Este libro de 400 páginas contiene críticas de más de 150 películas estrenadas durante el año 2017 (La La Land, Star Wars: Los últimos Jedi, Dunkerque, Logan, Blade Runner 2049...), algunas publicadas en la web de AccionCine, pero dado que internet es un medio volátil hemos considerado oportuno recopilarlas y trasladarlas al formato papel para que puedan consultarse a lo largo del tiempo. Los críticos de la revista ACCIÓN: Miguel Juan Payán, Jesús Usero, Jesús Martín y Alejandro Gómez comentan las películas más destacadas del año, convirtiendo este libro en una guía de referencia para profesores, estudiantes y buenos aficionados al cine imprescindible para comprender lo que ha dado de sí el año en cuando a calidad cinematográfica. De algunas películas esenciales podremos encontrar dos y hasta tres críticas para que el lector pueda comparar diferentes puntos de vista.
Los sesenta, situados en una extraña posición entre los rígidos años cincuenta y los liberales setenta, supusieron una década de transición en la industria del cine. Mientras el arte, el consumo de masas y la cultura popular se unían y creaban un verdadero estilo de arte pop, el cine rebosaba energía psicodélica. Este libro es una guía que recopila las mejores películas de la época y explora el proceso de creación y la maestría de grandes éxitos como El gatopardo, Los pájaros, Bella de día, Por un puñado de dólares y Doctor Zhivago. Con la audiencia cada vez más pendiente del televisor y la relajación de las normas sobre lo que era admisible en el cine, los cineastas aprovecharon esa libertad para explorar sus posibilidades como forma de arte. Como solía suceder, los europeos abrieron el camino: los franceses con directores de la Nouvelle Vague como Godard y Truffaut, y los italianos con películas innovadoras como 8 1/2 de Fellini y El eclipse, de Antonioni.A mediados de los sesenta, Estados Unidos también empezó a tomarse más libertades creativas, sobre todo en películas de jóvenes directores underground como Russ Meyer, John Frankenheimer y Sam Peckinpah. Entretanto, Mary Poppins y Sonrisas y lágrimas pusieron el broche de oro a la grandiosa era de los musicales de Hollywood mientras los spaghetti western se convertían en un fenómeno al instante. Bond, James Bond, apareció por primera vez en la pantalla y Kubrick estableció un nuevo nivel de calidad para el cine de ciencia ficción con 2001: una odisea del espacio.Aunque probablemente el término feminismo aún no estuviese listo para asumir un papel estelar, esta década también trajo consigo uno de los principales avances en la representación femenina. Desde la Barbarella de Jane Fonda hasta Holly Golightly en Desayuno con diamantes o Bonnie Parker de Bonnie y Clyde, en la década de 1960 las mujeres pasaron de ser accesorios decorativos a personajes complejos y poderosos.
Este libro recoge las más grandes películas del cine español, desde La aldea maldita hasta Volver, pasando por clásicos de Benito Perojo, Francisco Elías o Edgar Neville hasta llegar a los directores más modernos: Alejandro Amenábar, Julio Medem, Fernando León o Isabel Coixet. Sencillo y sintético, tiene como principal finalidad aproximar a los aficionados a nuestra cinematografía. Y demostrar, asimismo, que estas películas han sido aplaudidas por la crítica y espectadores de nuestro país.
En esta guía se analiza por un lado las características del cine de Jean-Luc Godard y por otro el análisis de Al final de la escapada con especial atención a los aspectos que la hicieron diferente, concretándola en su momento histórico (1959). Francisco Javier Gómez Tarín es doctor en Comunicación Audiovisual, con Premio Extraordinario por la Universitat de València, donde ha impartido docencia de Historia de las teorías cinematográficas y Análisis de textos audiovisuales. Actualmente es Profesor del Área de Comunicación Audiovisual y Publicidad en la Universitat Jaume I de Castelló, donde imparte Narrativa Audiovisual y Modos de Representación en el Cine Contemporáneo. La colección de textos Guías para ver y analizar cine es un proyecto pedagógico de las editoriales Nau Llibres y Octaedro, cuya finalidad es ofrecer unos análisis monográficos, rigurosos y exhaustivos, de películas fundamentales de la historia del cine. El lenguaje claro y didáctico de estas guías permite su adaptación a los diferentes niveles educativos, desde la Enseñanza Secundaria y los Bachilleratos hasta los Ciclos Formativos de Comunicación, Imagen y Sonido y los estudios de Licenciatura de Comunicación Audiovisual, Publicidad, Periodismo, Bellas Artes, Historia del Arte y Filología, así como una fácil comprensión de los textos fílmicos analizados para los amantes del cine en general.
