Antes de la llegada del esteta, diseñador y arquitecto Josef Hoffmann (1870-1956), la arquitectura y el diseño austriacos se caracterizaban por los excesos de una ornamentación opulenta y un triunfalismo grandilocuente. Con un enfoque drásticamente diferente y la colaboración de un grupo de creadores afines, Hoffmann fue uno de los fundadores de la Secesión vienesa y de los Talleres de Viena (Wiener Werkstätte), que revolucionaron la estética occidental con su nuevo y valiente minimalismo.Esta introducción explora las ideas, los proyectos y los diseños de Hoffmann para entender su mirada radical y su influencia en la arquitectura y el diseño europeos, desde los interiores monocromos a los cubiertos que ponemos sobre la mesa. Exploramos su papel clave en la Secesión de Viena de 1897 y en las Wiener Werkstätte y su compromiso con la pureza estilística que se tradujo en la construcción de algunos de los primeros grandes edificios modernistas de Europa, como el sanatorio Purkersdorf (1904) y el palacio Stoclet (1905).
El diseño escandinavo se ha convertido en sinónimo de progreso modernista durante los años cincuenta y sesenta y desde entonces ha estado presente en numerosas exposiciones, ferias profesionales y publicaciones. Ya fuera como producto en las ferias internacionales o como proyecto cultural, tanto oficial como extraoficial, el objetivo siempre era representar a Escandinavia. De esta manera, el diseño escandinavo abarcó un amplio espectro de significaciones, a menudo consecuencia de mitos sobre Escandinavia y sus habitantes. Puede que se tratase de una fantasía que convencía al resto del mundo, pero desde luego fue una fantasía para los fabricantes de los países nórdicos. Consiguieron introducirse en los distintos mercados con artículos que se convirtieron en símbolos de modernidad y buen gusto, algunos de los cuales aún se fabrican y venden hoy en día como clásicos o antigüedades. Tradicionalmente, el diseño escandinavo se ha asociado con objetos simples, sin complicaciones, funcionales y democráticos. Estas son las características que deben reexaminarse en la reciente investigación sobre el modernismo. En cualquier caso, el diseño escandinavo nos aporta un paradigma que nos permite entender la construcción de la vida moderna y todavía tiene sentido para mucha gente en el mundo entero. A lo largo de medio siglo el diseño escandinavo se ha convertido en un fenómeno establecido que mantiene una repercusión positiva.
"A la pintura le falta cabaret, le sobra espíritu conventual, moralidad, trascendencia y muchas éticas mal entendidas cuando no falsas". La cita es del artículo Titanlux y moralidad que apareció en 1983 en el número cero de la revista Figura y lo firmaba Rafael Agredano (Córdoba, 1955). En el que fue su primer texto, escrito por encargo como todos los que han venido después, el artista plástico y uno de los fundadores de Figura una revista de arte de "dudosa periodicidad" hizo "una especie de manifiesto de cómo enfrentarse a la pintura", en palabras de Agredano, que aún hoy sigue estudiándose en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla. "Muy bueno no tiene que ser porque se lee muy bien y, además, se entiende", asegura el artista, tan irónico como su obra, en alusión al lenguaje críptico que utilizan los críticos de arte. Este y otros 12 textos, publicados entre 1983 y 2010, aparecen ahora reunidos en un libro, Titanlux y moralidad. El musical.
