Del llamado triángulo daliniano, el castillo de Púbol es el más austero y el relacionado con la última fase creativa del artista. Es el lugar que Dalí ofrece a su dama, el que le entrega en homenaje. Un lugar de aislamiento, melancólico, de aires proustianos, de búsqueda de un mundo perdido, de proyección subjetiva. Esta guía sobre la Casa-Museo Castillo Gala Dalí de Púbol completa la trilogía escrita por Antoni Pitxot y Montse Aguer e ilustrada con fotografías de Jordi Puig, que se inició con el Teatro-Museo Dalí de Figueres y la Casa-Museo Salvador Dalí de Portlligat, dedicada a los espacios donde transcurrió buena parte de la vida cotidiana del genial artista ampurdanés.
China vive, desde la última década del siglo XX, una excepcional efervescencia cultural y artística relacionada con las transformaciones que se han producido a raíz de su incorporación a la economía capitalista. Este boom responde, sin embargo, a un proceso mucho más profundo y entraña un continuo debate entre las novedades llegadas de Occidente y la más pura tradición china que, una vez más, resurge con fuerza para traer el pasado al presente y para convertir al gigante asiático en uno de los focos creativos más importantes del panorama actual. Arte chino contemporáneo plantea un recorrido por el arte de China desde la caída del Imperio, en 1911, a lo largo de los convulsos períodos de su historia reciente, hasta el momento actual. Supone una síntesis de un panorama extraordinariamente complejo y diverso, y un recorrido por las distintas manifestaciones plásticas que han surgido en buena medida determinadas, aunque no exclusivamente, por los diferentes acontecimientos políticos que sirven de marco de referencia y de hilo conductor del texto. Una obra de gran utilidad para acercarse al extraordinariamente fértil paisaje artístico de la China de hoy, en el que figuran algunos de los nombres imprescindibles de la escena artística contemporánea a nivel mundial.
El Art Decó madrileño es ese gran desconocido. Ignorado o menospreciado demasiado a menudo, el que fue el primer estilo verdaderamente internacional en la historia del arte también prendió en Madrid. Lo hizo además en multitud de edificios de viviendas, comercios, cines mercados y hasta monumentos públicos.
En 1972, Priscilla E. Muller, conservadora de la Hispanic Society (Nueva York), public? Jewels in Spain. 1500Ð1800, un estudio completo, documentado y profusamente ilustrado sobre las joyas realizadas en el ?mbito de la Monarqu?a Hisp?nica durante los siglos XVI-XVIII. Aquella edici?n se ha convertido en una rareza bibliogr?fica para coleccionistas y expertos. De ah? que la Hispanic Society, el Centro de Estudios Europa Hisp?nica (CEEH) y el Center for Spain in America (CSA) hayan encomendado a Ediciones El Viso una cuidadosa actualizaci?n supervisada por la autora, con nuevas im?genes a todo color y en dos versiones, espa?ola e inglesa. La obra de Muller es una gu?a b?sica y referencia insustituible para el conocimiento de la joyer?a hispana, sus art?fices y comitentes bajo los Austrias y los Borbones hasta Carlos IV. Respaldada por un conocimiento amplio del contexto art?stico, hist?rico y cultural de las artes suntuarias y de su comercializaci?n, estudia algunas de las m?s bellas piezas producidas en el esplendor de la Monarqu?a Hisp?nica.
Desde la historia personal de la artista hasta su práctica, este séptimo volumen de la colección Conversaciones/ Conversations presenta un valioso diálogo entre la artista argentina Liliana Porter y la curadora Inés Katzenstein e incluye un ensayo introductorio de Gregory Volk. Porter describe con claridad y humor las formas en que su trabajo mezcla lo real con lo representacional en mini-dramas, a menudo hipotéticos pero convincentes, usando objetos kitsch producidos en masa que provocan tanto nuestra compasión como nuestra risa.
Idea: Pintura Fuerza. En el gozne de los años 70 y 80 es una exposición ensayo que aborda una situación específica de la escena artística española de ese momento centrándose para ello en el trabajo de cinco artistas: Alfonso Albacete, Miguel Ángel Campano, Ferran Garcia Sevilla, Juan Navarro Baldeweg y Manolo Quejido. Todos ellos provienen, de un modo u otro, de una relación con las prácticas conceptuales de los primeros años 70, y encauzan sus investigaciones a través del lenguaje pictórico en los años que cubre la exposición. Las obras reunidas, fechadas entre 1978 y 1984, ejemplifican la toma de posición artística y estética de sus autores, quienes asumen la práctica pictórica como territorio de pensamiento y de producción de estrategias creativas. El catálogo, además de la reproducción de las obras expuestas, contiene un ensayo del comisario de la exposición, Armando Montesinos, y un texto de Mariano Navarro en el que se analizan pormenorizadamente los cuadros y el contexto histórico-artístico en el que se crearon.
