Enrique Lafuente Ferrari (1898-1985) perteneció a la segunda generación de historiadores del arte españoles y siempre se consideró discípulo de Elías Tormo y Manuel Gómez-Moreno, aunque probablemente fue el filósofo José Ortega y Gasset quien más duradera influencia ejerció sobre su trabajo. Entre los múltiples intereses a los que consagró su atención durante su prolífica carrera sobresalen dos con especial intensidad: Diego Velázquez y Francisco de Goya. Al pintor sevillano dedicó algunas de las páginas más brillantes que se han escrito sobre su vida y su quehacer en cinco monografías y numerosos artículos publicados en revistas especializadas y en prensa periódica, junto con otros textos incluidos en reflexiones globales sobre la pintura española del siglo XVII. Este libro recopila más de veinte ensayos en los que Lafuente Ferrari desgrana su concepción de la pintura de Velázquez con un estilo diáfano y vivaz que traslada con una claridad inusitada sus ideas y que lo convierte, junto con la sagacidad de sus propuestas, en uno de los más destacados historiadores del arte; no por casualidad Fred Licht lo consideró «el decano» de la Historia del Arte en España.
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez destaca ya de aprendiz por su genial talento y su enorme capacidad de trabajo.Sevilla habla del espíritu de superación del joven pintor abierto a lo mejor de las nuevas corrientes que llegan de Italia. Felipe IV le da protección y afecto y él le corresponde con una profunda lealtad.La corte se asombra ante sus cuadros y le aprecia por su alto sentido moral, su discreción, su ingenio.
Catálogo publicado con motivo de la exposición "El joven Van Dyck", celebrada en el Museo Nacional del Prado entre el 20 de noviembre de 2012 y el 3 de marzo de 2013. El catálogo, que reivindica el genio del joven Van Dyck y su obra más temprana, incluye un ensayo principal a cargo de Alejandro Vergara, Jefe del Área de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo del Prado, y Friso Lammertse, conservador del Museo Boijmans Van Beuningen, ambos comisarios de la exposición, y un ensayo sobre los dibujos del joven Van Dyck a cargo de la reputada especialista internacional Anne-Marie Logan, así como fichas de las 90 obras de catálogo y unas 280 ilustrativas. Incluye bibliografía e índice onomástico.
Una visión general y detallada del periodo barroco, en los territorios europeo y americano. Tras una aproximación preliminar al concepto y conceptos de barroco, el libro estudia las obras y los temas distribuidos en grandes áreas geográficas, comenzando por el gran arte del barroco italiano y continuando por los países germánicos y de Europa central, los países de la Europa oriental y nórdica, la singularidad y peculiaridades francesas, las artes del barroco en Portugal y Brasil, y los casos de España y la América española durante los siglos XVII y XVIII. Las especiales característica de la colección, la calidad científica del texto y la abundancia de la documentación gráfica ofrecida, que incluye multitud de ilustraciones en color y blanco y negro y un extenso apéndice de más de cien páginas reservado al análisis en fichas (con plantas, alzados y secciones anejas) monumento por monumento, constituye en conjunto una obra imprescindible.
El término barroco alude tradicionalmente a un arte asimétrico, atectónico, irregular, a veces desorbitado y, por lo tanto, no my estético, idea surgida en el momento en que la mentalidad ilustrada del llamado Siglo de las Luces decide arrmeter contra el estilo artístico que durante aproximadamente siglo y medio había estado vigente en Europa. Sin embargo, hoy se puede hablar del barroco como de una cultura y un espíritu más profundo, alejado del tono despectivo que hasta los últimos años del siglo XIX se le había venido dando, incidiendo sobre todo en la herencia que contiene de la tradición clásica renacentista. Un estilo artístico con personalidad propia que nace en un período convulso para Europa, cuyas claves -Reforma y Contrarreforma, crisis económica y política y absolutismo como forma de gobierno- reflejará en todas sus manifestaciones.
