El arte no es sino un medio para ver, para ver lo invisible en lo visible. Y Apollinaire, Picasso, Duchamp, De Chirico o Picabia encontraron en los rayos-x y la huella de su paso a través de los cuerpos un recurso analógico con que dar a ver sus visiones. Esta incursión en el arte de comienzos del siglo XX se ocupa de las resonancias del descubrimiento de los rayos-x en el pensamiento y la práctica artística de la época, planteando que, más allá de categorizaciones «ísmicas» simplificadoras y de matices propios de toda subjetividad, todos estos artistas reclamaban un realismo más profundo y dinámico que el realismo mimético canónico. Todos querían ser más realistas, superrealistas. Y encontraron en los rayos x una analogía idónea, tanto formal como procesual, de ese modo de ver y presentar la realidad en profundidad, desplegando inagotablemente nuevos horizontes de visión y de conocimiento, en la que todos ellos se empeñaron.
El Museo Gallego de Arte Contemporáneo Carlos Maside es una institución que fue ideada por Luis Seoane y que surgió vinculada al Laboratorio de Formas, puesto en marcha junto a Díaz Pardo en el exilio bonaerense. En el año 2020 se celebra el cincuenta aniversario de la fundación de este museo que fue impulsado para restablecer la memoria histórica de Galicia y recuperar el silencio de una generación de artistas gallegos que fueron víctimas de la Guerra Civil y la represión, dados sus compromisos políticos. El punto de partida de la colección es la obra de Castelao, que se convirtió en el referente para recuperar la identidad gallega y el inico de una nueva generación, el movimiento renovador. Estos artistas, que fueron integrantes de la vanguardia histórica, habían sido olvidados en sus tierras de origen y estaban ausentes en los discursos expositivos de las instituciones gallegas durante la España franquista. El Museo Carlos Maside venía así a cubrir un vacío de la historia mediante el restablecimiento de una generación y la reconciliación con los movimientos posteriores, recogiéndose así un discurso integrador del arte gallego. En este libro se abordan también las aportaciones pioneras que ha realizado esta institución en la museología española y que, sin embargo, hasta ahora han pasado desapercibidas. Además, se analizan las influencias internacionales en materia de arquitectura y en el concepto de museo; junto a los postulados procedentes de la Bauhaus y la Escuela de Ulm sobre el diseño integral. El objetivo del Museo Carlos Maside, que se pone en relación con los museos del exilio y las políticas de la memoria, era reconstruir la historia del arte gallego contemporáneo.
Catàleg de l'exposició celebrada al Museu d'Art de Girona (md'A) de l'11 de maig a l'1 d'octubre de 2017. Amb motiu de la celebració de l'Any Bertrana, el md'A dedica una àmplia mostra al vessant artístic d'un dels escriptors més destacats del Modernisme i recull bona part de la seva obra pictòrica: dibuixos, il·lustracions, retrats i paisatges. L'exposició ofereix un itinerari ampli per la seva trajectòria artística: des dels primers temptejos -tot buscant un estil propi-, l'obra d'encàrrec i les primeres exposicions, fins al seu retorn a la pintura després d'anys d'abandonament, amb paisatges, especialment del Berguedà i la Cerdanya, que esdevenen un dels principals motius d'inspiració i el fet de pintar-los, un acte d'alliberament.
A través de un tratamiento interdisciplinario, tendencia cada vez más aceptada, el autor nos ofrece una síntesis de aproximación a las tendencias pictóricas que se inauguraron en el siglo XX. Este manual de historia de la pintura moderna contiene una amplia muestra gráfica de la pintura objeto de estudio, sobre la que se analizan los fundamentos que constituyeron la ruptura que desembocó en la primeras vanguardias del siglo.
