la guía obras maestras museo del prado reúne en un solo volumen lo más destacado de las colecciones de esta pinacoteca, tanto en pintura como en escultura. en ella están representadas las principales piezas que el museo atesora, desde las esculturas de l
Se aborda en este libro el estudio de la vida, la obra y la significación de Velázquez a través de una amplia variedad de temas y perspectivas, desde la etapa inicial de su carrera y los problemas atributivos que plantean dos cuadros que se relacionan con él hasta la recepción de su pintura: artistas, críticos, historiadores, literatos, museólogos o el público anónimo desfilan por sus páginas para explicar el lugar que ocupa el sevillano en el imaginario de la cultura occidental. Velázquez dedicó la mayor parte de sus esfuerzos a su faceta de retratista cortesano, analizada aquí desde el punto de vista de las fórmulas de representación que fue adoptando, fruto siempre de un compromiso entre los retos estéticos, la cultura ceremonial de la época, los ideales políticos, la tradición y las expectativas que generaba la representación del rey y su entorno. Entre retrato y retrato, el sevillano se acercó a la «pintura de historia», campo en el que hizo gala de extraordinaria originalidad a través de narraciones complejas construidas con una técnica distinta y original. Fue ahí donde expresó de manera más explícita su postura ante la tradición pictórica y el papel que deseaba desempeñar dentro de ella. A través de los catorce textos que componen este volumen, el autor plantea una de las reflexiones recientes más certeras sobre la figura de Velázquez y el significado de su obra.
Esta obra permite al lector adentrarse en el mundo artístico de un modo sumamente sencillo: solo hace falta que lleve consigo su curiosidad. ¿En qué consistió la furia iconoclasta del siglo xvi? ¿Qué supuso la formación de las Guerrilla Girls? ¿Todavía se hacen happenings? No tardará en saberlo. En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte, un cronograma accesible y un índice de artistas. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
¿Por qué hubo tantos artistas suicidas, desde el Renacimiento al siglo XX? ¿Qué llevó a muchos creadores a autorretratarse de forma obsesiva, anticipándose en siglos al selfie del siglo XXI? ¿Qué redes sociales hubieran empleado los pintores del Barroc
Decía Jimmy Durham que las sillas delimitan nuestros cuerpos con el fin de volverse esenciales y que la arquitectura —espíritu santo de una entidad fantasmal y escurridiza vinculada con el Estado— fue la encargada de inventarlas. Del mismo modo, cientos de artistas y literatos llevan décadas mostrándonos el papel de los culos más inquietos en la lucha contra estructuras y escaños, intentando recordarnos de mil maneras lo que todos tenemos abajo. ¿Cómo contar, entonces, la historia de los culos libertarios que montaron la artística Logia P2 alzándose contra tanta opresión? Obviamente, con cierto tacto y notable atención. Ese, y no otro, es el objetivo de este libro.
Esta enciclopedia es una guía esencial para conocer las grandes obras, las figuras más destacadas y la evolución artística de todas las artes plásticas. La evolución de la pintura, desde las cuevas prehistóricas hasta el Pop Art (técnicas, estilos, escuelas importantes?), la escultura, tanto antigua como moderna, y la fotografía, reflejando o distorsionando el mundo real (primeras fotografías, evolución de la cámara, tipos?). Una obra repleta de impresionantes imágenes a todo color, con datos y curiosidades sobre el mundo del arte.
"Hace cuatro décadas, Peter Bürger publicó su Teoría de la vanguardia, un libro de culto, concentrado en las dos tareas más importantes que demandaba entonces el arte: romper la representación y disolver la frontera que lo separaba de la vida. Fracasar en esta doble empresa habría certificado, según Bürger, la derrota de la vanguardia y quizá algo peor: su imposibilidad. Cuarenta años después, Teoría de la retaguardia es un manifiesto irónico surgido de ese fiasco, aunque no pierde el tiempo ni lamentándolo ni maquillándolo. Sobre todo porque aquí se entiende que nuestra época no está marcada por la distancia entre el arte y la vida, sino por una tensión entre el arte y la supervivencia, que es la continuación de la vida por cualquier medio. En el malestar que brota de esa supervivencia, Teoría de la retaguardia sospecha de un arte que va dejando sus esquirlas en la política, la iconografía o la literatura, ámbitos desde los que regresa cada vez más maltrecho a su Ítaca de siempre: el museo. Desde ese viaje de ida y vuelta, este ensayo mordaz y austero -en el que se tropiezan Duchamp con La Lupe, la revolución con el museo, Paul Virilio con Joan Fontcuberta o Fukuyama con Michael Jackson- se pregunta si el Arte Contemporáneo no se acaba nunca. Porque si fuera mortal, entonces habría que escribirle un final. "
En 1912 el arquitecto Frank Lloyd Wright (1867-1959) publicó en Chicago un breve ensayo con el título "La estampa japonesa: Una interpretación". Para entonces ya era un prestigioso arquitecto y sus viajes, primero por Japón y después por Europa, fueron dejando un importante poso en su obra. En concreto, la cultura nipona le mostró una vía para desarrollar la relación entre la arquitectura, la geometría y la naturaleza. En pleno proceso de descubrimiento de los valores estéticos de este arte y dentro del influyente movimiento del Japonismo, esta obra muestra el interés de Wright por el grabado popular japonés, en especial por los grandes paisajistas Katsushika Hokusai (1760-1849) y Andō Hiroshige (1797-1858).
