O fotógrafo Xavier Teniente e o pintor Xosé Guillermo, recentemente desapareci-do, desenvolveron en Cabalos de vento. Curros de pedra un inédito proxecto de creación visual: o de recoller en fotografía e debuxos a xornada dun curro. O resultado é este formidable e impactante volume de coidadísima edición, onde as fotografías en branco e negro de Teniente dialogan cos debuxos, iconos e textos poéticos de Xosé Guillermo reflectindo toda a fermosura do negro acibeche destes cabalos de vento. Dende a xuntanza das greas na mañanciña da fin de maio, baixo as néboas escuras e grises, até as tarefas de besteiros e aloitadores cando se espreguiza a tarde, este libro constitúe unha das testemuñas máis fermosas que se teñan feito nunca sobre o mundo do cabalo en Galicia e a cultura da rapa das bestas.
Jerónimo Álvarez lleva más de 15 años fotografiando a las grandes estrellas del pop español. La nómina de artistas que han desfilado por su cámara, y que han ilustrado multitud de portadas de la revista Rolling Stone, impresiona. Esta obra, construida con la misma libertad y atrevimiento en el diseño con que Annie Leibovitz realizó su ?American Music?, es un excelente compendio de todos los grandes nombres del pop de las últimas dos décadas.
Lugares de Tránsito es el título a partir del cual rotulamos esta experiencia, un trabajo que se ha llevado a cabo con voluntad en el hoy, entre un viejo mundo que se va y otro que comienza a componerse. Un programa de residencias comisariadas, que ha dado lugar a una exposición, un foro de pensamiento, y la presente publicación. Un trabajo que comenzó en las ciudades de La Habana, Santo Domingo, Maracaibo, Bogotá, Miami, Ciudad de Guatemala, Ciudad de Panamá y Quito durante los años 2010 y 2011. En cada uno de estos ocho destinos una pareja de artistas junto a un comisario de exposiciones perteneciente al contexto, y el trabajo de Marta Soul compartieron una labor, la de realizar una acción tan infrecuente como necesaria hoy: estar y pensar juntos.
Indiferencia y singularidad recoge las aportaciones de críticos y artistas durante el seminario La fotografía, entre el museo imaginario y las ruinas del museo, que tuvo lugar en el MACBA (Barcelona) en mayo de 1996. En el contexto de un nuevo museo, inmerso en la actualidad en los procesos del consumo cultural y del entretenimiento de masas, los artículos recopilados en esta antología nos hablan de las artes industriales, entre ellas la fotografía, como vehículos cruciales en la transformación del espacio museístico. Mediante una plural selección de textos de Allan Sekula, Jean-François Chevrier, Jeff Wall, Victor Burgin o Douglas Crimp, entre otros, se nos presenta una reflexión multidisciplinar sobre la presencia de la fotografía en el museo, así como sobre el papel que ha jugado en la transformación histórica de la institución. Escritos que ya constituyen referentes teóricos, y que, a su vez, explican la dirección del debate crítico actual, convierten esta antología en un instrumento oportuno e indispensable para entender el papel de la fotografía en el ámbito de la cultura artística contemporánea actual.
La fotografía de gama dinámica amplia (HDR) es el último reto al que se enfrentan los fotógrafos digitales. Ofrece una oportunidad única y creativa de ampliar el repertorio tecnológico. Una nueva faceta de la fotografía: la capacidad de crear imágenes de escenas exactamente como creemos que las vemos, o exactamente cómo nos gustaría verlas.Una exploración, desde la perspectiva de un fotógrafo, de las posibilidades de HDR que proporciona un nuevo camino para la expresión artística. El ojo humano es muy superior a cualquier sensor; puede percibir una amplia gama de diferentes niveles de luz una sola vez, y sin distorsión alguna. HDR ofrece un conjunto de técnicas para minimizar el riesgo de subexposición, destellos e imagen quemada, problemas habituales de los fotógrafos digitales en las mismas circunstancias. Freeman explica cómo disparar en HDR. Describe con detalle las posibilidades de software y las técnicas para combinar múltiples exposiciones en una sola imagen HDR, cómo aplicar esas técnicas a diferentes géneros fotográficos populares, y cómo explorar e imprimir con éxito imágenes en HDR.
