¿Cuándo y por qué empezaron las exposiciones de obras de arte de los grandes maestros, y cómo han evolucionado a lo largo de los siglos? En este libro, un eminente historiador del arte examina la fascinante historia, y la importancia, de estas exposiciones internacionales de arte. Francis Haskell empieza comentando la primera exposición de obras maestras en Roma y en Florencia en el siglo XVII, y después se desplaza hasta la Francia del siglo XVIII y sus esfuerzos para organizar exposiciones de arte contemporáneo, que serían una alternativa a las oficiales que organizaba el Salón. Describe a continuación el papel de la Institución Británica en Londres y la serie de extraordinarias exposiciones, «de préstamo», de grandes obras clásicas que allí tuvieron lugar. Traza la emergencia de exposiciones nacionalistas como la de Rembrand celebrada en Amsterdam en 1898 -la primera «bomba» moderna. Demostrando cómo la exposición internacional de préstamo era un vehículo de política extranjera y cultural después de la primera guerra mundial, Haskell nos ofrece un informe fascinante de muchas de estas exposiciones. Especialmente de la de arte italiano celebrada en la Burlington House de Londres, en 1930. Describe también la reticencia inicial de los principales museos a la hora de enviar cuadros en viajes potencialmente perjudiciales, y explica cómo este sentimiento dio paso a un cauto entusiasmo. Finalmente, en un polémico capítulo, investiga los tipos de publicación que se asocian a las exposiciones, y la crítica y erudición que se centran a su alrededor.
Edición actualizada con artistas contemporáneos de esta clásica historia de la pintura a través del autorretrato que se publicó por primera vez hace más de 80 años. (Incluye 84 artistas nuevos y 31 obras realizadas desde el año 2000, fecha de la última revisión) El autorretrato se ha utilizado originalmente en la pintura sobre todo como investigación por parte del pintor de cómo plasmar ciertas expresiones o sentimientos y usarlas como promoción en la búsqueda de trabajo. Este libro recoge los mejores autorretratos de la pintura (De Durero a Rembrandt o David Hockney), la fotografía (Cindy Sherman), performance (Abramóvic), escultura e incluso instalaciones y también se puede leer como una interesante historia del ego de los artistas. Ordenado cronológicamente incluye citas de los artistas y un par de ensayos a cargo de Julien Bell y Liz Rideal. La portada es un espejo, de tal forma que el autorretrato 501 es el de su comprador final.
Lo posmoderno es un fenómeno de largo recorrido, cuyas distintas etapas, interrumpidas o frenadas por el resurgir de lo moderno, pueden articularse con criterios temporales, a semejanza de las fases por las que transcurre el día o el año. Habría, así, un amanecer o primavera de lo posmoderno, entre finales del siglo XVIII y principios del XIX (con Goya, Füssli o William Blake como artistas destacados); un mediodía o verano, que se corresponde con las vanguardias artísticas de principios del siglo XX (Gauguin, Seurat, Picasso ) y, por último, la actual y prolongada fase otoñal, o vespertina, de expansión de lo posmoderno a las distintas culturas del planeta.
Retrobat a finals del segle XIX a la catedral de Girona, l?anomenat fins ara Tapís de la Creació és una de les grans obres universals de l?edat mitjana. La seva importància rau tant en el fet de ser un teixit d?unes dimensions considerables, com en el complex programa d?imatges que el caracteritza. Per tot plegat va ser objecte de l?atenció d?investigadors com ara Pere de Palol, que va portar el nivell de comprensió de l?obra a un punt difícilment superable. La feliç coincidència en el temps de la restauració més acurada que mai s?havia fet de la peça (al Centre de Restauració de Béns Mobles de Catalunya), de la publicació d?un treball de recerca que hi projecta nova llum i de la notable millora del coneixement de diferents aspectes de la seu gironina, ens permet avui d?anar més enllà i presentar en aquest volum la que sens dubte és una nova fita, amb algunes sorpreses, en l?estudi d?aquest brodat excepcional.
