Es éste un libro singular en su sobria e inquietante belleza. Su autor, Wentzel Jamnitzer (1508-1585), fue un prestigioso orfebre manierista que, obsesionado por la arquitectura del universo, crea un método de perspectiva que a la vez sirva de ayuda a los
Fetos humanos disecados, cadáveres conservados en formol, happenings con unas docenas de muertos, latas con excrementos del artista? Estas son algunas de las hazañas del arte contemporáneo. ¿Se ha vuelto loco el mundo del arte? En buena medida, sí, pero no más que nuestra civilización en general: el arte contemporáneo es la mejor expresión de una cultura nihilista que hoy lo envuelve todo en Occidente. Nadie entiende ya el arte contemporáneo, simple escaparate de provocaciones que, eso sí, ingresa mucho dinero a fuerza de espantar al ciudadano común. Acontecimiento histórico: nunca antes el arte había sido tan incomprensible para la gente, el arte se ha divorciado de los hombres. Este libro se propone explicar por qué: cómo ha nacido toda esta locura, cómo hemos llegado hasta aquí. Una breve y clara historia del arte moderno que escandalizará a los mercaderes del negocio artístico y que reconfortará a quienes todavía creen en la palabra «belleza».
Según Leibniz, el 'principio de razón suficiente' no sólo rige el universo íntegro, y por tanto, el conocimiento y la ciencia, sino que también las acciones humanas se ven determinadas por razones suficientes específicamente existenciales, morales, políticas... Estamos determinados hasta tal punto, que acabamos pareciéndonos al topo de Kafka, preso de las preocupaciones y de su afán de seguridad. Pero la interpretación que Heidegger hace sobre este tema nos muestra que el 'principio de razón suficiente' puede regir absolutamente todo porque carece de razón en sí mismo: es un fundamento sin fundamento, lo cual nos conduce a la noción de juego del ser. Atendiendo a sus límites, podemos concebir la razón como algo lúdico. El juego se da 'sin porqué', y por ello supone un espacio de suspensión de la razón suficiente. Con el fin de profundizar en la dimensión lúdica de la existencia humana, Roger Caillois nos propone una reveladora filosofía del juego. Hay algunos juegos como los de 'agon' (competencia), en los que la razón suficiente encuentra un lugar apropiado para reproducirse. Esto nos explicaría cómo hemos llegado a constituir una sociedad tan competitiva. Pero hay otros juegos, como los de 'alea' (azar o suerte), 'mimicry' (simulacro, imitación) o 'ilinx' (vértigo, como el que se da en las acrobacias, el circo, el toreo), en los que lo lúdico se mantiene más propiamente en su 'sin porqué'. Baudrillard, Deleuze, Borges y Dostoievski abordarán también el tema del juego desde sus respectivos enfoques.
Los maestros del arte moderno han luchado contra el academicismo; pero el arte moderno, en nuestra época, se encuentra en vías de crear un nuevo academicismo, tal vez peor que el anterior; ya que en éste, por lo menos, existían vestigios de técnica. Hoy casi nadie sabe dibujar ni pintar. Creo que el arte moderno es un gran desastre. Pero algo es cierto, no obstante: el arte moderno es el único arte vivo que existe hoy, el único que corresponde históricamente al tiempo en que vivimos; tiempo tan desastroso. Desde los primeros años, y sobre todo en los momentos de mayor creatividad ;entre 1924 y 1945;, Dalí trabaja de manera paralela en los campos de la literatura y la pintura, que unidos contribuyen a la creación de un universo de formas y símbolos que no abandonará hasta el final de sus días. Los textos recogidos en esta antología corresponden a épocas distintas que van desde 1927 a 1978; fueron publicados en la revista francesa Oui y esta edición los rescata en su totalidad. El orden cronológico de los artículos permite seguir con más facilidad la evolución de las ideas del artista. Sus obsesiones son su principal fuente temática: el erotismo, la muerte y la podredumbre, que articulan un universo muy peculiar apareciendo de manera recurrente a lo largo de toda su vida. Cuando se ocupa de estos temas, Dalí se convierte en un auténtico surrealista. Pero la temática daliniana va más allá de lo puramente personal. En sus escritos mezcla ideas filosóficas con anécdotas aparentemente irrelevantes y se preocupa también por el surrealismo y algunos de sus problemas, como el objeto, el automatismo o el sueño, sin dejar de lado otros temas como la fotografía y el cine.