Nota a la edición Una historia irresistible Uno de los amigos a los que Javier Cercas regaló su novela Soldados de Salamina nada más publicarla fue el escritor y director de cine David Trueba. Hacia el mes de junio de 2001, antes de la explosión del "fenómeno Salamina", Trueba había tomado ya la decisión de que, tras La buena vida y Obra maestra, su tercer largometraje como director sería una adaptación de la novela de Cercas. El rodaje de la película, protagonizada por Ariadna Gil, Ramón Fontseré, Joan Dalmau, Diego Luna y María Botto, se inició en marzo de 2002 y se prolongó durante once semanas. Por aquel entonces, la novela -que nació destinada a convertirse, en el mejor de los casos, en un libro de culto- se había consolidado como "algo más que una novela". Soldados de Salamina llevaba ya varios meses en el primer puesto de las listas de ventas y estaba en un proceso de acumulación de reconocimientos nacionales e internacionales que aún ahora parece no haber concluido. No es probable que Javier Cercas, pese a que se defina como un optimista radical, hubiera aspirado a realizar tan pronto y de esta manera el sueño de cualquier escritor. Un fotógrafo barcelonés, David Airob, fijó formidablemente con su cámara algunos de los momentos del rodaje de la película. Para una exposición de su trabajo, Airob solicitó a Cercas y Trueba que escribieran breves textos a modo de pies de fotos. Éstos pensaron en lo bonito que sería reunirlas en un libro, una iniciativa que enseguida sedujo a los editores de la novela. Para arropar las fotos, se creyó interesante añadir unas conversaciones entre el escritor y el cineasta. David Trueba fue, una vez más, el responsable de una gran alegría para mí: el 9 de septiembre de 2002, me escribió una carta en la que me brindaba la posibilidad de "vigilar esta conversación, delimitarla, censurarla, cercenarla, llenarla de sexo [sic] y, esto es lo peor, transcribirla y darle un estilo uniforme". La oferta de David era un encargo irrechazable, de los que se aceptan antes de que acaben de proponértelos: iba a reunirme con mis dos amigos durante unos días y conducirles por vivencias, anécdotas y reflexiones provocadas por una novela y una película que tanto les -nos- había mejorado la vida. Esto yo no me lo podía perder. Durante trece horas y quince minutos, asistí a un espectáculo para mí delicioso: dos primeras espadas de mi generación, dos creadores que aún no eran mayores de edad cuando murió Franco, arrojando su lucidez y alegría sobre las claves de la novela y de la película o sobre la Guerra Civil, la memoria y el olvido, el éxito y el fracaso y las endiabladas relaciones entre el cine y la literatura. Lola Lamana y Teresa Ortas se ocuparon de la trascripción literal, una tarea que me permitió recuperar palabra por palabra el contenido de la charla. Luego, simplemente, me limité a depurar el texto y a introducir un cierto orden en la avalancha de ideas y anécdotas que llenaban las cerca de 400 páginas de la transcripción. El 31 de diciembre de 2002, David y Javier vinieron a pasar la Nochevieja y el día de Año Nuevo a mi casa de Zaragoza. En medio de una simpática resaca, revisamos esa primera versión y sacamos algunas conclusiones. El resultado de este trabajo es Diálogos de Salamina, un libro insólito aunque sólo sea porque, por algún extraño motivo, es la primera vez que se publica, al menos en castellano, un libro de conversaciones entre el autor de una novela y el director que la ha adaptado. Tal vez las razones de esta singularidad se deban a la pura casualidad o, por qué no, al hecho de que no sea muy normal que coincidan tantos estímulos excepcionales alrededor de una misma obra que se expresa en lenguajes tan distintos como el cinematográfico y el literario. No es muy normal que la vida de un escritor se vea tan confundida con su propia creación y que en esta creación convivan, en una ambigüedad arrebatadora, el ensayo y la investigación periodística, el pasado y el presente o la realidad y la ficción. No es muy normal que un director de cine se sienta atrapado de esa manera por un material sólo en un principio literario y se obsesione en prolongar en su película la emoción y las infinitas sugerencias de una historia irresistible. Y no es muy normal que entre un novelista y el cineasta que ha osado poner sus manos sobre su obra se deslice tal grado de afinidad, admiración mutua y reconfortante complicidad. A estas alturas, parece claro que ha sido un placer para mí contribuir a que Diálogos de Salamina haya sido posible. Aunque he de admitir que no he podido seguir, con el entusiasmo que merecía, la insinuación de David -su particular homenaje a Los viajes de Sullivan, de Preston Sturges- de llenar de sexo estas conversaciones. Eso era algo que, dadas las circunstancias, se revelaba un poco forzado. Para qué nos vamos a engañar. Luis Alegre Zaragoza, 10 de febrero de 2003