Sumérgete en el complicado mundo del arte kaleidoscópico. Estos exquisitos libros presentan diseños geométricos de espectaculares monumentos, maravillas y ejemplos de la flora y la fauna que puedes completar con cientos de pegatinas de diferentes formas. Cada página contiene una imagen increíblemente minuciosa con espacios específicos para cada pegatina. Es muy sencillo y gratificante : sólo tienes que coger las pegatinas y colocarlas en su correspondiente lugar. ¡ Estás a un paso de completar tu obra maestra y convertirte en un artista !
La fotografía es uno de los inventos por excelencia debido a su transversalidad, característica que la define y que permitió su inmediata aplicación a la ciencia, el arte y la industria, al tiempo que se convertía en memoria de la humanidad al captar la realidad o al reproducir los objetos. La prensa fue el único observatorio general desde el que conocer su evolución y tratamiento durante el siglo XIX, y en la España decimonónica hubo una gran atención a su impacto social, cultural y tecnológico, así como a las reacciones que motivó. Esta obra tiene como objeto la recuperación y el análisis de la información sobre la materia en la prensa del siglo XIX, con el fin de aportar nuevos datos para su historia. Se contemplan así varios aspectos: el enfoque histórico de los escritores, periodistas y críticos (entre los que destacan Pedro Martínez de Hebert, el conde de Benazuza, Pedro Barragán y Pedro Gascón Gotor), las técnicas (cámaras y objetivos, accesorios, soportes, instantaneidad), aplicaciones (pintura, prensa, edición, astronomía, identificación), métodos de difusión (manuales, agrupaciones, exposiciones, libros ilustrados) y los procedimientos empleados por los clásicos (Daguerre, Niépce, Talbot, Bayard, Niépce de Saint Victor y tantos otros), desde la presentación oficial del daguerrotipo en 1839 hasta los primeros experimentos en color (calotipo, colodión, albúmina, gelatinobromuro). Mediante el análisis de los textos se ha recuperado la información y, desde la revisión de los contenidos, ha resultado una antología fundamental que permite entender su desarrollo y evolución. La obra se completa con una cronología esencial, un glosario de términos y las referencias bibliográficas empleadas en la investigación.
la guía obras maestras museo del prado reúne en un solo volumen lo más destacado de las colecciones de esta pinacoteca, tanto en pintura como en escultura. en ella están representadas las principales piezas que el museo atesora, desde las esculturas de l
Se aborda en este libro el estudio de la vida, la obra y la significación de Velázquez a través de una amplia variedad de temas y perspectivas, desde la etapa inicial de su carrera y los problemas atributivos que plantean dos cuadros que se relacionan con él hasta la recepción de su pintura: artistas, críticos, historiadores, literatos, museólogos o el público anónimo desfilan por sus páginas para explicar el lugar que ocupa el sevillano en el imaginario de la cultura occidental. Velázquez dedicó la mayor parte de sus esfuerzos a su faceta de retratista cortesano, analizada aquí desde el punto de vista de las fórmulas de representación que fue adoptando, fruto siempre de un compromiso entre los retos estéticos, la cultura ceremonial de la época, los ideales políticos, la tradición y las expectativas que generaba la representación del rey y su entorno. Entre retrato y retrato, el sevillano se acercó a la «pintura de historia», campo en el que hizo gala de extraordinaria originalidad a través de narraciones complejas construidas con una técnica distinta y original. Fue ahí donde expresó de manera más explícita su postura ante la tradición pictórica y el papel que deseaba desempeñar dentro de ella. A través de los catorce textos que componen este volumen, el autor plantea una de las reflexiones recientes más certeras sobre la figura de Velázquez y el significado de su obra.
Esta obra permite al lector adentrarse en el mundo artístico de un modo sumamente sencillo: solo hace falta que lleve consigo su curiosidad. ¿En qué consistió la furia iconoclasta del siglo xvi? ¿Qué supuso la formación de las Guerrilla Girls? ¿Todavía se hacen happenings? No tardará en saberlo. En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte, un cronograma accesible y un índice de artistas. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
¿Por qué hubo tantos artistas suicidas, desde el Renacimiento al siglo XX? ¿Qué llevó a muchos creadores a autorretratarse de forma obsesiva, anticipándose en siglos al selfie del siglo XXI? ¿Qué redes sociales hubieran empleado los pintores del Barroc
Decía Jimmy Durham que las sillas delimitan nuestros cuerpos con el fin de volverse esenciales y que la arquitectura —espíritu santo de una entidad fantasmal y escurridiza vinculada con el Estado— fue la encargada de inventarlas. Del mismo modo, cientos de artistas y literatos llevan décadas mostrándonos el papel de los culos más inquietos en la lucha contra estructuras y escaños, intentando recordarnos de mil maneras lo que todos tenemos abajo. ¿Cómo contar, entonces, la historia de los culos libertarios que montaron la artística Logia P2 alzándose contra tanta opresión? Obviamente, con cierto tacto y notable atención. Ese, y no otro, es el objetivo de este libro.