En este libro se defiende la idea de que las transformaciones artísticas de la modernidad nos ayudan a comprender en qué consistió el sistema que se ponía en cuestión, y a la inversa, pues es en el marco de la tradición donde adquieren sentido las revoluciones creativas de los últimos cien años. El (des)orden del arte moderno se evidencia así en unos pocos asuntos nucleares: emergencia y expansión del modo «panóptico» de visión. aparición del movimiento real superando al movimiento congelado o ilusorio. atención a los distintos primitivismos como alternativas al prestigio paralizante del canon occidental. autonomía creciente del objeto real frente al ficticio, con la irrupción, más reciente, de los entes virtuales. apropiación del suelo como territorio horizontal de la creación. y finalmente, reevaluación de la noción benjaminiana del aura, que no se perdió en las sociedades actuales sino que se habría extendido a cada reproducción o a cada gesto creativo. Juan Antonio Ramírez sostiene que si la modernidad ha producido algo comparable al orden visual renacentista, vigente durante varios siglos, no parece lógico aceptar su clausura a las pocas décadas de su nacimiento. El objeto y el aura es un libro insólito por su voluntad de plantear los grandes problemas del arte contemporáneo en la perspectiva histórica de «la larga duración», superando al «tiempo corto» de los acontecimientos privilegiado por la crítica de arte habitual.ÍndiceIntroducción (modo de empleo) 1. Del espacio monofocal a la visión panóptica Variantes de la perspectiva Panoramas, panópticos y fotografías Cine, cómic y collage La dualidad cubista y el «efecto Arcimboldo» Transparencias y fotomontajes El all over y el pop art Instalaciones panópticas Alfredo Jaar Videoarte y omnivisión 2. Movimientos y procesos Ilusiones (dibujos, pinturas, estatuas) Instantáneas fotográficas Cine y máquinas Futurismos Esculturas y objetos cinéticos Del Gran Vidrio a Étant donnés Cosas con desplazamientos reales Calder: estables, móviles y movistables Jean Tinguely: motores y chatarra Óptico-cinéticos Cuerpos en acción Ralentizaciones y aceleraciones (Viola, entre otros) Instalaciones y fluidos 3. Primitivismos El paraíso remoto: Gauguin Las fauves como salvajes Las señoritas de Aviñón De Picasso al «primitivismo industrial» de los ready-mades Primitivismo «interior» ExpresionistasDadaístas y surrealistasEl caso del cartero ChevalDel arte de los locos al «art brut»La atracción de lo prehistóricoPrimitivismo y multiculturalidad 4. Emergencia del objeto Del cuerpo geométrico al bodegón El principio collage: cuadros y construcciones Los ready-mades, por estratos La vida surrealista de las cosas Pop-objetos Fluxus y excrementos Juguetes táctiles frente a objetos virtuales 5. La conquista del suelo Perspectivas: pavimentos y techos Pintura gravitatoria Pavimentos en el suelo (algunos minimalistas) (Anti) formas en los pavimentos Territorios en el paisaje Cuerpos en el suelo (en el pavimento, en la tierra) Postmodernos irónicos y políticos 6. Aura: el regreso El nimbo Walter Benjamin El aura de los teósofos Fotografías Baraduc y la iconografía del alma Vibración y puntillismo Las auras de Duchamp Abstractos Regresar al aura Oro, aura, dinero Lo invisible El artista como santo En la época del original multiplicado Notas Índice de nombres Índice general
Posiciones críticas: ensayos sobre las políticas de arte y la identidad ofrece un amplio recorrido por el trabajo de Douglas Crimp, uno de los protagonistas de la redefinición de la función de la crítica en la cultura norteamericana y en la defensa de la dimensión pública del arte. Esta antología organiza los escritos de Douglas Crimp en cuatro secciones temáticas que dan cuenta también de la evolución cronológica de su pensamiento crítico. Se toma como punto de partida el temprano análisis que hace Crimp de las políticas de la representación, sobre todo en el ámbito de la fotografía, definiéndolas como campo de acción prioritario del trabajo del artista en la posmodernidad. En esa misma dirección se incluyen a continuación sus famosos ensayos sobre la insularidad de la institución artística y sobre los conflictos que surgen cuando se transgreden los límites del cubo blanco de la galería. Las dos últimas secciones del libro dan cuenta del giro que da el trabajo crítico de Douglas Crimp a partir de 1987, coincidiendo con los momentos más crudos de la crisis del sida en Estados Unidos. Rompiendo con el establishment crítico del que hasta entonces había formado parte, Douglas Crimp iba a poner su pensamiento al servicio del análisis y denuncia de las campañas representacionales orquestadas por el poder contra la comunidad gay, así como de la reflexión sobre los modos en que ésta asumía o rechazaba tales imágenes hegemónicas. Los textos que cierran el libro forman parte de un proyecto aún inconcluso de genealogía de la subjetividad queer contemporánea a partir del análisis del cine de Andy Warhol desde la perspectiva de los estudios culturales.Índice1. Imágenes posmodernas. 1.1 Imágenes 1.2 La actividad fotográfica de la posmodernidad. 1.3 La apropiación de la apropiación. 2. La dimensión pública del arte. 2.1. Sobre las ruinas del museo. 2.2. La redefinición de la especificidad espacial. 3. Sida: militancia y representación. 3.1. Duelo y militancia. 3.2. Los chicos de mi habitación. 3.3. Representaciones no moralizantes del sida. 3.4. Retratos de personas con sida. 4. El Warhol que merecemos. 4.1. El Warhol que merecemos. Estudios culturales y cultura queer. 4.2. A primera vista: Blow Job de Andy Warhol. 4.3. Mario Montez, For Shame.