La biografía definitiva del hombre más influyente de los últimos 200 años. «Stedman Jones desmonta la doctrina sin desestimar al pensador, cortando los cables que unen a ambos con la delicadeza de un experto en desactivación de explosivos. Un logro extraordinario e incomparable.»Ferdinand Mount, The Times Literary Supplement El siglo XIX fue una época de cambios sin precedentes: las ciudades crecieron, una ola tras otra de invenciones dio lugar a monstruosas fábricas y se plantearon grandes retos intelectuales y debates sobre sistemas políticos, religión y, sobre todo, el futuro. En el centro de estas discusiones estaba Marx, quien dedicó su vida a dar sentido a los rompecabezas y paradojas de la nueva era. En esta espléndida biografía intelectual, Stedman Jones recoloca a Marx en su contexto, antes de que emergieran la mitología marxista y las elaboraciones póstumas de su personalidad. Su relato da cuenta de las grandes diferencias entre el propio Marx -quién era, cómo se comportó y qué pensó- y su representación en el discurso político. Este libro permite al lector comprender cómo se forjó del ideario de Marx y, al tiempo, el modo en que Marx forjó nuestro mundo. Reseñas:«Imponente, denso y formidable.»Dominic Sandbrook, The Sunday Times «Magnífico. Mientras insistamos en nuestra tendencia a separar la economía de la política, la filosofía y el periodismo, Marx seguirá siendo el ejemplo sobresaliente de cómo superar esa fragmentación del pensamiento social moderno y pensar en el mundo como un todo en aras de su mejora. Y este libro será una guía admirable de cómo lo hizo.»Financial Times «Una historia intelectual fruto de una investigación impecable. Excelente. Para cualquier persona interesada en el pensamiento de Marx, este libro es una joya.»The Telegraph «No hay mejor guía para entender a Marx que Gareth Stedman Jones.»The Economist «Un relato profundamente original y esclarecedor de viaje de Marx a través de la historia intelectual del siglo XIX. Stedman Jones explora con elegancia y brillantez analítica las amistades, las afinidades, las rivalidades y los odios que dieron forma a la vida de Marx. Una reevaluación profunda y una lectura apasionante.»Christopher Clark, autor de Sonámbulos «Una biografía intelectual exhaustiva y asombrosamente bien documentada.»Oliver Bullough, The Guardian «En este libro rica y profundamente investigado, Stedman Jones ofrece una imagen novedosa de Marx.»John Gray, Literary Review «El análisis que hace Stedman Jones de los diagnósticos económicos y sociológicos de de Marx perdurará. El libro sitúa a Marx en el contexto del siglo XIX precisamente para demostrar la paradoja de lecturas interpretativas y lecturas erróneas que generaron su impacto global.»George Steiner, The Times Literary Supplement «Importante. Aporta excepcionales enseñanzas a la tarea de situar a Marx en la vida intelectual y política de la Europa del siglo XIX.»Louis Menand, The New Yorker «Una biografía sorprendente, brillante y de agradable lectura.»Steve Donoghue, Open Letters Monthly «Un libro magnífico e importante sobre un intelectual en su lucha por dar sentido a un mundo en pleno desarrollo. Es también un fascinante retrato de ese mundo visto a través de la mirada de ese intelectual.»Jeremy Adelman, Public Books
En colaboración con el Museo Nacional del Prado, este libro estudia las obras de contenido mitológico más importantes de nuestra universal pinacoteca. La descripción de cada obra se acompaña de una imagen de la misma, a todo color, de una calidad inigualable. Las imágenes han sido tomadas por los fotógrafos del Prado. Las partes en las que se divide el libro (entre las que sobresalen, por destacar algunas, Las fábulas de Velázquez y su entorno o La torre de la Parada) vienen precedidas por claras introducciones al conjunto en cuestión. Todas ellas incluyen bellos grabados, cuidadosamente seleccionados por los autores. Como complemento, el lector podrá aproximarse a los textos antiguos que sirvieron de inspiración para la realización de estas obras.
