Se plantean de una manera clara y rigurosa los principios fundamentales sobre los que se basó el arte egipcio a lo largo de los diferentes períodos de evolución, desde sus orígenes hasta la época grecorromana, subrayando las circunstancias históricas que favorecieron el auge o la crisis de los distintos sistemas de representación. El texto se completa con el aporte de reproducciones fotográficas de los ejemplos más significativos y una extensa bibliografía razonada, lo que convierte a este libro en una auténtica obra de referencia.
La metáfora es la estructura rectora de la arquitectura lingüística humana, la célula madre de nuestra vida en la palabra. Sin su intervención en la constitución del mundo no sería posible comprender ningún producto del ser humano. Su existencia es la prueba más rotunda de que aún es posible encontrar algo nuevo bajo el sol, de que todo es factible: lo inesperado, lo imprevisto, lo inusitado. Esta descomunal potencia, desde una perspectiva estructural y factual, reside en que, inmersos en experiencias metafóricas básicas, no las advertimos como tales: creemos poseer trozos de mundo, en donde vivenciamos metáforas consolidadas. Ninguna metáfora fundamental y fundacional tiene aspecto de tal, sino que permanece oculta. De ahí su poder y su irrenunciable carácter interpretativo. La mente es la gran metáfora por excelencia, nuestra capacidad de despliegue transpositivo. Nadie debe dudar de la naturaleza metafórica de la «mente». Lo que permanece en nuestro organismo no es la carne, sino la metáfora, y es la que nos permite seguir siendo los mismos pese a los radicales cambios biológicos que sufrimos a lo largo de la vida. Llevado el giro hermenéutico hasta sus últimas consecuencias, la verdad solo puede ser transpositiva. La dependencia ontológica de la metáfora es también nuestra supeditación vital a la belleza. No podría ser de otro modo. La metáfora es decisiva en nuestras vidas porque la existencia es una bella «disonancia consonante». Si por realidad entendemos intensidad, goce y saber de uno mismo, entonces la metáfora (y el arte en general) es más «real» que la propia realidad. Es un ensayo, en definitiva, que supone tanto un vuelco en el estudio de la transposición metafórica (y, por ende, del lenguaje) como un planteamiento insólito en la bibliografía contemporánea y que abre una nueva página en su comprensión. Juan Carlos Couceiro-Bueno es catedrático de Filosofía en la Universidad de A Coruña. Doctor en Filosofía y psicólogo. Participa en los círculos de debate de filosofía y estética más relevantes de Europa y América. Entres sus libros y publicaciones destacan las siguientes: Ontofiction: The Altered Comprehension of the World (2000); Essential Poiesis (2003); Pensar en tiempos de oscuridad (2006); Education without Paideia (2007); Without Beauty There is No Truth (2009); Europa ante sí misma (2010); Twilight Splendor (2011); How to Conduct Life (2011); Peering Through the Keyhole The Phenomenology of Ciberspace (2012). Ha colaborado en los más importantes medios de comunicación escrita del país. Sus investigaciones se enmarcan en la fenomenología, la hermenéutica (el destino nihilista de Occidente) y en los fundamentos estéticos de la realidad.
El filósofo y crítico de arte Arthur C. Danto nos propone un atractivo recorrido por la evolución personal, artística y filosófica que Andy Warhol experimentó a lo largo de su vida. Danto rastrea la evolución de Warhol, sus primeros trabajos, su vínculo con artistas como Jasper Johns o Robert Rauschenberg, y el fenómeno de The Factory, y realiza una lectura detallada de su obra en la que analiza el contexto social y las dimensiones filosóficas que lo distinguen de artistas como Marcel Duchamp o Jeff Koons. Danto se centra en la filosofía del artista y en sus ideas y, mediante un lenguaje directo y claro, nos conduce por la imprecisa frontera que separa el ?arte? del ?arte comercial?. En esta obra Danto nos permite profundizar en este icono del pop, presentándolo como una figura multidimensional y polifacética, artista, activista político, cineasta, escritor y filósofo, cuya obra ha ejercido una enorme influencia en la contemporaneidad, y que supone una espléndida síntesis de cómo y por qué las técnicas revolucionarias de Warhol y sus creaciones sacudieron la definición tradicional del arte y allanaron el camino para el pluralismo creativo y la libertad actual.