El artista, arquitecto, comisario, editor, poeta y urbanista chino Ai Weiwei ha ampliado con su polifacética obra la noción tradicional de arte y se ha convertido en uno de los personajes más significativos del panorama creativo y cultural internacional. En esta serie de entrevistas mantenidas con el comisario Hans Ulrich Obrist a lo largo de varios años, Ai Weiwei desvela el sinfín de influencias que han nutrido su obra y reflexiona sobre las múltiples dimensiones con las que se ha configurado su vida artística, desde la cerámica o los blogs, hasta la naturaleza, la filosofía o su faceta más conocida como activista político contra el gobierno de China. Un pequeño volumen de conversaciones extraordinarias que arrojan excepcional luz sobre la complejidad de la obra y el pensamiento de Ai Weiwei y se convierten, al mismo tiempo, en recordatorio crucial de la necesidad de libertad personal, política y artística de esta figura clave de la escena artística contemporánea.
Una reflexión sobre el arte contemporáneo desde el humor y sus diversos puntos de vista. Dividido en dos partes, la primera de ellas atiende a su genealogía y posterior deriva conceptual dentro de las teorías estéticas ilustradas y los juegos del lenguaje de la posmodernidad. Y la segunda se ocupa de la práctica artística, deteniéndose en diferentes obras en las que se hace patente cómo el humor ha contribuido a que aparezcan nuevos modos de hacer poesía, distintas maneras de entender la pintura y el dibujo, una concepción expandida de la escultura o el cine, y un modo de pensar diferente, en definitiva, sobre lo que comúnmente se entiende por arte.
Catálogo de la exposición celebrada en el Museo Nacional del Prado (18 de marzo- 14 de septiembre de 2015). Con motivo de la remodelación del Kunstmuseum de Basilea, esta institución ha prestado al Museo del Prado diez obras maestras de Picasso, seleccionadas entre las más de setenta que alberga. Fechadas entre 1906 y 1967, constituyen una especie de retrospectiva esencial de su obra, desde el periodo rosa hasta el expresionismo de su producción final. Se presentan estas diez obras en diálogo con los maestros del pasado, al tiempo que se desgrana una historia de la colección de picassos del museo helvético, una de las mejores del mundo.
En lúltima dècada del segle XIX, el Modernisme va néixer com una reacció a la ciutat industrial i la monotonia de la producció en sèrie, i preconitzà la integració de totes les arts a la recerca del concepte dobra dart total. Lexposició «Modernisme. Art, tallers, indústries» (la Pedrera, Barcelona, octubre 2015 febrer 2016) se centra en els oficis que van contribuir a lesplendor daquest moviment artístic (ceràmica, mosaic, vidre, forja, fusta...), amb lobjectiu de reivindicar el treball dels creadors, els artesans i les indústries que van situar el Modernisme en la primera línia de lavantguarda europea, i revelar els canvis estratègics que es van desencadenar en la comercialització, la publicitat i la difusió dalguns dels productes més cobejats del moment.
En la última década del siglo XIX, el Modernismo nació como una reacción a la Ciudad industrial y a la monotonía de la producción en serie, y preconizó la integración de todas las artes en la búsqueda del concepto de obra de arte total. La exposición «Modernismo. Arte, talleres, industrias» (la Pedrera, Barcelona, octubre 2015 febrero 2016) se centra en los oficios que contribuyeron al esplendor de este movimiento artístico (cerámica, mosaico, vidrio, forja, madera...), con el objetivo de reivindicar el trabajo de los creadores, los artesanos y las industrias que situaron al Modernismo en la primera línea de la vanguardia europea, y de revelar los cambios estratégicos que se desencadenaron en la comercialización, la publicidad y la difusión de algunos de los productos más codiciados del momento.
Entre 1780 y 1880 la actividad artística de Occidente se articuló en torno a unas premisas que dieron continuidad a una época: en las academias se debatía sobre el sentido de la belleza y el modo de alcanzarla, el conocimiento del pasado proporcionaba un criterio en la formación del gusto, las exposiciones públicas y los museos ordenaban los objetos destinados a ser contemplados, la sensibilidad estética era un signo de distinción y las obras de arte se valoraban como un testimonio del progreso espiritual del ser humano. Este libro analiza los imaginarios visuales que identifican ese periodo histórico, a través de diez argumentos entrelazados: el gusto, la política, el desasosiego, la espiritualidad, la historia, el eclecticismo, la realidad, la ciudad, la visualidad y el símbolo. Trata de sugerirse que las obras de arte forman parte de relatos diversos y fragmentarios. Por lo tanto, son susceptibles de ser apreciadas y comprendidas desde distintos puntos de vista, que se enriquecen con la perspectiva del tiempo.
