La concepción de las formas llamadas barrocas sobrepasa los límites de una mera y concreta época histórica; la categoría de Barroco se perfila, por tanto, como una "constante" de la cultura, definiendo un estilo fundamental de ésta y no meramente un estilo histórico o de época.
¿Qué hay de verdad en el arte contemporáneo? ¿Cómo funciona el sistema que le atribuye valor? ¿Cómo educar la mirada para adquirir esa sensibilidad ante las nuevas formas?
De igual manera que en la convocatoria precedente, la estructura de las Jornadas se articuló en una serie de secciones organizadas por áreas temáticas y cronológicas (Arte de la Edad Moderna, Arte de la Edad Contemporánea, Artes fuera de Europa, Cine y otros medios audiovisuales, y Patrimonio cultural y museología). Dentro de la sección dedicada al Arte de la Edad Moderna, los estudios dedicados a las artes tradicionales, como la arquitectura y la escultura, se vieron ampliados con nuevos contenidos como los relacionados con las encuadernaciones, la ingeniería militar o el mecenazgo. En la sección de Arte en la Edad Contemporánea el interés por disciplinas artísticas menos trabajadas hasta el momento, como el cómic o el paisajismo, se cumplimentó con una revitalización de los estudios referidos al siglo XIX, del que se prestó atención a temas considerados menores hasta fechas recientes, como el álbum ilustrado o la pintura de casacón. En cuanto a las Artes fuera de Europa, focalizadas en el ámbito asiático, la mayoría de las intervenciones se concentraron en el coleccionismo, reforzando una línea de investigación que viene desarrollándose en el seno de este departamento desde hace años; mientras que en lo relativo al Cine y otros medios audiovisuales, se abordó una pluralidad de temas que van desde la puesta en escena al videojuego, pasando por el análisis de tendencias y cineastas. El último apartado, que incluyó las comunicaciones sobre Patrimonio cultural y museología, se ocupó de asuntos vinculados con los procesos de restauración, la enseñanza o los nuevos museos. En definitiva, una amplitud de temas que reflejan la investigación que se realiza desde el Departamento de Historia del Arte y la pujanza de nuestros jóvenes investigadores.
Descubre cuáles han sido los principales cambios y movimientos del arte contemporáneo desde su nacimiento, en el siglo XVIII, hasta las últimas tendencias. La pregunta más repetida en relación con el arte de nuestra época es fruto de la perplejidad: ¿qué significa? Pues su principal y revolucionaria característica es el rechazo a la tradición. ¿Cuál es, entonces, el fundamento de ese arte que ya no busca imitar selectivamente la realidad para plasmar su belleza? La respuesta es la libertad. El ejercicio de ésta implica no aceptar determinación dogmática ni canon preestablecido alguno. Esto explica por qué, todavía hoy, se discute no el valor de una obra, sino qué es el arte. Como el resto de los valores de nuestra época, se rige por el tiempo, cuyo fundamento es el cambio. Probablemente nunca llegaremos a una formulación definitiva acerca del significado del arte, pero ello no nos priva de la experiencia y, por lo tanto, del saber derivado de la historia de esa aventura. En esta obra, Francisco Calvo Serraller analiza cuáles han sido los principales cambios y movimientos del arte contemporáneo desde su nacimiento, en el siglo XVIII, hasta las últimas tendencias. Esta nueva edición, para la que el autor ha escrito un «Epílogo a modo de prólogo» y que está profusamente ilustrada, aportará a los conocedores una síntesis clara de arquitectura, pintura, escultura, fotografía y cine, que permitirá ordenar conceptos, y a los profanos una clave para acercarse a este apasionante tema.
El arte siempre ha sido parte de la historia, pero a menudo se nos presenta como aparte de la historia. Por supuesto podemos disfrutar de las obras por sí mismas, pero nos dirán mucho más si entendemos cómo hemos llegado a llamar arte a lo que tenemos por tal. Este es un viaje extraordinario a través de las obras más importantes de la historia antigua y reciente, para encontrar otras formas de apreciarlas a través de las complejidades de su historia, las innovaciones y, por qué no, las rivalidades entre creadores. Una guía ilustrada, con fotos y como un cómic, accesible y detallada que nos permite disfrutar del arte en su contexto.