En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte, un cronograma accesible y un índice de artistas. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
Las grandes obras de arte no pueden comprenderse con plenitud con solo verse una vez: para sacarle el máximo provecho al arte moderno y contemporáneo, vale la pena revisitarlo y reconsiderarlo, reflexionar y escudriñarlo en detalle. Comprender el contexto de las obras también resulta útil: qué ha sucedido antes de dichas obras, contra qué pueden estar reaccionando o qué pueden estar prolongando y cómo se relacionan con las nuevas tecnologías y con el pensamiento contemporáneo en lo tocante a temas tales como la política, la sexualidad, la identidad y la función del artista. Son 75 las obras de arte moderno y contemporáneo que aquí se analizan, desde La iglesia de Auvers-sur-Oise, de Vincent van Gogh, y Las señoritas de Aviñón, de Pablo Picasso, hasta Tres estudios para una Crucifixión, de Francis Bacon, y Sin título n.º 213, de Cindy Sherman. Abordando cada obra de arte como parte de una tradición que vincula la pieza más antigua con la más reciente, se traza en estas páginas el paso de la supremacía de la técnica artística al dominio más reciente de la idea subyacente a la propia obra de arte. Se trata de una esclarecedora, entretenida y accesible guía con la que adentrarse por una amplia variedad del arte moderno.
HISTORIA DEL ARTE consta de cuatro volúmenes elaborados por treinta y dos reputados especialistas procedentes de diversas universidades españolas. En la segunda edición, actualiada y revisada, del CUARTO VOLUMEN de la serie se explica la evolución de las formas artísticas, la arquitectura y la cultura de masas desde el siglo XIX a los inicios del XXI. Tres módulos independientes dedicados al siglo XIX abordan la arquitectura y el urbanismo, la pintura y la escultura de esa época; un capítulo complementario analiza los autores, de Manet a Van Gogh, que anticiparon las estéticas vanguardistas, y el inicio de los cambios operados en las artes plásticas desde el impresionismo al fauvismo. En el siguiente capítulo se expone una profunda revisión de las vanguardias históricas (del cubismo al surrealismo), con especial hincapié en dos figuras clave de este período: Picasso y Duchamp. A diferencia de otros libros de historia general del arte, en el presente manual la creación contemporánea es tratada con especial atención y cuidado. Así, se dedican dos extensos capítulos a la arquitectura y el urbanismo de todo el siglo XX y de los inicios del XXI, y a las artes plásticas desde 1945 hasta la actualidad más inmediata. Por último, el capítulo final analiza las transformaciones acontecidas en el seno del arte contemporáneo como consecuencia de la irrupción de los medios de masas.
Este catálogo, concebido a partir de la colección de la Fundación Giacometti de París, presenta un magnífico conjunto de más de 160 esculturas, dibujos y pinturas que abarca la totalidad de la carrera del artista, desde el periodo cubista y surrealista hasta el corpus de obras realizadas entre los años cuarenta y el final de su vida. Se incluye además el excepcional conjunto de las Femmes de Venise, que solo se expone al completo en el Guggenheim de Bilbao. El catálogo incluye asimismo los ensayos de tres eminentes especialistas, además de una entrevista al artista realizada en 1962. La exposición ha estado previamente en la Tate de Londres y el Musée national des beaux-arts du Québec. Exposición organizada por el Museo Guggenheim Bilbao, en colaboración con la Fundación Alberto y Anette Giacometti de París.