Las unidades de «genio y locura» y «arte y neurosis» son dos de los muchos atributos adscritos a la figura del artista y que, a su vez, han configurado los diversos modelos de productividad artística. En esta obra Eckhard Neumann trata de esbozar el origen del mito del artista de la cultura occidental, para lo cual examina las más diversas concepciones de la historia del pensamiento, incluidas las teorías psquiátricas y psicológicas de la creatividad. Mitos de artista esclarece la determinación social de los modelos de identificación de los que se sirven los profesionales del arte en la conformación de su identidad. Esta edición aparece enriquecida por un nuevo prefacio escrito expresamente por el autor para la misma.
Este libro reúne una serie de reflexiones sobre la relación entre arte y arquitectura. Explora las aspiraciones arquitectónicas del arte y las artísticas de la arquitectura. El título del libro, Doble exposición, en inglés Double Exposure, se utiliza aquí en el sentido fotográfico de dos imágenes sobrepuestas, o mejor, dos fotografías en un mismo negativo, una misma emulsión, suspendidas en un único medio. Arquitectónicamente, puede pensarse en el cristal de un gran ventanal panorámico que de noche refleja el interior de la casa y lo sobrepone a una vista del exterior. Este sentido de dislocación en el espectador el habitante de la casa o el que mira a una fotografía de doble exposición, o quizá incluso el que mira a cualquier obra de arte refleja también el de la autora. Doble exposición significa textos sobre arte escritos desde la arquitectura. O, como indica el subtítulo, sobre la arquitectura a través del arte. Porque en el fondo lo que estos textos acaban buscando no es tanto el arte como la arquitectura en el arte. Aprender arquitectura escribiendo sobre arte, entonces. Mirando desde nuestra casa, la disciplina de la arquitectura, hacia afuera, hacia el arte, vemos el interior reflejado en el cristal como si fuera por primera vez.
Del llamado triángulo daliniano, el castillo de Púbol es el más austero y el relacionado con la última fase creativa del artista. Es el lugar que Dalí ofrece a su dama, el que le entrega en homenaje. Un lugar de aislamiento, melancólico, de aires proustianos, de búsqueda de un mundo perdido, de proyección subjetiva. Esta guía sobre la Casa-Museo Castillo Gala Dalí de Púbol completa la trilogía escrita por Antoni Pitxot y Montse Aguer e ilustrada con fotografías de Jordi Puig, que se inició con el Teatro-Museo Dalí de Figueres y la Casa-Museo Salvador Dalí de Portlligat, dedicada a los espacios donde transcurrió buena parte de la vida cotidiana del genial artista ampurdanés.
China vive, desde la última década del siglo XX, una excepcional efervescencia cultural y artística relacionada con las transformaciones que se han producido a raíz de su incorporación a la economía capitalista. Este boom responde, sin embargo, a un proceso mucho más profundo y entraña un continuo debate entre las novedades llegadas de Occidente y la más pura tradición china que, una vez más, resurge con fuerza para traer el pasado al presente y para convertir al gigante asiático en uno de los focos creativos más importantes del panorama actual. Arte chino contemporáneo plantea un recorrido por el arte de China desde la caída del Imperio, en 1911, a lo largo de los convulsos períodos de su historia reciente, hasta el momento actual. Supone una síntesis de un panorama extraordinariamente complejo y diverso, y un recorrido por las distintas manifestaciones plásticas que han surgido en buena medida determinadas, aunque no exclusivamente, por los diferentes acontecimientos políticos que sirven de marco de referencia y de hilo conductor del texto. Una obra de gran utilidad para acercarse al extraordinariamente fértil paisaje artístico de la China de hoy, en el que figuran algunos de los nombres imprescindibles de la escena artística contemporánea a nivel mundial.
El Art Decó madrileño es ese gran desconocido. Ignorado o menospreciado demasiado a menudo, el que fue el primer estilo verdaderamente internacional en la historia del arte también prendió en Madrid. Lo hizo además en multitud de edificios de viviendas, comercios, cines mercados y hasta monumentos públicos.
