Esta obra representa la primera recopilación de la producción y archivo de un colectivo que se caracterizó por mantener una actitud crítica, analítica y contestataria frente a las políticas del Estado. Grupo Proceso Pentágono representa un grupo de artistas que por su postura vanguardista e intervención política se convirtieron en un referente en generaciones posteriores de artistas latinoamericanos. Con ambientaciones, instalaciones y gráfica, el trabajo de Grupo Proceso Pentágono re-significó la práctica artística como un proceso de trabajo colectivo y como motor de la transformación social por medio de la denuncia, en una época (décadas de los 70 y 80) marcada por fuertes procesos de represión y dictaduras en toda América Latina.
Dario Gamboni realiza, en este examen integral de la iconoclasia moderna, una nueva evaluación de los motivos y circunstancias que hay detrás de los ataques deliberados -tanto por instituciones como por individuos- contra edificios públicos, iglesias, esculturas, pinturas y otras obras de arte en los dos últimos siglos. " La destrucción del arte " , que abarca un ámbito internacional e incluye casos ciertamente cómicos y otros muy inquietantes, es, en definitiva, un ilustrativo ensayo sobre las definiciones, en perpetuo cambio y conflicto, del propio arte. Geográfica y cronológicamente, este estudio se centra en el mundo occidental después de la II Guerra Mundial. Pero aspira a indagar la historicidad y especificidad de la situación en la cual nos encontramos nosotros mismos, para lo cual abordamos también el siglo XIX y los comienzos del XX así como (si bien de forma mucho menos extensa) otras partes del mundo. De hecho, en la premisa, generalmente aceptada, de que la Revolución Francesa marcó un cambio decisivo en la historia de la destrucción y la conservación del arte, pero apoyándonos también en el hecho de que los acontecimientos posteriores nunca han sido estudiados en su conjunto, uno de los temas principales de este libro es qué es lo que ha cambiado en el mundo entero desde la Revolución en lo que se refiere a atacar o eliminar obras de arte deliberadamente, y qué nos enseña esto acerca de la manera en que han sido definidas, producidas, valoradas y devaluadas.
«Arte en España (1939-2015), ideas, prácticas, políticas» ofrece una síntesis actualizada de la historia del arte en España desde el final de la Guerra Civil, sumándose al impulso de renovación historiográfica que desde el campo de la investigación viene desarrollándose en la última década. El libro presenta, así, algunas novedades con respecto a los manuales disponibles. En primer lugar, aborda la esfera del arte en sentido amplio: junto a las prácticas de los creadores, en sus páginas se discuten las principales teorías y debates historiográficos, así como la historia de las instituciones y las políticas artísticas. En segundo lugar, «Arte en España (1939-2015)» intenta contrarrestar algunos de los olvidos del canon tradicional, prestando especial atención a la obra de las mujeres artistas y los discursos feministas, a las expresiones contraculturales y populares, a las prácticas no objetuales y experimentales, a los dispositivos artísticos concebidos como vehículos de activismo social y político y, en general, a las manifestaciones habitualmente consideradas periféricas o contrahegemónicas. Por último, el libro revisa también las continuidades y fisuras entre pasado y presente, cuestionando algunos de los relatos de consenso construidos desde la transición. No se trata, sin embargo, de sustituir un canon por otro, sino de plantear nuevas preguntas e instrumentos que contribuyan a fomentar una interpretación más plural y dinámica de la historia del arte en España.
«Arte Actual» es un estudio de las manifestaciones plásticas que han tenido lugar en los últimos 50 años, con la intención de desenmarañar este período de nuestra historia del arte cercano. La falta de visiones globales, la insuficiente perspectiva histórica o la dispersión documental, plantean dificultades a los estudiosos del arte. Se inicia el recorrido a mediados de los años sesenta, cuando las artes plásticas inician un proceso de desmaterialización que constituye un cierto corte substancial respecto al panorama anterior, hasta desembocar en el período actual de la Postmodernidad. El estudio incide en las líneas fundamentales de este periodo, reuniendo a los principales creadores y representantes de cada corriente o movimiento artístico, y centra su atención en el accionismo, las nuevas tecnologías aplicadas al arte, la pintura y la tridimensionalidad.