Amantes del arte, escépticos y desconcertados: esta historia del arte moderno es para vosotros ¿Qué es el arte moderno? ¿Por qué se ama o se odia? ¿Y por qué es siempre tan exageradamente caro? Will Gompertz, director de Arte de la BBC, exdirector de la Tate Gallery de Londres y uno de los mayores expertos del mundo, ha escrito una deslumbrante guía que cambiará para siempre la manera en que miramos el arte contemporáneo. Desde los nenúfares de Monet hasta los girasoles de Van Gogh, pasando por las latas de sopa de Warhol y los tiburones en formol de Hirst, este libro nos descubre la historia que hay detrás de las obras, las personas que hay detrás de los artistas y la verdadera magia que esconde el arte moderno. Dirigido tanto a escépticos como a convencidos, ¿Qué estás mirando? resuelve todas las preguntas que siempre nos planteamos y nunca nos atrevimos a hacer. En un sorprendente recorrido por los últimos ciento cincuenta años del arte salpicado de reveladoras anécdotas, Gompertz nos explica en qué consiste la genialidad de Pollock o Cézanne, cómo un urinario cambió el curso de la historia o por qué nuestro sobrino de cinco años realmente no lo haría igual. Original, irreverente y muy accesible, este libro rompe con mitos y prejuicios y hará que nuestra próxima visita a un museo sea menos intimidante y mucho más apasionante. La crítica ha dicho:«Will Gompertz [...] un tipo singular. Rápido como la sangre. Y de algún modo un defensor de la claridad en un territorio de opacidades. Entra en faena desde un libro lúcido que tiene algo de síntesis mental de lo complejo. [...] una exploración que desacraliza con audacia e ironía tanto el cuello duro de la crítica de arte, a la vez que hace su propia crítica desde la orilla de la claridad.»Antonio Lucas, El Mundo «Es tan provocador, irreverente, irónico, divertido y políticamente incorrecto como muchos de los artistas de los que habla. Gompertz da un buen repaso (en todos los sentidos) al arte moderno y contemporáneo. Su visión del mundo del arte es inteligente, salpimentada con buenas dosis de humor.»Nati Pulido, ABC «Tanta contundencia en las opiniones proviene de Will Gompertz, director de arte de la BBC y considerado una autoridad mundial en el arte moderno y contemporáneo. [...] En realidad, el libro requiere algo más que un simple pestañeo. Se lee más bien como un completo y ameno manual de 472 páginas.»Ángeles García, El País «Para salvar la brecha que separa a muchos visitantes de los objetos que contemplan, Gompertz ha escrito precisamente ¿Qué estás mirando?, un ameno recorrido por la creación moderna para que la comprenda todo el mundo.»Javier Ors, La Razón «Will Gompertz es de esa estirpe de profesionales que, porque de verdad saben, no necesita demostrar nada. Aúna sencillez, falta de afectación y hondura, con lo que alimenta en quien le escucha la sensación de que en cada una de sus palabras hay un poso de sabiduría. [...] ¿Qué estás mirando?, un texto original, irreverente y muy accesible que, dirigido tanto a escépticos como a convencidos, resuelve una buena porción de esas preguntas que muchos se plantean y pocos se atreven a formular.»Hoyesarte.com (10,490 Traffic Rank en España, Alexa)
Este libro es un estudio interpretativo de los símbolos más importantes de la personal iconografía de Maruja Mallo en relación con el contexto en el que fueron creados y las lecturas y vivencias personales que tuvieron un profundo impacto en la formación personal y profesional de la artista
El catálogo incluye obras de James Ensor, Henri Cartier-Bresson, Le Corbusier, Aldo van Eyck y Palle Nielsen, entre otros. La exposición usa el término playground para proponer una aproximación histórico-artística al espacio de juego y a su potencial socializador, transgresor y político desde los inicios de la modernidad hasta nuestros días. La idea de «área de juego en descampado» ;propuesta por el arquitecto danés Carl Theodor Sørensen en 1935; y la de «parque infantil de aventuras» ;impulsada por la arquitecta paisajista Lady Allen of Hurtwood en Londres, y difundida a varias ciudades europeas después de la Segunda Guerra Mundial; sirven para recuperar y significar terrenos residuales o zonas bombardeadas como espacios de juego destinados a la autonomía infantil. En los años sesenta, el niño es reivindicado como sujeto político autónomo, en un contexto dominado por el reclamo del derecho a la ciudad y coincidiendo con el momento álgido de la revuelta del homo ludens ;retomando el ensayo homónimo de Johan Huizinga; en torno a Mayo del 68. Los movimientos de 2011 diseminados por plazas, calles y barrios devolvieron a esos espacios su dimensión pública y democrática. Esta ocupación temporal, articulada por redes virtuales de comunicación, implicaba una reapropiación de lo político y la experimentación de otras formas de organización y vida en común.