Sevilla. 100 fotografías que deberías conocer ofrece un recorrido visual en el que se plasma la transformación urbana y social de una ciudad desde mediados del siglo xix a la actualidad. Podemos asistir a la metamorfosis del río Guadalquivir como puerto fluvial y a la extensión de la urbe hacia el sur; al impulso que aportó la celebración de la Exposición Iberoamericana de 1929 y a los avances en infraestructuras que originó la Exposición Universal de 1992. Cien luces que nos permitirán acercarnos a la ciudad y a las gentes de Sevilla a través de la máquina de atrapar el tiempo. Apostar por la valoración del patrimonio fotográfico. Divulgar cientos de imágenes de gran belleza y fuerza documental que se hallan custodiadas en decenas de archivos y centros especializados. Reivindicar la calidad y el buen hacer de una inacabable nómina de fotógrafos que a lo largo de más de ciento cincuenta años nos ofrecen un impagable testimonio de la evolución de nuestra sociedad. Estos son los objetivos de la colección.
En esta antología de ensayos que exploran el concepto cambiante del espacio en el arte y la fotografía modernos, han sido incluidos artistas y críticos tan diversos como Moholy-Nagy y El Lissitzky en los años veinte, o Lucy Lippard y Dore Ashton en años recientes. Como señala Steve Yates en la Introducción, el significado del espacio ofrece un ámbito de interpretación de una neutralidad insospechada, pero la representación del espacio en el arte ha sido una cuestión de primordial importancia desde que el renacimiento planteara las convenciones pictóricas de la perspectiva. La elección entre representar el espacio o desmontar la comprensión que el espectador tiene del mismo, es un elemento esencial del arte moderno. La abundante experimentación fotográfica del siglo XX ha contribuido de manera decisiva al debate que se ha planteado en este terreno. Este volumen comienza con el primer período moderno, cuando los artistas de vanguardia cuestionaban la estética tradicional, con el constructivismo y el futurismo en Rusia, el dadaísmo y el surrealismo en Alemania y Francia, y nuevas formas de fotografía -el collage, el fotomontaje o los fotogramas- emergían en todo el arte del mundo occidental. Se incluyen también ensayos que ejercieron una gran influencia a mediados del siglo XX, de autores como Gaston Bachelard, Leo Steinberg y William M. Ivins; así como otros que plantean diferentes cuestiones sobre arte contemporáneo, escritos por Lucy Lippard, Frederick Sommer y Joel Snyder. En esta rigurosa y fascinante antología de ensayos, Steve Yates agrupa una valiosa selección de materiales que ponen de manifiesto la profunda implicación de la fotografía del siglo XX en el debate estético.
Desde principios de los años ochenta hemos disfrutado con la escritura de Mireia Sentís, su crítica de arte, sus libros sobre la vanguardia neoyorquina de los setenta y la cultura afroamericana; sus comisariados de exposiciones y, por supuesto, sus fotografas. Este catálogo, al igual que la exposición de la que es fruto y testimonio, pretende mostrar cómo la fotografía es en ella una constante necesaria para buscar esa dimensión escondida que sólo se da en las obras de arte. Mireia Sentís se ha considerado siempre desmarcada generacionalmente, pero sus trabajos fotográficos, que ha ido mostrando en exposiciones dispersas, guardan un tono de época que va más allá de lo formal puesto que, como ella suele decir, siempre persigue una idea, algo que no sólo rebasa las modas sino que hace aún más inquietante la presencia del tiempo en la imagen. Su obra responde a inquietudes vitales más que a impulsos formales. Mireia Sentís fotografía porque quiere reflexionar: sobre el cuerpo y el sexo, los paisajes del entorno que visita o habita, las costumbres, la sociedad y el poder. Todo ello desde una mirada irónica y poética, único estilo en el que se reconoce.
