3 Jóvenes y clásicos 3 es el nuevo proyecto que esta temporada 2017-2018 ha abordado la Joven CNTC, un ciclo que incluye tres montajes de diferentes autores, dirigidos por directores distintos y representados en la sala Tirso de Molina del Teatro de la Comedia. En este espacio que permite múltiples configuraciones e inspira a equipos creativos e intérpretes hacia nuevos modos de contar los clásicos, se suben a escena las obras que conforman el presente volumen: El banquete (basado en textos del teatro clásico universal); Los empeños de una casa, de Sor Juana Inés de la Cruz; y La dama boba, de Lope de Vega. Además, durante la actual temporada ha tomado forma la colaboración docente y artística entre la CNTC y el Théâtre National de Bordeaux en Aquitaine (TNBA).
Lo que cuenta en la supervivencia de un arte como el del actor es, sobre todo, preservar aquellas cualidades humanas necesarias para ejercitarlo de una manera libre y plena. Si se trata de triunfar a toda costa como Marilyn Monroe o como Marlon Brando, todos los medios para lograr el ansiado éxito profesional parecen valer la pena. No obstante, hay que ser conscientes del alto precio que suele pagarse por ello y, asimismo, en un ejercicio de realismo vital, saber que la mayor parte de los actores y actrices concluyen su formación o su relación laboral con el arte de la actuación sin fama, sin dinero y, en el mejor de los casos, con poco trabajo. Quien descubra un lugar de pertenencia que vaya mas allá del éxito social deberá descubrir también, mientras aprende a no desmoralizarse, que no debe someterse a la inmoralidad del todo vale con tal de alcanzar el estrellato y el reconocimiento de los medios y el público. En este sentido, y desde la óptica de la enseñanza del arte de actuar, ¿cuáles son los límites a los que debe atenerse un pedagogo? ¿Hay principios claros en los extremos del arte del actor como los hay en los deportes extremos? ¿Es perversa, en definitiva, la aplicación del método interpretativo del Actor?s Studio? A pesar de que los contenidos teóricos de los estudios iniciales de Stanislavski y su articulación con el psicoanálisis, la Gestalt o el psicodrama han proliferado y miles de escuelas en el mundo han pretendido ocultar el hueco metodológico propiciado por Lee Strasberg con aportaciones psicológicas que facilitaran la búsqueda personal, Jorge Eines opina que se trata de un inmenso error: cualquier individuo es libre para autolesionarse, pero un profesor no debería impulsarlo a que lo hiciera. La técnica es una regla de seguridad; de lo contrario, el arte se desplaza hacia un extremo en el que ya no hay arte. Así, la técnica de la interpretación es concebida como un proceso en el cual el actor o el alumno de Arte Dramático se interrogan a sí mismo sobre los límites de su propio arte. En Hacer actuar, el actor en formación y el ya formado (si esto es posible, pues un actor nunca está formado del todo) encontrarán una firme, vibrante y esclarecedora defensa de la técnica como esencia del oficio de actuar que hace factible la aparición del talento, pues éste, en opinión del autor, no se posee: se conquista.
Alegato a favor del actor quiere aclarar desde diferentes orientacio¬nes del pensamiento humano las concepciones básicas de los dos directores rusos que según Eines han comprendido mejor la problemática del actor: Stanislavsky y Meyerhold. Ellos incluyeron en sus criterios todas las vertientes posibles del desarrollo y comprensión de la práctica dramática, y en este libro Eines realiza la integración de los recursos técnicos de ambos directores. El título del libro adquiere su pleno sentido en un contexto en que, según Eines, el actor está sometido al abandono, tanto desde la práctica escénica, considerado una seudomarioneta a disposición de una estética, como desde la teoría y la técnica, entendidas ambas como la elaboración intelectual necesaria para la mejor realización del arte dramático. Para Eines el destinatario esencial del libro es el actor, o quien quiere serlo: pretende ser una herramienta que estimule el pensamiento de quien soporta el teatro en su cuerpo y en su mente: el actor. Una versión ampliamente corregida y aumentada de un Alegato que resuena con renovada vigencia en la mente y el cuerpo del actor de nuestro tiempo.
