Marcada en su desarrollo y características por los acontecimientos históricos que dividieron los primitivos Países Bajos en dos áreas claramente diferenciadas -un norte protestante y predominantemente burgués, Holanda, y un sur católico gobernado por valores aristocráticos, Flandes-, La pintura flamenca del siglo XVII contó, entre otros muchos artistas notables, con genios de la talla de Rubens y conoció un importante desarrollo de géneros tales como el retrato o la pintura de flores y bodegones. Pero si bien los pintores de este siglo y de este ámbito, tanto mayores como menores, así como muy diversos aspectos de su arte, han sido objeto de innumerables e incluso exhaustivos estudios, no abundan obras que ofrezcan un panorama general que sintetice el conocimiento acumulado sobre esta materia hasta el presente y que den una visión de conjunto útil tanto para el lector común interesado por el arte como para el estudiosos de su historia. A este fin precisamente -«presentar una visión panorámica del barroco flamenco, profundizando a la vez en el estudio de los pintores más relevantes del siglo y de una selección de aquellos de sus contemporáneos y sucesores que ilustran lo mejor y lo más característico de este arte», tal como expresa en su Prefacio Nina Ayala Mallory- apunta el presente volumen, que a tres capítulos en los que, atendiendo al género o géneros que cultivaron de forma preferente, se pasa revista, entre otros muchos, a pintores tan destacados como Jan Brueghel, David Teniers, Michiel Sweerts o Jan Fyt, suma otros tres de carácter monográfico dedicados a las tres figuras más sobresalientes del periodo: Rubens, Van Dyck y Jordaens.
Los contenidos de este volumen responden al desarrollo de las líneas de investigación trazadas por Carlos Foradada con motivo de su tesis doctoral, que destinó por entero a las Pinturas negras de Goya. El trabajo ofrece un detallado análisis por el que comprobaremos que, tras el arranque de las obras en 1874, su restaurador modificó ampliamente los contenidos originales de las composiciones que Goya había elaborado sobre las paredes de su propia estancia, la Quinta del Sordo, entre los años 1819 y 1824, una vez comparadas con las fotografías que tomó J. Laurent antes de su restauración. Los detalles digitalizados de estas fotografías vieron la luz por primera vez en su artículo publicado en 2010, pero, si bien el actual libro se nutre de una prolongada investigación publicada en revistas científicas, una buena parte de los estudios permanecía todavía inédita, de manera que en la presente monografía se rompe definitivamente el envoltorio que había ocultado las Pinturas negras desde que fueron restauradas en 1874. En la aproximación al significado de estas escenas Foradada ha tenido en cuenta el contexto político y social que a su juicio determinó sus contenidos, con una excelente documentación de las fuentes historiográficas de dicho periodo, donde se incluyen los testimonios del propio artista. El volumen concluye con un capítulo que recoge el trabajo de investigación aplicado a una pieza clave del patrimonio cultural de España: El coloso de Francisco de Goya. A pesar de su popularidad, El coloso es una obra desconocida también para sus conservadores, a juzgar por el informe publicado por el Museo Nacional del Prado que motivó su reciente descatalogación. El trabajo analiza tanto la técnica y el procedimiento pictórico de la obra como su dimensión alegórica, para esclarecer ?en términos científicos? algunas propiedades de esta pintura que acreditan la autoría de Francisco de Goya, y recupera un óleo imprescindible para comprender la trayectoria del pintor, pero también las derivas de nuestro arte contemporáneo.
Este libro explora un periodo absolutamente innovador y fructífero en el mundo de la moda, que abarca dos fechas de alta significación histórica: el comienzo de la Revolución francesa y el final de los felices años veinte. Para la moda, este periodo supu
El presente ensayo se pregunta por la potencia política de la ridiculización a través del legado ingente de este caricaturista de la vida moderna. Para ello, se ha rastreado el sentido histórico de sus imágenes satíricas y se ha procurado acceder al entramado social en el que se desenvolvió cotidianamente el artista. Por lo demás, se advertirá, entre el regocijo y la resignación, hasta qué punto sus litografías alcanzan a ser el espejo veraz de nuestra actualidad más inmediata. La risa seria de Daumier nos delata a todos.