Para ilustrar tesis puramente filosóficas, esto es, para encarnar su eterna verdad o su ocasional verosimilitud, Clément Rosset recurre a menudo a referencias culturales de muy diversa índole, desde la música a la pintura, desde el cine al comic, desde la literatura a la historia, sin descartar acontecimientos biográficos o circunstancias sociales. Por su obra desfila, pues, codeándose con los grandes representantes del gremio filosófico y con idéntica importancia en tanto que portavoces del autor, infinidad de personajes, situaciones, ejemplos, sonidos e imágenes, reales y ficticios. El presente volumen es, en el fondo, un homenaje especial a todos ellos. Ya no se trata de empeñar el arte o la vida para mayor gloria de la filosofía, que así se torna más accesible, sino al contrario, de esgrimirla filosofía para que el arte y la vida se vuelvan más comprensibles. Materia de arte recoge once escritos sobre otros tantos escritores o artistas (Jankélévitch, Beckett, Soulanges, Hélion, Klossowski, Chelkoff, René Clair, Bresson, Offenbach, Ravel y Mozart) que, por diversos motivos, han interesado al autor. En todos ellos, a colación de algún aspecto concreto de sus respectivas producciones, se aprecia el fondo de la filosofía afirmativa y trágica de Rosset, así como la precisión, la elegancia y el humor habituales de su escritura. Rafael del Hierro
Ensayo sobre música y sociedad, meditación sobre diferentes movimientos artísticos y sus influencias, Elaboraciones musicales es una invitación a comprender la música clásica y una aproximación, de la mano de un maestro, a entender la creación como expresión de lo real. Considerada una de las grandes creaciones intelectuales de la humanidad, la música es un rico lenguaje artístico que expresa deseos y anhelos al tiempo que refleja las condiciones materiales y el contexto cultural en el cual se concibe. Esta es una de las conclusiones que se desprenden de la lectura de esta penetrante obra, unos brillantes textos que centran su atención en la música clásica occidental. En esta reflexión sobre la música como disciplina humanística y sus procesos de elaboración, el profesor Said propone un análisis amplio de las partituras, los músicos y sus épocas, una mirada que englobe todos los elementos posibles, de la misma manera que el lector o el crítico hacen a la hora de enfrentarse a un texto literario o una obra de arte. Beethoven y la Ilustración o Wagner y la filosofía de Schopenhauer, por citar solo dos ejemplos, son algunos de los casos estudiados, cruciales momentos históricos que muestran con claridad cómo las relaciones entre la música y su entorno son indiscutibles.
Los Soliloquios fueron escritos por George Santayana entre 1914 y 1921, y pueden leerse de forma independiente, aunque unos llevan a otros. Su estilo empuja suavemente al lector, como el Támesis invocado al comienzo, desde la atmósfera inglesa hasta el mito de Hermes, deteniéndose en los castillos de nubes, en los esnobs, en los efectos de la Gran Guerra, en las ironías del liberalismo o en las oscilaciones de la filosofía británica. Platón y Aristóteles, Matthew Arnold y William Wordsworth, Goethe y Shakespeare, el pensamiento hindú y la mitología griega, el paisaje castellano y la literatura española, el psicoanálisis y la nueva física adornan este recorrido. Atrapado en Oxford por el estallido de la guerra, pero sin verse implicado en ella dada su ciudadanía española, Santayana pasea, lee a Dickens y medita sobre Inglaterra, el mundo y sus ilusiones. Teje así un impresionante tapiz donde se entrecruzan referencias a España y Alemania, a la muerte y a la posible revolución. Con su característica escritura a varias voces, Santayana desvela a la vez el carácter británico y su propio hombre interior en un libro intemporal. El tono de estos Soliloquios lo indica el mismo Santayana en el prólogo cuando afirma que él sería el primero «en detestar su palabrería si no fuera por cierta felicidad espiritual que parece alentarlos y redimir su irrelevancia».