¿Por qué 25 ventanas? Una mirada hacia el lugar del conocimiento. Ventanas como impulsos para discernir sobre conceptos tanto teóricos como técnicos pero también sobre las realidades del actor y el director del siglo XXI, en todos los ámbitos de su quehacer profesional. Un texto que tiene valor en la medida en que seamos capaces de trasladarlo a la realidad de nuestro trabajo. Y que un actor junto a un director son los que se atreven a construir personajes tan reales como imaginarios. No en la vida sino en la condición del ensayo y de la escena.
Trata este volumen de ilustrar desde ángulos diversos y complementarios la formidable creación cultural del arte dramático por los atenienses del s. V a.C., asumida con entusiasmo por los romanos, difundida por toda la cuenca del Mediterráneo y territorios limítrofes, y reinventada con decidida afición desde los siglos del humanismo hasta nuestros días. Así, a una amplia colección de casi doscientas imágenes de cerca de sesenta teatros antiguos, desperdigados por tres continentes, precede una colección de estudios y textos que permitirán al lector formarse una cabal idea de lo que fue el teatro en la Antigüedad, de lo que supuso para la civilización occidental y, por fin, de cómo aún hoy sigue vivificando de manera potente las escenas y las pantallas de cine y televisión del mundo entero.
Esta obra de teatro denuncia problemáticas sociales como el hambre en la infancia, la desigualdad de oportunidades entre hombres y mujeres, los modelos de educación enquistados. Todo aquello que fue cercenado durante la dictadura: la violencia invisibilizada, los crímenes omitidos, los cuerpos desaparecidos.En el epitafio de la tumba de María Zambrano se pueden leer las siguientes palabras: Levántate, amiga mía, y ven. Un Niño Hambriento, en esta noche de verano, se refugia en el cementerio y las pronuncia invocando a Zambrano, quien, con ayuda de María Niña, le dará de comer. Pero fuera hay muchas personas pasando hambre. Entonces María Zambrano intentará desesperadamente encontrar la última palabra, aquella que seguía buscando en 1988 cuando se convirtió en la primera mujer en recibir el Premio Cervantes: la palabra perdida, la palabra única, secreto del amor divino-humano. Una palabra que nos alimente ante la incertidumbre social y política en que vivimos: paz.
¿Nuestras vidas están predeterminadas por un destino o somos nosotros quienes, con las decisiones que vamos tomando, acabamos definiendo la senda de los acontecimientos? ¿Si pudiéramos viajar hacia atrás en el tiempo y modificar aquella opción elegida, seríamos los mismos que en la actualidad o esas otras elecciones nos habrían convertido en personas distintas? ¿Existe realmente una realidad paralela para cada una de las decisiones que hemos desestimado en la vida? Eduardo, muy enamorado de su mujer Elisa, provoca involuntariamente una tragedia. Óscar y Clara, sus mejores amigos, intentan ayudarle infructuosamente. Eduardo se introduce en un laberinto de pensamientos confusos y caóticos y consigue pervertir la flecha del tiempo. Su objetivo es reencontrar viva a Elisa, en el pasado, y evitar por todos los medios conocerla para, así, borrar la tragedia de su futura y traumática pérdida.
L?Antoni es dirigeix a una entitat bancària per demanar un crèdit personal, però quan el director de la oficina veu que no pot oferir cap tipus de garantia ni d?aval per tornar-lo, decideix denegar-l?hi. Davant d?aquesta negativa, l?Antoni no es conforma i fa una proposta molt desconcertant al director. El crèdit és, en paraules de Sergi Belbel, «una gran comèdia sobre l?economia, la crisi, la desesperació, la fragilitat de les vides humanes i, també, encara que no ho sembli a primera vista, sobre les estranyes i insondables relacions de parella».Si a El mètode Grönholm Galceran feia una dissecció, en clau d?humor, del que estem disposats a fer els humans per aconseguir una feina, a El crèdit ens planteja quin és el límit humà davant de la desesperació econòmica.
