En el mundo cultural del Siglo de Oro tiene lugar una fuerte resurrección de la hermandad entre pictura y poesis, que alcanza una gran difusión en un amplio abanico de alcances, formas y funciones. Por ello, la pintura todavía más que otras artes constituye una clave fundamental para acercarse a la poesía de Quevedo, una perspectiva de lectura que permite tanto perfilar asuntos ya trillados como descubrir algunas dimensiones novedosas. Entre otras cuestiones muy variopintas, una mirada a la luz de la pintura permite acercarse a cuatro aspectos de la poesía quevediana: con el aval inicial de las relaciones de Quevedo con el arte pictórico, se examina una galería de poemas artísticos imbricados en la política del momento para pasar seguidamente al canon pictórico preferido por el poeta en relación con su propia práctica poética y, finalmente, se ofrece una revisión de la participación de Quevedo en las polémicas pictóricas de la época a partir de la silva «El pincel» y una empresa editorial como botones de muestra. Al final del recorrido, Quevedo se delinea como un poeta muy cercano tanto en ideas como imágenes al universo de la pintura de su tiempo y especialmente amigo del arte ita - liano, que aprovecha con gran partido en su obra. Adrián J. Sáez es profesor de literatura española en la Universidad de Neuchâtel (Suiza) y ha sido «Premio Horstmann» de la Universidad de Münster (Alemania). Trabaja especialmente sobre la poesía de Quevedo y su relación con las artes, el teatro de Calderón de la Barca, las novelas de Cervantes, la autobiografía soldadesca y otras cuestiones sobre las letras del Siglo de Oro.
En la vertiente cultural, el siglo XVII europeo, y español en particular, se caracteriza por su profunda crisis ontológica, asomada a la vera de la nada. Entre las muchas antítesis que marcan esta «edad conflictiva » como la llamaría Américo Castro, descuella el tema central de este libro colectivo, la coexistencia de elogio y sátira con respecto al poder (político o cultural), en la producción literaria y artística de la España áurea. Los quince trabajos que aquí se recogen firmados por destacados expertos, italianos y españoles, de las letras barrocas hispánicas, se centran en el ámbito bien laudatorio o bien satírico (desde el reinado de Felipe III hasta la decadente monarquía de Carlos II), y a través de los géneros: la poesía, la narrativa, el teatro, las relaciones de sucesos. Algunas aportaciones, además, consideran géneros y textos (los vejámenes, los poemas paratextuales, las comedias) donde las dos facetas se entrelazan y mezclan, mientras que otras examinan los reflejos iconográficos y pictóricos del encomio o del escarnio del poder durante un tiempo en el que la fuerza ideológica de la imagen jugó un papel extraordinario. Puesto que el Siglo de Oro es tan multiforme y complejo, «per tal variar natura è bella», al recorrer el volumen se encuentran hondos estudios de autores cimeros, como Lope, Góngora, Quevedo y María de Zayas, y también interesantes análisis de escritores u obras menos conocidos, pero igualmente dignos de atención crítica, en el panorama aurisecular: José de Valdivielso, Juan de Matos Fragoso, Martín Saavedra y Guzmán o José Camerino. Amén de los anónimos y los obscuros, que por ejemplo participaban en los certámenes poético-litúrgicos, o bien componían sátiras sagaces al glosar el Padre nuestro o al burlarse del gobierno y de la corte de Carlos II. De ahí que al finalizar su viaje por los recovecos de la literatura epidíctica y satírico-burlesca de la época áurea, el lector pueda percibir una vez más cómo la fragilidad evanescente de las esencias y los conceptos barrocos se moldea en la continua oscilación entre la máscara falsa y su original, polifacético y desorientador. LUCIANA GENTILLI es catedrática de Literatura española en la Universidad de Macerata, y especialista del Siglo de Oro. Ha publicado sobre teatralidad, religiosidad barroca y sobre el tema de la educación y de la formación en la sociedad cortesana, con especial insistencia en la imagen de la majestad real. RENATA LONDERO es catedrática de Literatura española en la Universidad de Udine. Investiga sobre la poesía, la narrativa y el teatro del siglo XX en España, y en lo que atañe al Siglo de Oro, se ha dedicado al teatro de Calderón, de los segundones postcalderonianos y de los epígonos barrocos a caballo de los siglos XVII y XVIII.