El diseño se ha convertido en una herramienta indispensable para la sociedad industrial. Es una de las fuentes creadoras de la cultura contemporánea que, hoy en día, requiere con más insistencia una argumentación teórica que facilite la comprensión de su actividad y de sus productos. " Breviario de diseño industrial: función, estética y gusto " arranca con una reflexión sobre la noción de diseño y la permeabilidad de sus fronteras con otros territorios de creación colindantes, para continuar con el estudio de las dimensiones funcional, simbólica, emocional y formal de los productos industriales. El libro se detiene especialmente en el uso que el diseño hace, o puede hacer, de las categorías estéticas: la belleza y la gracia, la fealdad y sus aledaños, o las variedades del humor; y en los tipos de gusto que el ser humano manifiesta ante los objetos que le rodean. La elegancia, su antítesis del kitsch y los estratos intermedios del gusto aparecen contemplados siempre en relación con el mundo objetual en un texto que, en su último capítulo, no elude abordar las encrucijadas y los desafíos a los que se enfrenta el diseño en la actualidad.
A través de estas páginas el lector tendrá la oportunidad de conocer todos los fenómenos artísticos del siglo XX, desde una perspectiva de las obras y autores más significativos, con un cuidado equilibrio entre las diferentes manifestaciones artísticas y síntesis de las otras artes, incluso de las técnicas y los medios más avanzados.
Presentación de las nuevas salas del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía dedicadas al periodo comprendido entre los años 60 y los 80. La publicación recoge textos de diferentes autores acerca de las corrientes artísticas que configuraron el escenario global del arte contemporáneo durante esas dos décadas.
El presente volumen se enfrenta con la no fácil tarea de analizar el arte más cercano en el tiempo con el fin de integrar la creación plástica actual en la dinámica de la historia. La autora parte del simbólico 1968, momento que supone el fin del dogma formalista y en el que el posminimalismo se precipita en una intensa desmaterialización de la obra de arte. A partir de ese punto aborda la llamada posmodernidad, desde la posmodernidad citacionista y cálida derivada del «pensamiento débil» a la reivindicadora de un «yo» apolítico y hedonista, hasta la posmodernidad que en su democratización pluralizante mantiene un fuerte compromiso con lo étnico, el feminismo, la diversidad sexual y el «otro» cultural, pasando por la posmodernidad simulacionista, apropiacionista e inexpresionista que, amparada en la «muerte metafórica del autor», alienta la crítica de la representación y la vuelta a los sistemas de reproducción. El resultado de este análisis es una historia del arte último del siglo XX en la que se descubren las conexiones entre el arte y el discurso teórico, se estudia el pensamiento que genera los distintos movimientos, y se analizan los principales artistas y las obras que configuran el perfil creativo de nuestra época.
Lo visible, hoy más que nunca, requiere una reflexión fundamentada sobre la problemática noción de autoridad. Ciertamente, la ciencia podría guiarnos hacia la objetividad del objeto visible entendido como objeto de conocimiento. Sin embargo, en el ámbito de la cultura, dicha reflexión no puede, por sí misma, certificar la identidad de un visible por otra parte vinculado a la inestable situación del individuo frente al mundo. El presente libro, escrito desde la práctica artística y la reflexión filosófica, constituye una indagación sobre la creación plástica contemporánea, su relación activa con sus potenciales espectadores y con la realidad social que la acoge. El espacio, la materia y el otro son cuestiones que se manifiestan en un concepto de perspectiva condicionado por la noción de «interface», un lugar de paso, de comunicación, de confrontación, donde la idea de seducción está presente para asegurar la eficacia y la fecundidad del intercambio. A lo largo de sus páginas, conceptos como aura, interferencia o visualidad, y referencias artísticas como Velázquez y Duchamp, articulan esta reveladora reflexión sobre la esencia de las artes plásticas, sobre su presente y, especialmente, sobre su futuro.
El arte contemporáneo internacional de los últimos decenios no ha dejado de diversificarse en las más variadas posiciones y corrientes. Esto ha hecho que los especialistas, y más aún los no expertos, encontraran difícil moverse en el mundo de los conceptos y teorías específicos del arte. El presente diccionario le brinda al lector la posibilidad de orientarse en este terreno, y sus descripciones e interpretaciones concisas le ofrecerán una vista panorámica del arte contemporáneo y de las discusiones inherentes a él.