Un recorrido por la vida y la obra del pintor cretense (1541-1614) que, tras viajar por Italia, se asentó en Toledo y supo conjugar en su paleta el arte oriental bizantino de sus orígenes con la pintura italiana y española, aportando a esta última un misticismo que alarga las formas y que hace de sus retratos y composiciones obras atemporales. Una gran obra para disfrutar del arte y de la Historia.
Un ameno y enriquecedor recorrido por una de las primeras pinacotecas del mundo, atendiendo tanto al número como a la calidad de sus obras. En este museo, la impresionante muestra de la pintura española del Siglo de Oro, junto con las obras fl amencas, francesas, italianas y holandesas del siglo XVII, convive con los ejemplos más signifi cativos del arte medieval, renacentista y setecentista. Una gran obra para disfrutar del arte de todos los tiempos.
¿Cómo se escribe un guión de cómic hoy en día? ¿En qué consiste exactamente? ¿Qué elementos tiene? ¿Cuál es el proceso de documentación? ¿Cómo se establece la colaboración con los dibujantes? ¿Qué diferencia el guión de cómic de otros medios? ¿Cómo puede
La colección de vidas de santos que conocemos por el nombre de La leyenda dorada es en su mayor parte -hay añadidos de épocas posteriores- obra de Santiago de la Vorágine (h. 1228-1298), dominico italiano que llegó a ser arzobispo de Génova. De intención edificante, constituye una de las más claras expresiones de una literatura cristiana que, situándose muy lejos del discurso teológico e incorporando narraciones piadosas que en ocasiones se remontan a los siglos IV, V y VI, conectaba con el alma popular mediante la sabia fusión de historia y leyenda y de espiritualidad y materialidad. El gusto por el detalle visible y palpable que impregna estos relatos recorre asimismo la serie de xilografías que ilustra esta edición, procedente de la traducción italiana de la Leyenda que en Venecia publicó Capcasa en 1494. La inclusión de La leyenda Dorada en Alianza Forma apenas precisa de justificación. Ofrecer al lector español, y por primera vez, uno de los repertorios iconográficos más utilizados por el arte occidental desde el período tardomedieval hasta el siglo XIX tiene un indudable interés también para los estudiosos de la iconografía y del arte en general. La Leyenda, término que no conlleva aquí significación alguna de fantasia o ficción, sino la etimología de «lo que se debe leer», ha sido traducida directamente del latín por fray José Manuel Macías, O.P.
José Milicua (1921-2013) investigaba como un científico, conversaba como un connoisseur y escribía como un poeta. Se enfrentó con frescura intelectual a problemas viejos y nuevos, y devolvió a los estudios iconográficos la dignidad de ciencia. Sus dotes literarias reconocidas desde que tradujo a su maestro Roberto Longhi lo llevaron a cultivar el arte de escribir sobre arte y a transformar sus descripciones en verdaderas écfrasis. Con memoria visual y ojo crítico, reivindicó el papel del historiador como intérprete de las obras y educó la mirada de generaciones de estudiantes. Trató con igual pasión y rigor a los grandes maestros el Greco, Caravaggio, Zurbarán, Ribera, Goya que a artistas de menor fama, y su curiosidad fue transversal, de Cranach a Picasso. Pese a ser uno de los más completos historiadores del arte de la España del siglo xx, su obra es muy poco conocida. Por fortuna, su discípulo Artur Ramon ha reunido los mejores escritos publicados por Milicua y algunos inéditos en este volumen, a la vez homenaje a su magisterio y testimonio de su legado como crítico.
Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) se movió siempre entre polos opuestos. El chico malo del barroco italiano fue una figura al mismo tiempo admirada y controvertida, un artista revolucionario de temperamento violento y técnica precisa, un maestro, un prófugo.Aunque célebre por su vibrante uso del color, de la luz y de las sombras, Caravaggio pasará a los anales de la historia del arte por el rompedor naturalismo que imprimía a sus obras y sus radicales innovaciones pictóricas. De las sucias plantas de los pies a la languidez sensual de la carne desnuda, el artista infundió una asombrosa, a menudo visceral, humanidad incluso a escenas bíblicas y sagradas. A este expresivo universo creativo hay que sumarle una biografía personal intensa, dominada por la adicción al juego, las deudas, las trifulcas de borrachos e incluso un cargo de asesinato.Este libro reúne las obras más famosas y revolucionarias de Caravaggio, que explican por qué este artista es actualmente considerado uno de los más importantes del barroco temprano y cuál ha sido su relevancia en la historia del arte. Sin su trabajo otros autores como Ribera, Vermeer, Rembrandt, Delacroix, Courbet y Manet nunca hubieran pintado como lo hicieron.
Mark Rothko (1903-1970) fue un gran defensor de la total libertad de expresión del artista y rehuyó las clasificaciones y cualquier intento de interpretación de sus cuadros. Aunque se le considera una figura clave del expresionismo abstracto, formado en la ciudad de Nueva York, Rothko rechazaba las etiquetas e insistía en la creación de ?una experiencia plena entre el cuadro y el espectador?.Tras una etapa figurativa, Rothko desarrolló sus emblemáticos lienzos de bloques de vivos colores en rojo, amarillo, ocre, marrón, negro o verde. Subrayó que no había eliminado la figura humana con esos brillantes y vívidos espacios de color, sino que la había sustituido por símbolos o formas que contenían toda la tragedia de la condición humana. Al mismo tiempo atribuía explícitamente al espectador el poder de interpretar su obra. Según decía: ?Un cuadro vive en compañía, expandiéndose y cobrando vida ante los ojos del espectador sensible?.Desde sus tempranos inicios hasta sus campos de color más famosos, este libro descubre la inteligencia e influencia de la obra dramática, íntima y revolucionaria de Rothko.
La concepción de las formas llamadas barrocas sobrepasa los límites de una mera y concreta época histórica; la categoría de Barroco se perfila, por tanto, como una "constante" de la cultura, definiendo un estilo fundamental de ésta y no meramente un estilo histórico o de época.
¿Qué hay de verdad en el arte contemporáneo? ¿Cómo funciona el sistema que le atribuye valor? ¿Cómo educar la mirada para adquirir esa sensibilidad ante las nuevas formas?
De igual manera que en la convocatoria precedente, la estructura de las Jornadas se articuló en una serie de secciones organizadas por áreas temáticas y cronológicas (Arte de la Edad Moderna, Arte de la Edad Contemporánea, Artes fuera de Europa, Cine y otros medios audiovisuales, y Patrimonio cultural y museología). Dentro de la sección dedicada al Arte de la Edad Moderna, los estudios dedicados a las artes tradicionales, como la arquitectura y la escultura, se vieron ampliados con nuevos contenidos como los relacionados con las encuadernaciones, la ingeniería militar o el mecenazgo. En la sección de Arte en la Edad Contemporánea el interés por disciplinas artísticas menos trabajadas hasta el momento, como el cómic o el paisajismo, se cumplimentó con una revitalización de los estudios referidos al siglo XIX, del que se prestó atención a temas considerados menores hasta fechas recientes, como el álbum ilustrado o la pintura de casacón. En cuanto a las Artes fuera de Europa, focalizadas en el ámbito asiático, la mayoría de las intervenciones se concentraron en el coleccionismo, reforzando una línea de investigación que viene desarrollándose en el seno de este departamento desde hace años; mientras que en lo relativo al Cine y otros medios audiovisuales, se abordó una pluralidad de temas que van desde la puesta en escena al videojuego, pasando por el análisis de tendencias y cineastas. El último apartado, que incluyó las comunicaciones sobre Patrimonio cultural y museología, se ocupó de asuntos vinculados con los procesos de restauración, la enseñanza o los nuevos museos. En definitiva, una amplitud de temas que reflejan la investigación que se realiza desde el Departamento de Historia del Arte y la pujanza de nuestros jóvenes investigadores.