Contiene comentarios críticos de más de 300 films europeos sonoros, producidos entre 1930 y 2007. De esta forma, están representados más de 200 cineastas de distintas nacionalidades, provenientes de 32 países europeos. El libro está estructurado en ciclo bloques cronológicos: De los inicios del sonoro al fin de la II Guerra Mundial (1930-1945), Cine clásico: posguerra y reconstrucción (1946-1957), Nuevos Cines europeos (1958-1969), Ecos de la modernidad (1970-1989) y Cine contemporáneo (1990-2007). Pensado como guía de consulta para todo tipo de aficionados, siendo el más completo de los publicados hasta la fecha en lengua española.
Hace tiempo que Taxi Driver de Martin Scorsese está considerado un hito cinematográfico y que el retrato de Robert DeNiro como un psicópata de gatillo fácil con una cresta punk es ampliamente visto como una de las mejores interpretaciones jamás filmadas. La revista Time incluye la cinta en su lista de las 100 mejores películas diciendo: "La capacidad de dirección de Scorsese se hace todavía más brutal con el paso del tiempo".Steve Schapiro, cuyas tomas ya aparecieron en el libro Godfather Family Album de TASCHEN, era el fotógrafo especial destacado en el plató de Taxi Driver, en el que capturó entre bastidores los momentos más intensos y violentos del filme. Este libro, más que un compendio de fotogramas o un volumen de fotografía pura por derecho propio, incluye cientos de imágenes nunca vistas que, seleccionadas de los archivos de Schapiro, presentan un retrato escalofriante de un pistolero desquiciado en la atmósfera furiosa de la era post-Vietnam.¡Incluye un prólogo de Martin Scorsese!Publicado originalmente como edición limitada de coleccionista, el libro está ahora disponible en edición trade ilimitada.
Antología de los mejores textos de Fernando León Fernando León de Aranoa ha protagonizado una de las trayectorias más exitosas del reciente cine español. Su mirada personal y el trazo humano que caracteriza sus películas han conectado con un amplio público que se identifica con el cine que huye de los grandes escenarios y se declara resueltamente en contra de la hipermetropía. En este libro se recogen textos vinculados directamente con las películas de Fernando León, escritos de muy diversa índole, de su visión del oficio de cineasta, de sus películas favoritas, de temas que le han interesado, y una escueta selección de relatos breves. Pero todos reflejan su peculiar mirada y la impronta de su singular pincelada, y ayudan a desentrañar las claves de uno de los directores más interesantes del cine español.
Las relaciones entre el cine y la pintura siempre han sido fascinantes. No puede entenderse el cine sin contar con la pintura, y las reminiscencias entre ambos están presentes en numerosas y grandes películas. La figura del artista ha fascinado al gran público y el cine ha convertido a los creadores plásticos en objeto de la narración. Pero también ha desarrollado otras posibilidades, como presentar el proceso de creación o centrarse exclusivamente en una obra. En este libro se analizan los largometrajes de ficción que recogen los modelos relativos a algunos de los pintores más reconocidos. Son trabajos cinematográficos o para televisión que han creado escuela, realizados por directores de prestigio y que reflejan los ideales predominantes en su época y lugar.
Este anuario incluye comentario y ficha técnica de todas las películas estrenadas en 1993. Y, además, premios concedidos, obituario, fechas para la memoria, bibliografía, y dos índices completos por títulos y directores de todos los films.
Simultáneamente asociado a los avatares políticos, sociales y tecnológicos, el perfil de los productores del cine español dista de ser uniforme. Tipologías muy distintas han coincidido a lo largo de una historia en la que, desde sus inicios, se han unido en la lucha contra una colonización extranjera, a veces paradójicamente propiciada por los propios interesados, que obliga a debatirse en unos márgenes de cuota de mercado cada vez más estrechos. Su actividad se desarrolla en un mercado abiertamente hostil, por parte de unos exhibidores que viven del cine norteamericano o en el que si la distribución ha prestado ayudas puntuales ha sido por intereses particulares. También dependen de un Estado que, además de protector, fue sancionador durante el largo período de la Dictadura. Y, si en los años cuarenta y cincuenta el cine español puso en pie pálidas imitaciones del Sistema de Estudios de Hollywood, ahora se cobija bajo grandes empresas multimediáticas que también responden al nuevo modelo universal imperante en un paisaje audiovisual en perpetua ebullición. Tras una investigación superior a los siete años, Esteve Riambau y Casimiro Torreiro, profesores universitarios e historiadores con una amplia dedicación al cine español, delimitan las tendencias que la producción ha emprendido en nuestro país. El análisis detallado de los perfiles y de las filmografías de alrededor de mil empresas permite establecer la naturaleza de unos profesionales que han buscado distintas fórmulas industriales, estéticas o sociológicas para atraer el público a las salas. De ellos y de sus distintas dependencias respecto del Estado o del mercado surgen, en definitiva, las líneas maestras que caracterizan el cine español.