Entre las escuelas pictóricas españolas del siglo XVII la vallisoletana poseyó unas características que le otorgan identidad propia. Si bien la calidad técnica de sus pintores, de los que aquí se estudia una veintena, no alcanzó el nivel de los maestros madrileños o sevillanos, en su producción supieron reflejar una estética acorde con la sobriedad castellana y los principios sostenidos entonces por los poderes eclesiásticos y civiles. A lo largo de la etapa barroca la actividad de esta escuela local produjo numerosas obras destinadas a satisfacer las necesidades devocionales o decorativas de recintos religiosos o de interiores privados en la ciudad, pero tuvo también gran demanda por el resto del territorio castellano y el área geográfica del norte peninsular. El comedimiento expresivo de sus representantes apenas dio paso al espíritu aparatoso y dinámico del pleno barroco, prefiriendo moverse en el uso de soluciones tardo renacentistas, derivadas del manejo de estampas, para colaborar eficazmente en la difusión de los intereses espirituales de la Iglesia católica mediante modelos válidos para la oración, la práctica de sacramentos o las nuevas devociones en un perfecto ejercicio catequético. Sin duda, y pese a sus limitaciones, el ambiente pictórico vallisoletano creó sentimientos artísticos profundos, muy distantes de los efectos aparatosos del barroco triunfalista, y los plasmó con fórmulas comedidas ajustadas perfectamente a la mentalidad de un pueblo moderado y paciente, que supo entender la banalidad de lo transitorio y superficial o la emotividad y trascendencia del mundo interior.
Roma, tal como la conocemos la espléndida ciudad de palacios y plazas dominados por la cúpula de San Pedro, fue una creación del papado, remodelada y erigida de nuevo a finales de la Edad Media tras un largo periodo de abandono. Encarnaba una nueva estética: los ideales clásicos de simetría, axialidad, centro, jerarquía y unidad concretados y aprovechados para los requerimientos del poder eclesiástico y la responsabilidad cívica. Roma era simultáneamente producto y cuna del Alto Renacimiento. En manos de Bramante, Antonio da Sangallo, Vignola y della Porta, los palacios, desarrollados a partir de la austera tradición romana y florentina del Quattrocento, se convirtieron en edificios de imponente nobleza. Se erigieron iglesias a docenas; diseñadas tras la fachada del templo a partir de los principios de armonía espacial y cósmica, desplegaron una interminable versatilidad estilística en cuanto a la solución de problemas formales y teológicos. El San Pedro de Bramante y Miguel Ángel, y El Gesú de Vignola y della Porta, que se comentan aquí en detalle, representan quizá la apoteosis de la arquitectura eclesiástica del Renacimiento, al igual que el Palacio Farnese de Sangallo y Miguel Ángel destaca como la culminación de la arquitectura civil. Partridge analiza también la decoración escultórica y pictórica de Roma en los altares, las capillas y las salas de estado, incluyendo las obras maestras de la Capilla Sixtina y las Estancias del Vaticano. Masolino y Fra Angelico, Perugino y Pinturicchio, Miguel Ángel y Rafael se contaron entre los llamados a glorificar a la Iglesia y legitimar su autoridad, y sus logros perviven para el disfrute y la formación de las siguientes generaciones.
Esta colección realiza un recorrido exhaustivo y totalmente ilustrado a través de los grandes creadores de todos los tiempos y los testimonios artísticos que han dejado las principales culturas, en un papel de gran calidad y un formato manejable. Este volumen está dedicado al Greco.