Marcada en su desarrollo y características por los acontecimientos históricos que dividieron los primitivos Países Bajos en dos áreas claramente diferenciadas -un norte protestante y predominantemente burgués, Holanda, y un sur católico gobernado por valores aristocráticos, Flandes-, La pintura flamenca del siglo XVII contó, entre otros muchos artistas notables, con genios de la talla de Rubens y conoció un importante desarrollo de géneros tales como el retrato o la pintura de flores y bodegones. Pero si bien los pintores de este siglo y de este ámbito, tanto mayores como menores, así como muy diversos aspectos de su arte, han sido objeto de innumerables e incluso exhaustivos estudios, no abundan obras que ofrezcan un panorama general que sintetice el conocimiento acumulado sobre esta materia hasta el presente y que den una visión de conjunto útil tanto para el lector común interesado por el arte como para el estudiosos de su historia. A este fin precisamente -«presentar una visión panorámica del barroco flamenco, profundizando a la vez en el estudio de los pintores más relevantes del siglo y de una selección de aquellos de sus contemporáneos y sucesores que ilustran lo mejor y lo más característico de este arte», tal como expresa en su Prefacio Nina Ayala Mallory- apunta el presente volumen, que a tres capítulos en los que, atendiendo al género o géneros que cultivaron de forma preferente, se pasa revista, entre otros muchos, a pintores tan destacados como Jan Brueghel, David Teniers, Michiel Sweerts o Jan Fyt, suma otros tres de carácter monográfico dedicados a las tres figuras más sobresalientes del periodo: Rubens, Van Dyck y Jordaens.
Los contenidos de este volumen responden al desarrollo de las líneas de investigación trazadas por Carlos Foradada con motivo de su tesis doctoral, que destinó por entero a las Pinturas negras de Goya. El trabajo ofrece un detallado análisis por el que comprobaremos que, tras el arranque de las obras en 1874, su restaurador modificó ampliamente los contenidos originales de las composiciones que Goya había elaborado sobre las paredes de su propia estancia, la Quinta del Sordo, entre los años 1819 y 1824, una vez comparadas con las fotografías que tomó J. Laurent antes de su restauración. Los detalles digitalizados de estas fotografías vieron la luz por primera vez en su artículo publicado en 2010, pero, si bien el actual libro se nutre de una prolongada investigación publicada en revistas científicas, una buena parte de los estudios permanecía todavía inédita, de manera que en la presente monografía se rompe definitivamente el envoltorio que había ocultado las Pinturas negras desde que fueron restauradas en 1874. En la aproximación al significado de estas escenas Foradada ha tenido en cuenta el contexto político y social que a su juicio determinó sus contenidos, con una excelente documentación de las fuentes historiográficas de dicho periodo, donde se incluyen los testimonios del propio artista. El volumen concluye con un capítulo que recoge el trabajo de investigación aplicado a una pieza clave del patrimonio cultural de España: El coloso de Francisco de Goya. A pesar de su popularidad, El coloso es una obra desconocida también para sus conservadores, a juzgar por el informe publicado por el Museo Nacional del Prado que motivó su reciente descatalogación. El trabajo analiza tanto la técnica y el procedimiento pictórico de la obra como su dimensión alegórica, para esclarecer ?en términos científicos? algunas propiedades de esta pintura que acreditan la autoría de Francisco de Goya, y recupera un óleo imprescindible para comprender la trayectoria del pintor, pero también las derivas de nuestro arte contemporáneo.
Este libro explora un periodo absolutamente innovador y fructífero en el mundo de la moda, que abarca dos fechas de alta significación histórica: el comienzo de la Revolución francesa y el final de los felices años veinte. Para la moda, este periodo supu
El presente ensayo se pregunta por la potencia política de la ridiculización a través del legado ingente de este caricaturista de la vida moderna. Para ello, se ha rastreado el sentido histórico de sus imágenes satíricas y se ha procurado acceder al entramado social en el que se desenvolvió cotidianamente el artista. Por lo demás, se advertirá, entre el regocijo y la resignación, hasta qué punto sus litografías alcanzan a ser el espejo veraz de nuestra actualidad más inmediata. La risa seria de Daumier nos delata a todos.