En todo el mundo, el diseño italiano es sinónimo de sofisticación e innovación técnica. La razón es que ningún otro país abraza el buen diseño con tanta pasión. Como nación, Italia está enormemente orgullosa de su incomparable industria del diseño y de un estilo que se entrelaza en el tejido mismo de su cultura. Italian Design presenta a las principales figuras de Italia y sus obras más importantes, al tiempo que explora las ideas clave que subyacen en ellas, del racionalismo al pop y al antidiseño radical.Este volumen traza la evolución del diseño italiano durante los últimos 100 años a través de obras impresionantes que revelan el alcance increíblemente amplio del diseño italiano, desde muebles elegantes y con estilo y originales luces escultóricas hasta superbikes de grandes prestaciones y automóviles extraordinarios.El libro dedica entradas a una selección estelar de diseñadores que incluye a Joe Colombo, Vico Magistretti, Carlo Mollino, Gio Ponti y Ettore Sottsass, a influyentes grupos como Archizoom, Studio65 y Superstudio, y a varias marcas de fama mundial, como Artemide, Alessi, Alfa Romeo, Ducati, Ferrari y Kartell, para mostrar la diversidad de enfoques que hacen del diseño italiano un mundo apasionante.
Antes de la llegada del esteta, diseñador y arquitecto Josef Hoffmann (1870-1956), la arquitectura y el diseño austriacos se caracterizaban por los excesos de una ornamentación opulenta y un triunfalismo grandilocuente. Con un enfoque drásticamente diferente y la colaboración de un grupo de creadores afines, Hoffmann fue uno de los fundadores de la Secesión vienesa y de los Talleres de Viena (Wiener Werkstätte), que revolucionaron la estética occidental con su nuevo y valiente minimalismo.Esta introducción explora las ideas, los proyectos y los diseños de Hoffmann para entender su mirada radical y su influencia en la arquitectura y el diseño europeos, desde los interiores monocromos a los cubiertos que ponemos sobre la mesa. Exploramos su papel clave en la Secesión de Viena de 1897 y en las Wiener Werkstätte y su compromiso con la pureza estilística que se tradujo en la construcción de algunos de los primeros grandes edificios modernistas de Europa, como el sanatorio Purkersdorf (1904) y el palacio Stoclet (1905).
El diseño escandinavo se ha convertido en sinónimo de progreso modernista durante los años cincuenta y sesenta y desde entonces ha estado presente en numerosas exposiciones, ferias profesionales y publicaciones. Ya fuera como producto en las ferias internacionales o como proyecto cultural, tanto oficial como extraoficial, el objetivo siempre era representar a Escandinavia. De esta manera, el diseño escandinavo abarcó un amplio espectro de significaciones, a menudo consecuencia de mitos sobre Escandinavia y sus habitantes. Puede que se tratase de una fantasía que convencía al resto del mundo, pero desde luego fue una fantasía para los fabricantes de los países nórdicos. Consiguieron introducirse en los distintos mercados con artículos que se convirtieron en símbolos de modernidad y buen gusto, algunos de los cuales aún se fabrican y venden hoy en día como clásicos o antigüedades. Tradicionalmente, el diseño escandinavo se ha asociado con objetos simples, sin complicaciones, funcionales y democráticos. Estas son las características que deben reexaminarse en la reciente investigación sobre el modernismo. En cualquier caso, el diseño escandinavo nos aporta un paradigma que nos permite entender la construcción de la vida moderna y todavía tiene sentido para mucha gente en el mundo entero. A lo largo de medio siglo el diseño escandinavo se ha convertido en un fenómeno establecido que mantiene una repercusión positiva.
