estos sonetos es el análisis más completo y variado del tema central de toda la tradición: la psicología moral del amor.
El libro reúne las dos últimas entregas poéticas de Vicente Huidobro, El ciudadano del olvido y Últimos poemas, ésta fruto del interés y del amor de Manuela por su padre y en la cual hemos añadido el poema olvidado «Hermanos». Un conjunto de textos que no anula la experimentación creacionista, sino que la limita a elementos residuales, mostrando una actitud más meditativa, más íntima y plegada hacia dentro: su lenguaje sigue siendo de gran envergadura plástica, pero su fluencia verbal se llena de sustancia y peso humano. Limpio y renovado, el yo «viajero sin fin» contempla la muerte que le espera. El ciudadano del olvido interpreta una honda inquietud espiritual, en cambio Últimos poemas insiste en el proceso de humanización que no borra el signo de la inteligencia. El poeta se pregunta, pide comprensión: su lenguaje ha sustituido la travesura y la mofa para dialogar con los seres fraternales del mundo. El poema final se abre y cierra con la imagen anafórica de la muerte. La lápida de la tumba de Huidobro indica que al fondo se ve el mar: el secreto de sus aguas guarda la palabra del escritor que mejor supo traducir las aspiraciones innovadoras de la poesía del siglo XX.
Esa es la lucidez que caracteriza la poesía de Antonio Jiménez Millán, una poesía culta a la hora de huir del culturalismo y de acercarse a las ciudades para elegir una tradición de libros vividos: una música marcada por la sobriedad del mirar. Basta con mirar y dar testimonio de la mirada para convivir a la vez con el presente de uno mismo, con los ecos de la historia y con las huellas de las otras vidas. La mirada siempre es personal, un acuerdo entre el propio sentir y la realidad del mundo. Pero la mirada retrospectiva es siempre infiel, una reelaboración inevitable de lo vivido. Acordar el deseo con la lucidez, o con una conciencia nítida de la infidelidad, nutre la raíz de esta poesía. Es la única forma de aspirar a la verdad sin perder el pudor. Luis García Montero Antonio Jiménez Millán (Granada, 1954) es catedrático de Literaturas Románicas en la Universidad de Málaga. Ha publicado siete libros de poemas: una selección de los primeros, entre los que destaca Ventanas sobre el bosque (1987), se encuentra en la antología La mirada infiel (2000). Sus libros más recientes son Casa invadida (1995), Inventario del desorden (2003) y Clandestinidad (2011).
Mário de Sá-Carneiro (1880-1916) es uno de los grandes poetas portugueses de las vanguardias de principios del siglo XX, que ha representado de un modo ejemplar la permeabilidad hacia las nuevas formas poemáticas. Amigo de Pessoa, con quien dirigió la revista Orpheu, en Sá-Carneiro su obra en verso puede dividirse en dos partes, ya que existe un antes y un después de 1912, fecha en la que conoce al poeta de los heterónimos. Antes de esta fecha crea todos sus «Poemas de juventud» y es a partir de ahí cuando se acerca a las tendencias vanguardistas europeas, sobre todo en la obra Dispersión, publicada en 1914 y que sería el único poemario suyo que vería publicado, ya que su otra gran obra poética, Indicios de Oro, no se publicaría de forma íntegra hasta 1937. Inundado por una insatisfacción permanente, en sus poemas se traza la vida de un intelectual preocupado por su propio destino que intenta construirse, a través de su yo poético, una salida para una realidad que le atormenta, o como escribe en uno de sus poemas: Yo no soy yo ni soy el otro, soy cualquier cosa de intermedio: pilar del puente del tedio que va de mí hacia el Otro.