Ser autor en el siglo xviii enfoca la mirada en 18 escritores del siglo xviii, el tiempo en que en que se forja una conceptualización de la autoría que ya apunta hacia la modernidad y en que se palpa la transformación de la institución literaria. Nacido el primero, Álvarez de Toledo, en 1662, y el último, el longevo Quintana, en 1772, cada capítulo analiza cómo se convierte cada escritor en autor, su concepción y práctica de la autoría, las dinámicas sociales y culturales a que estas responden, y cómo se construye la imagen de cada autor, en la intersección de la proyectada por el propio escritor y la que sus pares, el público y la posteridad generaron de él. Si cada capítulo supone un acercamiento renovado hacia Álvarez de Toledo, Peralta Barnuevo, Feijoo, Martín Sarmiento, Lobo, Torres Villarroel, Luzán, Porcel, Ramón de la Cruz, los Moratines, Cadalso, Jovellanos, Iriarte, Meléndez, Vargas Ponce, Rosa Gálvez y Quintana, la suma de casos constata los muy diversos modos de ser autor y de construir una imagen de sí y un discurso sobre este hecho que conviven en el siglo. Y, aunque no caben aquí todos sus autores, el recorrido cronológico por los 18 elegidos permite percibir permanencias y disidencias, tensiones, transiciones y rupturas en los modos de ser autor a lo largo de un largo siglo xviii en que se fraguan muy diversas identidades literarias. Hay quienes buscan reconocimiento intelectual, social, económico o político, y quienes conciben la escritura como ocio, negocio, actividad intelectual o compromiso social. Son 18 pequeñas pero significativas, e incluso instructivas, historias, que, con matices, recordarán a otras que se repiten desde hace siglos en el mundillo literario.
Éste que veis aquí, de rostro aguileño, de cabello castaño, frene lista y desembarazada, de alegres ojos y de nariz curva, aunque bien proporcionada; las barbas de plata que no ha veinte años fueron de oro, los bigotes grandes, la boca pequeña, los dient
Luciano G. Egido (Salamanca, 1928), Doctor en Filosofía y Letras y Profesor en la Universidad salmantina, después de haber sido crítico de cine en la revista Ínsula y otros medios y articulista en Pueblo, Informaciones, El Independiente y La Clave, inició su carrera literaria a los sesenta y cinco años con El cuarzo rojo de Salamanca, Premio Miguel Delibes, 1994, y continuó publicando novelas, por las que le fueron concedidos varios premios, como el Nacional de la Crítica, en 1995, y el Premio de las Letras, de Castilla y León, en 2004, por toda su obra narrativa. Este libro, desde la mirada de un escritor, pretende contribuir a una lectura moderna del Quijote, como la mejor manera de homenajear la memoria de Cervantes, con motivo del IV Centenario de la edición de la Segunda Parte, 2015, y en vísperas del Centenario de su muerte, 2016. Todo libro clásico, y el Quijote es el libro clásico, por excelencia, de los clásicos españoles y uno de las clásicos de la literatura universal, permite, y de ahí su clasicismo, una lectura permanentemente renovada con la óptica propia de cada tiempo histórico. El Quijote ofrece multitud de sugerencias para un lector de hoy, atrapado en el inexorable proceso de la uniformización global de la cultura, con su propuesta de la liberación interior y su llamada a la defensa de un yo único y señero. Esta exaltación de la individualidad más diferenciativa, contra viento y marea, que Cervantes hace en su obra, que nos parece tan actual, como lo era cuando se publicó, aunque por otros motivos, es su mejor lectura posible de hoy en día, en reconocimiento de su indeleble originalidad y de su extraordinaria construcción verbal.
Luciana Gentilli es catedrática de Literatura española en la Universidad de Macerata, y especialista del Siglo de Oro. Ha publicado sobre teatralidad, religiosidad barroca y sobre el tema de la educación y de la formación en la sociedad cortesana, con especial insistencia en la imagen de la majestad real. Renata Londero es catedrática de Literatura española en la Universidad de Udine. Investiga sobre la poesía, la narrativa y el teatro del siglo XX en España, y en lo que atañe al Siglo de Oro, se ha dedicado al teatro de Calderón, de los segundones post-calderonianos y de los epígonos barrocos a caballo entre los siglos XVII y XVIII. El eje alrededor del cual se vertebra este libro misceláneo es la gran importancia que revisten la fructífera relación entre pasado y presente y la consiguiente reelaboración innovadora de las letras áureas en la contemporaneidad, con vistas a una profunda revisión de la identidad cultural hispánica. En particular, las ocho aportaciones críticas que se recogen aquí versan sobre un género, el dramático, donde el enlace entre lo antiguo y lo nuevo en la literatura española desempeña un papel identitario aún más destacado. De hecho, no cabe duda de que el teatro barroco encierra una inmensa riqueza de potencial receptor e interpretativo, capaz de seguir transmitiendo su mensaje, cada vez releído y renovado, al público espectador y lector de la actualidad. Por lo tanto, los investigadores que han contribuido en este volumen de nacionalidad italiana, alemana y mejicana oscilan en sus trabajos entre los siglos XVII, XVIII y XX, y entre España e Italia, apostando por la pujanza semántica y expresiva de las tablas a lo largo de los siglos, y además demostrando su amplitud de alcance, al considerar a autores consagrados como Lope de Vega, Ramón del Valle-Inclán, Rafael Alberti al lado de dramaturgos de segunda fi la: Agustín Moreto, Juan de Matos Fragoso, Giovan Battista Pasca y José de Cañizares. Al finalizar la lectura, nos quedamos con la certeza sobre la plena y constante vigencia de los clásicos, cifra de la fecunda mediación del pasado con el presente, como reconocía Italo Calvino en 1981: «Los clásicos son esos libros que nos llegan trayendo impresa la huella de las lecturas que han precedido a la nuestra, y tras de sí la huella que han dejado en la cultura o en las culturas que han atravesado». Escritores problemáticos y nunca dogmáticos, pues, los ingenios áureos nos entregan a través de sus piezas no solo un inmejorable instrumento de exploración de la condición humana, sino, sobre todo, la oportunidad de sorprendernos, rompiendo cualquier imagen estereotipada que de ellos teníamos, y transformando cada relectura en un descubrimiento.