Se conocieron en los años treinta y su amistad duró más de tres décadas. Para Picasso, las fotografías de Brassaï, uno de los grandes maestros de la luz del siglo XX, eran arte en estado puro. El sentimiento de admiración era mutuo y ha quedado plasmado en este documento de inusual belleza. Con una poderosa narrativa a la que acompañan 53 fotografías tomadas a lo largo de casi 30 treinta años, Brassaï crea un revelador perfil de Picasso y, al mismo tiempo, construye una emocionante crónica del arte en la que desfilan extraordinarios personajes como Dalí, Matisse, Camus, Sartre y Cocteau. "Si alguien quiere entenderme, debe leer este libro" -Pablo Picasso
El arte no es sino un medio para ver, para ver lo invisible en lo visible. Y Apollinaire, Picasso, Duchamp, De Chirico o Picabia encontraron en los rayos-x y la huella de su paso a través de los cuerpos un recurso analógico con que dar a ver sus visiones. Esta incursión en el arte de comienzos del siglo XX se ocupa de las resonancias del descubrimiento de los rayos-x en el pensamiento y la práctica artística de la época, planteando que, más allá de categorizaciones «ísmicas» simplificadoras y de matices propios de toda subjetividad, todos estos artistas reclamaban un realismo más profundo y dinámico que el realismo mimético canónico. Todos querían ser más realistas, superrealistas. Y encontraron en los rayos x una analogía idónea, tanto formal como procesual, de ese modo de ver y presentar la realidad en profundidad, desplegando inagotablemente nuevos horizontes de visión y de conocimiento, en la que todos ellos se empeñaron.
El libro que reconoce la espléndida labor de coleccionismo realizada por Marcos Martín y Elena Rueda en los últimos cuarenta años.
El Museo Gallego de Arte Contemporáneo Carlos Maside es una institución que fue ideada por Luis Seoane y que surgió vinculada al Laboratorio de Formas, puesto en marcha junto a Díaz Pardo en el exilio bonaerense. En el año 2020 se celebra el cincuenta aniversario de la fundación de este museo que fue impulsado para restablecer la memoria histórica de Galicia y recuperar el silencio de una generación de artistas gallegos que fueron víctimas de la Guerra Civil y la represión, dados sus compromisos políticos. El punto de partida de la colección es la obra de Castelao, que se convirtió en el referente para recuperar la identidad gallega y el inico de una nueva generación, el movimiento renovador. Estos artistas, que fueron integrantes de la vanguardia histórica, habían sido olvidados en sus tierras de origen y estaban ausentes en los discursos expositivos de las instituciones gallegas durante la España franquista. El Museo Carlos Maside venía así a cubrir un vacío de la historia mediante el restablecimiento de una generación y la reconciliación con los movimientos posteriores, recogiéndose así un discurso integrador del arte gallego. En este libro se abordan también las aportaciones pioneras que ha realizado esta institución en la museología española y que, sin embargo, hasta ahora han pasado desapercibidas. Además, se analizan las influencias internacionales en materia de arquitectura y en el concepto de museo; junto a los postulados procedentes de la Bauhaus y la Escuela de Ulm sobre el diseño integral. El objetivo del Museo Carlos Maside, que se pone en relación con los museos del exilio y las políticas de la memoria, era reconstruir la historia del arte gallego contemporáneo.
Catàleg de l'exposició celebrada al Museu d'Art de Girona (md'A) de l'11 de maig a l'1 d'octubre de 2017. Amb motiu de la celebració de l'Any Bertrana, el md'A dedica una àmplia mostra al vessant artístic d'un dels escriptors més destacats del Modernisme i recull bona part de la seva obra pictòrica: dibuixos, il·lustracions, retrats i paisatges. L'exposició ofereix un itinerari ampli per la seva trajectòria artística: des dels primers temptejos -tot buscant un estil propi-, l'obra d'encàrrec i les primeres exposicions, fins al seu retorn a la pintura després d'anys d'abandonament, amb paisatges, especialment del Berguedà i la Cerdanya, que esdevenen un dels principals motius d'inspiració i el fet de pintar-los, un acte d'alliberament.
A través de un tratamiento interdisciplinario, tendencia cada vez más aceptada, el autor nos ofrece una síntesis de aproximación a las tendencias pictóricas que se inauguraron en el siglo XX. Este manual de historia de la pintura moderna contiene una amplia muestra gráfica de la pintura objeto de estudio, sobre la que se analizan los fundamentos que constituyeron la ruptura que desembocó en la primeras vanguardias del siglo.