Desde la Edad Media, la riqueza de los tapices marcaba la diferencia entre sus poseedores. El oro, la plata, las joyas, y también los paños, no solo mostraban la riqueza sino la magnificencia del poseedor, por lo que atesorar tapices fue obsesión de los principales nobles y clérigos, y por supuesto de los monarcas. Se utilizaban en todas las ceremonias importantes y colgaban tanto en el interior de los palacios como en las calles cuando se trataba de dar la bienvenida a un invitado ilustre. La magnificencia no era considerada pura ostentación, sino una virtud siguiendo la definición que de ella hace Aristóteles en su Ética a Nicómaco. Mas la fortuna es cambiante y si el gusto por los paños fue común a toda Europa, también lo fue el rechazo propiciado a partir del siglo xviii cuando los tapices comenzaron a ser relegados frente a las pinturas. Pero mientras se extendía el desinterés y muchas colecciones se destruyeron o mutilaron, algunos potentados estadounidenses se afanaban en comprar tapices con los que decorar sus lujosas mansiones. Muchas piezas se han perdido irremediablemente y solo en las últimas décadas se ha producido un cambio importante en cuanto a la apreciación de estas obras de arte que en ningún caso pueden tacharse de menores, aplicadas o decorativas. Los ensayos que aparecen en esta publicación, realizados por profesores universitarios, conservadores de museos y miembros de instituciones científicas que se han preocupado por los paños, muestran el interés que suscitan entre algunos estudiosos, a la vez que son un esfuerzo por darlos a conocer a un público que hasta ahora ha mirado los tapices con recelo, y a aquellos interesados que por falta de información no se han percatado de la belleza ni de la importancia que tuvieron en otras épocas.
En la búsqueda de la no-objetividad, de una pintura libre de temas y comprometida sólo consigo misma, estableciendo así un lazo inmediato con el mundo basado, no en los objetos, sino en las sensaciones.
Cofundador con Piet Mondrian del neoplasticismo de De Stijl, el holandés Theo van Doesburg fue también un destacado exponente del dadaísmo, movimiento al que dio a conocer en Holanda con este panfleto-manifiesto de 1923.
Buena parte de las teorías actuales dan por supuesta la autonomía del arte, entendida como independencia de la actividad artística respecto de las prácticas habituales que realizamos en nuestra vida cotidiana, orientadas al logro de objetivos. Pero la au
Luis Paret y Alcázar (1746-1799) es una de las figuras más interesantes del arte español del siglo XVIII. Artista erudito de azarosa biografía, ocupa aún hoy un lugar desplazado en el discurso teórico de su tiempo a causa de un eslogan ?el «Watteau espagnol»? que le convierte en máximo exponente del rococó en nuestro país y condiciona nuestra percepción sobre su figura, limitando el verdadero alcance de su trabajo. Señalado también como un pintor especializado en vistas de puertos, floreros y escenas galantes, su formación y cultura revelan, sin embargo, que hay mucho más. Algunos juicios estéticos y criterios historiográficos del siglo pasado han contrastado recurrentemente su obra con la de Francisco de Goya, buscando la oposición entre el talante erudito de Paret y el talento genial e innato del aragonés. Así se creó la imagen de un artista «espontáneo y alegre» que se dejaba influenciar «demasiado» por el gusto francés. Por ello, el objetivo de este estudio es mostrar a través del análisis de su cultura artística que el madrileño fue un artista plenamente ligado al contexto socio-histórico de su época y, a través de sus dibujos, probar que su supuesta heterodoxia está vinculada a la diversidad de sus intereses artísticos. Este catálogo razonado reúne un corpus de 165 dibujos ordenados cronológicamente que permiten conocer tanto los procesos creativos de Paret como los temas y motivaciones que le animaron a lo largo de su carrera. Se incluyen también como anexos la identificación del contenido de la biblioteca del artista, una relación de estampas autógrafas y otra de obras desaparecidas sólo conocidas a partir de grabados. Este volumen constituye además el catálogo de la exposición del mismo título celebrada en la Biblioteca Nacional de España.