Este libro indaga la funcionalidad que tiene en el 'Quijote' de Cervantes la vinculación entre reproducción biológica y creación artística, un hilo conductor que permite recorrer el texto de punta a punta, desde el singular parto con que se abre el prólogo de 1605 hasta la pluma que se proclama artífice única del nacimiento de don Quijote en el final del libro de 1615. A partir de un enfoque que pone en relación las coordenadas textuales y las contextuales, se busca mostrar cómo las peculiares imágenes de filiación que articulan la reflexión poética cervantina dan cuenta del posicionamiento del autor en relación con las discusiones estéticas del período y expresan las condiciones de producción de un nuevo modo de hacer ficción en la época. Se estudia asimismo el universo simbólico de la herencia, la genealogía y la reproducción en la 'Segunda Parte' de Avellaneda (1614), a fin de mostrar cómo la disputa estético-ideológica con esta secuela que aspira a ingresar en la estirpe literaria del 'Quijote' resulta central para entender la refuncionalización de muchas de las estrategias de Cervantes en el libro de 1615. En suma, en un texto señalado innumerables veces como padre de la novela moderna, y considerado a su vez un problemático hijo del frondoso tronco de los libros de caballerías, esta investigación rastrea las estrategias mediante las cuales el Quijote construye y proyecta la propia genealogía literaria.
La versión hebrea del primer libro del 'Amadís de Gaula', traducida por el rabino Yaakov de Algaba -un judío de origen español radicado en Salónica- y publicada en la primera mitad del siglo XVI por Eliezer Soncino, constituye un texto excepcional y de sumo interés filológico, ya que dicha versión hebrea es considerada anterior a todas las restantes traducciones de la novela.El presente estudio ofrece un análisis pormenorizado y novedoso de la traducción hebrea del Amadís, examinando de modo crítico y sistemático los estudios que hasta el presente se han ocupado del texto hebreo y aportando nuevos y significativos datos a la investigación sobre dicho texto. Entre otros hallazgos, se demuestra que la traducción de Algaba fue realizada a partir de un original en español, y no de versiones en otra lengua románica. Asimismo, el análisis comprueba que la traducción parte de una edición no derivada de la famosa de Montalvo. Gracias a una meticulosa reconstrucción de la poética de la traducción adoptada por la versión hebrea -las prácticas, estrategias y elecciones que guiaron al traductor en su labor-, el presente estudio arroja nueva luz sobre lo que puede ser considerado como el auténtico núcleo narrativo del 'Amadís de Gaula'.
Este volumen acoge la primera edición crítica de El Pelayo de G. M. de Jovellanos (1744-1811), una tragedia escrita en 1769, corregida en 1771-1772 y lista para imprenta en 1773, que no vio la luz hasta 1832, debido a que Jovellanos desistió de publicarla tras un encontronazo con la censura. No obstante, él mismo dirigió un montaje en Gijón en 1782, diez años antes de que Luciano Comella plagiara y alterara la obra, representándola y publicándola como Munuza en Madrid en 1792. El Pelayo es el primer proyecto literario de envergadura de Jovellanos, y supone su decidida participación en una pionera política cultural, que pretendía dotar a la escena española de un repertorio acorde con los referentes literarios europeos contemporáneos, con los modernos presupuestos estéticos neoclásicos y con los parámetros ideológicos de la Ilustración. Al calor del celebrare domestica facta horaciano, Jovellanos aborda la materia pelagiana a partir de la rebelión de Pelayo y los gijoneses contra Munuza y, en constante tensión con la Historia y la preceptiva literaria, construye un discurso de implicaciones políticas y éticas que fija aquel momento para el imaginario colectivo como el de los «principios de la restauración de la patria», cuyos derechos inalienables había conculcado el tirano. De todo ello se da cuenta en la extensa introducción a cargo, como la edición, de Elena de Lorenzo, directora del Instituto Feijoo de Estudios del Siglo XVIII de la Universidad de Oviedo. El nuevo texto de El Pelayo, acompañado de los varios prólogos y notas que Jovellanos escribió para la obra y de su contestación al anónimo censor, se fija a partir del cotejo de la primera edición de 1832 con los manuscritos de la Biblioteca Nacional de España y el Museo Casa Natal de Jovellanos de Gijón, y con el Munuza de 1792 (una edición deturpada, pero cuya base es la versión primitiva del propio Jovellanos).