Damos a luz una nueva serie de antologías temáticas, concebida como otra manera de acercarse a la poesía. La primogénita está dedicada a la figura del padre. No sobre la paternidad en general, sino al padre concreto, cuya sangre corre en nuestras venas. En la historia de la poesía, encontramos más poemas a la madre y, sin duda, poemas a los hijos. La poesía al padre, sin embargo, tiene unos acentos propios que la llenan de potencia, de hondura psicológica y de intensidad biográfica. Desde la Biblia, con Isaac, y desde Homero, con Telémaco, acompaña el discurrir de la literatura universal. En español, nos honramos con Las coplas a la muerte de su padre. Acogiéndonos a la sombra tutelar de tales precedentes, en esta antología nos concentraremos en la poesía hispánica moderna, que se mantiene fiel a las líneas de la tradición y, a la vez, la enriquece con la complejidad de unos tiempos en que la figura del padre ha sido cuestionada y se enfrenta a cambios importantes y a retos inéditos. No tenemos la pulsión del coleccionista. Reuniendo estos poemas, buscamos fundir la perspectiva histórica, la reflexión social y el goce estético allí donde se encuentran: en la emoción poética. Poemas al padre de Miguel de Unamuno, Antonio Machado, Juan Ramón Jiménez, Leopoldo Panero, Jaime Sabines, Manuel Alcántara, Gloria Fuertes, Aquilino Duque, Francisco Brines, Eugenio Montejo, Juan Luis Panero, Francisco Bejarano, Miguel dOrs, Leopoldo María Panero, Eloy Sánchez Rosillo, Susana Benet, Luis Alberto de Cuenca, Jon Juaristi, Andrés Trapiello, Vicente Quiriarte, José Cereijo, Felipe Benítez Reyes, Amalia Bautista y José Mateos entre otros.
Francisco Villaespesa (1877-1936) merece ser considerado uno de los mejores poetas del Modernismo español. De manera muy temprana, sus libros supieron plasmar con maestría la renovación lírica impulsada desde América por Rubén Darío. Thule, título de esta antología, no sólo alude a una de las obras principales que consagró al autor, evoca también el reino ideal del arte y el mito con que desafiar la prosa del mundo. Por estas páginas desfila toda una geografía de la imaginación poblada de crepúsculos, cisnes, esfinges femeninas, paraísos artificiales, solitarios parques de otoño y sonámbula música de fuentes que dibujan la sensibilidad compleja de la modernidad, pero también la expresión de la melancolía y el enigma vital que nos adentra en el reino interior del Simbolismo. Aquí reside lo más valioso de Villaespesa: un lirismo matizado y sentimental que intensifica la sugerencia para interrogarse sobre el alma de las cosas abismándose en el misterio de la naturaleza.
En esta entrega va un pack dos números (254-256) con los medios de transporte como nexo común, donde la poesía, el arte y el pensamiento acompañarán, de la mano de grandes pasajeros de la literatura, al lector en su travesía.
Los poemas que ha recogido José Gutiérrez (Nigüelas, Granada, 1955) en Islas de claridad, una muestra de casi cuarenta años de dedicación a la escritura, constituyen, más que una antología, el itinerario de una educación. Es una educación que me resulta muy familiar porque ha sido paralela a la mía, y porque en muchos casos las dos se han entrecruzado. [...] Con la perspectiva del tiempo, ahora se ve que José Gutiérrez ha sido un poeta de copiosos arrebatos y de largos silencios. En la poesía, más aún que en la prosa, una parte grande del proceso de la escritura sucede en la oscuridad y en la inconsciencia, de modo que tan importante como escribir puede ser no escribir. Ningún aprendizaje responde a un progreso lineal. Y quizás una de las cosas más difíciles y más necesarias de aprender es la elección de una u otra actitud, o más bien la obediencia a un impulso o a otro. [...] De repente, en los últimos tiempos, José Gutiérrez ha elegido, o ha descubierto más bien, con visible regocijo, la regularidad métrica, la rima consonante, las estrofas muy ceñidas, las formas más exigentes y cerradas, el soneto, la sextina, la décima. Antonio Muñoz Molina
Dos son los protagonistas de Educación nocturna: el tiempo y el deseo. Pocos poetas como Hilario Barrero han sabido describir con tanta minuciosa sensualidad la aparición de los primeros deseos eróticos, su gozosa realización en la juventud, el ultraje de la vejez. La historia de siempre, la historia de Yeats, Cavafis o Cernuda, pero vivida en otro tiempo más cercano al nuestro: la dura adolescencia en la España de la posguerra, en un Toledo de cuartel y sacristía, de mentiras y secretos; la Barcelona luego de los años de la Transición, con su colorista carnaval de rebeldías, y finalmente la llegada a Nueva York donde, tras las turbulencias de los primeros tiempos, se encuentra el puerto seguro hasta que comienzan a sentirse los pasos, cada vez más cercanos, de una desconocida que no faltará a la cita. José Luis García Martín Hilario Barrero (Toledo, 1946) es poeta (In tempora belli, Libro de familia), traductor (ha traducido, entre otros, a Jane Kenyon, Ted Kooser o Henry James) y autor de diversos volúmenes autobiográficos entre los que destacan Días de Brooklyn o Nueva York a diario.
