Edición crítica de esta zarzuela de temática mitológica, primera que se representó ante Felipe V, que ofrece una completa visión del teatro palaciego en los primeros años de la dinastía borbónica (1700-1724).
La aparición en esta serie Teatro de Colección Arte de Editorial Fundamentos del libro Alegato en favor del actor, y la resonancia del mismo en España y América Latina, tiene su complemento en este libro que profundiza en los aspectos prácticos ed los pasos iniciales en la formación de un actor. La importancia de Jorge Elines como pedagogo y director, con obras dirigidas en España, Argentina, USA e Israel, avala la importancia de este volumen. Una concepción singular, una propuesta técnica que abre las puertas a la búsqueda de todo aquello que puede orientar a un individuo para descubrir su lugar en el teatro. La escasa bibliografía sobre estos aspectos en castellano hace aún más necesaria la lectura de un material que viene a ocupar el espacio vacío que La formación del actor: introducción a la técnica pretende llenar.
Este libro es un acercamiento a la figura de Tadeusz Kantor. A lo largo de su vida artística estableció un lenguaje escénico propio y completo que abarcó todos los signos teatrales, desde el texto hasta el papel del actor, de los objetos y del director. Lo inusitado de su propuesta instituyó una clase de relación con el público que no pasaba por la comprensión ni por la palabra sino por la sensibilidad y la captura de la mirada. Durante todo el espectáculo se creaba un clima intensamente emocional «en que todos, espectadores y actores brillaban como dioses», según definía el propio Kantor.
¿Qué es el teatro físico? ¿Cuándo y por qué surge este término? ¿A qué tipo de prácticas escénicas alude? ¿Cuáles son sus rasgos más relevantes? Alfonso Rivera realiza un análisis pormenorizado de las principales tendencias y compañías teatrales que emplean el cuerpo como núcleo de la creación escénica, al tiempo que reflexiona sobre las aportaciones técnicas y metodológicas de sus referentes más destacados. Un apasionante recorrido por las formas que revolucionaron la danza-teatro, el mimo moderno, las máscaras expresivas, el nuevo circo y las vanguardias ritualistas. Un manual claro e imprescindible para comprender la evolución de las corrientes pedagógicas y artísticas más innovadoras de la actualidad.
El escritor Joaquín Romero de Cepeda no ha despertado un gran interés entre los críticos, pues las noticias de las que se dispone para la reconstrucción de su vida y trayectoria literaria son escasas. Probablemente este hecho se deba a la calidad literaria de su producción, aunque no por ello debe justificarse la repetición de los mismos comentarios, a menudo equivocados, circunstancia que permite suponer un profundo desconocimiento de su obra.
«Este libro es importante, pues si es cierto que la tragedia ha muerto, nos hallamos ante una pérdida cultural vital. No cabe duda de que provocará polémica. La pasión y la perspicacia con que Steiner escribe sobre las tragedias que le han conmovido prueban que las palabras todavía pueden ilustrar y revelar.» The New York Times Book Review «Todos los hombres tienen conciencia de la tragedia en la vida. Pero la tragedia como forma teatral no es universal», señala George Steiner, quien, en La muerte de la tragedia, se enfrenta a una cuestión que ha preocupado también, entre otros, a Lukács, Kafka o Sartre: ¿por qué la tragedia, que evolucionó desde la Antigüedad hasta la época de Shakespeare y Racine, calla o declina, a partir de ese momento, en el teatro? George Steiner trata de determinar a qué se debe este ocaso en un riguroso estudio que traza un fascinante recorrido desde el teatro isabelino hasta Brecht o Beckett.
¿Qué futuro tiene el teatro clásico español de los Siglos de Oro? Desde la experiencia de su estudio y de su enseñanza, este libro recoge distintas propuestas para responder a esa pregunta. Afrontar cómo un teatro, acogido por la mirada romántica como clave de identidad «nacional», puede ser hoy leído y visto en escena desde un «extrañamiento» que administre su «memoria» en la moderna pluralidad de identidades fragmentarias y emocionales. Rebatir, a través del entredós artístico de sus códigos (imagen y texto), los prejuicios que alentaron su exclusión del canon occidental. Observar cómo los comediantes que lo representaron, a través de la experiencia intuitiva de los dramaturgos que lo escribieron, sentaron las bases de una técnica interpretativa que otros actores -del siglo XVIII al XXI- han instalado en la contemporaneidad. Y fortalecer su paradójica condición efímera pero permanente como palabra con una gestión comprometida y deontológica de las nuevas tecnologías desde el irrenunciable carácter interpretativo e intersubjetivo de las humanidades.