En sintonía con las nuevas corrientes de pensamiento, esta obra presenta una sociología de la cultura que recupera la relevancia de la aportación del pensamiento español a la memoria histórica de la filosofía y las ciencias sociales contemporáneas. El barroco, más allá de su interés como estilo artístico, es la cultura de mayor calado e irradiación que ha dado España y se inscribe en la tradición española e iberoamericana de pensamiento filosófico y científico social. Carlos Soldevilla nos proporciona aquí una hermenéutica sustantiva para la comprensión e interpretación de la sociedad actual, abordando una serie de estudios sobre los lazos entre la cultura barroca y nuestra actual fenomenología sociocultural más o menos neobarroca. Consumo, psicoanálisis, arte, cuerpo, arquitectura, giro visual, nuevas identidades y estilos de vida son algunos de los fenómenos que se investigan en este libro.
Juan Caramuel Lobkowitz (1606-1682), el más prolífico y original polígrafo del Barroco hispánico, destacó por sus poco convencionales intereses arquitectónicos. La inusual trayectoria del cisterciense madrileño propició que sus juveniles y castellanas reflexiones sobre la arquitectura adquiriesen en Flandes, en el Imperio y sobre todo en Italia matices nuevos, debidos tanto al cultivo del racionalismo proyectivo como a la delectación retórica. Inquisitivo y probabilista, dio a la estampa los tres volúmenes de la Architectura civil recta y obliqua (Vigevano, Camillo Corrado, 1678), sin duda el más extenso y ambicioso tratado de arquitectura hasta entonces escrito en lengua española. Consciente, como hombre del siglo XVII, del valor de la certeza tanto para la arquitectura como para la tratadística, se sirvió de la segunda para defender la cientificidad de la primera, lo que le llevaría a convertirse en nexo privilegiado entre la evolución europea y un medio español especialmente complejo, el de la transición de los Austrias a los Borbones. Las cavilaciones del desprejuiciado teórico encierran aspectos de sorprendente modernidad: no en vano aspiraba a un clasicismo «abierto» y «oblicuo» que, en lugar de valerse del canon vitruviano para sobrevolar la contingencia histórica, abriese el camino hacia una nueva y racional plasticidad. Jorge Fernández-Santos Ortiz-Iribas, licenciado por la Universidad de Cornell, se doctoró en 2005 en la Universidad de Cambridge. Becario predoctoral en la Real Academia de España en Roma y postdoctoral de la Fundación Gerda Henkel de Düsseldorf, su trabajo actual como investigador del subprograma Ramón y Cajal adscrito a la Universitat Jaume I versa sobre los intercambios culturales hispanoitalianos a finales del siglo XVII y principios del siglo XVIII.
En este libro se reúnen las conferencias de la tercera edición de la Cátedra Museo del Prado, dirigida por Jonathan Brown. Al hilo de su biografía y de su experiencia personal en el ámbito de la historia del arte, el autor reflexiona sobre pintores como Ribera, el Greco o Velázquez, ocupándose además de cuestiones relacionadas con la historiografía, la noción de taller, el arte de corte de los Austrias o el contexto artístico de los territorios de Nueva España.
Enrique Lafuente Ferrari (1898-1985) perteneció a la segunda generación de historiadores del arte españoles y siempre se consideró discípulo de Elías Tormo y Manuel Gómez-Moreno, aunque probablemente fue el filósofo José Ortega y Gasset quien más duradera influencia ejerció sobre su trabajo. Entre los múltiples intereses a los que consagró su atención durante su prolífica carrera sobresalen dos con especial intensidad: Diego Velázquez y Francisco de Goya. Al pintor sevillano dedicó algunas de las páginas más brillantes que se han escrito sobre su vida y su quehacer en cinco monografías y numerosos artículos publicados en revistas especializadas y en prensa periódica, junto con otros textos incluidos en reflexiones globales sobre la pintura española del siglo XVII. Este libro recopila más de veinte ensayos en los que Lafuente Ferrari desgrana su concepción de la pintura de Velázquez con un estilo diáfano y vivaz que traslada con una claridad inusitada sus ideas y que lo convierte, junto con la sagacidad de sus propuestas, en uno de los más destacados historiadores del arte; no por casualidad Fred Licht lo consideró «el decano» de la Historia del Arte en España.