Lo que ha quedado del imperio de los zares, publicado por vez primera en el periódico Ahora en 1931, es un reportaje sobre la vida dramática de los dos millones de personas que tuvieron que salir de Rusia tras la Revolución de 1917, una revolución que por aquellos años era defendida y admirada por la izquierda española. Chaves Nogales conoció y entrevistó en París a muchas personas que habían tenido una crucial intervención en aquella y en la posterior guerra civil rusa. Contados por sus protagonistas, esos hechos están llenos de un gran dramatismo. La propaganda que entonces anunciaba la publicación explicaba las características de este particular libro: «Un reportaje más novelesco que muchas novelas. Las vidas llenas de aventuras que han llevado desde que fueron expulsados por los bolcheviques los grandes duques, los personajes políticos, los príncipes y aristócratas, los ministros y los generales, los industriales millonarios, los grandes terratenientes y los artistas de fama mundial, hoy diseminados por el mundo, en la mayor miseria. La vida de cada uno de estos potentados, contada por ellos mismos, es un verdadero folletín preñado de episodios emocionantes, que no podría superar la imaginación de ningún novelista». Manuel Chaves Nogales (Sevilla, 1897-Londres, 1944) se ha convertido ya en un valor seguro en la cambiante bolsa de valores de la literatura española del siglo XX. Gran escritor por gran periodista (o viceversa), tentó con fortuna los géneros más en boga de su momento histórico: el gran reportaje, viajero o novelesco, un tanto al modo de Albert Londres: La vuelta al mundo en avión (1929), Lo que ha quedado del imperio de los zares (1931; Renacimiento, 2011 y 2017), El maestro Juan Martínez que estaba allí (1934); y la biografía, abordada con la misma ambición de aunar verdad y tensión novelesca perceptible en las obras contemporáneas de Stefan Zweig y Lytton Strachey: Juan Belmonte, matador de toros. Su vida y sus hazañas (1935; Renacimiento, 2013). Pero quizá la obra de Chaves Nogales más representativa, y también de mayor reconocimiento e influencia, sea A sangre y fuego. Héroes, bestias y mártires de España (1937), escalofriante y personalísima visión de la guerra civil a través de once piezas, cuya definitiva versión completa ilustrada ha editado Espuela de Plata en su colección Narrativa en 2013, así como La bolchevique enamorada y otros relatos, en 2015, con cuatro cuentos inéditos, además de haber publicado en 2011, dentro de su colección España en Armas, Crónicas de la guerra civil y La defensa de Madrid, reeditada en 2017 corregida y aumentada.
Después de la poesía, el aforismo nos espera como una posibilidad de realización para el escritor perezoso. Lo maravilloso que tiene el aforismo es que el fogonazo intenso que lo produce necesita mucha menos elaboración que cualquier otro género literario. No se trata de una imagen ni de un dicho, un verso o únicamente una sentencia, sino de todas esas cualidades juntas y alguna más, pero que pueden reducirse a una sola frase compuesta de cuatro o cinco palabras. Álvaro Salvador (Granada, 1950) ha publicado diez libros de poemas reunidos en el volumen antológico Suena una música (Sevilla, Renacimiento, 2008); en ese mismo año obtuvo el premio Generación del 27 por su último libro de poemas, La canción del outsider (Madrid, Visor, 2009). Junto a Luis García Montero y Javier Egea promocionó a comienzos de los ochenta la tendencia poética bautizada como otra sentimentalidad, germen de la posterior poesía de la experiencia. Ha publicado además dos novelas, algunos libros de ensayo, varias obras de teatro y un libro de aforismos, Después de la poesía (Almería, El Gaviero, 2006).