¿El arte es un lenguaje? Esta pregunta recorre la historia de las ideas estéticas y de la critica de arte durante todo nuestro siglo, y constituye el tema de uno de los más importantes debates modernos sobre la materia. Las posiciones que se dan pueden resumirse en dos grandes líneas: la de quien sostiene que el arte es un fenómeno único e irrepetible, por lo cual es imposible recoger su esencia de forma racional; y la de quien, por el contrario, plantea que el arte tiene el mismo estatuto que el lenguaje, es decir, que es un objeto estructurado del que se puede llegar a comprender el mecanismo del funcionamiento interno. Este libro recorre la historia del arte y define los diferentes métodos de investigación de los impulsores de la segunda hipótesis, así como distintas corrientes que anticiparon modelos lingüísticos de investigación (el simbolismo americano, el purovisualismo, la filosofía neokantiana, la iconología, la historia de las formas, la teoría de la Gestalt, la psicología de la percepción). Y traza un mapa completo de los diversos enfoques que consideran al arte en tanto que comunicación. La obra se presenta como un manual que aclara una de las problemáticas más intricadas de nuestro tiempo y permite, mediante una muy extensa bibliografía, profundizar en cada argumento mediante direcciones de investigación precisa.
Los usos de las imágenes abarca temas tanto de lo que se considera gran arte como de otras manifestaciones más mundanas de la vida social: desde la pintura al fresco, el retablo, el estilo gótico internacional o la escultura para exteriores hasta los garabatos, las instrucciones gráficas, la caricatura o la propaganda política. Gombrich analiza el papel de la oferta y la demanda, los concursos, la exhibición de obras, la ecología de las imágenes y la idea de retroalimentación en el entrelazamiento de medios y fines, entendiendo todos ellos como destrezas y recursos que a su vez estimulan nuevas demandas. Asimismo se ocupa de cuestiones vinculadas a la exposición de la pintura y al uso (o la infrautilización) de las imágenes como evidencias históricas. Haciendo gala de enorme lucidez, Gombrich escribe también de forma clara y directa. Expone cuestiones abstractas y complejas sin hacer que sus lectores se pierdan en jergas y tecnicismos. Analiza algunos de los temas más polémicos y fundamentales en esta disciplina: ¿cómo y porqué se transforma y evoluciona el arte?, ¿qué significa la idea de progreso en el arte?, ¿se puede utilizar el arte como prueba del espíritu de una época? Como siempre, sus respuestas no nacen de formulaciones abstractas sino de un intento empírico y en absoluto dogmático de comprender qué ha sucedido realmente en la historia del arte. Gombrich, el historiador que supo acercar el arte al gran público. Diario El País
Es éste un libro singular en su sobria e inquietante belleza. Su autor, Wentzel Jamnitzer (1508-1585), fue un prestigioso orfebre manierista que, obsesionado por la arquitectura del universo, crea un método de perspectiva que a la vez sirva de ayuda a los
Fetos humanos disecados, cadáveres conservados en formol, happenings con unas docenas de muertos, latas con excrementos del artista? Estas son algunas de las hazañas del arte contemporáneo. ¿Se ha vuelto loco el mundo del arte? En buena medida, sí, pero no más que nuestra civilización en general: el arte contemporáneo es la mejor expresión de una cultura nihilista que hoy lo envuelve todo en Occidente. Nadie entiende ya el arte contemporáneo, simple escaparate de provocaciones que, eso sí, ingresa mucho dinero a fuerza de espantar al ciudadano común. Acontecimiento histórico: nunca antes el arte había sido tan incomprensible para la gente, el arte se ha divorciado de los hombres. Este libro se propone explicar por qué: cómo ha nacido toda esta locura, cómo hemos llegado hasta aquí. Una breve y clara historia del arte moderno que escandalizará a los mercaderes del negocio artístico y que reconfortará a quienes todavía creen en la palabra «belleza».
Según Leibniz, el 'principio de razón suficiente' no sólo rige el universo íntegro, y por tanto, el conocimiento y la ciencia, sino que también las acciones humanas se ven determinadas por razones suficientes específicamente existenciales, morales, políticas... Estamos determinados hasta tal punto, que acabamos pareciéndonos al topo de Kafka, preso de las preocupaciones y de su afán de seguridad. Pero la interpretación que Heidegger hace sobre este tema nos muestra que el 'principio de razón suficiente' puede regir absolutamente todo porque carece de razón en sí mismo: es un fundamento sin fundamento, lo cual nos conduce a la noción de juego del ser. Atendiendo a sus límites, podemos concebir la razón como algo lúdico. El juego se da 'sin porqué', y por ello supone un espacio de suspensión de la razón suficiente. Con el fin de profundizar en la dimensión lúdica de la existencia humana, Roger Caillois nos propone una reveladora filosofía del juego. Hay algunos juegos como los de 'agon' (competencia), en los que la razón suficiente encuentra un lugar apropiado para reproducirse. Esto nos explicaría cómo hemos llegado a constituir una sociedad tan competitiva. Pero hay otros juegos, como los de 'alea' (azar o suerte), 'mimicry' (simulacro, imitación) o 'ilinx' (vértigo, como el que se da en las acrobacias, el circo, el toreo), en los que lo lúdico se mantiene más propiamente en su 'sin porqué'. Baudrillard, Deleuze, Borges y Dostoievski abordarán también el tema del juego desde sus respectivos enfoques.