Esta obra representa la primera recopilación de la producción y archivo de un colectivo que se caracterizó por mantener una actitud crítica, analítica y contestataria frente a las políticas del Estado. Grupo Proceso Pentágono representa un grupo de artistas que por su postura vanguardista e intervención política se convirtieron en un referente en generaciones posteriores de artistas latinoamericanos. Con ambientaciones, instalaciones y gráfica, el trabajo de Grupo Proceso Pentágono re-significó la práctica artística como un proceso de trabajo colectivo y como motor de la transformación social por medio de la denuncia, en una época (décadas de los 70 y 80) marcada por fuertes procesos de represión y dictaduras en toda América Latina.
Dario Gamboni realiza, en este examen integral de la iconoclasia moderna, una nueva evaluación de los motivos y circunstancias que hay detrás de los ataques deliberados -tanto por instituciones como por individuos- contra edificios públicos, iglesias, esculturas, pinturas y otras obras de arte en los dos últimos siglos. " La destrucción del arte " , que abarca un ámbito internacional e incluye casos ciertamente cómicos y otros muy inquietantes, es, en definitiva, un ilustrativo ensayo sobre las definiciones, en perpetuo cambio y conflicto, del propio arte. Geográfica y cronológicamente, este estudio se centra en el mundo occidental después de la II Guerra Mundial. Pero aspira a indagar la historicidad y especificidad de la situación en la cual nos encontramos nosotros mismos, para lo cual abordamos también el siglo XIX y los comienzos del XX así como (si bien de forma mucho menos extensa) otras partes del mundo. De hecho, en la premisa, generalmente aceptada, de que la Revolución Francesa marcó un cambio decisivo en la historia de la destrucción y la conservación del arte, pero apoyándonos también en el hecho de que los acontecimientos posteriores nunca han sido estudiados en su conjunto, uno de los temas principales de este libro es qué es lo que ha cambiado en el mundo entero desde la Revolución en lo que se refiere a atacar o eliminar obras de arte deliberadamente, y qué nos enseña esto acerca de la manera en que han sido definidas, producidas, valoradas y devaluadas.
«Arte en España (1939-2015), ideas, prácticas, políticas» ofrece una síntesis actualizada de la historia del arte en España desde el final de la Guerra Civil, sumándose al impulso de renovación historiográfica que desde el campo de la investigación viene desarrollándose en la última década. El libro presenta, así, algunas novedades con respecto a los manuales disponibles. En primer lugar, aborda la esfera del arte en sentido amplio: junto a las prácticas de los creadores, en sus páginas se discuten las principales teorías y debates historiográficos, así como la historia de las instituciones y las políticas artísticas. En segundo lugar, «Arte en España (1939-2015)» intenta contrarrestar algunos de los olvidos del canon tradicional, prestando especial atención a la obra de las mujeres artistas y los discursos feministas, a las expresiones contraculturales y populares, a las prácticas no objetuales y experimentales, a los dispositivos artísticos concebidos como vehículos de activismo social y político y, en general, a las manifestaciones habitualmente consideradas periféricas o contrahegemónicas. Por último, el libro revisa también las continuidades y fisuras entre pasado y presente, cuestionando algunos de los relatos de consenso construidos desde la transición. No se trata, sin embargo, de sustituir un canon por otro, sino de plantear nuevas preguntas e instrumentos que contribuyan a fomentar una interpretación más plural y dinámica de la historia del arte en España.
«Arte Actual» es un estudio de las manifestaciones plásticas que han tenido lugar en los últimos 50 años, con la intención de desenmarañar este período de nuestra historia del arte cercano. La falta de visiones globales, la insuficiente perspectiva histórica o la dispersión documental, plantean dificultades a los estudiosos del arte. Se inicia el recorrido a mediados de los años sesenta, cuando las artes plásticas inician un proceso de desmaterialización que constituye un cierto corte substancial respecto al panorama anterior, hasta desembocar en el período actual de la Postmodernidad. El estudio incide en las líneas fundamentales de este periodo, reuniendo a los principales creadores y representantes de cada corriente o movimiento artístico, y centra su atención en el accionismo, las nuevas tecnologías aplicadas al arte, la pintura y la tridimensionalidad.