Antonio Cabrera nace en Medina Sidonia (Cádiz) en 1958, si bien vive afincado desde niño en la Comunidad Valenciana. En el año 2000 publica su primer libro, En la estación perpetua, avalado por el XII Premio Loewe y, más tarde, el Premio Nacional de la Crítica. En 2001 aparece la colección de haikus Tierra en el cielo, a la que siguen Con el aire (Premio Ciudad de Melilla y Premio de la Crítica Valenciana, 2004) y Piedras al agua (2010). También es autor del volumen de prosas El minuto y el año (2008) y de traducciones de Gianni Vattimo, Josep Maria de Sagarra y Vicent Alonso.
La escritura poética de Boris Vian (1920-1959) se extiende a lo largo de dos décadas, de los primeros años cuarenta hasta finales de los cincuenta. Tan solo dos colecciones Barnums Digest y Cantinelas en jalea aparecen en vida del escritor. Los Cien sonetos que empieza a crear tal vez a finales de los años treinta y el primer lustro de los cuarenta son publicados en 1984 de la mano del editor Jean-Jacques Pauvert; los poemas agrupados en torno a No quisiera palmarla, lo hacen en 1962, con notable éxito de ventas en la década de los sesenta y setenta. Si comparamos su producción poética con el resto de su obra, puede pensarse que esta ocupa un lugar relativamente reducido. Pero lo cierto es que ya se hable de poesía, de novela, de teatro o de canción, el espíritu poético que preside el conjunto de lo escrito por Boris Vian es incuestionable. De hecho, a lo primero que debemos dar el calificativo de poético es a su vida, ahora ya perteneciente a los dominios del mito, fuertemente impulsada por un deseo transformador propio de alguien que quiere construir un mundo a su medida, que quiere hacer de la vida algo diferente a lo que llamamos realidad. Vida y obra están íntimamente unidas en Vian, el hombre se encuentra siempre detrás de su escritura, mudado a una nueva dimensión, la del yo poético, es decir, la de la vida poética.
William Shakespeare no tuvo nada en contra de la publicación de sus propias obras, que constituía una fuente de ingresos para su negocio. Pero en lo relativo a los poemas su actitud fue muy variable: se ocupó con sumo cuidado de la publicación de los poemas narrativos que dedicó al conde de Southampton ( " Venus y Adonis " y " El rapto de Lucrecia " ), de los cuales se realizaron numerosas reimpresiones que los hicieron muy populares, pero, según parece, no intervino en la recopilación ni en la publicación de los sonetos. El autor se comportó con sus composiciones líricas más breves de manera despreocupada y negligente, y se limitó a distribuirlos entre sus allegados. La autoría de Shakespeare en lo que respecta a los sonetos nunca ha sido seriamente puesta en entredicho. La fuerza, la belleza y el brillo del lenguaje, la complejidad de la sintaxis y la sutileza de los ritmos parecen perfectamente acordes con la variedad estilística de la mejor poesía que despliegan sus obras de teatro. Sin embargo, el absoluto desconocimiento de las circunstancias que los llevaron a la imprenta y la rareza de los personajes que los pueblan y de las situaciones a que aluden dieron lugar a especulaciones sobre la identidad de las personas y los acontecimientos reales en los que se sustentan. Lo que sí ofrece en estos sonetos es el análisis más completo y variado del tema central de toda la tradición: la psicología moral del amor.
El libro reúne las dos últimas entregas poéticas de Vicente Huidobro, El ciudadano del olvido y Últimos poemas, ésta fruto del interés y del amor de Manuela por su padre y en la cual hemos añadido el poema olvidado «Hermanos». Un conjunto de textos que no anula la experimentación creacionista, sino que la limita a elementos residuales, mostrando una actitud más meditativa, más íntima y plegada hacia dentro: su lenguaje sigue siendo de gran envergadura plástica, pero su fluencia verbal se llena de sustancia y peso humano. Limpio y renovado, el yo «viajero sin fin» contempla la muerte que le espera. El ciudadano del olvido interpreta una honda inquietud espiritual, en cambio Últimos poemas insiste en el proceso de humanización que no borra el signo de la inteligencia. El poeta se pregunta, pide comprensión: su lenguaje ha sustituido la travesura y la mofa para dialogar con los seres fraternales del mundo. El poema final se abre y cierra con la imagen anafórica de la muerte. La lápida de la tumba de Huidobro indica que al fondo se ve el mar: el secreto de sus aguas guarda la palabra del escritor que mejor supo traducir las aspiraciones innovadoras de la poesía del siglo XX.