La rebelión de Los esclavos ofrece un análisis sobre el teatro de Raúl Hernández Garrido, uno de los dramaturgos españoles más destacados de nuestro ámbito teatral contemporáneo. Este estudio se centra en su tragedia Los engranajes y, de manera más referencial, en sus obras Los malditos, Los restos: Agamenón vuelve a casa y Los restos Fedra, todas parte del ciclo Los esclavos. En ellas, el autor utiliza el mito y la tragedia griega deliberadamente, con la intención de hacer reflexionar al lector/espectador acerca de los conceptos del destino y la fragilidad de la acción humana junto con la fragmentación, la desesperanza y la insatisfacción de las sociedades contemporáneas. La innovación formal de su dramaturgia unida al uso de la tragedia como marco argumental presenta una crítica sobre la problemática social de nuestros días al tiempo que apuesta por el planteamiento de un cambio hacia una ética social esperanzadora basada en la libertad creativa y en la cooperación entre el texto y todos aquellos involucrados en el proceso creativo. Partiendo de las reflexiones sobre el género de la tragedia o de lo trágico de Sigmund Freud, Jacques Lacan, Friedrich Nietzsche, René Girard y Emmanuel Levinas entre otros, este volumen profundiza en el significado del sufrimiento, el trauma, el abuso de poder, la violencia y la ética de la responsabilidad en la obra de Raúl Hernández Garrido. Pilar Pérez Serrano es doctora en Literatura Española por la universidad de Boston College. Actualmente es profesora titular de español en la Facultad de Idiomas y Lingüística de Gordon College, Massachussetts.
Cicely Berry nos relata y trasmite las investigaciones que ha realizado en torno a la voz durante los últimos 50 años con actores, directores y dramaturgos. Una generosa labor que ofrece al lector la ocasión de sentirse partícipe de una experiencia única. Pocos libros trazan una reflexión tan compleja como asequible sobre las relaciones entre el lenguaje, el pensamiento y el mundo. Sobre la influencia de la lengua en la percepción y el pensamiento. Si algo caracteriza los libros de esta autora no es tanto su carga teórica sino su praxis, los ejercicios que comparte minuciosamente con lectores y alumnos. Quien nos interpela en este libro es la voz obstinadamente joven de una mujer de 80 años que nos habla del juego y de la vida, empecinada además en romper con las convenciones del idioma y batallar así contra los tópicos que abundan en el mundo del teatro. Para Cicely Berry un nimio detalle, un gesto, una sola palabra puede revelar la verdad de un personaje hasta el punto de ofrecer la clave de todo un espectáculo teatral. CICELY BERRY (1926-) ha sido directora vocal de la Royal Shakespeare Company (RSC) y asesora de todas sus producciones teatrales. Estudió Arte Dramático en la Central School of Speech and Drama. Ha trabajado con actores de renombre internacional como Peter Finch, Sean Connery, Ann Bancroft, Richard Chamberlain, Derek Jacobi y Jeremy Irons y directores como Peter Brook, Trevor Nunn, Bernardo Bertolucci, Augusto Boal o Sam Mendes. También está muy involucrada en la educación internacional, ha impartido clases particulares a profesores de enseñanzas medias y políticos, y ha enseñado en prisiones. Es profesora honoraria de la Universidad de Monfort de Leicester y Doctora Honoris Causa por la Academia Nacional de las Artes de Cinematografía y Teatro de Bulgaria y de Literatura por la Universidad de Birmingham de Inglaterra. VICENTE FUENTES es Doctor por la Universidad de Alcalá y Catedrático de la RESAD. En 1975 es becado por la Fundación Juan March para ampliar sus estudios teatrales Inglaterra. En Londres investiga con el profesor Roy Hart y redacta su trabajo La Voz Humana u Objetiva. Completa su formación en Stratford con Cicely Berry. Es asesor de Verso de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Director del Laboratorio del la CNTC para la formación de jóvenes actores y miembro fundador del Roy Hart International
La recuperació dels manuscrits de Joana de Vigo i Squella (1779-1855), aristòcrata il·lustrada ciutadellenca, ha posat al descobert diverses traduccions del francès, la primera de les quals és Ifigenia a Tàurida (1801), una versió d’Iphigénie en Tauride de Claude Guimond de la Touche, l’única de caràcter teatral de l?autora i la seva aportació més significativa, ja que es tracta de la primera traducció catalana coneguda d’aquesta tragèdia (representada el 1757 i publicada el 1758), que reinterpreta el text d’Eurípides amb les idees dels philosophes ’denúncia del fanatisme i de la intolerància; reivindicació de la raó, la natura i la sensibilitat’, en la qual es basà Gluck per a la seva versió operística de 1779. L’obra, mostra de la notable activitat traductora produïda a Menorca el tombant del segle xviii al xix, esdevé, juntament amb les versions teatrals d’Antoni Febrer i Cardona i Vicenç Albertí, un testimoni notable de la fortuna del gènere tràgic en l’àmbit literari català.