Arthur C. Danto sostiene en este libro que la obra de Warhol Caja de Brillo (1964) puso fin a la trayectoria establecida del arte occidental dando lugar a un pluralismo que ha cambiado la forma de hacer, percibir y exponer el arte. Asombrosamente iluminadores y sumamente provocativos, sus ensayos exploran cómo las concepciones del arte -y los relatos históricos resultantes- difieren según la cultura. Abordan, asimismo, los temas más retadores en el arte de hoy en día, incluidos la censura y el apoyo del Estado a los artistas.
La anónima publicación de Los efluvios cordiales de un monje amante del arte en 1796 marca el nacimiento del romanticismo alemán. Pese a su apariencia y tono inocentes, es un alegato del entusiasmo artístico dirigido contra la tradición dieciochesca: no el arte clásico, sino el renacimiento italiano y, sobre todo, el redescubrimiento de Alberto Durero como personificación del auténtico arte alemán constituyen el paradigma que presenta la obra. El texto ofrece otras características sorprendentes: la combinación de formas (vidas de artistas, cartas, poemas, una nouvelle...), el tono patriarcal del narrador, la idea ilustrada de la tolerancia aplicada al arte, el anuncio de una nueva religión del arte y el relato de la vida de Berglinger. Este supone una doble innovación, al proyectar la música como arte absoluto e introducir el modelo de artista romántico en conflicto permanente con su entorno. La aparente sencillez e inocencia del discurso del monje, de agradable lectura - el texto no se dirige a expertos, sino a amantes del arte-, ni oculta su conocimiento de la discusión estética en la Alemania de finales del XVIII, ni resta complejidad a su radical intención filosófica.
Dentro del río de rebeliones que recorre el siglo XX, la Internacional Situacionista destaca por haber insistido desde los años cincuenta en el hecho de que la cultura entraña un conflicto que le es propio, un antagonismo que no es un mero reflejo de algo que ocurre en otro lugar. Trenzando el marxismo con las inquietudes de las vanguardias artísticas, la I.S. planteó con énfasis que la transformación social liberadora supone luchar no sólo por otra forma de organizar la producción o el poder, sino también por la invención de otros modos de vivir el día a día. Rupturas situacionistas investiga los desplazamientos dentro de los campos del marxismo y del modernismo que conlleva su proyecto de superación del arte y de revolución cultural. Indaga, igualmente, acerca de los cambios que el proyecto experimenta entre los escritos de la primera época y La sociedad del espectáculo de Guy Debord. Y busca señalar en qué medida sigue siendo relevante para entender el antagonismo cultural en la actualidad.
Teoría del arte plantea un ajuste conceptual de las categorías de análisis y una nueva delimitación de los aspectos y manifestaciones que configuran en la actualidad la escena artística. Se trata de buscar una correspondencia en el plano teórico con lo que el arte es en nuestro tiempo, en lugar de seguir recurriendo a ideas y formulaciones que remiten al pasado, a un horizonte de la representación hace ya mucho tiempo definitivamente superado en nuestra cultura, en esta era de la imagen global. El libro está concebido para servir como texto de apoyo para la docencia e investigación en Teoría del arte. Pero está igualmente pensado como un texto de lectura amena y sugestiva, apoyado en ejemplos e imágenes concretos, que permita a las personas interesadas en comprender y disfrutar el arte de nuestro tiempo realizar una especie de viaje a ese universo, que a la vez atrae y desconcierta. Se trata de dar respuesta -o, mejor aún, de fijar los términos para que cada uno pueda darla por sí mismo- a cuestiones tan habituales hoy como: «pero ¿esto es " Arte " ?», «¿por qué se considera esto " Arte " ?», «¿quién lo determina así?».
Este libro representa el más serio, provocativo e importante replanteamiento sobre la " ideología " desde que Althusser publicara en 1960 y 1970 sus ensayos sobre ideología estética. Ofrece la investigación definitiva del pensamiento de De Man sobre filosofía, política e historia. Algunos de los artículos incluidos en este volumen se ofrecen al lector de forma asequible por primera vez. Fueron escritos o pronunciados en conferencias durante los últimos años de la vida del autor, entre 1977 y 1983.