Por primera vez se ofrece al público hispanohablante la traducción y edición facsímil de La Poética de Giovan Giorgio Trissino (1478-1550). Esta obra es la primera Poética que toma a Aristóteles como punto de partida, marco y guía para su propia reflexión. Fue publicada en dos fechas muy separadas: 1529 (las cuatro primeras divisiones o capítulos), y 1562, tras la muerte de Trissino (la quinta y sexta divisiones). Pero ofrece una gran coherencia y un diseño perfecto. En la primera división examina la lengua literaria; en la segunda, el ritmo de los versos; en la tercera, las rimas y estrofas; y en la cuarta, los poemas vigentes en su época. (Estas cuatro divisiones configuran el mejor tratado de Métrica italiana del Renacimiento). En la quinta y sexta anunciadas con sus contenidos en la cuarta aborda, siguiendo a Aristóteles y a otros autores, la imitación poética y sus modos: tragedia, poema heroico, comedia, y égloga. Finaliza con una exposición de las figuras retóricas. Así esta Poética ordenadísima y muy didáctica da un sólido cuerpo a una Teoría literaria total. Hombre de letras de amplísima cultura, Trissino renovó el teatro italiano y europeo con su tragedia Sophonisba (1513-1514), en la que aplicó por primera vez la teoría aristotélica y los principios de la tragedia griega. Cultivó igualmente el poema heroico (LItalia liberata daGoti), la comedia (I Simillimi), y la poesía (Rime). Descubrió, tradujo y publicó el De Vulgari Eloquentia de Dante. Fue protegido por varios Papas y Carlos V le nombró Conde Palatino.
El Apologeticus constituye una encendida defensa de la traducción latina del Salterio hebreo, que Giannozzo Manetti llevó a cabo en el marco de un ambicioso proyecto encargado por el pontífice Nicolás V: verter al latín todos los textos sagrados desde sus originales hebreo y griego. La versión de Manetti ni siquiera llegó a ver la luz, lo que no impidió que aparecieran numerosos detractores que argumentaban la futilidad de tal empresa ante la existencia de las dos versiones anteriores de San Jerónimo, una sobre el texto de la Septuaginta, otra sobre el original hebreo. La gran aportación de Manetti radica en que aplica el concepto de tipología textual a la teoría de la traducción. Frente a los planteamientos de Leonardo Bruni y otros humanistas del momento, Manetti defiende la necesidad de que el traductor se adapte a la particular idiosincrasia de los textos religiosos y filosóficos, a partir de una vía intermedia entre las versiones ad verbum y ad sensum.
La importancia del escritor que se estudia en esta monografía estriba en ser el traductor de la única gran novela latina que llegó completa al Renacimiento. La versión española de El Asno de Oro de Apuleyo (título original, Metamorphoses, h. 185 a. C.), que publicó el canónigo arcediano Diego López de Cortegana en Sevilla en 1513, ha estado reimprimiéndose modernizada hasta mediados del siglo pasado, y, a causa de las huellas detectadas en las mejores obras de la literatura áurea, podemos considerarlo el libro más influyente impreso en la ciudad en la época post-incunable. Cortegana, además de ser traductor de otros insignes humanistas como Enea Silvio Piccolomini (papa Pío II) y Erasmo de Rotterdam, y editor de una antigua crónica del rey Fernando III el Santo, fue el inquisidor que redactó la terrorífica inscripción que ostentaba el Castillo de Triana, amén de diplomático, y tal vez espía, de los Reyes Católicos en la Roma de los Borgia. A desentrañar estas paradojas de su época, de su vida y de sus obras se dedican las presentes páginas debidas a los especialistas nacionales y extranjeros que se congregaron en el municipio onubense de Cortegana, del 23 al 25 de octubre de 2009, para debatir el estado de la cuestión y plantear nuevas investigaciones. A los diez ensayos siguen un índice temático de los mismos, el catálogo razonado de la bibliografía sobre el autor, apéndice documental y cronología.