3 Jóvenes y clásicos 3 es el nuevo proyecto que esta temporada 2017-2018 ha abordado la Joven CNTC, un ciclo que incluye tres montajes de diferentes autores, dirigidos por directores distintos y representados en la sala Tirso de Molina del Teatro de la Comedia. En este espacio que permite múltiples configuraciones e inspira a equipos creativos e intérpretes hacia nuevos modos de contar los clásicos, se suben a escena las obras que conforman el presente volumen: El banquete (basado en textos del teatro clásico universal); Los empeños de una casa, de Sor Juana Inés de la Cruz; y La dama boba, de Lope de Vega. Además, durante la actual temporada ha tomado forma la colaboración docente y artística entre la CNTC y el Théâtre National de Bordeaux en Aquitaine (TNBA).
Lo que cuenta en la supervivencia de un arte como el del actor es, sobre todo, preservar aquellas cualidades humanas necesarias para ejercitarlo de una manera libre y plena. Si se trata de triunfar a toda costa como Marilyn Monroe o como Marlon Brando, todos los medios para lograr el ansiado éxito profesional parecen valer la pena. No obstante, hay que ser conscientes del alto precio que suele pagarse por ello y, asimismo, en un ejercicio de realismo vital, saber que la mayor parte de los actores y actrices concluyen su formación o su relación laboral con el arte de la actuación sin fama, sin dinero y, en el mejor de los casos, con poco trabajo. Quien descubra un lugar de pertenencia que vaya mas allá del éxito social deberá descubrir también, mientras aprende a no desmoralizarse, que no debe someterse a la inmoralidad del todo vale con tal de alcanzar el estrellato y el reconocimiento de los medios y el público. En este sentido, y desde la óptica de la enseñanza del arte de actuar, ¿cuáles son los límites a los que debe atenerse un pedagogo? ¿Hay principios claros en los extremos del arte del actor como los hay en los deportes extremos? ¿Es perversa, en definitiva, la aplicación del método interpretativo del Actor?s Studio? A pesar de que los contenidos teóricos de los estudios iniciales de Stanislavski y su articulación con el psicoanálisis, la Gestalt o el psicodrama han proliferado y miles de escuelas en el mundo han pretendido ocultar el hueco metodológico propiciado por Lee Strasberg con aportaciones psicológicas que facilitaran la búsqueda personal, Jorge Eines opina que se trata de un inmenso error: cualquier individuo es libre para autolesionarse, pero un profesor no debería impulsarlo a que lo hiciera. La técnica es una regla de seguridad; de lo contrario, el arte se desplaza hacia un extremo en el que ya no hay arte. Así, la técnica de la interpretación es concebida como un proceso en el cual el actor o el alumno de Arte Dramático se interrogan a sí mismo sobre los límites de su propio arte. En Hacer actuar, el actor en formación y el ya formado (si esto es posible, pues un actor nunca está formado del todo) encontrarán una firme, vibrante y esclarecedora defensa de la técnica como esencia del oficio de actuar que hace factible la aparición del talento, pues éste, en opinión del autor, no se posee: se conquista.
Alegato a favor del actor quiere aclarar desde diferentes orientacio¬nes del pensamiento humano las concepciones básicas de los dos directores rusos que según Eines han comprendido mejor la problemática del actor: Stanislavsky y Meyerhold. Ellos incluyeron en sus criterios todas las vertientes posibles del desarrollo y comprensión de la práctica dramática, y en este libro Eines realiza la integración de los recursos técnicos de ambos directores. El título del libro adquiere su pleno sentido en un contexto en que, según Eines, el actor está sometido al abandono, tanto desde la práctica escénica, considerado una seudomarioneta a disposición de una estética, como desde la teoría y la técnica, entendidas ambas como la elaboración intelectual necesaria para la mejor realización del arte dramático. Para Eines el destinatario esencial del libro es el actor, o quien quiere serlo: pretende ser una herramienta que estimule el pensamiento de quien soporta el teatro en su cuerpo y en su mente: el actor. Una versión ampliamente corregida y aumentada de un Alegato que resuena con renovada vigencia en la mente y el cuerpo del actor de nuestro tiempo.
