En esta obra se exploran nuevas posibilidades didácticas del teatro dentro de la enseñanza/aprendizaje del E/LE. A partir de una reflexión crítica en la que se repasan, y a veces se cuestionan, las principales teorías que hasta el momento existen sobre el teatro en la enseñanza de idiomas, la segunda parte del libro presenta una innovadora propuesta didáctica para fomentar la interculturalidad en el aula a través del teatro. Así, se describe paso a paso todo el proceso en el que a través de distintas etapas y actividades muy dispares se van conjugando los contenidos dramáticos con los lingüísticos y los interculturales. Aunque las actividades están cuidadosamente estudiadas y secuenciadas para conducir al proceso de creación y escenificación de la obra, éstas pueden utilizarse sin ningún problema dentro de un curso o clase de Lengua Extranjera de otras características.
Este libro intenta demostrar hasta qué punto un trabajo interdisciplinar que toma como base una obra teatral española del Siglo de Oro puede incrementar la motivación del alumnado de Secundaria. El autor reflexiona sobre la realidad de la educación, al tiempo que resume el proceso histórico de la educación española desde mediados del siglo XIX hasta nuestros días. Expone cómo figuras insignes se han servido del teatro como herramienta educativa. El libro aborda el complejo fenómeno de las relaciones entre la educación y el teatro. UN ESTUDIO INNOVADOR QUE UNE TEATRO CON EDUCACIÓN
No habrá vestimentas teatrales, ni ritmos bucólicos en fríos salones, ni trastos que denoten el tiempo campestre. La acción se desarrollará en la ya vieja y golpeada escenografía de Mujeres soñaron caballos. Una mesa, dos sillas y una botella. Quitando elementos hasta llegar a la expresión mínima, adecuada para los actores. Espía a una mujer que se mata, versión de Tío Vania, acaba sedimentando algunas cuestiones de orden universal: el alcohol, el amor por la naturaleza, los animales toscos y la búsqueda de la verdad a través del arte. Dios, Stanislavski y Genet, desvencijados.
La presència de la naturalesa en lobra teatral dÀngel Guimerà (1845-1924), escrita en el decurs de més de quaranta anys, proporciona troballes fascinants. Més enllà de la popularitat que han assolit peces com Mar i cel i Terra baixa, aquest llibre convida a llegir el seu teatre complet a partir de tres enfocaments que, conjugats, amplien la concepció estètica guimeraniana: primer, els ambients en què lautor situa les obres i, en particular, la dialèctica camp-ciutat; segon, els elements naturals, en què sinclouen, posem per cas, els àpats i els paisatges, i, tercer, el simbolisme que el dramaturg atorga als racons de la naturalesa, que permet fer una interpretació més aprofundida de la seva visió de lespai. Aquest estudi demostra que lobra dramàtica de Guimerà, un clàssic duna vigència indiscutible, encara suscita mirades noves i suggeridores.
Zenbat euskal kanta ezagutzen dituzu, zahar edo berri? Kalkulua egin duzu inoiz? Ziur gaude uste duzuna baino askoz gehiago direla. Ikuskizun honetan berrehun baino gehiago agertzen dira (zatiak, noski!) eta, denak ez bada gehienak, ezagun egingo zaizkizu. Kanta kopuru ederra erabili dugu, baina aipatu gabe utzi ditugu beste hainbeste kanta eta musikari. Horiek ere estimatzen ditugu, lan honetan tokirik aurkitu ez badute ere. Gure musika ondarea altxor bat da, gure memoria historikoaren lekuko emozionala. Ez Dok Hiru kantutegian oinarritutako ikuskizun teatrala da. Gure modukoa, eroa, deskontzertantea, irrigarria azalez Baina azal horren poro bakoitzari geure musikarekiko maitasuna dario.
Esta obra de teatro narra el viaje a Suecia en enero de 1937 de la primera diplomática española, Isabel Oyarzábal Smith (alias "Beatriz Galindo" para sus lectores). La autora llega a Estocolmo con instrucciones precisas del gobierno de la República. En la soledad de aquellas latitudes, Isabel debe afrontar un obstáculo inaudito, tan enojoso como delicado, que escapa a cualquier previsión. Por ingenio de Concha Méndez, en su ayuda acuden refuerzos no menos insólitos: sus compañeras de vida y causa, pensadoras y creadoras comprometidas con el progreso social, educativo y artístico que marcaron la radiante modernidad, indecorosa y aventurera, de los años veinte. La obra es una reivindicación de una serie de mujeres, creadoras y pensadoras, que gravitaron alrededor de la generación del 27.