La presente traducción de este clásico de la alquimia respeta el significado alquímico del texto original. La versión anterior, realizada en la década de los sesenta, respetó la letra con un estilo equivalente al original pero mató el espíritu que la vivifica; y si el asunto que trata ya es de por sí complicado, obviando las sutilezas alquímicas todo se vuelve oscuro, cuando realmente se trata de iluminar al lector. En esta traducción el mensaje alquímico está indemne, su estilo respetado, la puntuación mejorada para una más fácil lectura, hemos tratado de dar coherencia a las mayúsculas/minúsculas antedichas y las láminas están bien numeradas. Durante su preparación, dudamos si debiéramos comentar el texto siguiendo el estilo de la excelente edición en italiano, pero a la postre decidimos no hacerlo. El libro exige sucesivas lecturas para su comprensión, que a veces tuviera uno la impresión de ser insondable; una clarificación excesiva de su contenido pervertiría el Camino que el lector haya de trazarse. El frondoso bosque debe desbrozarse poco a poco y las notas explicativas pueden llegar a desorientar y hacer farragosa la lectura. Las claves para su comprensión están dadas en este prólogo; reléalo pausadamente. Le gustará saber que la simbología alquímica esta explicada con generosidad en los libros de C.G. Jung, Fred Gettings y Raimon Arola, autores que recomendamos vivamente.
El Museo Reina Sofía presenta una retrospectiva de Eusebio Sempere (Onil, Alicante, 1923-1985), una de las figuras más significativas del arte español del siglo XX. El artista alicantino comparte escenarios e ideas del arte cinético y se caracteriza por una poética basada en la luz y el color. El suyo «es un arte a la vez concreto, poético, lógico e incluso, urbanístico», escribió el crítico de arte y ensayista Vicente Aguilera Cerni. La muestra reúne alrededor de 170 obras entre acuarelas, gouaches, relieves luminosos, collages, pinturas, móviles, esculturas y proyectos interdisciplinares. Completa la retrospectiva un apartado documental que abarca desde 1949 a principios de la década de 1980.
¿Cuándo y por qué empezaron las exposiciones de obras de arte de los grandes maestros, y cómo han evolucionado a lo largo de los siglos? En este libro, un eminente historiador del arte examina la fascinante historia, y la importancia, de estas exposiciones internacionales de arte. Francis Haskell empieza comentando la primera exposición de obras maestras en Roma y en Florencia en el siglo XVII, y después se desplaza hasta la Francia del siglo XVIII y sus esfuerzos para organizar exposiciones de arte contemporáneo, que serían una alternativa a las oficiales que organizaba el Salón. Describe a continuación el papel de la Institución Británica en Londres y la serie de extraordinarias exposiciones, «de préstamo», de grandes obras clásicas que allí tuvieron lugar. Traza la emergencia de exposiciones nacionalistas como la de Rembrand celebrada en Amsterdam en 1898 -la primera «bomba» moderna. Demostrando cómo la exposición internacional de préstamo era un vehículo de política extranjera y cultural después de la primera guerra mundial, Haskell nos ofrece un informe fascinante de muchas de estas exposiciones. Especialmente de la de arte italiano celebrada en la Burlington House de Londres, en 1930. Describe también la reticencia inicial de los principales museos a la hora de enviar cuadros en viajes potencialmente perjudiciales, y explica cómo este sentimiento dio paso a un cauto entusiasmo. Finalmente, en un polémico capítulo, investiga los tipos de publicación que se asocian a las exposiciones, y la crítica y erudición que se centran a su alrededor.
Edición actualizada con artistas contemporáneos de esta clásica historia de la pintura a través del autorretrato que se publicó por primera vez hace más de 80 años. (Incluye 84 artistas nuevos y 31 obras realizadas desde el año 2000, fecha de la última revisión) El autorretrato se ha utilizado originalmente en la pintura sobre todo como investigación por parte del pintor de cómo plasmar ciertas expresiones o sentimientos y usarlas como promoción en la búsqueda de trabajo. Este libro recoge los mejores autorretratos de la pintura (De Durero a Rembrandt o David Hockney), la fotografía (Cindy Sherman), performance (Abramóvic), escultura e incluso instalaciones y también se puede leer como una interesante historia del ego de los artistas. Ordenado cronológicamente incluye citas de los artistas y un par de ensayos a cargo de Julien Bell y Liz Rideal. La portada es un espejo, de tal forma que el autorretrato 501 es el de su comprador final.