En el mundo cultural del Siglo de Oro tiene lugar una fuerte resurrección de la hermandad entre pictura y poesis, que alcanza una gran difusión en un amplio abanico de alcances, formas y funciones. Por ello, la pintura todavía más que otras artes constituye una clave fundamental para acercarse a la poesía de Quevedo, una perspectiva de lectura que permite tanto perfilar asuntos ya trillados como descubrir algunas dimensiones novedosas. Entre otras cuestiones muy variopintas, una mirada a la luz de la pintura permite acercarse a cuatro aspectos de la poesía quevediana: con el aval inicial de las relaciones de Quevedo con el arte pictórico, se examina una galería de poemas artísticos imbricados en la política del momento para pasar seguidamente al canon pictórico preferido por el poeta en relación con su propia práctica poética y, finalmente, se ofrece una revisión de la participación de Quevedo en las polémicas pictóricas de la época a partir de la silva «El pincel» y una empresa editorial como botones de muestra. Al final del recorrido, Quevedo se delinea como un poeta muy cercano tanto en ideas como imágenes al universo de la pintura de su tiempo y especialmente amigo del arte ita - liano, que aprovecha con gran partido en su obra. Adrián J. Sáez es profesor de literatura española en la Universidad de Neuchâtel (Suiza) y ha sido «Premio Horstmann» de la Universidad de Münster (Alemania). Trabaja especialmente sobre la poesía de Quevedo y su relación con las artes, el teatro de Calderón de la Barca, las novelas de Cervantes, la autobiografía soldadesca y otras cuestiones sobre las letras del Siglo de Oro.
En la vertiente cultural, el siglo XVII europeo, y español en particular, se caracteriza por su profunda crisis ontológica, asomada a la vera de la nada. Entre las muchas antítesis que marcan esta «edad conflictiva » como la llamaría Américo Castro, descuella el tema central de este libro colectivo, la coexistencia de elogio y sátira con respecto al poder (político o cultural), en la producción literaria y artística de la España áurea. Los quince trabajos que aquí se recogen firmados por destacados expertos, italianos y españoles, de las letras barrocas hispánicas, se centran en el ámbito bien laudatorio o bien satírico (desde el reinado de Felipe III hasta la decadente monarquía de Carlos II), y a través de los géneros: la poesía, la narrativa, el teatro, las relaciones de sucesos. Algunas aportaciones, además, consideran géneros y textos (los vejámenes, los poemas paratextuales, las comedias) donde las dos facetas se entrelazan y mezclan, mientras que otras examinan los reflejos iconográficos y pictóricos del encomio o del escarnio del poder durante un tiempo en el que la fuerza ideológica de la imagen jugó un papel extraordinario. Puesto que el Siglo de Oro es tan multiforme y complejo, «per tal variar natura è bella», al recorrer el volumen se encuentran hondos estudios de autores cimeros, como Lope, Góngora, Quevedo y María de Zayas, y también interesantes análisis de escritores u obras menos conocidos, pero igualmente dignos de atención crítica, en el panorama aurisecular: José de Valdivielso, Juan de Matos Fragoso, Martín Saavedra y Guzmán o José Camerino. Amén de los anónimos y los obscuros, que por ejemplo participaban en los certámenes poético-litúrgicos, o bien componían sátiras sagaces al glosar el Padre nuestro o al burlarse del gobierno y de la corte de Carlos II. De ahí que al finalizar su viaje por los recovecos de la literatura epidíctica y satírico-burlesca de la época áurea, el lector pueda percibir una vez más cómo la fragilidad evanescente de las esencias y los conceptos barrocos se moldea en la continua oscilación entre la máscara falsa y su original, polifacético y desorientador. LUCIANA GENTILLI es catedrática de Literatura española en la Universidad de Macerata, y especialista del Siglo de Oro. Ha publicado sobre teatralidad, religiosidad barroca y sobre el tema de la educación y de la formación en la sociedad cortesana, con especial insistencia en la imagen de la majestad real. RENATA LONDERO es catedrática de Literatura española en la Universidad de Udine. Investiga sobre la poesía, la narrativa y el teatro del siglo XX en España, y en lo que atañe al Siglo de Oro, se ha dedicado al teatro de Calderón, de los segundones postcalderonianos y de los epígonos barrocos a caballo de los siglos XVII y XVIII.