¿Por qué 25 ventanas? Una mirada hacia el lugar del conocimiento. Ventanas como impulsos para discernir sobre conceptos tanto teóricos como técnicos pero también sobre las realidades del actor y el director del siglo XXI, en todos los ámbitos de su quehacer profesional. Un texto que tiene valor en la medida en que seamos capaces de trasladarlo a la realidad de nuestro trabajo. Y que un actor junto a un director son los que se atreven a construir personajes tan reales como imaginarios. No en la vida sino en la condición del ensayo y de la escena.
Trata este volumen de ilustrar desde ángulos diversos y complementarios la formidable creación cultural del arte dramático por los atenienses del s. V a.C., asumida con entusiasmo por los romanos, difundida por toda la cuenca del Mediterráneo y territorios limítrofes, y reinventada con decidida afición desde los siglos del humanismo hasta nuestros días. Así, a una amplia colección de casi doscientas imágenes de cerca de sesenta teatros antiguos, desperdigados por tres continentes, precede una colección de estudios y textos que permitirán al lector formarse una cabal idea de lo que fue el teatro en la Antigüedad, de lo que supuso para la civilización occidental y, por fin, de cómo aún hoy sigue vivificando de manera potente las escenas y las pantallas de cine y televisión del mundo entero.
Esta obra de teatro denuncia problemáticas sociales como el hambre en la infancia, la desigualdad de oportunidades entre hombres y mujeres, los modelos de educación enquistados. Todo aquello que fue cercenado durante la dictadura: la violencia invisibilizada, los crímenes omitidos, los cuerpos desaparecidos.En el epitafio de la tumba de María Zambrano se pueden leer las siguientes palabras: Levántate, amiga mía, y ven. Un Niño Hambriento, en esta noche de verano, se refugia en el cementerio y las pronuncia invocando a Zambrano, quien, con ayuda de María Niña, le dará de comer. Pero fuera hay muchas personas pasando hambre. Entonces María Zambrano intentará desesperadamente encontrar la última palabra, aquella que seguía buscando en 1988 cuando se convirtió en la primera mujer en recibir el Premio Cervantes: la palabra perdida, la palabra única, secreto del amor divino-humano. Una palabra que nos alimente ante la incertidumbre social y política en que vivimos: paz.
¿Nuestras vidas están predeterminadas por un destino o somos nosotros quienes, con las decisiones que vamos tomando, acabamos definiendo la senda de los acontecimientos? ¿Si pudiéramos viajar hacia atrás en el tiempo y modificar aquella opción elegida, seríamos los mismos que en la actualidad o esas otras elecciones nos habrían convertido en personas distintas? ¿Existe realmente una realidad paralela para cada una de las decisiones que hemos desestimado en la vida? Eduardo, muy enamorado de su mujer Elisa, provoca involuntariamente una tragedia. Óscar y Clara, sus mejores amigos, intentan ayudarle infructuosamente. Eduardo se introduce en un laberinto de pensamientos confusos y caóticos y consigue pervertir la flecha del tiempo. Su objetivo es reencontrar viva a Elisa, en el pasado, y evitar por todos los medios conocerla para, así, borrar la tragedia de su futura y traumática pérdida.
L?Antoni es dirigeix a una entitat bancària per demanar un crèdit personal, però quan el director de la oficina veu que no pot oferir cap tipus de garantia ni d?aval per tornar-lo, decideix denegar-l?hi. Davant d?aquesta negativa, l?Antoni no es conforma i fa una proposta molt desconcertant al director. El crèdit és, en paraules de Sergi Belbel, «una gran comèdia sobre l?economia, la crisi, la desesperació, la fragilitat de les vides humanes i, també, encara que no ho sembli a primera vista, sobre les estranyes i insondables relacions de parella».Si a El mètode Grönholm Galceran feia una dissecció, en clau d?humor, del que estem disposats a fer els humans per aconseguir una feina, a El crèdit ens planteja quin és el límit humà davant de la desesperació econòmica.