Lo posmoderno es un fenómeno de largo recorrido, cuyas distintas etapas, interrumpidas o frenadas por el resurgir de lo moderno, pueden articularse con criterios temporales, a semejanza de las fases por las que transcurre el día o el año. Habría, así, un amanecer o primavera de lo posmoderno, entre finales del siglo XVIII y principios del XIX (con Goya, Füssli o William Blake como artistas destacados); un mediodía o verano, que se corresponde con las vanguardias artísticas de principios del siglo XX (Gauguin, Seurat, Picasso
) y, por último, la actual y prolongada fase otoñal, o vespertina, de expansión de lo posmoderno a las distintas culturas del planeta.
Retrobat a finals del segle XIX a la catedral de Girona, l?anomenat fins ara Tapís de la Creació és una de les grans obres universals de l?edat mitjana. La seva importància rau tant en el fet de ser un teixit d?unes dimensions considerables, com en el complex programa d?imatges que el caracteritza. Per tot plegat va ser objecte de l?atenció d?investigadors com ara Pere de Palol, que va portar el nivell de comprensió de l?obra a un punt difícilment superable. La feliç coincidència en el temps de la restauració més acurada que mai s?havia fet de la peça (al Centre de Restauració de Béns Mobles de Catalunya), de la publicació d?un treball de recerca que hi projecta nova llum i de la notable millora del coneixement de diferents aspectes de la seu gironina, ens permet avui d?anar més enllà i presentar en aquest volum la que sens dubte és una nova fita, amb algunes sorpreses, en l?estudi d?aquest brodat excepcional.
La biografía definitiva del hombre más influyente de los últimos 200 años. «Stedman Jones desmonta la doctrina sin desestimar al pensador, cortando los cables que unen a ambos con la delicadeza de un experto en desactivación de explosivos. Un logro extraordinario e incomparable.»Ferdinand Mount, The Times Literary Supplement El siglo XIX fue una época de cambios sin precedentes: las ciudades crecieron, una ola tras otra de invenciones dio lugar a monstruosas fábricas y se plantearon grandes retos intelectuales y debates sobre sistemas políticos, religión y, sobre todo, el futuro. En el centro de estas discusiones estaba Marx, quien dedicó su vida a dar sentido a los rompecabezas y paradojas de la nueva era. En esta espléndida biografía intelectual, Stedman Jones recoloca a Marx en su contexto, antes de que emergieran la mitología marxista y las elaboraciones póstumas de su personalidad. Su relato da cuenta de las grandes diferencias entre el propio Marx -quién era, cómo se comportó y qué pensó- y su representación en el discurso político. Este libro permite al lector comprender cómo se forjó del ideario de Marx y, al tiempo, el modo en que Marx forjó nuestro mundo. Reseñas:«Imponente, denso y formidable.»Dominic Sandbrook, The Sunday Times «Magnífico. Mientras insistamos en nuestra tendencia a separar la economía de la política, la filosofía y el periodismo, Marx seguirá siendo el ejemplo sobresaliente de cómo superar esa fragmentación del pensamiento social moderno y pensar en el mundo como un todo en aras de su mejora. Y este libro será una guía admirable de cómo lo hizo.»Financial Times «Una historia intelectual fruto de una investigación impecable. Excelente. Para cualquier persona interesada en el pensamiento de Marx, este libro es una joya.»The Telegraph «No hay mejor guía para entender a Marx que Gareth Stedman Jones.»The Economist «Un relato profundamente original y esclarecedor de viaje de Marx a través de la historia intelectual del siglo XIX. Stedman Jones explora con elegancia y brillantez analítica las amistades, las afinidades, las rivalidades y los odios que dieron forma a la vida de Marx. Una reevaluación profunda y una lectura apasionante.»Christopher Clark, autor de Sonámbulos «Una biografía intelectual exhaustiva y asombrosamente bien documentada.»Oliver Bullough, The Guardian «En este libro rica y profundamente investigado, Stedman Jones ofrece una imagen novedosa de Marx.»John Gray, Literary Review «El análisis que hace Stedman Jones de los diagnósticos económicos y sociológicos de de Marx perdurará. El libro sitúa a Marx en el contexto del siglo XIX precisamente para demostrar la paradoja de lecturas interpretativas y lecturas erróneas que generaron su impacto global.»George Steiner, The Times Literary Supplement «Importante. Aporta excepcionales enseñanzas a la tarea de situar a Marx en la vida intelectual y política de la Europa del siglo XIX.»Louis Menand, The New Yorker «Una biografía sorprendente, brillante y de agradable lectura.»Steve Donoghue, Open Letters Monthly «Un libro magnífico e importante sobre un intelectual en su lucha por dar sentido a un mundo en pleno desarrollo. Es también un fascinante retrato de ese mundo visto a través de la mirada de ese intelectual.»Jeremy Adelman, Public Books
En colaboración con el Museo Nacional del Prado, este libro estudia las obras de contenido mitológico más importantes de nuestra universal pinacoteca. La descripción de cada obra se acompaña de una imagen de la misma, a todo color, de una calidad inigualable. Las imágenes han sido tomadas por los fotógrafos del Prado. Las partes en las que se divide el libro (entre las que sobresalen, por destacar algunas, Las fábulas de Velázquez y su entorno o La torre de la Parada) vienen precedidas por claras introducciones al conjunto en cuestión. Todas ellas incluyen bellos grabados, cuidadosamente seleccionados por los autores. Como complemento, el lector podrá aproximarse a los textos antiguos que sirvieron de inspiración para la realización de estas obras.
Desde la Edad Media, la riqueza de los tapices marcaba la diferencia entre sus poseedores. El oro, la plata, las joyas, y también los paños, no solo mostraban la riqueza sino la magnificencia del poseedor, por lo que atesorar tapices fue obsesión de los principales nobles y clérigos, y por supuesto de los monarcas. Se utilizaban en todas las ceremonias importantes y colgaban tanto en el interior de los palacios como en las calles cuando se trataba de dar la bienvenida a un invitado ilustre. La magnificencia no era considerada pura ostentación, sino una virtud siguiendo la definición que de ella hace Aristóteles en su Ética a Nicómaco. Mas la fortuna es cambiante y si el gusto por los paños fue común a toda Europa, también lo fue el rechazo propiciado a partir del siglo xviii cuando los tapices comenzaron a ser relegados frente a las pinturas. Pero mientras se extendía el desinterés y muchas colecciones se destruyeron o mutilaron, algunos potentados estadounidenses se afanaban en comprar tapices con los que decorar sus lujosas mansiones. Muchas piezas se han perdido irremediablemente y solo en las últimas décadas se ha producido un cambio importante en cuanto a la apreciación de estas obras de arte que en ningún caso pueden tacharse de menores, aplicadas o decorativas. Los ensayos que aparecen en esta publicación, realizados por profesores universitarios, conservadores de museos y miembros de instituciones científicas que se han preocupado por los paños, muestran el interés que suscitan entre algunos estudiosos, a la vez que son un esfuerzo por darlos a conocer a un público que hasta ahora ha mirado los tapices con recelo, y a aquellos interesados que por falta de información no se han percatado de la belleza ni de la importancia que tuvieron en otras épocas.
En la búsqueda de la no-objetividad, de una pintura libre de temas y comprometida sólo consigo misma, estableciendo así un lazo inmediato con el mundo basado, no en los objetos, sino en las sensaciones.
Cofundador con Piet Mondrian del neoplasticismo de De Stijl, el holandés Theo van Doesburg fue también un destacado exponente del dadaísmo, movimiento al que dio a conocer en Holanda con este panfleto-manifiesto de 1923.