Ser autor en el siglo xviii enfoca la mirada en 18 escritores del siglo xviii, el tiempo en que en que se forja una conceptualización de la autoría que ya apunta hacia la modernidad y en que se palpa la transformación de la institución literaria. Nacido el primero, Álvarez de Toledo, en 1662, y el último, el longevo Quintana, en 1772, cada capítulo analiza cómo se convierte cada escritor en autor, su concepción y práctica de la autoría, las dinámicas sociales y culturales a que estas responden, y cómo se construye la imagen de cada autor, en la intersección de la proyectada por el propio escritor y la que sus pares, el público y la posteridad generaron de él. Si cada capítulo supone un acercamiento renovado hacia Álvarez de Toledo, Peralta Barnuevo, Feijoo, Martín Sarmiento, Lobo, Torres Villarroel, Luzán, Porcel, Ramón de la Cruz, los Moratines, Cadalso, Jovellanos, Iriarte, Meléndez, Vargas Ponce, Rosa Gálvez y Quintana, la suma de casos constata los muy diversos modos de ser autor y de construir una imagen de sí y un discurso sobre este hecho que conviven en el siglo. Y, aunque no caben aquí todos sus autores, el recorrido cronológico por los 18 elegidos permite percibir permanencias y disidencias, tensiones, transiciones y rupturas en los modos de ser autor a lo largo de un largo siglo xviii en que se fraguan muy diversas identidades literarias. Hay quienes buscan reconocimiento intelectual, social, económico o político, y quienes conciben la escritura como ocio, negocio, actividad intelectual o compromiso social. Son 18 pequeñas pero significativas, e incluso instructivas, historias, que, con matices, recordarán a otras que se repiten desde hace siglos en el mundillo literario.
Éste que veis aquí, de rostro aguileño, de cabello castaño, frene lista y desembarazada, de alegres ojos y de nariz curva, aunque bien proporcionada; las barbas de plata que no ha veinte años fueron de oro, los bigotes grandes, la boca pequeña, los dient
Luciano G. Egido (Salamanca, 1928), Doctor en Filosofía y Letras y Profesor en la Universidad salmantina, después de haber sido crítico de cine en la revista Ínsula y otros medios y articulista en Pueblo, Informaciones, El Independiente y La Clave, inició su carrera literaria a los sesenta y cinco años con El cuarzo rojo de Salamanca, Premio Miguel Delibes, 1994, y continuó publicando novelas, por las que le fueron concedidos varios premios, como el Nacional de la Crítica, en 1995, y el Premio de las Letras, de Castilla y León, en 2004, por toda su obra narrativa. Este libro, desde la mirada de un escritor, pretende contribuir a una lectura moderna del Quijote, como la mejor manera de homenajear la memoria de Cervantes, con motivo del IV Centenario de la edición de la Segunda Parte, 2015, y en vísperas del Centenario de su muerte, 2016. Todo libro clásico, y el Quijote es el libro clásico, por excelencia, de los clásicos españoles y uno de las clásicos de la literatura universal, permite, y de ahí su clasicismo, una lectura permanentemente renovada con la óptica propia de cada tiempo histórico. El Quijote ofrece multitud de sugerencias para un lector de hoy, atrapado en el inexorable proceso de la uniformización global de la cultura, con su propuesta de la liberación interior y su llamada a la defensa de un yo único y señero. Esta exaltación de la individualidad más diferenciativa, contra viento y marea, que Cervantes hace en su obra, que nos parece tan actual, como lo era cuando se publicó, aunque por otros motivos, es su mejor lectura posible de hoy en día, en reconocimiento de su indeleble originalidad y de su extraordinaria construcción verbal.
Luciana Gentilli es catedrática de Literatura española en la Universidad de Macerata, y especialista del Siglo de Oro. Ha publicado sobre teatralidad, religiosidad barroca y sobre el tema de la educación y de la formación en la sociedad cortesana, con especial insistencia en la imagen de la majestad real. Renata Londero es catedrática de Literatura española en la Universidad de Udine. Investiga sobre la poesía, la narrativa y el teatro del siglo XX en España, y en lo que atañe al Siglo de Oro, se ha dedicado al teatro de Calderón, de los segundones post-calderonianos y de los epígonos barrocos a caballo entre los siglos XVII y XVIII. El eje alrededor del cual se vertebra este libro misceláneo es la gran importancia que revisten la fructífera relación entre pasado y presente y la consiguiente reelaboración innovadora de las letras áureas en la contemporaneidad, con vistas a una profunda revisión de la identidad cultural hispánica. En particular, las ocho aportaciones críticas que se recogen aquí versan sobre un género, el dramático, donde el enlace entre lo antiguo y lo nuevo en la literatura española desempeña un papel identitario aún más destacado. De hecho, no cabe duda de que el teatro barroco encierra una inmensa riqueza de potencial receptor e interpretativo, capaz de seguir transmitiendo su mensaje, cada vez releído y renovado, al público espectador y lector de la actualidad. Por lo tanto, los investigadores que han contribuido en este volumen de nacionalidad italiana, alemana y mejicana oscilan en sus trabajos entre los siglos XVII, XVIII y XX, y entre España e Italia, apostando por la pujanza semántica y expresiva de las tablas a lo largo de los siglos, y además demostrando su amplitud de alcance, al considerar a autores consagrados como Lope de Vega, Ramón del Valle-Inclán, Rafael Alberti al lado de dramaturgos de segunda fi la: Agustín Moreto, Juan de Matos Fragoso, Giovan Battista Pasca y José de Cañizares. Al finalizar la lectura, nos quedamos con la certeza sobre la plena y constante vigencia de los clásicos, cifra de la fecunda mediación del pasado con el presente, como reconocía Italo Calvino en 1981: «Los clásicos son esos libros que nos llegan trayendo impresa la huella de las lecturas que han precedido a la nuestra, y tras de sí la huella que han dejado en la cultura o en las culturas que han atravesado». Escritores problemáticos y nunca dogmáticos, pues, los ingenios áureos nos entregan a través de sus piezas no solo un inmejorable instrumento de exploración de la condición humana, sino, sobre todo, la oportunidad de sorprendernos, rompiendo cualquier imagen estereotipada que de ellos teníamos, y transformando cada relectura en un descubrimiento.