La rebelión de Los esclavos ofrece un análisis sobre el teatro de Raúl Hernández Garrido, uno de los dramaturgos españoles más destacados de nuestro ámbito teatral contemporáneo. Este estudio se centra en su tragedia Los engranajes y, de manera más referencial, en sus obras Los malditos, Los restos: Agamenón vuelve a casa y Los restos Fedra, todas parte del ciclo Los esclavos. En ellas, el autor utiliza el mito y la tragedia griega deliberadamente, con la intención de hacer reflexionar al lector/espectador acerca de los conceptos del destino y la fragilidad de la acción humana junto con la fragmentación, la desesperanza y la insatisfacción de las sociedades contemporáneas. La innovación formal de su dramaturgia unida al uso de la tragedia como marco argumental presenta una crítica sobre la problemática social de nuestros días al tiempo que apuesta por el planteamiento de un cambio hacia una ética social esperanzadora basada en la libertad creativa y en la cooperación entre el texto y todos aquellos involucrados en el proceso creativo. Partiendo de las reflexiones sobre el género de la tragedia o de lo trágico de Sigmund Freud, Jacques Lacan, Friedrich Nietzsche, René Girard y Emmanuel Levinas entre otros, este volumen profundiza en el significado del sufrimiento, el trauma, el abuso de poder, la violencia y la ética de la responsabilidad en la obra de Raúl Hernández Garrido. Pilar Pérez Serrano es doctora en Literatura Española por la universidad de Boston College. Actualmente es profesora titular de español en la Facultad de Idiomas y Lingüística de Gordon College, Massachussetts.
Cicely Berry nos relata y trasmite las investigaciones que ha realizado en torno a la voz durante los últimos 50 años con actores, directores y dramaturgos. Una generosa labor que ofrece al lector la ocasión de sentirse partícipe de una experiencia única. Pocos libros trazan una reflexión tan compleja como asequible sobre las relaciones entre el lenguaje, el pensamiento y el mundo. Sobre la influencia de la lengua en la percepción y el pensamiento. Si algo caracteriza los libros de esta autora no es tanto su carga teórica sino su praxis, los ejercicios que comparte minuciosamente con lectores y alumnos. Quien nos interpela en este libro es la voz obstinadamente joven de una mujer de 80 años que nos habla del juego y de la vida, empecinada además en romper con las convenciones del idioma y batallar así contra los tópicos que abundan en el mundo del teatro. Para Cicely Berry un nimio detalle, un gesto, una sola palabra puede revelar la verdad de un personaje hasta el punto de ofrecer la clave de todo un espectáculo teatral. CICELY BERRY (1926-) ha sido directora vocal de la Royal Shakespeare Company (RSC) y asesora de todas sus producciones teatrales. Estudió Arte Dramático en la Central School of Speech and Drama. Ha trabajado con actores de renombre internacional como Peter Finch, Sean Connery, Ann Bancroft, Richard Chamberlain, Derek Jacobi y Jeremy Irons y directores como Peter Brook, Trevor Nunn, Bernardo Bertolucci, Augusto Boal o Sam Mendes. También está muy involucrada en la educación internacional, ha impartido clases particulares a profesores de enseñanzas medias y políticos, y ha enseñado en prisiones. Es profesora honoraria de la Universidad de Monfort de Leicester y Doctora Honoris Causa por la Academia Nacional de las Artes de Cinematografía y Teatro de Bulgaria y de Literatura por la Universidad de Birmingham de Inglaterra. VICENTE FUENTES es Doctor por la Universidad de Alcalá y Catedrático de la RESAD. En 1975 es becado por la Fundación Juan March para ampliar sus estudios teatrales Inglaterra. En Londres investiga con el profesor Roy Hart y redacta su trabajo La Voz Humana u Objetiva. Completa su formación en Stratford con Cicely Berry. Es asesor de Verso de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Director del Laboratorio del la CNTC para la formación de jóvenes actores y miembro fundador del Roy Hart International
La recuperació dels manuscrits de Joana de Vigo i Squella (1779-1855), aristòcrata il·lustrada ciutadellenca, ha posat al descobert diverses traduccions del francès, la primera de les quals és Ifigenia a Tàurida (1801), una versió d’Iphigénie en Tauride de Claude Guimond de la Touche, l’única de caràcter teatral de l?autora i la seva aportació més significativa, ja que es tracta de la primera traducció catalana coneguda d’aquesta tragèdia (representada el 1757 i publicada el 1758), que reinterpreta el text d’Eurípides amb les idees dels philosophes ’denúncia del fanatisme i de la intolerància; reivindicació de la raó, la natura i la sensibilitat’, en la qual es basà Gluck per a la seva versió operística de 1779. L’obra, mostra de la notable activitat traductora produïda a Menorca el tombant del segle xviii al xix, esdevé, juntament amb les versions teatrals d’Antoni Febrer i Cardona i Vicenç Albertí, un testimoni notable de la fortuna del gènere tràgic en l’àmbit literari català.