Descubre cuáles han sido los principales cambios y movimientos del arte contemporáneo desde su nacimiento, en el siglo XVIII, hasta las últimas tendencias. La pregunta más repetida en relación con el arte de nuestra época es fruto de la perplejidad: ¿qué significa? Pues su principal y revolucionaria característica es el rechazo a la tradición. ¿Cuál es, entonces, el fundamento de ese arte que ya no busca imitar selectivamente la realidad para plasmar su belleza? La respuesta es la libertad. El ejercicio de ésta implica no aceptar determinación dogmática ni canon preestablecido alguno. Esto explica por qué, todavía hoy, se discute no el valor de una obra, sino qué es el arte. Como el resto de los valores de nuestra época, se rige por el tiempo, cuyo fundamento es el cambio. Probablemente nunca llegaremos a una formulación definitiva acerca del significado del arte, pero ello no nos priva de la experiencia y, por lo tanto, del saber derivado de la historia de esa aventura. En esta obra, Francisco Calvo Serraller analiza cuáles han sido los principales cambios y movimientos del arte contemporáneo desde su nacimiento, en el siglo XVIII, hasta las últimas tendencias. Esta nueva edición, para la que el autor ha escrito un «Epílogo a modo de prólogo» y que está profusamente ilustrada, aportará a los conocedores una síntesis clara de arquitectura, pintura, escultura, fotografía y cine, que permitirá ordenar conceptos, y a los profanos una clave para acercarse a este apasionante tema.
El arte siempre ha sido parte de la historia, pero a menudo se nos presenta como aparte de la historia. Por supuesto podemos disfrutar de las obras por sí mismas, pero nos dirán mucho más si entendemos cómo hemos llegado a llamar arte a lo que tenemos por tal. Este es un viaje extraordinario a través de las obras más importantes de la historia antigua y reciente, para encontrar otras formas de apreciarlas a través de las complejidades de su historia, las innovaciones y, por qué no, las rivalidades entre creadores. Una guía ilustrada, con fotos y como un cómic, accesible y detallada que nos permite disfrutar del arte en su contexto.
Un recorrido por la vida y la obra del pintor cretense (1541-1614) que, tras viajar por Italia, se asentó en Toledo y supo conjugar en su paleta el arte oriental bizantino de sus orígenes con la pintura italiana y española, aportando a esta última un misticismo que alarga las formas y que hace de sus retratos y composiciones obras atemporales. Una gran obra para disfrutar del arte y de la Historia.
Un ameno y enriquecedor recorrido por una de las primeras pinacotecas del mundo, atendiendo tanto al número como a la calidad de sus obras. En este museo, la impresionante muestra de la pintura española del Siglo de Oro, junto con las obras fl amencas, francesas, italianas y holandesas del siglo XVII, convive con los ejemplos más signifi cativos del arte medieval, renacentista y setecentista. Una gran obra para disfrutar del arte de todos los tiempos.
¿Cómo se escribe un guión de cómic hoy en día? ¿En qué consiste exactamente? ¿Qué elementos tiene? ¿Cuál es el proceso de documentación? ¿Cómo se establece la colaboración con los dibujantes? ¿Qué diferencia el guión de cómic de otros medios? ¿Cómo puede
La colección de vidas de santos que conocemos por el nombre de La leyenda dorada es en su mayor parte -hay añadidos de épocas posteriores- obra de Santiago de la Vorágine (h. 1228-1298), dominico italiano que llegó a ser arzobispo de Génova. De intención edificante, constituye una de las más claras expresiones de una literatura cristiana que, situándose muy lejos del discurso teológico e incorporando narraciones piadosas que en ocasiones se remontan a los siglos IV, V y VI, conectaba con el alma popular mediante la sabia fusión de historia y leyenda y de espiritualidad y materialidad. El gusto por el detalle visible y palpable que impregna estos relatos recorre asimismo la serie de xilografías que ilustra esta edición, procedente de la traducción italiana de la Leyenda que en Venecia publicó Capcasa en 1494. La inclusión de La leyenda Dorada en Alianza Forma apenas precisa de justificación. Ofrecer al lector español, y por primera vez, uno de los repertorios iconográficos más utilizados por el arte occidental desde el período tardomedieval hasta el siglo XIX tiene un indudable interés también para los estudiosos de la iconografía y del arte en general. La Leyenda, término que no conlleva aquí significación alguna de fantasia o ficción, sino la etimología de «lo que se debe leer», ha sido traducida directamente del latín por fray José Manuel Macías, O.P.