O fotógrafo Xavier Teniente e o pintor Xosé Guillermo, recentemente desapareci-do, desenvolveron en Cabalos de vento. Curros de pedra un inédito proxecto de creación visual: o de recoller en fotografía e debuxos a xornada dun curro. O resultado é este formidable e impactante volume de coidadísima edición, onde as fotografías en branco e negro de Teniente dialogan cos debuxos, iconos e textos poéticos de Xosé Guillermo reflectindo toda a fermosura do negro acibeche destes cabalos de vento. Dende a xuntanza das greas na mañanciña da fin de maio, baixo as néboas escuras e grises, até as tarefas de besteiros e aloitadores cando se espreguiza a tarde, este libro constitúe unha das testemuñas máis fermosas que se teñan feito nunca sobre o mundo do cabalo en Galicia e a cultura da rapa das bestas.
Jerónimo Álvarez lleva más de 15 años fotografiando a las grandes estrellas del pop español. La nómina de artistas que han desfilado por su cámara, y que han ilustrado multitud de portadas de la revista Rolling Stone, impresiona. Esta obra, construida con la misma libertad y atrevimiento en el diseño con que Annie Leibovitz realizó su ?American Music?, es un excelente compendio de todos los grandes nombres del pop de las últimas dos décadas.
Lugares de Tránsito es el título a partir del cual rotulamos esta experiencia, un trabajo que se ha llevado a cabo con voluntad en el hoy, entre un viejo mundo que se va y otro que comienza a componerse. Un programa de residencias comisariadas, que ha dado lugar a una exposición, un foro de pensamiento, y la presente publicación. Un trabajo que comenzó en las ciudades de La Habana, Santo Domingo, Maracaibo, Bogotá, Miami, Ciudad de Guatemala, Ciudad de Panamá y Quito durante los años 2010 y 2011. En cada uno de estos ocho destinos una pareja de artistas junto a un comisario de exposiciones perteneciente al contexto, y el trabajo de Marta Soul compartieron una labor, la de realizar una acción tan infrecuente como necesaria hoy: estar y pensar juntos.
Indiferencia y singularidad recoge las aportaciones de críticos y artistas durante el seminario La fotografía, entre el museo imaginario y las ruinas del museo, que tuvo lugar en el MACBA (Barcelona) en mayo de 1996. En el contexto de un nuevo museo, inmerso en la actualidad en los procesos del consumo cultural y del entretenimiento de masas, los artículos recopilados en esta antología nos hablan de las artes industriales, entre ellas la fotografía, como vehículos cruciales en la transformación del espacio museístico. Mediante una plural selección de textos de Allan Sekula, Jean-François Chevrier, Jeff Wall, Victor Burgin o Douglas Crimp, entre otros, se nos presenta una reflexión multidisciplinar sobre la presencia de la fotografía en el museo, así como sobre el papel que ha jugado en la transformación histórica de la institución. Escritos que ya constituyen referentes teóricos, y que, a su vez, explican la dirección del debate crítico actual, convierten esta antología en un instrumento oportuno e indispensable para entender el papel de la fotografía en el ámbito de la cultura artística contemporánea actual.
La fotografía de gama dinámica amplia (HDR) es el último reto al que se enfrentan los fotógrafos digitales. Ofrece una oportunidad única y creativa de ampliar el repertorio tecnológico. Una nueva faceta de la fotografía: la capacidad de crear imágenes de escenas exactamente como creemos que las vemos, o exactamente cómo nos gustaría verlas.Una exploración, desde la perspectiva de un fotógrafo, de las posibilidades de HDR que proporciona un nuevo camino para la expresión artística. El ojo humano es muy superior a cualquier sensor; puede percibir una amplia gama de diferentes niveles de luz una sola vez, y sin distorsión alguna. HDR ofrece un conjunto de técnicas para minimizar el riesgo de subexposición, destellos e imagen quemada, problemas habituales de los fotógrafos digitales en las mismas circunstancias. Freeman explica cómo disparar en HDR. Describe con detalle las posibilidades de software y las técnicas para combinar múltiples exposiciones en una sola imagen HDR, cómo aplicar esas técnicas a diferentes géneros fotográficos populares, y cómo explorar e imprimir con éxito imágenes en HDR.