Hollywood desde siempre ha surtido de películas a las salas de cine de todo el mundo y a lo largo de un siglo sus producciones han fascinado a cineastas y aficionados con independencia de cuáles fueran sus orientaciones estéticas o ideológicas. Hace unos cuantos años, cuando la forma de difusión de las películas evolucionó y no fue indispensable " ir al cine " para verlas, cuando empezó a ser factible disfrutar de casi cualquier película primero en vídeo, luego en DVD y más tarde en Blue-ray, cuando existen canales de televisión especializados y a través de Internet la oferta cinematográfica es extraordinaria, y cuando se prevé un futuro en el que cada vez será más fácil ver una película en cualquier momento, un nuevo problema surge: ¿cómo poder orientarse ante una oferta de tal magnitud? " 2.500 películas de Hollywood " responde a esa pregunta en forma de una guía del mejor cine norteamericano desde su nacimiento hasta nuestros días, en la que aparecen criticadas desde las primeras producciones hasta las más recientes películas en en 3D, Scope, color, blanco y negro e incluso mudas. Es una buena brújula que incluye resumen del argumento, ficha de producción, fotograma representativo, anécdotas, recepción por parte de la crítica, influencias y aportaciones a la historia del cine. Augusto M. Torres, autor de numerosos libros sobre cine, ha hecho una selección de las mejores, las más comerciales, las más conocidas y por qué no, de las que más le gustan, y nos ofrece un libro de gran utilidad para profesionales, aficionados y amantes del cine.
Este libro de 400 páginas contiene críticas de más de 150 películas estrenadas durante el año 2017 (La La Land, Star Wars: Los últimos Jedi, Dunkerque, Logan, Blade Runner 2049...), algunas publicadas en la web de AccionCine, pero dado que internet es un medio volátil hemos considerado oportuno recopilarlas y trasladarlas al formato papel para que puedan consultarse a lo largo del tiempo. Los críticos de la revista ACCIÓN: Miguel Juan Payán, Jesús Usero, Jesús Martín y Alejandro Gómez comentan las películas más destacadas del año, convirtiendo este libro en una guía de referencia para profesores, estudiantes y buenos aficionados al cine imprescindible para comprender lo que ha dado de sí el año en cuando a calidad cinematográfica. De algunas películas esenciales podremos encontrar dos y hasta tres críticas para que el lector pueda comparar diferentes puntos de vista.
Los sesenta, situados en una extraña posición entre los rígidos años cincuenta y los liberales setenta, supusieron una década de transición en la industria del cine. Mientras el arte, el consumo de masas y la cultura popular se unían y creaban un verdadero estilo de arte pop, el cine rebosaba energía psicodélica. Este libro es una guía que recopila las mejores películas de la época y explora el proceso de creación y la maestría de grandes éxitos como El gatopardo, Los pájaros, Bella de día, Por un puñado de dólares y Doctor Zhivago. Con la audiencia cada vez más pendiente del televisor y la relajación de las normas sobre lo que era admisible en el cine, los cineastas aprovecharon esa libertad para explorar sus posibilidades como forma de arte. Como solía suceder, los europeos abrieron el camino: los franceses con directores de la Nouvelle Vague como Godard y Truffaut, y los italianos con películas innovadoras como 8 1/2 de Fellini y El eclipse, de Antonioni.A mediados de los sesenta, Estados Unidos también empezó a tomarse más libertades creativas, sobre todo en películas de jóvenes directores underground como Russ Meyer, John Frankenheimer y Sam Peckinpah. Entretanto, Mary Poppins y Sonrisas y lágrimas pusieron el broche de oro a la grandiosa era de los musicales de Hollywood mientras los spaghetti western se convertían en un fenómeno al instante. Bond, James Bond, apareció por primera vez en la pantalla y Kubrick estableció un nuevo nivel de calidad para el cine de ciencia ficción con 2001: una odisea del espacio.Aunque probablemente el término feminismo aún no estuviese listo para asumir un papel estelar, esta década también trajo consigo uno de los principales avances en la representación femenina. Desde la Barbarella de Jane Fonda hasta Holly Golightly en Desayuno con diamantes o Bonnie Parker de Bonnie y Clyde, en la década de 1960 las mujeres pasaron de ser accesorios decorativos a personajes complejos y poderosos.