En 1972, Priscilla E. Muller, conservadora de la Hispanic Society (Nueva York), public? Jewels in Spain. 1500Ð1800, un estudio completo, documentado y profusamente ilustrado sobre las joyas realizadas en el ?mbito de la Monarqu?a Hisp?nica durante los siglos XVI-XVIII. Aquella edici?n se ha convertido en una rareza bibliogr?fica para coleccionistas y expertos. De ah? que la Hispanic Society, el Centro de Estudios Europa Hisp?nica (CEEH) y el Center for Spain in America (CSA) hayan encomendado a Ediciones El Viso una cuidadosa actualizaci?n supervisada por la autora, con nuevas im?genes a todo color y en dos versiones, espa?ola e inglesa. La obra de Muller es una gu?a b?sica y referencia insustituible para el conocimiento de la joyer?a hispana, sus art?fices y comitentes bajo los Austrias y los Borbones hasta Carlos IV. Respaldada por un conocimiento amplio del contexto art?stico, hist?rico y cultural de las artes suntuarias y de su comercializaci?n, estudia algunas de las m?s bellas piezas producidas en el esplendor de la Monarqu?a Hisp?nica.
Desde la historia personal de la artista hasta su práctica, este séptimo volumen de la colección Conversaciones/ Conversations presenta un valioso diálogo entre la artista argentina Liliana Porter y la curadora Inés Katzenstein e incluye un ensayo introductorio de Gregory Volk. Porter describe con claridad y humor las formas en que su trabajo mezcla lo real con lo representacional en mini-dramas, a menudo hipotéticos pero convincentes, usando objetos kitsch producidos en masa que provocan tanto nuestra compasión como nuestra risa.
Idea: Pintura Fuerza. En el gozne de los años 70 y 80 es una exposición ensayo que aborda una situación específica de la escena artística española de ese momento centrándose para ello en el trabajo de cinco artistas: Alfonso Albacete, Miguel Ángel Campano, Ferran Garcia Sevilla, Juan Navarro Baldeweg y Manolo Quejido. Todos ellos provienen, de un modo u otro, de una relación con las prácticas conceptuales de los primeros años 70, y encauzan sus investigaciones a través del lenguaje pictórico en los años que cubre la exposición. Las obras reunidas, fechadas entre 1978 y 1984, ejemplifican la toma de posición artística y estética de sus autores, quienes asumen la práctica pictórica como territorio de pensamiento y de producción de estrategias creativas. El catálogo, además de la reproducción de las obras expuestas, contiene un ensayo del comisario de la exposición, Armando Montesinos, y un texto de Mariano Navarro en el que se analizan pormenorizadamente los cuadros y el contexto histórico-artístico en el que se crearon.
El artista, arquitecto, comisario, editor, poeta y urbanista chino Ai Weiwei ha ampliado con su polifacética obra la noción tradicional de arte y se ha convertido en uno de los personajes más significativos del panorama creativo y cultural internacional. En esta serie de entrevistas mantenidas con el comisario Hans Ulrich Obrist a lo largo de varios años, Ai Weiwei desvela el sinfín de influencias que han nutrido su obra y reflexiona sobre las múltiples dimensiones con las que se ha configurado su vida artística, desde la cerámica o los blogs, hasta la naturaleza, la filosofía o su faceta más conocida como activista político contra el gobierno de China. Un pequeño volumen de conversaciones extraordinarias que arrojan excepcional luz sobre la complejidad de la obra y el pensamiento de Ai Weiwei y se convierten, al mismo tiempo, en recordatorio crucial de la necesidad de libertad personal, política y artística de esta figura clave de la escena artística contemporánea.
Una reflexión sobre el arte contemporáneo desde el humor y sus diversos puntos de vista. Dividido en dos partes, la primera de ellas atiende a su genealogía y posterior deriva conceptual dentro de las teorías estéticas ilustradas y los juegos del lenguaje de la posmodernidad. Y la segunda se ocupa de la práctica artística, deteniéndose en diferentes obras en las que se hace patente cómo el humor ha contribuido a que aparezcan nuevos modos de hacer poesía, distintas maneras de entender la pintura y el dibujo, una concepción expandida de la escultura o el cine, y un modo de pensar diferente, en definitiva, sobre lo que comúnmente se entiende por arte.
Catálogo de la exposición celebrada en el Museo Nacional del Prado (18 de marzo- 14 de septiembre de 2015). Con motivo de la remodelación del Kunstmuseum de Basilea, esta institución ha prestado al Museo del Prado diez obras maestras de Picasso, seleccionadas entre las más de setenta que alberga. Fechadas entre 1906 y 1967, constituyen una especie de retrospectiva esencial de su obra, desde el periodo rosa hasta el expresionismo de su producción final. Se presentan estas diez obras en diálogo con los maestros del pasado, al tiempo que se desgrana una historia de la colección de picassos del museo helvético, una de las mejores del mundo.