Se presentan en esta obra una serie de estudios sobre el teatro lírico español entre 1868 y 1925, una etapa enmarcada entre dos fechas significativas, no solo para la historia, sino también para la música en España que comienza con la Revolución la Gloriosa, coincidente con el establecimiento de los Bufos de Francisco Arderíus, etapa crucial en nuestro teatro lírico, y concluye con la instauración de la Dictadura de Primo de Rivera, el mismo año en que se cierra el Teatro Real por problemas estructurales en el edificio, que no volverá a utilizarse como teatro de la ópera hasta 1997. Los trabajos que aquí se reúnen proceden de dos líneas de investigación, la musicología y la filología, necesariamente complementarias para la comprensión del teatro lírico, tanto por lo que concierne a la partitura como al texto literario. Como complemento imprescindible, uno de los estudios analiza la evolución de la escenografía del drama musical español durante el siglo XIX.
Pamela Howard, que ha trabajado en más de 200 montajes en el Reino Unido y en todo el mundo, explica en este libro las claves de la creación de un espacio escénico: el juego con el espacio, las pistas visuales que sugiere el texto, la investigación y documentación, el color y la composición, el vestuario, la colaboración con el director, el intérprete y el espectador. Experta en la creación de espacios escénicos en arquitecturas no teatrales aboga tanto por el recurso a las últimas tecnologías como por la necesidad de un teatro sostenible. ¿Qué es la escenografía? no solo documenta con ilustraciones la variadísima experiencia de la autora sino que rinde tributo a sus maestros e inspiradores: Léon Bakst, Caspar Neher, Robert Planchon
Este es un manual clásico de dirección e interpretación teatral estructurado en breves notas sobre cada aspecto del proceso de la representación escénica, desde el primer análisis del texto hasta la noche del estreno. Con estas 130 notas se han formado actores y actrices como Alec Guinness, Richard Burton, Ian McKellen, Kevin Spacey y Judi Dench, todos ellos en algún momento bajo las órdenes de Frank Hauser, director de la prestigiosa compañía Oxford Playhouse durante quince años. Un día su ayudante Russell Reich le propuso recopilar y ampliar sus indicaciones y de ahí surgió este volumen de certeras, estimulantes y reveladoras Notas de dirección.
La dramaturga y directora de escena Angélica Liddell (Premio Nacional de Literatura Dramática, 2012; León de Plata de la Bienal de Teatro de Venecia, 2013) desentraña en estos textos la relación entre el sacrificio y lo poético. En diálogo con Diderot, Pasolini y el mito de Abraham, abre una brecha desde la que observar el mecanismo que transforma el acto individual del sacrificio en acontecimiento político. La libertad se alcanza así a través de la exposición del cuerpo en escena en su máxima vulnerabilidad y desprotección. Con prólogo de Christilla Vasserot, profesora de la universidad Paris 3- Sorbonne Nouvelle (Francia), traductora y especialista del teatro de Angélica Liddell. Edición a cargo de Cornago, Óscar y Sandra Cendal.
Descubrir a Susan Glaspell, una de las voces más carismáticas y originales de principios del siglo XX, es una apasionante sorpresa. Cofundadora de los Provincetown Players, se dejó arrastrar por los sueños e ideales de su marido, para crear un teatro vanguardista genuinamente norteamericano. Las consagradas dotes de esta dramaturga enmarcan en el espacio temporal de la conducta humana las cuatro breves obras recogidas en este volumen escritas para los Provincetown Players. Deseos suprimidos, Nimiedades, Cierra el libro y El pueblo son obras protagonizadas por variopintos personajes, atrapados en situaciones desesperadas con desenlaces inquietantes. La traducción de cada pieza teatral conserva los diálogos de las piezas originales, y las introducciones críticas que las acompañan facilitan una amplia información del panorama teatral de entonces y ahora.