En Madrid, en la Oficina de la Viuda de Juan Muñoz, en 1762 fue publicada la Petimetra de Nicolás Fernández de Moratín, "entre los Arcades de Roma Flumisbo Thermodonciaco, la primera comedia neoclásica española, escrita con todo el rigor del arte. Veía de este modo don Nicolás culminados todos sus esfuerzos anteriores encaminados a lograr la renovación del panorama literario español del momento. J. Cañas Murillo toma como base para la edición de la obra el texto incluido en la primera impresión de la misma, Princeps.
En el periodo comprendido entre 1838 y 1938 la ciudad de Villena contó siempre con un recinto o espacio teatral en el que realizar funciones de teatro, zarzuelas, espectáculos de variedades, conciertos, bailes y otras actividades relacionadas con las artes escénicas. En este trabajo se recogen todos los teatros que funcionaron en Villena durante esos cien años, las vicisitudes y características de la construcción de cada uno de ellos, su aforo y distribución. Además de las personas que los gestionaron, se han identificado los grupos de aficionados locales que se constituyeron, los escritores villenenses de obras dramáticas y zarzuelas, las compañías más relevantes del panorama teatral español que actuaron en ellos y las funciones representadas. Eleuterio Gandía Hernández, doctor en Sociología por la Universidad de Alicante, es autor de varias monografías de investigación sociológica, antropológica e histórica.
La mayor parte de los lectores de las Novelas ejemplares (NE) han notado que estos textos tienen un fuerte componente teatral. En el siglo XVII, un lector silencioso y solitario como Alonso Quijano era la excepción, pues los lectores típicos eran espectadores orales capacitados para identificar los recursos narrativas articulados desde el púlpito, la calle, o los corrales de comedias. Ellos formaban el público principal de la prosa de Cervantes. Desde este punto de vista, las NE son textos híbridos nacidos de la fusión de una gran diversidad de géneros literarios, donde el argumento se construye mediante recursos poéticos y narrativas, pero sobre todo dramáticos. Dentro de estos últimos, el presente estudio se concentra en el motivo/recurso/tropo del disfraz entendido en su significación más amplia, como un ritual personal y/o colectivo, y como dispositivo fundamental de una nueva narrativa espectacular. El análisis del disfraz en las NE ofrece una nueva visión de la relación entre los textos de Cervantes y su público contemporáneo, planteando cuestiones sobre identidad y desarrollo de la personalidad, sobre la imagen en el ámbito público y privado, sobre las relaciones sociales, familiares, sexuales, económicas, políticas, raciales, e incluso sobre los límites de la razón humana.
Semblava inexcusable que Jordi Coca fos el primer a estudiar el teatre de Josep Palau i Fabre. I ho ha fet tenint a l?abast i investigant el llegat teatral que Palau va deixar a la fundació que porta el seu nom. Un llegat que, en la lectura atenta de Jordi Coca, permet elaborar una visió aprofundida i completa del que va ser l?aportació escènica de Palau, en tant que dramaturg i home de teatre. El present estudi se centra en el primer teatre de Palau i Fabre, el que va des del 1935 fins al 1958. Són els anys de l?aparició de Palau en la literatura catalana, de la Guerra Civil i de l?exili a París. Durant aquests anys, Palau no deixa mai d?escriure teatre, tant en català com en francès. Si fins ara s?havien publicat setze peces teatrals de Palau, aquest estudi ha permès a Jordi Coca treure a la llum una gran quantitat de textos inèdits. Tenint en compte aquest material i la reordenació de les obres, aquest llibre vol ser una nova aproximació a les claus interpretatives de l?obra escènica de Palau i Fabre. El treball abasta tant els textos dramàtics com les reflexions teòriques, els articles i qualsevol altra referència dramatúrgica produïda per Palau en el període en què escriu el gruix més significatiu de la seva obra dramàtica. Jordi Coca situa l?escriptura teatral al cor mateix de l?obra de Josep Palau i Fabre. El resultat és un estudi excepcional d?una obra i una època essencials en la literatura catalana moderna.