"A la pintura le falta cabaret, le sobra espíritu conventual, moralidad, trascendencia y muchas éticas mal entendidas cuando no falsas". La cita es del artículo Titanlux y moralidad que apareció en 1983 en el número cero de la revista Figura y lo firmaba Rafael Agredano (Córdoba, 1955). En el que fue su primer texto, escrito por encargo como todos los que han venido después, el artista plástico y uno de los fundadores de Figura una revista de arte de "dudosa periodicidad" hizo "una especie de manifiesto de cómo enfrentarse a la pintura", en palabras de Agredano, que aún hoy sigue estudiándose en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla. "Muy bueno no tiene que ser porque se lee muy bien y, además, se entiende", asegura el artista, tan irónico como su obra, en alusión al lenguaje críptico que utilizan los críticos de arte. Este y otros 12 textos, publicados entre 1983 y 2010, aparecen ahora reunidos en un libro, Titanlux y moralidad. El musical.
En este libro se defiende la idea de que las transformaciones artísticas de la modernidad nos ayudan a comprender en qué consistió el sistema que se ponía en cuestión, y a la inversa, pues es en el marco de la tradición donde adquieren sentido las revoluciones creativas de los últimos cien años. El (des)orden del arte moderno se evidencia así en unos pocos asuntos nucleares: emergencia y expansión del modo «panóptico» de visión. aparición del movimiento real superando al movimiento congelado o ilusorio. atención a los distintos primitivismos como alternativas al prestigio paralizante del canon occidental. autonomía creciente del objeto real frente al ficticio, con la irrupción, más reciente, de los entes virtuales. apropiación del suelo como territorio horizontal de la creación. y finalmente, reevaluación de la noción benjaminiana del aura, que no se perdió en las sociedades actuales sino que se habría extendido a cada reproducción o a cada gesto creativo. Juan Antonio Ramírez sostiene que si la modernidad ha producido algo comparable al orden visual renacentista, vigente durante varios siglos, no parece lógico aceptar su clausura a las pocas décadas de su nacimiento. El objeto y el aura es un libro insólito por su voluntad de plantear los grandes problemas del arte contemporáneo en la perspectiva histórica de «la larga duración», superando al «tiempo corto» de los acontecimientos privilegiado por la crítica de arte habitual.ÍndiceIntroducción (modo de empleo) 1. Del espacio monofocal a la visión panóptica Variantes de la perspectiva Panoramas, panópticos y fotografías Cine, cómic y collage La dualidad cubista y el «efecto Arcimboldo» Transparencias y fotomontajes El all over y el pop art Instalaciones panópticas Alfredo Jaar Videoarte y omnivisión 2. Movimientos y procesos Ilusiones (dibujos, pinturas, estatuas) Instantáneas fotográficas Cine y máquinas Futurismos Esculturas y objetos cinéticos Del Gran Vidrio a Étant donnés Cosas con desplazamientos reales Calder: estables, móviles y movistables Jean Tinguely: motores y chatarra Óptico-cinéticos Cuerpos en acción Ralentizaciones y aceleraciones (Viola, entre otros) Instalaciones y fluidos 3. Primitivismos El paraíso remoto: Gauguin Las fauves como salvajes Las señoritas de Aviñón De Picasso al «primitivismo industrial» de los ready-mades Primitivismo «interior» ExpresionistasDadaístas y surrealistasEl caso del cartero ChevalDel arte de los locos al «art brut»La atracción de lo prehistóricoPrimitivismo y multiculturalidad 4. Emergencia del objeto Del cuerpo geométrico al bodegón El principio collage: cuadros y construcciones Los ready-mades, por estratos La vida surrealista de las cosas Pop-objetos Fluxus y excrementos Juguetes táctiles frente a objetos virtuales 5. La conquista del suelo Perspectivas: pavimentos y techos Pintura gravitatoria Pavimentos en el suelo (algunos minimalistas) (Anti) formas en los pavimentos Territorios en el paisaje Cuerpos en el suelo (en el pavimento, en la tierra) Postmodernos irónicos y políticos 6. Aura: el regreso El nimbo Walter Benjamin El aura de los teósofos Fotografías Baraduc y la iconografía del alma Vibración y puntillismo Las auras de Duchamp Abstractos Regresar al aura Oro, aura, dinero Lo invisible El artista como santo En la época del original multiplicado Notas Índice de nombres Índice general 