Se plantean de una manera clara y rigurosa los principios fundamentales sobre los que se basó el arte egipcio a lo largo de los diferentes períodos de evolución, desde sus orígenes hasta la época grecorromana, subrayando las circunstancias históricas que favorecieron el auge o la crisis de los distintos sistemas de representación. El texto se completa con el aporte de reproducciones fotográficas de los ejemplos más significativos y una extensa bibliografía razonada, lo que convierte a este libro en una auténtica obra de referencia.
La metáfora es la estructura rectora de la arquitectura lingüística humana, la célula madre de nuestra vida en la palabra. Sin su intervención en la constitución del mundo no sería posible comprender ningún producto del ser humano. Su existencia es la prueba más rotunda de que aún es posible encontrar algo nuevo bajo el sol, de que todo es factible: lo inesperado, lo imprevisto, lo inusitado. Esta descomunal potencia, desde una perspectiva estructural y factual, reside en que, inmersos en experiencias metafóricas básicas, no las advertimos como tales: creemos poseer trozos de mundo, en donde vivenciamos metáforas consolidadas. Ninguna metáfora fundamental y fundacional tiene aspecto de tal, sino que permanece oculta. De ahí su poder y su irrenunciable carácter interpretativo. La mente es la gran metáfora por excelencia, nuestra capacidad de despliegue transpositivo. Nadie debe dudar de la naturaleza metafórica de la «mente». Lo que permanece en nuestro organismo no es la carne, sino la metáfora, y es la que nos permite seguir siendo los mismos pese a los radicales cambios biológicos que sufrimos a lo largo de la vida. Llevado el giro hermenéutico hasta sus últimas consecuencias, la verdad solo puede ser transpositiva. La dependencia ontológica de la metáfora es también nuestra supeditación vital a la belleza. No podría ser de otro modo. La metáfora es decisiva en nuestras vidas porque la existencia es una bella «disonancia consonante». Si por realidad entendemos intensidad, goce y saber de uno mismo, entonces la metáfora (y el arte en general) es más «real» que la propia realidad. Es un ensayo, en definitiva, que supone tanto un vuelco en el estudio de la transposición metafórica (y, por ende, del lenguaje) como un planteamiento insólito en la bibliografía contemporánea y que abre una nueva página en su comprensión. Juan Carlos Couceiro-Bueno es catedrático de Filosofía en la Universidad de A Coruña. Doctor en Filosofía y psicólogo. Participa en los círculos de debate de filosofía y estética más relevantes de Europa y América. Entres sus libros y publicaciones destacan las siguientes: Ontofiction: The Altered Comprehension of the World (2000); Essential Poiesis (2003); Pensar en tiempos de oscuridad (2006); Education without Paideia (2007); Without Beauty There is No Truth (2009); Europa ante sí misma (2010); Twilight Splendor (2011); How to Conduct Life (2011); Peering Through the Keyhole The Phenomenology of Ciberspace (2012). Ha colaborado en los más importantes medios de comunicación escrita del país. Sus investigaciones se enmarcan en la fenomenología, la hermenéutica (el destino nihilista de Occidente) y en los fundamentos estéticos de la realidad.
El filósofo y crítico de arte Arthur C. Danto nos propone un atractivo recorrido por la evolución personal, artística y filosófica que Andy Warhol experimentó a lo largo de su vida. Danto rastrea la evolución de Warhol, sus primeros trabajos, su vínculo con artistas como Jasper Johns o Robert Rauschenberg, y el fenómeno de The Factory, y realiza una lectura detallada de su obra en la que analiza el contexto social y las dimensiones filosóficas que lo distinguen de artistas como Marcel Duchamp o Jeff Koons. Danto se centra en la filosofía del artista y en sus ideas y, mediante un lenguaje directo y claro, nos conduce por la imprecisa frontera que separa el ?arte? del ?arte comercial?. En esta obra Danto nos permite profundizar en este icono del pop, presentándolo como una figura multidimensional y polifacética, artista, activista político, cineasta, escritor y filósofo, cuya obra ha ejercido una enorme influencia en la contemporaneidad, y que supone una espléndida síntesis de cómo y por qué las técnicas revolucionarias de Warhol y sus creaciones sacudieron la definición tradicional del arte y allanaron el camino para el pluralismo creativo y la libertad actual.