Buena parte de las teorías actuales dan por supuesta la autonomía del arte, entendida como independencia de la actividad artística respecto de las prácticas habituales que realizamos en nuestra vida cotidiana, orientadas al logro de objetivos. Pero la au
Luis Paret y Alcázar (1746-1799) es una de las figuras más interesantes del arte español del siglo XVIII. Artista erudito de azarosa biografía, ocupa aún hoy un lugar desplazado en el discurso teórico de su tiempo a causa de un eslogan ?el «Watteau espagnol»? que le convierte en máximo exponente del rococó en nuestro país y condiciona nuestra percepción sobre su figura, limitando el verdadero alcance de su trabajo. Señalado también como un pintor especializado en vistas de puertos, floreros y escenas galantes, su formación y cultura revelan, sin embargo, que hay mucho más. Algunos juicios estéticos y criterios historiográficos del siglo pasado han contrastado recurrentemente su obra con la de Francisco de Goya, buscando la oposición entre el talante erudito de Paret y el talento genial e innato del aragonés. Así se creó la imagen de un artista «espontáneo y alegre» que se dejaba influenciar «demasiado» por el gusto francés. Por ello, el objetivo de este estudio es mostrar a través del análisis de su cultura artística que el madrileño fue un artista plenamente ligado al contexto socio-histórico de su época y, a través de sus dibujos, probar que su supuesta heterodoxia está vinculada a la diversidad de sus intereses artísticos. Este catálogo razonado reúne un corpus de 165 dibujos ordenados cronológicamente que permiten conocer tanto los procesos creativos de Paret como los temas y motivaciones que le animaron a lo largo de su carrera. Se incluyen también como anexos la identificación del contenido de la biblioteca del artista, una relación de estampas autógrafas y otra de obras desaparecidas sólo conocidas a partir de grabados. Este volumen constituye además el catálogo de la exposición del mismo título celebrada en la Biblioteca Nacional de España.
La presente traducción de este clásico de la alquimia respeta el significado alquímico del texto original. La versión anterior, realizada en la década de los sesenta, respetó la letra con un estilo equivalente al original pero mató el espíritu que la vivifica; y si el asunto que trata ya es de por sí complicado, obviando las sutilezas alquímicas todo se vuelve oscuro, cuando realmente se trata de iluminar al lector. En esta traducción el mensaje alquímico está indemne, su estilo respetado, la puntuación mejorada para una más fácil lectura, hemos tratado de dar coherencia a las mayúsculas/minúsculas antedichas y las láminas están bien numeradas. Durante su preparación, dudamos si debiéramos comentar el texto siguiendo el estilo de la excelente edición en italiano, pero a la postre decidimos no hacerlo. El libro exige sucesivas lecturas para su comprensión, que a veces tuviera uno la impresión de ser insondable; una clarificación excesiva de su contenido pervertiría el Camino que el lector haya de trazarse. El frondoso bosque debe desbrozarse poco a poco y las notas explicativas pueden llegar a desorientar y hacer farragosa la lectura. Las claves para su comprensión están dadas en este prólogo; reléalo pausadamente. Le gustará saber que la simbología alquímica esta explicada con generosidad en los libros de C.G. Jung, Fred Gettings y Raimon Arola, autores que recomendamos vivamente.
El Museo Reina Sofía presenta una retrospectiva de Eusebio Sempere (Onil, Alicante, 1923-1985), una de las figuras más significativas del arte español del siglo XX. El artista alicantino comparte escenarios e ideas del arte cinético y se caracteriza por una poética basada en la luz y el color. El suyo «es un arte a la vez concreto, poético, lógico e incluso, urbanístico», escribió el crítico de arte y ensayista Vicente Aguilera Cerni. La muestra reúne alrededor de 170 obras entre acuarelas, gouaches, relieves luminosos, collages, pinturas, móviles, esculturas y proyectos interdisciplinares. Completa la retrospectiva un apartado documental que abarca desde 1949 a principios de la década de 1980.