Este libro recoge las más grandes películas del cine español, desde La aldea maldita hasta Volver, pasando por clásicos de Benito Perojo, Francisco Elías o Edgar Neville hasta llegar a los directores más modernos: Alejandro Amenábar, Julio Medem, Fernando León o Isabel Coixet. Sencillo y sintético, tiene como principal finalidad aproximar a los aficionados a nuestra cinematografía. Y demostrar, asimismo, que estas películas han sido aplaudidas por la crítica y espectadores de nuestro país.
En esta guía se analiza por un lado las características del cine de Jean-Luc Godard y por otro el análisis de Al final de la escapada con especial atención a los aspectos que la hicieron diferente, concretándola en su momento histórico (1959). Francisco Javier Gómez Tarín es doctor en Comunicación Audiovisual, con Premio Extraordinario por la Universitat de València, donde ha impartido docencia de Historia de las teorías cinematográficas y Análisis de textos audiovisuales. Actualmente es Profesor del Área de Comunicación Audiovisual y Publicidad en la Universitat Jaume I de Castelló, donde imparte Narrativa Audiovisual y Modos de Representación en el Cine Contemporáneo. La colección de textos Guías para ver y analizar cine es un proyecto pedagógico de las editoriales Nau Llibres y Octaedro, cuya finalidad es ofrecer unos análisis monográficos, rigurosos y exhaustivos, de películas fundamentales de la historia del cine. El lenguaje claro y didáctico de estas guías permite su adaptación a los diferentes niveles educativos, desde la Enseñanza Secundaria y los Bachilleratos hasta los Ciclos Formativos de Comunicación, Imagen y Sonido y los estudios de Licenciatura de Comunicación Audiovisual, Publicidad, Periodismo, Bellas Artes, Historia del Arte y Filología, así como una fácil comprensión de los textos fílmicos analizados para los amantes del cine en general.
Contiene comentarios críticos de más de 300 films europeos sonoros, producidos entre 1930 y 2007. De esta forma, están representados más de 200 cineastas de distintas nacionalidades, provenientes de 32 países europeos. El libro está estructurado en ciclo bloques cronológicos: De los inicios del sonoro al fin de la II Guerra Mundial (1930-1945), Cine clásico: posguerra y reconstrucción (1946-1957), Nuevos Cines europeos (1958-1969), Ecos de la modernidad (1970-1989) y Cine contemporáneo (1990-2007). Pensado como guía de consulta para todo tipo de aficionados, siendo el más completo de los publicados hasta la fecha en lengua española.
Hace tiempo que Taxi Driver de Martin Scorsese está considerado un hito cinematográfico y que el retrato de Robert DeNiro como un psicópata de gatillo fácil con una cresta punk es ampliamente visto como una de las mejores interpretaciones jamás filmadas. La revista Time incluye la cinta en su lista de las 100 mejores películas diciendo: "La capacidad de dirección de Scorsese se hace todavía más brutal con el paso del tiempo".Steve Schapiro, cuyas tomas ya aparecieron en el libro Godfather Family Album de TASCHEN, era el fotógrafo especial destacado en el plató de Taxi Driver, en el que capturó entre bastidores los momentos más intensos y violentos del filme. Este libro, más que un compendio de fotogramas o un volumen de fotografía pura por derecho propio, incluye cientos de imágenes nunca vistas que, seleccionadas de los archivos de Schapiro, presentan un retrato escalofriante de un pistolero desquiciado en la atmósfera furiosa de la era post-Vietnam.¡Incluye un prólogo de Martin Scorsese!Publicado originalmente como edición limitada de coleccionista, el libro está ahora disponible en edición trade ilimitada.