En esta obra se exploran nuevas posibilidades didácticas del teatro dentro de la enseñanza/aprendizaje del E/LE. A partir de una reflexión crítica en la que se repasan, y a veces se cuestionan, las principales teorías que hasta el momento existen sobre el teatro en la enseñanza de idiomas, la segunda parte del libro presenta una innovadora propuesta didáctica para fomentar la interculturalidad en el aula a través del teatro. Así, se describe paso a paso todo el proceso en el que a través de distintas etapas y actividades muy dispares se van conjugando los contenidos dramáticos con los lingüísticos y los interculturales. Aunque las actividades están cuidadosamente estudiadas y secuenciadas para conducir al proceso de creación y escenificación de la obra, éstas pueden utilizarse sin ningún problema dentro de un curso o clase de Lengua Extranjera de otras características.
Este libro intenta demostrar hasta qué punto un trabajo interdisciplinar que toma como base una obra teatral española del Siglo de Oro puede incrementar la motivación del alumnado de Secundaria. El autor reflexiona sobre la realidad de la educación, al tiempo que resume el proceso histórico de la educación española desde mediados del siglo XIX hasta nuestros días. Expone cómo figuras insignes se han servido del teatro como herramienta educativa. El libro aborda el complejo fenómeno de las relaciones entre la educación y el teatro. UN ESTUDIO INNOVADOR QUE UNE TEATRO CON EDUCACIÓN
No habrá vestimentas teatrales, ni ritmos bucólicos en fríos salones, ni trastos que denoten el tiempo campestre. La acción se desarrollará en la ya vieja y golpeada escenografía de Mujeres soñaron caballos. Una mesa, dos sillas y una botella. Quitando elementos hasta llegar a la expresión mínima, adecuada para los actores. Espía a una mujer que se mata, versión de Tío Vania, acaba sedimentando algunas cuestiones de orden universal: el alcohol, el amor por la naturaleza, los animales toscos y la búsqueda de la verdad a través del arte. Dios, Stanislavski y Genet, desvencijados.
La presència de la naturalesa en lobra teatral dÀngel Guimerà (1845-1924), escrita en el decurs de més de quaranta anys, proporciona troballes fascinants. Més enllà de la popularitat que han assolit peces com Mar i cel i Terra baixa, aquest llibre convida a llegir el seu teatre complet a partir de tres enfocaments que, conjugats, amplien la concepció estètica guimeraniana: primer, els ambients en què lautor situa les obres i, en particular, la dialèctica camp-ciutat; segon, els elements naturals, en què sinclouen, posem per cas, els àpats i els paisatges, i, tercer, el simbolisme que el dramaturg atorga als racons de la naturalesa, que permet fer una interpretació més aprofundida de la seva visió de lespai. Aquest estudi demostra que lobra dramàtica de Guimerà, un clàssic duna vigència indiscutible, encara suscita mirades noves i suggeridores.
Zenbat euskal kanta ezagutzen dituzu, zahar edo berri? Kalkulua egin duzu inoiz? Ziur gaude uste duzuna baino askoz gehiago direla. Ikuskizun honetan berrehun baino gehiago agertzen dira (zatiak, noski!) eta, denak ez bada gehienak, ezagun egingo zaizkizu. Kanta kopuru ederra erabili dugu, baina aipatu gabe utzi ditugu beste hainbeste kanta eta musikari. Horiek ere estimatzen ditugu, lan honetan tokirik aurkitu ez badute ere. Gure musika ondarea altxor bat da, gure memoria historikoaren lekuko emozionala. Ez Dok Hiru kantutegian oinarritutako ikuskizun teatrala da. Gure modukoa, eroa, deskontzertantea, irrigarria azalez
Baina azal horren poro bakoitzari geure musikarekiko maitasuna dario.
Esta obra de teatro narra el viaje a Suecia en enero de 1937 de la primera diplomática española, Isabel Oyarzábal Smith (alias "Beatriz Galindo" para sus lectores). La autora llega a Estocolmo con instrucciones precisas del gobierno de la República. En la soledad de aquellas latitudes, Isabel debe afrontar un obstáculo inaudito, tan enojoso como delicado, que escapa a cualquier previsión. Por ingenio de Concha Méndez, en su ayuda acuden refuerzos no menos insólitos: sus compañeras de vida y causa, pensadoras y creadoras comprometidas con el progreso social, educativo y artístico que marcaron la radiante modernidad, indecorosa y aventurera, de los años veinte. La obra es una reivindicación de una serie de mujeres, creadoras y pensadoras, que gravitaron alrededor de la generación del 27.