José Milicua (1921-2013) investigaba como un científico, conversaba como un connoisseur y escribía como un poeta. Se enfrentó con frescura intelectual a problemas viejos y nuevos, y devolvió a los estudios iconográficos la dignidad de ciencia. Sus dotes literarias reconocidas desde que tradujo a su maestro Roberto Longhi lo llevaron a cultivar el arte de escribir sobre arte y a transformar sus descripciones en verdaderas écfrasis. Con memoria visual y ojo crítico, reivindicó el papel del historiador como intérprete de las obras y educó la mirada de generaciones de estudiantes. Trató con igual pasión y rigor a los grandes maestros el Greco, Caravaggio, Zurbarán, Ribera, Goya que a artistas de menor fama, y su curiosidad fue transversal, de Cranach a Picasso. Pese a ser uno de los más completos historiadores del arte de la España del siglo xx, su obra es muy poco conocida. Por fortuna, su discípulo Artur Ramon ha reunido los mejores escritos publicados por Milicua y algunos inéditos en este volumen, a la vez homenaje a su magisterio y testimonio de su legado como crítico.
Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) se movió siempre entre polos opuestos. El chico malo del barroco italiano fue una figura al mismo tiempo admirada y controvertida, un artista revolucionario de temperamento violento y técnica precisa, un maestro, un prófugo.Aunque célebre por su vibrante uso del color, de la luz y de las sombras, Caravaggio pasará a los anales de la historia del arte por el rompedor naturalismo que imprimía a sus obras y sus radicales innovaciones pictóricas. De las sucias plantas de los pies a la languidez sensual de la carne desnuda, el artista infundió una asombrosa, a menudo visceral, humanidad incluso a escenas bíblicas y sagradas. A este expresivo universo creativo hay que sumarle una biografía personal intensa, dominada por la adicción al juego, las deudas, las trifulcas de borrachos e incluso un cargo de asesinato.Este libro reúne las obras más famosas y revolucionarias de Caravaggio, que explican por qué este artista es actualmente considerado uno de los más importantes del barroco temprano y cuál ha sido su relevancia en la historia del arte. Sin su trabajo otros autores como Ribera, Vermeer, Rembrandt, Delacroix, Courbet y Manet nunca hubieran pintado como lo hicieron.
Mark Rothko (1903-1970) fue un gran defensor de la total libertad de expresión del artista y rehuyó las clasificaciones y cualquier intento de interpretación de sus cuadros. Aunque se le considera una figura clave del expresionismo abstracto, formado en la ciudad de Nueva York, Rothko rechazaba las etiquetas e insistía en la creación de ?una experiencia plena entre el cuadro y el espectador?.Tras una etapa figurativa, Rothko desarrolló sus emblemáticos lienzos de bloques de vivos colores en rojo, amarillo, ocre, marrón, negro o verde. Subrayó que no había eliminado la figura humana con esos brillantes y vívidos espacios de color, sino que la había sustituido por símbolos o formas que contenían toda la tragedia de la condición humana. Al mismo tiempo atribuía explícitamente al espectador el poder de interpretar su obra. Según decía: ?Un cuadro vive en compañía, expandiéndose y cobrando vida ante los ojos del espectador sensible?.Desde sus tempranos inicios hasta sus campos de color más famosos, este libro descubre la inteligencia e influencia de la obra dramática, íntima y revolucionaria de Rothko.