Posiciones críticas: ensayos sobre las políticas de arte y la identidad ofrece un amplio recorrido por el trabajo de Douglas Crimp, uno de los protagonistas de la redefinición de la función de la crítica en la cultura norteamericana y en la defensa de la dimensión pública del arte. Esta antología organiza los escritos de Douglas Crimp en cuatro secciones temáticas que dan cuenta también de la evolución cronológica de su pensamiento crítico. Se toma como punto de partida el temprano análisis que hace Crimp de las políticas de la representación, sobre todo en el ámbito de la fotografía, definiéndolas como campo de acción prioritario del trabajo del artista en la posmodernidad. En esa misma dirección se incluyen a continuación sus famosos ensayos sobre la insularidad de la institución artística y sobre los conflictos que surgen cuando se transgreden los límites del cubo blanco de la galería. Las dos últimas secciones del libro dan cuenta del giro que da el trabajo crítico de Douglas Crimp a partir de 1987, coincidiendo con los momentos más crudos de la crisis del sida en Estados Unidos. Rompiendo con el establishment crítico del que hasta entonces había formado parte, Douglas Crimp iba a poner su pensamiento al servicio del análisis y denuncia de las campañas representacionales orquestadas por el poder contra la comunidad gay, así como de la reflexión sobre los modos en que ésta asumía o rechazaba tales imágenes hegemónicas. Los textos que cierran el libro forman parte de un proyecto aún inconcluso de genealogía de la subjetividad queer contemporánea a partir del análisis del cine de Andy Warhol desde la perspectiva de los estudios culturales.Índice1. Imágenes posmodernas. 1.1 Imágenes 1.2 La actividad fotográfica de la posmodernidad. 1.3 La apropiación de la apropiación. 2. La dimensión pública del arte. 2.1. Sobre las ruinas del museo. 2.2. La redefinición de la especificidad espacial. 3. Sida: militancia y representación. 3.1. Duelo y militancia. 3.2. Los chicos de mi habitación. 3.3. Representaciones no moralizantes del sida. 3.4. Retratos de personas con sida. 4. El Warhol que merecemos. 4.1. El Warhol que merecemos. Estudios culturales y cultura queer. 4.2. A primera vista: Blow Job de Andy Warhol. 4.3. Mario Montez, For Shame. 
En todo el mundo, el diseño italiano es sinónimo de sofisticación e innovación técnica. La razón es que ningún otro país abraza el buen diseño con tanta pasión. Como nación, Italia está enormemente orgullosa de su incomparable industria del diseño y de un estilo que se entrelaza en el tejido mismo de su cultura. Italian Design presenta a las principales figuras de Italia y sus obras más importantes, al tiempo que explora las ideas clave que subyacen en ellas, del racionalismo al pop y al antidiseño radical.Este volumen traza la evolución del diseño italiano durante los últimos 100 años a través de obras impresionantes que revelan el alcance increíblemente amplio del diseño italiano, desde muebles elegantes y con estilo y originales luces escultóricas hasta superbikes de grandes prestaciones y automóviles extraordinarios.El libro dedica entradas a una selección estelar de diseñadores que incluye a Joe Colombo, Vico Magistretti, Carlo Mollino, Gio Ponti y Ettore Sottsass, a influyentes grupos como Archizoom, Studio65 y Superstudio, y a varias marcas de fama mundial, como Artemide, Alessi, Alfa Romeo, Ducati, Ferrari y Kartell, para mostrar la diversidad de enfoques que hacen del diseño italiano un mundo apasionante.