Edición crítica de esta zarzuela de temática mitológica, primera que se representó ante Felipe V, que ofrece una completa visión del teatro palaciego en los primeros años de la dinastía borbónica (1700-1724).
La aparición en esta serie Teatro de Colección Arte de Editorial Fundamentos del libro Alegato en favor del actor, y la resonancia del mismo en España y América Latina, tiene su complemento en este libro que profundiza en los aspectos prácticos ed los pasos iniciales en la formación de un actor. La importancia de Jorge Elines como pedagogo y director, con obras dirigidas en España, Argentina, USA e Israel, avala la importancia de este volumen. Una concepción singular, una propuesta técnica que abre las puertas a la búsqueda de todo aquello que puede orientar a un individuo para descubrir su lugar en el teatro. La escasa bibliografía sobre estos aspectos en castellano hace aún más necesaria la lectura de un material que viene a ocupar el espacio vacío que La formación del actor: introducción a la técnica pretende llenar.
Este libro es un acercamiento a la figura de Tadeusz Kantor. A lo largo de su vida artística estableció un lenguaje escénico propio y completo que abarcó todos los signos teatrales, desde el texto hasta el papel del actor, de los objetos y del director. Lo inusitado de su propuesta instituyó una clase de relación con el público que no pasaba por la comprensión ni por la palabra sino por la sensibilidad y la captura de la mirada. Durante todo el espectáculo se creaba un clima intensamente emocional «en que todos, espectadores y actores brillaban como dioses», según definía el propio Kantor.
¿Qué es el teatro físico? ¿Cuándo y por qué surge este término? ¿A qué tipo de prácticas escénicas alude? ¿Cuáles son sus rasgos más relevantes? Alfonso Rivera realiza un análisis pormenorizado de las principales tendencias y compañías teatrales que emplean el cuerpo como núcleo de la creación escénica, al tiempo que reflexiona sobre las aportaciones técnicas y metodológicas de sus referentes más destacados. Un apasionante recorrido por las formas que revolucionaron la danza-teatro, el mimo moderno, las máscaras expresivas, el nuevo circo y las vanguardias ritualistas. Un manual claro e imprescindible para comprender la evolución de las corrientes pedagógicas y artísticas más innovadoras de la actualidad.
El escritor Joaquín Romero de Cepeda no ha despertado un gran interés entre los críticos, pues las noticias de las que se dispone para la reconstrucción de su vida y trayectoria literaria son escasas. Probablemente este hecho se deba a la calidad literaria de su producción, aunque no por ello debe justificarse la repetición de los mismos comentarios, a menudo equivocados, circunstancia que permite suponer un profundo desconocimiento de su obra.
«Este libro es importante, pues si es cierto que la tragedia ha muerto, nos hallamos ante una pérdida cultural vital. No cabe duda de que provocará polémica. La pasión y la perspicacia con que Steiner escribe sobre las tragedias que le han conmovido prueban que las palabras todavía pueden ilustrar y revelar.» The New York Times Book Review «Todos los hombres tienen conciencia de la tragedia en la vida. Pero la tragedia como forma teatral no es universal», señala George Steiner, quien, en La muerte de la tragedia, se enfrenta a una cuestión que ha preocupado también, entre otros, a Lukács, Kafka o Sartre: ¿por qué la tragedia, que evolucionó desde la Antigüedad hasta la época de Shakespeare y Racine, calla o declina, a partir de ese momento, en el teatro? George Steiner trata de determinar a qué se debe este ocaso en un riguroso estudio que traza un fascinante recorrido desde el teatro isabelino hasta Brecht o Beckett.
¿Qué futuro tiene el teatro clásico español de los Siglos de Oro? Desde la experiencia de su estudio y de su enseñanza, este libro recoge distintas propuestas para responder a esa pregunta. Afrontar cómo un teatro, acogido por la mirada romántica como clave de identidad «nacional», puede ser hoy leído y visto en escena desde un «extrañamiento» que administre su «memoria» en la moderna pluralidad de identidades fragmentarias y emocionales. Rebatir, a través del entredós artístico de sus códigos (imagen y texto), los prejuicios que alentaron su exclusión del canon occidental. Observar cómo los comediantes que lo representaron, a través de la experiencia intuitiva de los dramaturgos que lo escribieron, sentaron las bases de una técnica interpretativa que otros actores -del siglo XVIII al XXI- han instalado en la contemporaneidad. Y fortalecer su paradójica condición efímera pero permanente como palabra con una gestión comprometida y deontológica de las nuevas tecnologías desde el irrenunciable carácter interpretativo e intersubjetivo de las humanidades.