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez destaca ya de aprendiz por su genial talento y su enorme capacidad de trabajo.Sevilla habla del espíritu de superación del joven pintor abierto a lo mejor de las nuevas corrientes que llegan de Italia. Felipe IV le da protección y afecto y él le corresponde con una profunda lealtad.La corte se asombra ante sus cuadros y le aprecia por su alto sentido moral, su discreción, su ingenio.
Catálogo publicado con motivo de la exposición "El joven Van Dyck", celebrada en el Museo Nacional del Prado entre el 20 de noviembre de 2012 y el 3 de marzo de 2013. El catálogo, que reivindica el genio del joven Van Dyck y su obra más temprana, incluye un ensayo principal a cargo de Alejandro Vergara, Jefe del Área de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo del Prado, y Friso Lammertse, conservador del Museo Boijmans Van Beuningen, ambos comisarios de la exposición, y un ensayo sobre los dibujos del joven Van Dyck a cargo de la reputada especialista internacional Anne-Marie Logan, así como fichas de las 90 obras de catálogo y unas 280 ilustrativas. Incluye bibliografía e índice onomástico.
Una visión general y detallada del periodo barroco, en los territorios europeo y americano. Tras una aproximación preliminar al concepto y conceptos de barroco, el libro estudia las obras y los temas distribuidos en grandes áreas geográficas, comenzando por el gran arte del barroco italiano y continuando por los países germánicos y de Europa central, los países de la Europa oriental y nórdica, la singularidad y peculiaridades francesas, las artes del barroco en Portugal y Brasil, y los casos de España y la América española durante los siglos XVII y XVIII. Las especiales característica de la colección, la calidad científica del texto y la abundancia de la documentación gráfica ofrecida, que incluye multitud de ilustraciones en color y blanco y negro y un extenso apéndice de más de cien páginas reservado al análisis en fichas (con plantas, alzados y secciones anejas) monumento por monumento, constituye en conjunto una obra imprescindible.
El término barroco alude tradicionalmente a un arte asimétrico, atectónico, irregular, a veces desorbitado y, por lo tanto, no my estético, idea surgida en el momento en que la mentalidad ilustrada del llamado Siglo de las Luces decide arrmeter contra el estilo artístico que durante aproximadamente siglo y medio había estado vigente en Europa. Sin embargo, hoy se puede hablar del barroco como de una cultura y un espíritu más profundo, alejado del tono despectivo que hasta los últimos años del siglo XIX se le había venido dando, incidiendo sobre todo en la herencia que contiene de la tradición clásica renacentista. Un estilo artístico con personalidad propia que nace en un período convulso para Europa, cuyas claves -Reforma y Contrarreforma, crisis económica y política y absolutismo como forma de gobierno- reflejará en todas sus manifestaciones.
Entre las escuelas pictóricas españolas del siglo XVII la vallisoletana poseyó unas características que le otorgan identidad propia. Si bien la calidad técnica de sus pintores, de los que aquí se estudia una veintena, no alcanzó el nivel de los maestros madrileños o sevillanos, en su producción supieron reflejar una estética acorde con la sobriedad castellana y los principios sostenidos entonces por los poderes eclesiásticos y civiles. A lo largo de la etapa barroca la actividad de esta escuela local produjo numerosas obras destinadas a satisfacer las necesidades devocionales o decorativas de recintos religiosos o de interiores privados en la ciudad, pero tuvo también gran demanda por el resto del territorio castellano y el área geográfica del norte peninsular. El comedimiento expresivo de sus representantes apenas dio paso al espíritu aparatoso y dinámico del pleno barroco, prefiriendo moverse en el uso de soluciones tardo renacentistas, derivadas del manejo de estampas, para colaborar eficazmente en la difusión de los intereses espirituales de la Iglesia católica mediante modelos válidos para la oración, la práctica de sacramentos o las nuevas devociones en un perfecto ejercicio catequético. Sin duda, y pese a sus limitaciones, el ambiente pictórico vallisoletano creó sentimientos artísticos profundos, muy distantes de los efectos aparatosos del barroco triunfalista, y los plasmó con fórmulas comedidas ajustadas perfectamente a la mentalidad de un pueblo moderado y paciente, que supo entender la banalidad de lo transitorio y superficial o la emotividad y trascendencia del mundo interior.