El diseño se ha convertido en una herramienta indispensable para la sociedad industrial. Es una de las fuentes creadoras de la cultura contemporánea que, hoy en día, requiere con más insistencia una argumentación teórica que facilite la comprensión de su actividad y de sus productos. " Breviario de diseño industrial: función, estética y gusto " arranca con una reflexión sobre la noción de diseño y la permeabilidad de sus fronteras con otros territorios de creación colindantes, para continuar con el estudio de las dimensiones funcional, simbólica, emocional y formal de los productos industriales. El libro se detiene especialmente en el uso que el diseño hace, o puede hacer, de las categorías estéticas: la belleza y la gracia, la fealdad y sus aledaños, o las variedades del humor; y en los tipos de gusto que el ser humano manifiesta ante los objetos que le rodean. La elegancia, su antítesis del kitsch y los estratos intermedios del gusto aparecen contemplados siempre en relación con el mundo objetual en un texto que, en su último capítulo, no elude abordar las encrucijadas y los desafíos a los que se enfrenta el diseño en la actualidad.
A través de estas páginas el lector tendrá la oportunidad de conocer todos los fenómenos artísticos del siglo XX, desde una perspectiva de las obras y autores más significativos, con un cuidado equilibrio entre las diferentes manifestaciones artísticas y síntesis de las otras artes, incluso de las técnicas y los medios más avanzados.
Presentación de las nuevas salas del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía dedicadas al periodo comprendido entre los años 60 y los 80. La publicación recoge textos de diferentes autores acerca de las corrientes artísticas que configuraron el escenario global del arte contemporáneo durante esas dos décadas.
El presente volumen se enfrenta con la no fácil tarea de analizar el arte más cercano en el tiempo con el fin de integrar la creación plástica actual en la dinámica de la historia. La autora parte del simbólico 1968, momento que supone el fin del dogma formalista y en el que el posminimalismo se precipita en una intensa desmaterialización de la obra de arte. A partir de ese punto aborda la llamada posmodernidad, desde la posmodernidad citacionista y cálida derivada del «pensamiento débil» a la reivindicadora de un «yo» apolítico y hedonista, hasta la posmodernidad que en su democratización pluralizante mantiene un fuerte compromiso con lo étnico, el feminismo, la diversidad sexual y el «otro» cultural, pasando por la posmodernidad simulacionista, apropiacionista e inexpresionista que, amparada en la «muerte metafórica del autor», alienta la crítica de la representación y la vuelta a los sistemas de reproducción. El resultado de este análisis es una historia del arte último del siglo XX en la que se descubren las conexiones entre el arte y el discurso teórico, se estudia el pensamiento que genera los distintos movimientos, y se analizan los principales artistas y las obras que configuran el perfil creativo de nuestra época.
Lo visible, hoy más que nunca, requiere una reflexión fundamentada sobre la problemática noción de autoridad. Ciertamente, la ciencia podría guiarnos hacia la objetividad del objeto visible entendido como objeto de conocimiento. Sin embargo, en el ámbito de la cultura, dicha reflexión no puede, por sí misma, certificar la identidad de un visible por otra parte vinculado a la inestable situación del individuo frente al mundo. El presente libro, escrito desde la práctica artística y la reflexión filosófica, constituye una indagación sobre la creación plástica contemporánea, su relación activa con sus potenciales espectadores y con la realidad social que la acoge. El espacio, la materia y el otro son cuestiones que se manifiestan en un concepto de perspectiva condicionado por la noción de «interface», un lugar de paso, de comunicación, de confrontación, donde la idea de seducción está presente para asegurar la eficacia y la fecundidad del intercambio. A lo largo de sus páginas, conceptos como aura, interferencia o visualidad, y referencias artísticas como Velázquez y Duchamp, articulan esta reveladora reflexión sobre la esencia de las artes plásticas, sobre su presente y, especialmente, sobre su futuro.
El arte contemporáneo internacional de los últimos decenios no ha dejado de diversificarse en las más variadas posiciones y corrientes. Esto ha hecho que los especialistas, y más aún los no expertos, encontraran difícil moverse en el mundo de los conceptos y teorías específicos del arte. El presente diccionario le brinda al lector la posibilidad de orientarse en este terreno, y sus descripciones e interpretaciones concisas le ofrecerán una vista panorámica del arte contemporáneo y de las discusiones inherentes a él.