Antología de los mejores textos de Fernando León Fernando León de Aranoa ha protagonizado una de las trayectorias más exitosas del reciente cine español. Su mirada personal y el trazo humano que caracteriza sus películas han conectado con un amplio público que se identifica con el cine que huye de los grandes escenarios y se declara resueltamente en contra de la hipermetropía. En este libro se recogen textos vinculados directamente con las películas de Fernando León, escritos de muy diversa índole, de su visión del oficio de cineasta, de sus películas favoritas, de temas que le han interesado, y una escueta selección de relatos breves. Pero todos reflejan su peculiar mirada y la impronta de su singular pincelada, y ayudan a desentrañar las claves de uno de los directores más interesantes del cine español.
Las relaciones entre el cine y la pintura siempre han sido fascinantes. No puede entenderse el cine sin contar con la pintura, y las reminiscencias entre ambos están presentes en numerosas y grandes películas. La figura del artista ha fascinado al gran público y el cine ha convertido a los creadores plásticos en objeto de la narración. Pero también ha desarrollado otras posibilidades, como presentar el proceso de creación o centrarse exclusivamente en una obra. En este libro se analizan los largometrajes de ficción que recogen los modelos relativos a algunos de los pintores más reconocidos. Son trabajos cinematográficos o para televisión que han creado escuela, realizados por directores de prestigio y que reflejan los ideales predominantes en su época y lugar.
Este anuario incluye comentario y ficha técnica de todas las películas estrenadas en 1993. Y, además, premios concedidos, obituario, fechas para la memoria, bibliografía, y dos índices completos por títulos y directores de todos los films.
Simultáneamente asociado a los avatares políticos, sociales y tecnológicos, el perfil de los productores del cine español dista de ser uniforme. Tipologías muy distintas han coincidido a lo largo de una historia en la que, desde sus inicios, se han unido en la lucha contra una colonización extranjera, a veces paradójicamente propiciada por los propios interesados, que obliga a debatirse en unos márgenes de cuota de mercado cada vez más estrechos. Su actividad se desarrolla en un mercado abiertamente hostil, por parte de unos exhibidores que viven del cine norteamericano o en el que si la distribución ha prestado ayudas puntuales ha sido por intereses particulares. También dependen de un Estado que, además de protector, fue sancionador durante el largo período de la Dictadura. Y, si en los años cuarenta y cincuenta el cine español puso en pie pálidas imitaciones del Sistema de Estudios de Hollywood, ahora se cobija bajo grandes empresas multimediáticas que también responden al nuevo modelo universal imperante en un paisaje audiovisual en perpetua ebullición. Tras una investigación superior a los siete años, Esteve Riambau y Casimiro Torreiro, profesores universitarios e historiadores con una amplia dedicación al cine español, delimitan las tendencias que la producción ha emprendido en nuestro país. El análisis detallado de los perfiles y de las filmografías de alrededor de mil empresas permite establecer la naturaleza de unos profesionales que han buscado distintas fórmulas industriales, estéticas o sociológicas para atraer el público a las salas. De ellos y de sus distintas dependencias respecto del Estado o del mercado surgen, en definitiva, las líneas maestras que caracterizan el cine español.
Hollywood desde siempre ha surtido de películas a las salas de cine de todo el mundo y a lo largo de un siglo sus producciones han fascinado a cineastas y aficionados con independencia de cuáles fueran sus orientaciones estéticas o ideológicas. Hace unos cuantos años, cuando la forma de difusión de las películas evolucionó y no fue indispensable " ir al cine " para verlas, cuando empezó a ser factible disfrutar de casi cualquier película primero en vídeo, luego en DVD y más tarde en Blue-ray, cuando existen canales de televisión especializados y a través de Internet la oferta cinematográfica es extraordinaria, y cuando se prevé un futuro en el que cada vez será más fácil ver una película en cualquier momento, un nuevo problema surge: ¿cómo poder orientarse ante una oferta de tal magnitud? " 2.500 películas de Hollywood " responde a esa pregunta en forma de una guía del mejor cine norteamericano desde su nacimiento hasta nuestros días, en la que aparecen criticadas desde las primeras producciones hasta las más recientes películas en en 3D, Scope, color, blanco y negro e incluso mudas. Es una buena brújula que incluye resumen del argumento, ficha de producción, fotograma representativo, anécdotas, recepción por parte de la crítica, influencias y aportaciones a la historia del cine. Augusto M. Torres, autor de numerosos libros sobre cine, ha hecho una selección de las mejores, las más comerciales, las más conocidas y por qué no, de las que más le gustan, y nos ofrece un libro de gran utilidad para profesionales, aficionados y amantes del cine.