Este libro indaga la funcionalidad que tiene en el 'Quijote' de Cervantes la vinculación entre reproducción biológica y creación artística, un hilo conductor que permite recorrer el texto de punta a punta, desde el singular parto con que se abre el prólogo de 1605 hasta la pluma que se proclama artífice única del nacimiento de don Quijote en el final del libro de 1615. A partir de un enfoque que pone en relación las coordenadas textuales y las contextuales, se busca mostrar cómo las peculiares imágenes de filiación que articulan la reflexión poética cervantina dan cuenta del posicionamiento del autor en relación con las discusiones estéticas del período y expresan las condiciones de producción de un nuevo modo de hacer ficción en la época. Se estudia asimismo el universo simbólico de la herencia, la genealogía y la reproducción en la 'Segunda Parte' de Avellaneda (1614), a fin de mostrar cómo la disputa estético-ideológica con esta secuela que aspira a ingresar en la estirpe literaria del 'Quijote' resulta central para entender la refuncionalización de muchas de las estrategias de Cervantes en el libro de 1615. En suma, en un texto señalado innumerables veces como padre de la novela moderna, y considerado a su vez un problemático hijo del frondoso tronco de los libros de caballerías, esta investigación rastrea las estrategias mediante las cuales el Quijote construye y proyecta la propia genealogía literaria.
La versión hebrea del primer libro del 'Amadís de Gaula', traducida por el rabino Yaakov de Algaba -un judío de origen español radicado en Salónica- y publicada en la primera mitad del siglo XVI por Eliezer Soncino, constituye un texto excepcional y de sumo interés filológico, ya que dicha versión hebrea es considerada anterior a todas las restantes traducciones de la novela.El presente estudio ofrece un análisis pormenorizado y novedoso de la traducción hebrea del Amadís, examinando de modo crítico y sistemático los estudios que hasta el presente se han ocupado del texto hebreo y aportando nuevos y significativos datos a la investigación sobre dicho texto. Entre otros hallazgos, se demuestra que la traducción de Algaba fue realizada a partir de un original en español, y no de versiones en otra lengua románica. Asimismo, el análisis comprueba que la traducción parte de una edición no derivada de la famosa de Montalvo. Gracias a una meticulosa reconstrucción de la poética de la traducción adoptada por la versión hebrea -las prácticas, estrategias y elecciones que guiaron al traductor en su labor-, el presente estudio arroja nueva luz sobre lo que puede ser considerado como el auténtico núcleo narrativo del 'Amadís de Gaula'.
Este volumen acoge la primera edición crítica de El Pelayo de G. M. de Jovellanos (1744-1811), una tragedia escrita en 1769, corregida en 1771-1772 y lista para imprenta en 1773, que no vio la luz hasta 1832, debido a que Jovellanos desistió de publicarla tras un encontronazo con la censura. No obstante, él mismo dirigió un montaje en Gijón en 1782, diez años antes de que Luciano Comella plagiara y alterara la obra, representándola y publicándola como Munuza en Madrid en 1792. El Pelayo es el primer proyecto literario de envergadura de Jovellanos, y supone su decidida participación en una pionera política cultural, que pretendía dotar a la escena española de un repertorio acorde con los referentes literarios europeos contemporáneos, con los modernos presupuestos estéticos neoclásicos y con los parámetros ideológicos de la Ilustración. Al calor del celebrare domestica facta horaciano, Jovellanos aborda la materia pelagiana a partir de la rebelión de Pelayo y los gijoneses contra Munuza y, en constante tensión con la Historia y la preceptiva literaria, construye un discurso de implicaciones políticas y éticas que fija aquel momento para el imaginario colectivo como el de los «principios de la restauración de la patria», cuyos derechos inalienables había conculcado el tirano. De todo ello se da cuenta en la extensa introducción a cargo, como la edición, de Elena de Lorenzo, directora del Instituto Feijoo de Estudios del Siglo XVIII de la Universidad de Oviedo. El nuevo texto de El Pelayo, acompañado de los varios prólogos y notas que Jovellanos escribió para la obra y de su contestación al anónimo censor, se fija a partir del cotejo de la primera edición de 1832 con los manuscritos de la Biblioteca Nacional de España y el Museo Casa Natal de Jovellanos de Gijón, y con el Munuza de 1792 (una edición deturpada, pero cuya base es la versión primitiva del propio Jovellanos).