En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte, un cronograma accesible y un índice de artistas. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
Las grandes obras de arte no pueden comprenderse con plenitud con solo verse una vez: para sacarle el máximo provecho al arte moderno y contemporáneo, vale la pena revisitarlo y reconsiderarlo, reflexionar y escudriñarlo en detalle. Comprender el contexto de las obras también resulta útil: qué ha sucedido antes de dichas obras, contra qué pueden estar reaccionando o qué pueden estar prolongando y cómo se relacionan con las nuevas tecnologías y con el pensamiento contemporáneo en lo tocante a temas tales como la política, la sexualidad, la identidad y la función del artista. Son 75 las obras de arte moderno y contemporáneo que aquí se analizan, desde La iglesia de Auvers-sur-Oise, de Vincent van Gogh, y Las señoritas de Aviñón, de Pablo Picasso, hasta Tres estudios para una Crucifixión, de Francis Bacon, y Sin título n.º 213, de Cindy Sherman. Abordando cada obra de arte como parte de una tradición que vincula la pieza más antigua con la más reciente, se traza en estas páginas el paso de la supremacía de la técnica artística al dominio más reciente de la idea subyacente a la propia obra de arte. Se trata de una esclarecedora, entretenida y accesible guía con la que adentrarse por una amplia variedad del arte moderno.
HISTORIA DEL ARTE consta de cuatro volúmenes elaborados por treinta y dos reputados especialistas procedentes de diversas universidades españolas. En la segunda edición, actualiada y revisada, del CUARTO VOLUMEN de la serie se explica la evolución de las formas artísticas, la arquitectura y la cultura de masas desde el siglo XIX a los inicios del XXI. Tres módulos independientes dedicados al siglo XIX abordan la arquitectura y el urbanismo, la pintura y la escultura de esa época; un capítulo complementario analiza los autores, de Manet a Van Gogh, que anticiparon las estéticas vanguardistas, y el inicio de los cambios operados en las artes plásticas desde el impresionismo al fauvismo. En el siguiente capítulo se expone una profunda revisión de las vanguardias históricas (del cubismo al surrealismo), con especial hincapié en dos figuras clave de este período: Picasso y Duchamp. A diferencia de otros libros de historia general del arte, en el presente manual la creación contemporánea es tratada con especial atención y cuidado. Así, se dedican dos extensos capítulos a la arquitectura y el urbanismo de todo el siglo XX y de los inicios del XXI, y a las artes plásticas desde 1945 hasta la actualidad más inmediata. Por último, el capítulo final analiza las transformaciones acontecidas en el seno del arte contemporáneo como consecuencia de la irrupción de los medios de masas.
Este catálogo, concebido a partir de la colección de la Fundación Giacometti de París, presenta un magnífico conjunto de más de 160 esculturas, dibujos y pinturas que abarca la totalidad de la carrera del artista, desde el periodo cubista y surrealista hasta el corpus de obras realizadas entre los años cuarenta y el final de su vida. Se incluye además el excepcional conjunto de las Femmes de Venise, que solo se expone al completo en el Guggenheim de Bilbao. El catálogo incluye asimismo los ensayos de tres eminentes especialistas, además de una entrevista al artista realizada en 1962. La exposición ha estado previamente en la Tate de Londres y el Musée national des beaux-arts du Québec. Exposición organizada por el Museo Guggenheim Bilbao, en colaboración con la Fundación Alberto y Anette Giacometti de París.
Amantes del arte, escépticos y desconcertados: esta historia del arte moderno es para vosotros ¿Qué es el arte moderno? ¿Por qué se ama o se odia? ¿Y por qué es siempre tan exageradamente caro? Will Gompertz, director de Arte de la BBC, exdirector de la Tate Gallery de Londres y uno de los mayores expertos del mundo, ha escrito una deslumbrante guía que cambiará para siempre la manera en que miramos el arte contemporáneo. Desde los nenúfares de Monet hasta los girasoles de Van Gogh, pasando por las latas de sopa de Warhol y los tiburones en formol de Hirst, este libro nos descubre la historia que hay detrás de las obras, las personas que hay detrás de los artistas y la verdadera magia que esconde el arte moderno. Dirigido tanto a escépticos como a convencidos, ¿Qué estás mirando? resuelve todas las preguntas que siempre nos planteamos y nunca nos atrevimos a hacer. En un sorprendente recorrido por los últimos ciento cincuenta años del arte salpicado