Nota a la edición Una historia irresistible Uno de los amigos a los que Javier Cercas regaló su novela Soldados de Salamina nada más publicarla fue el escritor y director de cine David Trueba. Hacia el mes de junio de 2001, antes de la explosión del "fenómeno Salamina", Trueba había tomado ya la decisión de que, tras La buena vida y Obra maestra, su tercer largometraje como director sería una adaptación de la novela de Cercas. El rodaje de la película, protagonizada por Ariadna Gil, Ramón Fontseré, Joan Dalmau, Diego Luna y María Botto, se inició en marzo de 2002 y se prolongó durante once semanas. Por aquel entonces, la novela -que nació destinada a convertirse, en el mejor de los casos, en un libro de culto- se había consolidado como "algo más que una novela". Soldados de Salamina llevaba ya varios meses en el primer puesto de las listas de ventas y estaba en un proceso de acumulación de reconocimientos nacionales e internacionales que aún ahora parece no haber concluido. No es probable que Javier Cercas, pese a que se defina como un optimista radical, hubiera aspirado a realizar tan pronto y de esta manera el sueño de cualquier escritor. Un fotógrafo barcelonés, David Airob, fijó formidablemente con su cámara algunos de los momentos del rodaje de la película. Para una exposición de su trabajo, Airob solicitó a Cercas y Trueba que escribieran breves textos a modo de pies de fotos. Éstos pensaron en lo bonito que sería reunirlas en un libro, una iniciativa que enseguida sedujo a los editores de la novela. Para arropar las fotos, se creyó interesante añadir unas conversaciones entre el escritor y el cineasta. David Trueba fue, una vez más, el responsable de una gran alegría para mí: el 9 de septiembre de 2002, me escribió una carta en la que me brindaba la posibilidad de "vigilar esta conversación, delimitarla, censurarla, cercenarla, llenarla de sexo [sic] y, esto es lo peor, transcribirla y darle un estilo uniforme". La oferta de David era un encargo irrechazable, de los que se aceptan antes de que acaben de proponértelos: iba a reunirme con mis dos amigos durante unos días y conducirles por vivencias, anécdotas y reflexiones provocadas por una novela y una película que tanto les -nos- había mejorado la vida. Esto yo no me lo podía perder. Durante trece horas y quince minutos, asistí a un espectáculo para mí delicioso: dos primeras espadas de mi generación, dos creadores que aún no eran mayores de edad cuando murió Franco, arrojando su lucidez y alegría sobre las claves de la novela y de la película o sobre la Guerra Civil, la memoria y el olvido, el éxito y el fracaso y las endiabladas relaciones entre el cine y la literatura. Lola Lamana y Teresa Ortas se ocuparon de la trascripción literal, una tarea que me permitió recuperar palabra por palabra el contenido de la charla. Luego, simplemente, me limité a depurar el texto y a introducir un cierto orden en la avalancha de ideas y anécdotas que llenaban las cerca de 400 páginas de la transcripción. El 31 de diciembre de 2002, David y Javier vinieron a pasar la Nochevieja y el día de Año Nuevo a mi casa de Zaragoza. En medio de una simpática resaca, revisamos esa primera versión y sacamos algunas conclusiones. El resultado de este trabajo es Diálogos de Salamina, un libro insólito aunque sólo sea porque, por algún extraño motivo, es la primera vez que se publica, al menos en castellano, un libro de conversaciones entre el autor de una novela y el director que la ha adaptado. Tal vez las razones de esta singularidad se deban a la pura casualidad o, por qué no, al hecho de que no sea muy normal que coincidan tantos estímulos excepcionales alrededor de una misma obra que se expresa en lenguajes tan distintos como el cinematográfico y el literario. No es muy normal que la vida de un escritor se vea tan confundida con su propia creación y que en esta creación convivan, en una ambigüedad arrebatadora, el ensayo y la investigación periodística, el pasado y el presente o la realidad y la ficción. No es muy normal que un director de cine se sienta atrapado de esa manera por un material sólo en un principio literario y se obsesione en prolongar en su película la emoción y las infinitas sugerencias de una historia irresistible. Y no es muy normal que entre un novelista y el cineasta que ha osado poner sus manos sobre su obra se deslice tal grado de afinidad, admiración mutua y reconfortante complicidad. A estas alturas, parece claro que ha sido un placer para mí contribuir a que Diálogos de Salamina haya sido posible. Aunque he de admitir que no he podido seguir, con el entusiasmo que merecía, la insinuación de David -su particular homenaje a Los viajes de Sullivan, de Preston Sturges- de llenar de sexo estas conversaciones. Eso era algo que, dadas las circunstancias, se revelaba un poco forzado. Para qué nos vamos a engañar. Luis Alegre Zaragoza, 10 de febrero de 2003