Este libro edictado durapropuestas p una época eautor ubicarigor a veceesencia crea
Para ilustrar tesis puramente filosóficas, esto es, para encarnar su eterna verdad o su ocasional verosimilitud, Clément Rosset recurre a menudo a referencias culturales de muy diversa índole, desde la música a la pintura, desde el cine al comic, desde la literatura a la historia, sin descartar acontecimientos biográficos o circunstancias sociales. Por su obra desfila, pues, codeándose con los grandes representantes del gremio filosófico y con idéntica importancia en tanto que portavoces del autor, infinidad de personajes, situaciones, ejemplos, sonidos e imágenes, reales y ficticios. El presente volumen es, en el fondo, un homenaje especial a todos ellos. Ya no se trata de empeñar el arte o la vida para mayor gloria de la filosofía, que así se torna más accesible, sino al contrario, de esgrimirla filosofía para que el arte y la vida se vuelvan más comprensibles. Materia de arte recoge once escritos sobre otros tantos escritores o artistas (Jankélévitch, Beckett, Soulanges, Hélion, Klossowski, Chelkoff, René Clair, Bresson, Offenbach, Ravel y Mozart) que, por diversos motivos, han interesado al autor. En todos ellos, a colación de algún aspecto concreto de sus respectivas producciones, se aprecia el fondo de la filosofía afirmativa y trágica de Rosset, así como la precisión, la elegancia y el humor habituales de su escritura. Rafael del Hierro
Ensayo sobre música y sociedad, meditación sobre diferentes movimientos artísticos y sus influencias, Elaboraciones musicales es una invitación a comprender la música clásica y una aproximación, de la mano de un maestro, a entender la creación como expresión de lo real. Considerada una de las grandes creaciones intelectuales de la humanidad, la música es un rico lenguaje artístico que expresa deseos y anhelos al tiempo que refleja las condiciones materiales y el contexto cultural en el cual se concibe. Esta es una de las conclusiones que se desprenden de la lectura de esta penetrante obra, unos brillantes textos que centran su atención en la música clásica occidental. En esta reflexión sobre la música como disciplina humanística y sus procesos de elaboración, el profesor Said propone un análisis amplio de las partituras, los músicos y sus épocas, una mirada que englobe todos los elementos posibles, de la misma manera que el lector o el crítico hacen a la hora de enfrentarse a un texto literario o una obra de arte. Beethoven y la Ilustración o Wagner y la filosofía de Schopenhauer, por citar solo dos ejemplos, son algunos de los casos estudiados, cruciales momentos históricos que muestran con claridad cómo las relaciones entre la música y su entorno son indiscutibles.
Los Soliloquios fueron escritos por George Santayana entre 1914 y 1921, y pueden leerse de forma independiente, aunque unos llevan a otros. Su estilo empuja suavemente al lector, como el Támesis invocado al comienzo, desde la atmósfera inglesa hasta el mito de Hermes, deteniéndose en los castillos de nubes, en los esnobs, en los efectos de la Gran Guerra, en las ironías del liberalismo o en las oscilaciones de la filosofía británica. Platón y Aristóteles, Matthew Arnold y William Wordsworth, Goethe y Shakespeare, el pensamiento hindú y la mitología griega, el paisaje castellano y la literatura española, el psicoanálisis y la nueva física adornan este recorrido. Atrapado en Oxford por el estallido de la guerra, pero sin verse implicado en ella dada su ciudadanía española, Santayana pasea, lee a Dickens y medita sobre Inglaterra, el mundo y sus ilusiones. Teje así un impresionante tapiz donde se entrecruzan referencias a España y Alemania, a la muerte y a la posible revolución. Con su característica escritura a varias voces, Santayana desvela a la vez el carácter británico y su propio hombre interior en un libro intemporal. El tono de estos Soliloquios lo indica el mismo Santayana en el prólogo cuando afirma que él sería el primero «en detestar su palabrería si no fuera por cierta felicidad espiritual que parece alentarlos y redimir su irrelevancia».