Se presentan en esta obra una serie de estudios sobre el teatro lírico español entre 1868 y 1925, una etapa enmarcada entre dos fechas significativas, no solo para la historia, sino también para la música en España que comienza con la Revolución la Gloriosa, coincidente con el establecimiento de los Bufos de Francisco Arderíus, etapa crucial en nuestro teatro lírico, y concluye con la instauración de la Dictadura de Primo de Rivera, el mismo año en que se cierra el Teatro Real por problemas estructurales en el edificio, que no volverá a utilizarse como teatro de la ópera hasta 1997. Los trabajos que aquí se reúnen proceden de dos líneas de investigación, la musicología y la filología, necesariamente complementarias para la comprensión del teatro lírico, tanto por lo que concierne a la partitura como al texto literario. Como complemento imprescindible, uno de los estudios analiza la evolución de la escenografía del drama musical español durante el siglo XIX.
Pamela Howard, que ha trabajado en más de 200 montajes en el Reino Unido y en todo el mundo, explica en este libro las claves de la creación de un espacio escénico: el juego con el espacio, las pistas visuales que sugiere el texto, la investigación y documentación, el color y la composición, el vestuario, la colaboración con el director, el intérprete y el espectador. Experta en la creación de espacios escénicos en arquitecturas no teatrales aboga tanto por el recurso a las últimas tecnologías como por la necesidad de un teatro sostenible. ¿Qué es la escenografía? no solo documenta con ilustraciones la variadísima experiencia de la autora sino que rinde tributo a sus maestros e inspiradores: Léon Bakst, Caspar Neher, Robert Planchon
Este es un manual clásico de dirección e interpretación teatral estructurado en breves notas sobre cada aspecto del proceso de la representación escénica, desde el primer análisis del texto hasta la noche del estreno. Con estas 130 notas se han formado actores y actrices como Alec Guinness, Richard Burton, Ian McKellen, Kevin Spacey y Judi Dench, todos ellos en algún momento bajo las órdenes de Frank Hauser, director de la prestigiosa compañía Oxford Playhouse durante quince años. Un día su ayudante Russell Reich le propuso recopilar y ampliar sus indicaciones y de ahí surgió este volumen de certeras, estimulantes y reveladoras Notas de dirección.
La dramaturga y directora de escena Angélica Liddell (Premio Nacional de Literatura Dramática, 2012; León de Plata de la Bienal de Teatro de Venecia, 2013) desentraña en estos textos la relación entre el sacrificio y lo poético. En diálogo con Diderot, Pasolini y el mito de Abraham, abre una brecha desde la que observar el mecanismo que transforma el acto individual del sacrificio en acontecimiento político. La libertad se alcanza así a través de la exposición del cuerpo en escena en su máxima vulnerabilidad y desprotección. Con prólogo de Christilla Vasserot, profesora de la universidad Paris 3- Sorbonne Nouvelle (Francia), traductora y especialista del teatro de Angélica Liddell. Edición a cargo de Cornago, Óscar y Sandra Cendal.
Descubrir a Susan Glaspell, una de las voces más carismáticas y originales de principios del siglo XX, es una apasionante sorpresa. Cofundadora de los Provincetown Players, se dejó arrastrar por los sueños e ideales de su marido, para crear un teatro vanguardista genuinamente norteamericano. Las consagradas dotes de esta dramaturga enmarcan en el espacio temporal de la conducta humana las cuatro breves obras recogidas en este volumen escritas para los Provincetown Players. Deseos suprimidos, Nimiedades, Cierra el libro y El pueblo son obras protagonizadas por variopintos personajes, atrapados en situaciones desesperadas con desenlaces inquietantes. La traducción de cada pieza teatral conserva los diálogos de las piezas originales, y las introducciones críticas que las acompañan facilitan una amplia información del panorama teatral de entonces y ahora.