Sevilla. 100 fotografías que deberías conocer ofrece un recorrido visual en el que se plasma la transformación urbana y social de una ciudad desde mediados del siglo xix a la actualidad. Podemos asistir a la metamorfosis del río Guadalquivir como puerto fluvial y a la extensión de la urbe hacia el sur; al impulso que aportó la celebración de la Exposición Iberoamericana de 1929 y a los avances en infraestructuras que originó la Exposición Universal de 1992. Cien luces que nos permitirán acercarnos a la ciudad y a las gentes de Sevilla a través de la máquina de atrapar el tiempo. Apostar por la valoración del patrimonio fotográfico. Divulgar cientos de imágenes de gran belleza y fuerza documental que se hallan custodiadas en decenas de archivos y centros especializados. Reivindicar la calidad y el buen hacer de una inacabable nómina de fotógrafos que a lo largo de más de ciento cincuenta años nos ofrecen un impagable testimonio de la evolución de nuestra sociedad. Estos son los objetivos de la colección.
En esta antología de ensayos que exploran el concepto cambiante del espacio en el arte y la fotografía modernos, han sido incluidos artistas y críticos tan diversos como Moholy-Nagy y El Lissitzky en los años veinte, o Lucy Lippard y Dore Ashton en años recientes. Como señala Steve Yates en la Introducción, el significado del espacio ofrece un ámbito de interpretación de una neutralidad insospechada, pero la representación del espacio en el arte ha sido una cuestión de primordial importancia desde que el renacimiento planteara las convenciones pictóricas de la perspectiva. La elección entre representar el espacio o desmontar la comprensión que el espectador tiene del mismo, es un elemento esencial del arte moderno. La abundante experimentación fotográfica del siglo XX ha contribuido de manera decisiva al debate que se ha planteado en este terreno. Este volumen comienza con el primer período moderno, cuando los artistas de vanguardia cuestionaban la estética tradicional, con el constructivismo y el futurismo en Rusia, el dadaísmo y el surrealismo en Alemania y Francia, y nuevas formas de fotografía -el collage, el fotomontaje o los fotogramas- emergían en todo el arte del mundo occidental. Se incluyen también ensayos que ejercieron una gran influencia a mediados del siglo XX, de autores como Gaston Bachelard, Leo Steinberg y William M. Ivins; así como otros que plantean diferentes cuestiones sobre arte contemporáneo, escritos por Lucy Lippard, Frederick Sommer y Joel Snyder. En esta rigurosa y fascinante antología de ensayos, Steve Yates agrupa una valiosa selección de materiales que ponen de manifiesto la profunda implicación de la fotografía del siglo XX en el debate estético.
Desde principios de los años ochenta hemos disfrutado con la escritura de Mireia Sentís, su crítica de arte, sus libros sobre la vanguardia neoyorquina de los setenta y la cultura afroamericana; sus comisariados de exposiciones y, por supuesto, sus fotografas. Este catálogo, al igual que la exposición de la que es fruto y testimonio, pretende mostrar cómo la fotografía es en ella una constante necesaria para buscar esa dimensión escondida que sólo se da en las obras de arte. Mireia Sentís se ha considerado siempre desmarcada generacionalmente, pero sus trabajos fotográficos, que ha ido mostrando en exposiciones dispersas, guardan un tono de época que va más allá de lo formal puesto que, como ella suele decir, siempre persigue una idea, algo que no sólo rebasa las modas sino que hace aún más inquietante la presencia del tiempo en la imagen. Su obra responde a inquietudes vitales más que a impulsos formales. Mireia Sentís fotografía porque quiere reflexionar: sobre el cuerpo y el sexo, los paisajes del entorno que visita o habita, las costumbres, la sociedad y el poder. Todo ello desde una mirada irónica y poética, único estilo en el que se reconoce.