Los maestros del arte moderno han luchado contra el academicismo; pero el arte moderno, en nuestra época, se encuentra en vías de crear un nuevo academicismo, tal vez peor que el anterior; ya que en éste, por lo menos, existían vestigios de técnica. Hoy casi nadie sabe dibujar ni pintar. Creo que el arte moderno es un gran desastre. Pero algo es cierto, no obstante: el arte moderno es el único arte vivo que existe hoy, el único que corresponde históricamente al tiempo en que vivimos; tiempo tan desastroso. Desde los primeros años, y sobre todo en los momentos de mayor creatividad ;entre 1924 y 1945;, Dalí trabaja de manera paralela en los campos de la literatura y la pintura, que unidos contribuyen a la creación de un universo de formas y símbolos que no abandonará hasta el final de sus días. Los textos recogidos en esta antología corresponden a épocas distintas que van desde 1927 a 1978; fueron publicados en la revista francesa Oui y esta edición los rescata en su totalidad. El orden cronológico de los artículos permite seguir con más facilidad la evolución de las ideas del artista. Sus obsesiones son su principal fuente temática: el erotismo, la muerte y la podredumbre, que articulan un universo muy peculiar apareciendo de manera recurrente a lo largo de toda su vida. Cuando se ocupa de estos temas, Dalí se convierte en un auténtico surrealista. Pero la temática daliniana va más allá de lo puramente personal. En sus escritos mezcla ideas filosóficas con anécdotas aparentemente irrelevantes y se preocupa también por el surrealismo y algunos de sus problemas, como el objeto, el automatismo o el sueño, sin dejar de lado otros temas como la fotografía y el cine.
¿El arte es un lenguaje? Esta pregunta recorre la historia de las ideas estéticas y de la critica de arte durante todo nuestro siglo, y constituye el tema de uno de los más importantes debates modernos sobre la materia. Las posiciones que se dan pueden resumirse en dos grandes líneas: la de quien sostiene que el arte es un fenómeno único e irrepetible, por lo cual es imposible recoger su esencia de forma racional; y la de quien, por el contrario, plantea que el arte tiene el mismo estatuto que el lenguaje, es decir, que es un objeto estructurado del que se puede llegar a comprender el mecanismo del funcionamiento interno. Este libro recorre la historia del arte y define los diferentes métodos de investigación de los impulsores de la segunda hipótesis, así como distintas corrientes que anticiparon modelos lingüísticos de investigación (el simbolismo americano, el purovisualismo, la filosofía neokantiana, la iconología, la historia de las formas, la teoría de la Gestalt, la psicología de la percepción). Y traza un mapa completo de los diversos enfoques que consideran al arte en tanto que comunicación. La obra se presenta como un manual que aclara una de las problemáticas más intricadas de nuestro tiempo y permite, mediante una muy extensa bibliografía, profundizar en cada argumento mediante direcciones de investigación precisa.
Los usos de las imágenes abarca temas tanto de lo que se considera gran arte como de otras manifestaciones más mundanas de la vida social: desde la pintura al fresco, el retablo, el estilo gótico internacional o la escultura para exteriores hasta los garabatos, las instrucciones gráficas, la caricatura o la propaganda política. Gombrich analiza el papel de la oferta y la demanda, los concursos, la exhibición de obras, la ecología de las imágenes y la idea de retroalimentación en el entrelazamiento de medios y fines, entendiendo todos ellos como destrezas y recursos que a su vez estimulan nuevas demandas. Asimismo se ocupa de cuestiones vinculadas a la exposición de la pintura y al uso (o la infrautilización) de las imágenes como evidencias históricas. Haciendo gala de enorme lucidez, Gombrich escribe también de forma clara y directa. Expone cuestiones abstractas y complejas sin hacer que sus lectores se pierdan en jergas y tecnicismos. Analiza algunos de los temas más polémicos y fundamentales en esta disciplina: ¿cómo y porqué se transforma y evoluciona el arte?, ¿qué significa la idea de progreso en el arte?, ¿se puede utilizar el arte como prueba del espíritu de una época? Como siempre, sus respuestas no nacen de formulaciones abstractas sino de un intento empírico y en absoluto dogmático de comprender qué ha sucedido realmente en la historia del arte. Gombrich, el historiador que supo acercar el arte al gran público. Diario El País