de reveladoras anécdotas, Gompertz nos explica en qué consiste la genialidad de Pollock o Cézanne, cómo un urinario cambió el curso de la historia o por qué nuestro sobrino de cinco años realmente no lo haría igual. Original, irreverente y muy accesible, este libro rompe con mitos y prejuicios y hará que nuestra próxima visita a un museo sea menos intimidante y mucho más apasionante. La crítica ha dicho:«Will Gompertz [...] un tipo singular. Rápido como la sangre. Y de algún modo un defensor de la claridad en un territorio de opacidades. Entra en faena desde un libro lúcido que tiene algo de síntesis mental de lo complejo. [...] una exploración que desacraliza con audacia e ironía tanto el cuello duro de la crítica de arte, a la vez que hace su propia crítica desde la orilla de la claridad.»Antonio Lucas, El Mundo «Es tan provocador, irreverente, irónico, divertido y políticamente incorrecto como muchos de los artistas de los que habla. Gompertz da un buen repaso (en todos los sentidos) al arte moderno y contemporáneo. Su visión del mundo del arte es inteligente, salpimentada con buenas dosis de humor.»Nati Pulido, ABC «Tanta contundencia en las opiniones proviene de Will Gompertz, director de arte de la BBC y considerado una autoridad mundial en el arte moderno y contemporáneo. [...] En realidad, el libro requiere algo más que un simple pestañeo. Se lee más bien como un completo y ameno manual de 472 páginas.»Ángeles García, El País «Para salvar la brecha que separa a muchos visitantes de los objetos que contemplan, Gompertz ha escrito precisamente ¿Qué estás mirando?, un ameno recorrido por la creación moderna para que la comprenda todo el mundo.»Javier Ors, La Razón «Will Gompertz es de esa estirpe de profesionales que, porque de verdad saben, no necesita demostrar nada. Aúna sencillez, falta de afectación y hondura, con lo que alimenta en quien le escucha la sensación de que en cada una de sus palabras hay un poso de sabiduría. [...] ¿Qué estás mirando?, un texto original, irreverente y muy accesible que, dirigido tanto a escépticos como a convencidos, resuelve una buena porción de esas preguntas que muchos se plantean y pocos se atreven a formular.»Hoyesarte.com (10,490 Traffic Rank en España, Alexa)
Este libro es un estudio interpretativo de los símbolos más importantes de la personal iconografía de Maruja Mallo en relación con el contexto en el que fueron creados y las lecturas y vivencias personales que tuvieron un profundo impacto en la formación personal y profesional de la artista
El catálogo incluye obras de James Ensor, Henri Cartier-Bresson, Le Corbusier, Aldo van Eyck y Palle Nielsen, entre otros. La exposición usa el término playground para proponer una aproximación histórico-artística al espacio de juego y a su potencial socializador, transgresor y político desde los inicios de la modernidad hasta nuestros días. La idea de «área de juego en descampado» ;propuesta por el arquitecto danés Carl Theodor Sørensen en 1935; y la de «parque infantil de aventuras» ;impulsada por la arquitecta paisajista Lady Allen of Hurtwood en Londres, y difundida a varias ciudades europeas después de la Segunda Guerra Mundial; sirven para recuperar y significar terrenos residuales o zonas bombardeadas como espacios de juego destinados a la autonomía infantil. En los años sesenta, el niño es reivindicado como sujeto político autónomo, en un contexto dominado por el reclamo del derecho a la ciudad y coincidiendo con el momento álgido de la revuelta del homo ludens ;retomando el ensayo homónimo de Johan Huizinga; en torno a Mayo del 68. Los movimientos de 2011 diseminados por plazas, calles y barrios devolvieron a esos espacios su dimensión pública y democrática. Esta ocupación temporal, articulada por redes virtuales de comunicación, implicaba una reapropiación de lo político y la experimentación de otras formas de organización y vida en común.
Se conocieron en los años treinta y su amistad duró más de tres décadas. Para Picasso, las fotografías de Brassaï, uno de los grandes maestros de la luz del siglo XX, eran arte en estado puro. El sentimiento de admiración era mutuo y ha quedado plasmado en este documento de inusual belleza. Con una poderosa narrativa a la que acompañan 53 fotografías tomadas a lo largo de casi 30 treinta años, Brassaï crea un revelador perfil de Picasso y, al mismo tiempo, construye una emocionante crónica del arte en la que desfilan extraordinarios personajes como Dalí, Matisse, Camus, Sartre y Cocteau. "Si alguien quiere entenderme, debe leer este libro" -Pablo Picasso