En Madrid, en la Oficina de la Viuda de Juan Muñoz, en 1762 fue publicada la Petimetra de Nicolás Fernández de Moratín, "entre los Arcades de Roma Flumisbo Thermodonciaco, la primera comedia neoclásica española, escrita con todo el rigor del arte. Veía de este modo don Nicolás culminados todos sus esfuerzos anteriores encaminados a lograr la renovación del panorama literario español del momento. J. Cañas Murillo toma como base para la edición de la obra el texto incluido en la primera impresión de la misma, Princeps.
En el periodo comprendido entre 1838 y 1938 la ciudad de Villena contó siempre con un recinto o espacio teatral en el que realizar funciones de teatro, zarzuelas, espectáculos de variedades, conciertos, bailes y otras actividades relacionadas con las artes escénicas. En este trabajo se recogen todos los teatros que funcionaron en Villena durante esos cien años, las vicisitudes y características de la construcción de cada uno de ellos, su aforo y distribución. Además de las personas que los gestionaron, se han identificado los grupos de aficionados locales que se constituyeron, los escritores villenenses de obras dramáticas y zarzuelas, las compañías más relevantes del panorama teatral español que actuaron en ellos y las funciones representadas. Eleuterio Gandía Hernández, doctor en Sociología por la Universidad de Alicante, es autor de varias monografías de investigación sociológica, antropológica e histórica.
La mayor parte de los lectores de las Novelas ejemplares (NE) han notado que estos textos tienen un fuerte componente teatral. En el siglo XVII, un lector silencioso y solitario como Alonso Quijano era la excepción, pues los lectores típicos eran espectadores orales capacitados para identificar los recursos narrativas articulados desde el púlpito, la calle, o los corrales de comedias. Ellos formaban el público principal de la prosa de Cervantes. Desde este punto de vista, las NE son textos híbridos nacidos de la fusión de una gran diversidad de géneros literarios, donde el argumento se construye mediante recursos poéticos y narrativas, pero sobre todo dramáticos. Dentro de estos últimos, el presente estudio se concentra en el motivo/recurso/tropo del disfraz entendido en su significación más amplia, como un ritual personal y/o colectivo, y como dispositivo fundamental de una nueva narrativa espectacular. El análisis del disfraz en las NE ofrece una nueva visión de la relación entre los textos de Cervantes y su público contemporáneo, planteando cuestiones sobre identidad y desarrollo de la personalidad, sobre la imagen en el ámbito público y privado, sobre las relaciones sociales, familiares, sexuales, económicas, políticas, raciales, e incluso sobre los límites de la razón humana.
Semblava inexcusable que Jordi Coca fos el primer a estudiar el teatre de Josep Palau i Fabre. I ho ha fet tenint a l?abast i investigant el llegat teatral que Palau va deixar a la fundació que porta el seu nom. Un llegat que, en la lectura atenta de Jordi Coca, permet elaborar una visió aprofundida i completa del que va ser l?aportació escènica de Palau, en tant que dramaturg i home de teatre. El present estudi se centra en el primer teatre de Palau i Fabre, el que va des del 1935 fins al 1958. Són els anys de l?aparició de Palau en la literatura catalana, de la Guerra Civil i de l?exili a París. Durant aquests anys, Palau no deixa mai d?escriure teatre, tant en català com en francès. Si fins ara s?havien publicat setze peces teatrals de Palau, aquest estudi ha permès a Jordi Coca treure a la llum una gran quantitat de textos inèdits. Tenint en compte aquest material i la reordenació de les obres, aquest llibre vol ser una nova aproximació a les claus interpretatives de l?obra escènica de Palau i Fabre. El treball abasta tant els textos dramàtics com les reflexions teòriques, els articles i qualsevol altra referència dramatúrgica produïda per Palau en el període en què escriu el gruix més significatiu de la seva obra dramàtica. Jordi Coca situa l?escriptura teatral al cor mateix de l?obra de Josep Palau i Fabre. El resultat és un estudi excepcional d?una obra i una època essencials en la literatura catalana moderna.