Esta enciclopedia es una guía esencial para conocer las grandes obras, las figuras más destacadas y la evolución artística de todas las artes plásticas. La evolución de la pintura, desde las cuevas prehistóricas hasta el Pop Art (técnicas, estilos, escuelas importantes?), la escultura, tanto antigua como moderna, y la fotografía, reflejando o distorsionando el mundo real (primeras fotografías, evolución de la cámara, tipos?). Una obra repleta de impresionantes imágenes a todo color, con datos y curiosidades sobre el mundo del arte.
"Hace cuatro décadas, Peter Bürger publicó su Teoría de la vanguardia, un libro de culto, concentrado en las dos tareas más importantes que demandaba entonces el arte: romper la representación y disolver la frontera que lo separaba de la vida. Fracasar en esta doble empresa habría certificado, según Bürger, la derrota de la vanguardia y quizá algo peor: su imposibilidad. Cuarenta años después, Teoría de la retaguardia es un manifiesto irónico surgido de ese fiasco, aunque no pierde el tiempo ni lamentándolo ni maquillándolo. Sobre todo porque aquí se entiende que nuestra época no está marcada por la distancia entre el arte y la vida, sino por una tensión entre el arte y la supervivencia, que es la continuación de la vida por cualquier medio. En el malestar que brota de esa supervivencia, Teoría de la retaguardia sospecha de un arte que va dejando sus esquirlas en la política, la iconografía o la literatura, ámbitos desde los que regresa cada vez más maltrecho a su Ítaca de siempre: el museo. Desde ese viaje de ida y vuelta, este ensayo mordaz y austero -en el que se tropiezan Duchamp con La Lupe, la revolución con el museo, Paul Virilio con Joan Fontcuberta o Fukuyama con Michael Jackson- se pregunta si el Arte Contemporáneo no se acaba nunca. Porque si fuera mortal, entonces habría que escribirle un final. "
En 1912 el arquitecto Frank Lloyd Wright (1867-1959) publicó en Chicago un breve ensayo con el título "La estampa japonesa: Una interpretación". Para entonces ya era un prestigioso arquitecto y sus viajes, primero por Japón y después por Europa, fueron dejando un importante poso en su obra. En concreto, la cultura nipona le mostró una vía para desarrollar la relación entre la arquitectura, la geometría y la naturaleza. En pleno proceso de descubrimiento de los valores estéticos de este arte y dentro del influyente movimiento del Japonismo, esta obra muestra el interés de Wright por el grabado popular japonés, en especial por los grandes paisajistas Katsushika Hokusai (1760-1849) y Andō Hiroshige (1797-1858).
Sumérgete en el complicado mundo del arte kaleidoscópico. Estos exquisitos libros presentan diseños geométricos de espectaculares monumentos, maravillas y ejemplos de la flora y la fauna que puedes completar con cientos de pegatinas de diferentes formas. Cada página contiene una imagen increíblemente minuciosa con espacios específicos para cada pegatina. Es muy sencillo y gratificante : sólo tienes que coger las pegatinas y colocarlas en su correspondiente lugar. ¡ Estás a un paso de completar tu obra maestra y convertirte en un artista !
La fotografía es uno de los inventos por excelencia debido a su transversalidad, característica que la define y que permitió su inmediata aplicación a la ciencia, el arte y la industria, al tiempo que se convertía en memoria de la humanidad al captar la realidad o al reproducir los objetos. La prensa fue el único observatorio general desde el que conocer su evolución y tratamiento durante el siglo XIX, y en la España decimonónica hubo una gran atención a su impacto social, cultural y tecnológico, así como a las reacciones que motivó. Esta obra tiene como objeto la recuperación y el análisis de la información sobre la materia en la prensa del siglo XIX, con el fin de aportar nuevos datos para su historia. Se contemplan así varios aspectos: el enfoque histórico de los escritores, periodistas y críticos (entre los que destacan Pedro Martínez de Hebert, el conde de Benazuza, Pedro Barragán y Pedro Gascón Gotor), las técnicas (cámaras y objetivos, accesorios, soportes, instantaneidad), aplicaciones (pintura, prensa, edición, astronomía, identificación), métodos de difusión (manuales, agrupaciones, exposiciones, libros ilustrados) y los procedimientos empleados por los clásicos (Daguerre, Niépce, Talbot, Bayard, Niépce de Saint Victor y tantos otros), desde la presentación oficial del daguerrotipo en 1839 hasta los primeros experimentos en color (calotipo, colodión, albúmina, gelatinobromuro). Mediante el análisis de los textos se ha recuperado la información y, desde la revisión de los contenidos, ha resultado una antología fundamental que permite entender su desarrollo y evolución. La obra se completa con una cronología esencial, un glosario de términos y las referencias bibliográficas empleadas en la investigación.