En lúltima dècada del segle XIX, el Modernisme va néixer com una reacció a la ciutat industrial i la monotonia de la producció en sèrie, i preconitzà la integració de totes les arts a la recerca del concepte dobra dart total. Lexposició «Modernisme. Art, tallers, indústries» (la Pedrera, Barcelona, octubre 2015 febrer 2016) se centra en els oficis que van contribuir a lesplendor daquest moviment artístic (ceràmica, mosaic, vidre, forja, fusta...), amb lobjectiu de reivindicar el treball dels creadors, els artesans i les indústries que van situar el Modernisme en la primera línia de lavantguarda europea, i revelar els canvis estratègics que es van desencadenar en la comercialització, la publicitat i la difusió dalguns dels productes més cobejats del moment.
En la última década del siglo XIX, el Modernismo nació como una reacción a la Ciudad industrial y a la monotonía de la producción en serie, y preconizó la integración de todas las artes en la búsqueda del concepto de obra de arte total. La exposición «Modernismo. Arte, talleres, industrias» (la Pedrera, Barcelona, octubre 2015 febrero 2016) se centra en los oficios que contribuyeron al esplendor de este movimiento artístico (cerámica, mosaico, vidrio, forja, madera...), con el objetivo de reivindicar el trabajo de los creadores, los artesanos y las industrias que situaron al Modernismo en la primera línea de la vanguardia europea, y de revelar los cambios estratégicos que se desencadenaron en la comercialización, la publicidad y la difusión de algunos de los productos más codiciados del momento.
Entre 1780 y 1880 la actividad artística de Occidente se articuló en torno a unas premisas que dieron continuidad a una época: en las academias se debatía sobre el sentido de la belleza y el modo de alcanzarla, el conocimiento del pasado proporcionaba un criterio en la formación del gusto, las exposiciones públicas y los museos ordenaban los objetos destinados a ser contemplados, la sensibilidad estética era un signo de distinción y las obras de arte se valoraban como un testimonio del progreso espiritual del ser humano. Este libro analiza los imaginarios visuales que identifican ese periodo histórico, a través de diez argumentos entrelazados: el gusto, la política, el desasosiego, la espiritualidad, la historia, el eclecticismo, la realidad, la ciudad, la visualidad y el símbolo. Trata de sugerirse que las obras de arte forman parte de relatos diversos y fragmentarios. Por lo tanto, son susceptibles de ser apreciadas y comprendidas desde distintos puntos de vista, que se enriquecen con la perspectiva del tiempo.
Las unidades de «genio y locura» y «arte y neurosis» son dos de los muchos atributos adscritos a la figura del artista y que, a su vez, han configurado los diversos modelos de productividad artística. En esta obra Eckhard Neumann trata de esbozar el origen del mito del artista de la cultura occidental, para lo cual examina las más diversas concepciones de la historia del pensamiento, incluidas las teorías psquiátricas y psicológicas de la creatividad. Mitos de artista esclarece la determinación social de los modelos de identificación de los que se sirven los profesionales del arte en la conformación de su identidad. Esta edición aparece enriquecida por un nuevo prefacio escrito expresamente por el autor para la misma.
Este libro reúne una serie de reflexiones sobre la relación entre arte y arquitectura. Explora las aspiraciones arquitectónicas del arte y las artísticas de la arquitectura. El título del libro, Doble exposición, en inglés Double Exposure, se utiliza aquí en el sentido fotográfico de dos imágenes sobrepuestas, o mejor, dos fotografías en un mismo negativo, una misma emulsión, suspendidas en un único medio. Arquitectónicamente, puede pensarse en el cristal de un gran ventanal panorámico que de noche refleja el interior de la casa y lo sobrepone a una vista del exterior. Este sentido de dislocación en el espectador el habitante de la casa o el que mira a una fotografía de doble exposición, o quizá incluso el que mira a cualquier obra de arte refleja también el de la autora. Doble exposición significa textos sobre arte escritos desde la arquitectura. O, como indica el subtítulo, sobre la arquitectura a través del arte. Porque en el fondo lo que estos textos acaban buscando no es tanto el arte como la arquitectura en el arte. Aprender arquitectura escribiendo sobre arte, entonces. Mirando desde nuestra casa, la disciplina de la arquitectura, hacia afuera, hacia el arte, vemos el interior reflejado en el cristal como si fuera por primera vez.