Por primera vez se ofrece al público hispanohablante la traducción y edición facsímil de La Poética de Giovan Giorgio Trissino (1478-1550). Esta obra es la primera Poética que toma a Aristóteles como punto de partida, marco y guía para su propia reflexión. Fue publicada en dos fechas muy separadas: 1529 (las cuatro primeras divisiones o capítulos), y 1562, tras la muerte de Trissino (la quinta y sexta divisiones). Pero ofrece una gran coherencia y un diseño perfecto. En la primera división examina la lengua literaria; en la segunda, el ritmo de los versos; en la tercera, las rimas y estrofas; y en la cuarta, los poemas vigentes en su época. (Estas cuatro divisiones configuran el mejor tratado de Métrica italiana del Renacimiento). En la quinta y sexta anunciadas con sus contenidos en la cuarta aborda, siguiendo a Aristóteles y a otros autores, la imitación poética y sus modos: tragedia, poema heroico, comedia, y égloga. Finaliza con una exposición de las figuras retóricas. Así esta Poética ordenadísima y muy didáctica da un sólido cuerpo a una Teoría literaria total. Hombre de letras de amplísima cultura, Trissino renovó el teatro italiano y europeo con su tragedia Sophonisba (1513-1514), en la que aplicó por primera vez la teoría aristotélica y los principios de la tragedia griega. Cultivó igualmente el poema heroico (LItalia liberata daGoti), la comedia (I Simillimi), y la poesía (Rime). Descubrió, tradujo y publicó el De Vulgari Eloquentia de Dante. Fue protegido por varios Papas y Carlos V le nombró Conde Palatino.
El Apologeticus constituye una encendida defensa de la traducción latina del Salterio hebreo, que Giannozzo Manetti llevó a cabo en el marco de un ambicioso proyecto encargado por el pontífice Nicolás V: verter al latín todos los textos sagrados desde sus originales hebreo y griego. La versión de Manetti ni siquiera llegó a ver la luz, lo que no impidió que aparecieran numerosos detractores que argumentaban la futilidad de tal empresa ante la existencia de las dos versiones anteriores de San Jerónimo, una sobre el texto de la Septuaginta, otra sobre el original hebreo. La gran aportación de Manetti radica en que aplica el concepto de tipología textual a la teoría de la traducción. Frente a los planteamientos de Leonardo Bruni y otros humanistas del momento, Manetti defiende la necesidad de que el traductor se adapte a la particular idiosincrasia de los textos religiosos y filosóficos, a partir de una vía intermedia entre las versiones ad verbum y ad sensum.
La importancia del escritor que se estudia en esta monografía estriba en ser el traductor de la única gran novela latina que llegó completa al Renacimiento. La versión española de El Asno de Oro de Apuleyo (título original, Metamorphoses, h. 185 a. C.), que publicó el canónigo arcediano Diego López de Cortegana en Sevilla en 1513, ha estado reimprimiéndose modernizada hasta mediados del siglo pasado, y, a causa de las huellas detectadas en las mejores obras de la literatura áurea, podemos considerarlo el libro más influyente impreso en la ciudad en la época post-incunable. Cortegana, además de ser traductor de otros insignes humanistas como Enea Silvio Piccolomini (papa Pío II) y Erasmo de Rotterdam, y editor de una antigua crónica del rey Fernando III el Santo, fue el inquisidor que redactó la terrorífica inscripción que ostentaba el Castillo de Triana, amén de diplomático, y tal vez espía, de los Reyes Católicos en la Roma de los Borgia. A desentrañar estas paradojas de su época, de su vida y de sus obras se dedican las presentes páginas debidas a los especialistas nacionales y extranjeros que se congregaron en el municipio onubense de Cortegana, del 23 al 25 de octubre de 2009, para debatir el estado de la cuestión y plantear nuevas investigaciones. A los diez ensayos siguen un índice temático de los mismos, el catálogo razonado de la bibliografía sobre el autor, apéndice documental y cronología.