Arthur C. Danto sostiene en este libro que la obra de Warhol Caja de Brillo (1964) puso fin a la trayectoria establecida del arte occidental dando lugar a un pluralismo que ha cambiado la forma de hacer, percibir y exponer el arte. Asombrosamente iluminadores y sumamente provocativos, sus ensayos exploran cómo las concepciones del arte -y los relatos históricos resultantes- difieren según la cultura. Abordan, asimismo, los temas más retadores en el arte de hoy en día, incluidos la censura y el apoyo del Estado a los artistas.
La anónima publicación de Los efluvios cordiales de un monje amante del arte en 1796 marca el nacimiento del romanticismo alemán. Pese a su apariencia y tono inocentes, es un alegato del entusiasmo artístico dirigido contra la tradición dieciochesca: no el arte clásico, sino el renacimiento italiano y, sobre todo, el redescubrimiento de Alberto Durero como personificación del auténtico arte alemán constituyen el paradigma que presenta la obra. El texto ofrece otras características sorprendentes: la combinación de formas (vidas de artistas, cartas, poemas, una nouvelle...), el tono patriarcal del narrador, la idea ilustrada de la tolerancia aplicada al arte, el anuncio de una nueva religión del arte y el relato de la vida de Berglinger. Este supone una doble innovación, al proyectar la música como arte absoluto e introducir el modelo de artista romántico en conflicto permanente con su entorno. La aparente sencillez e inocencia del discurso del monje, de agradable lectura - el texto no se dirige a expertos, sino a amantes del arte-, ni oculta su conocimiento de la discusión estética en la Alemania de finales del XVIII, ni resta complejidad a su radical intención filosófica.
Dentro del río de rebeliones que recorre el siglo XX, la Internacional Situacionista destaca por haber insistido desde los años cincuenta en el hecho de que la cultura entraña un conflicto que le es propio, un antagonismo que no es un mero reflejo de algo que ocurre en otro lugar. Trenzando el marxismo con las inquietudes de las vanguardias artísticas, la I.S. planteó con énfasis que la transformación social liberadora supone luchar no sólo por otra forma de organizar la producción o el poder, sino también por la invención de otros modos de vivir el día a día. Rupturas situacionistas investiga los desplazamientos dentro de los campos del marxismo y del modernismo que conlleva su proyecto de superación del arte y de revolución cultural. Indaga, igualmente, acerca de los cambios que el proyecto experimenta entre los escritos de la primera época y La sociedad del espectáculo de Guy Debord. Y busca señalar en qué medida sigue siendo relevante para entender el antagonismo cultural en la actualidad.
Teoría del arte plantea un ajuste conceptual de las categorías de análisis y una nueva delimitación de los aspectos y manifestaciones que configuran en la actualidad la escena artística. Se trata de buscar una correspondencia en el plano teórico con lo que el arte es en nuestro tiempo, en lugar de seguir recurriendo a ideas y formulaciones que remiten al pasado, a un horizonte de la representación hace ya mucho tiempo definitivamente superado en nuestra cultura, en esta era de la imagen global. El libro está concebido para servir como texto de apoyo para la docencia e investigación en Teoría del arte. Pero está igualmente pensado como un texto de lectura amena y sugestiva, apoyado en ejemplos e imágenes concretos, que permita a las personas interesadas en comprender y disfrutar el arte de nuestro tiempo realizar una especie de viaje a ese universo, que a la vez atrae y desconcierta. Se trata de dar respuesta -o, mejor aún, de fijar los términos para que cada uno pueda darla por sí mismo- a cuestiones tan habituales hoy como: «pero ¿esto es " Arte " ?», «¿por qué se considera esto " Arte " ?», «¿quién lo determina así?».
Este libro representa el más serio, provocativo e importante replanteamiento sobre la " ideología " desde que Althusser publicara en 1960 y 1970 sus ensayos sobre ideología estética. Ofrece la investigación definitiva del pensamiento de De Man sobre filosofía, política e historia. Algunos de los artículos incluidos en este volumen se ofrecen al lector de forma asequible por primera vez. Fueron escritos o pronunciados en conferencias durante los últimos años de la vida del autor, entre 1977 y 1983.