Roma, tal como la conocemos la espléndida ciudad de palacios y plazas dominados por la cúpula de San Pedro, fue una creación del papado, remodelada y erigida de nuevo a finales de la Edad Media tras un largo periodo de abandono. Encarnaba una nueva estética: los ideales clásicos de simetría, axialidad, centro, jerarquía y unidad concretados y aprovechados para los requerimientos del poder eclesiástico y la responsabilidad cívica. Roma era simultáneamente producto y cuna del Alto Renacimiento. En manos de Bramante, Antonio da Sangallo, Vignola y della Porta, los palacios, desarrollados a partir de la austera tradición romana y florentina del Quattrocento, se convirtieron en edificios de imponente nobleza. Se erigieron iglesias a docenas; diseñadas tras la fachada del templo a partir de los principios de armonía espacial y cósmica, desplegaron una interminable versatilidad estilística en cuanto a la solución de problemas formales y teológicos. El San Pedro de Bramante y Miguel Ángel, y El Gesú de Vignola y della Porta, que se comentan aquí en detalle, representan quizá la apoteosis de la arquitectura eclesiástica del Renacimiento, al igual que el Palacio Farnese de Sangallo y Miguel Ángel destaca como la culminación de la arquitectura civil. Partridge analiza también la decoración escultórica y pictórica de Roma en los altares, las capillas y las salas de estado, incluyendo las obras maestras de la Capilla Sixtina y las Estancias del Vaticano. Masolino y Fra Angelico, Perugino y Pinturicchio, Miguel Ángel y Rafael se contaron entre los llamados a glorificar a la Iglesia y legitimar su autoridad, y sus logros perviven para el disfrute y la formación de las siguientes generaciones.
Esta colección realiza un recorrido exhaustivo y totalmente ilustrado a través de los grandes creadores de todos los tiempos y los testimonios artísticos que han dejado las principales culturas, en un papel de gran calidad y un formato manejable. Este volumen está dedicado al Greco.
En sintonía con las nuevas corrientes de pensamiento, esta obra presenta una sociología de la cultura que recupera la relevancia de la aportación del pensamiento español a la memoria histórica de la filosofía y las ciencias sociales contemporáneas. El barroco, más allá de su interés como estilo artístico, es la cultura de mayor calado e irradiación que ha dado España y se inscribe en la tradición española e iberoamericana de pensamiento filosófico y científico social. Carlos Soldevilla nos proporciona aquí una hermenéutica sustantiva para la comprensión e interpretación de la sociedad actual, abordando una serie de estudios sobre los lazos entre la cultura barroca y nuestra actual fenomenología sociocultural más o menos neobarroca. Consumo, psicoanálisis, arte, cuerpo, arquitectura, giro visual, nuevas identidades y estilos de vida son algunos de los fenómenos que se investigan en este libro.
Juan Caramuel Lobkowitz (1606-1682), el más prolífico y original polígrafo del Barroco hispánico, destacó por sus poco convencionales intereses arquitectónicos. La inusual trayectoria del cisterciense madrileño propició que sus juveniles y castellanas reflexiones sobre la arquitectura adquiriesen en Flandes, en el Imperio y sobre todo en Italia matices nuevos, debidos tanto al cultivo del racionalismo proyectivo como a la delectación retórica. Inquisitivo y probabilista, dio a la estampa los tres volúmenes de la Architectura civil recta y obliqua (Vigevano, Camillo Corrado, 1678), sin duda el más extenso y ambicioso tratado de arquitectura hasta entonces escrito en lengua española. Consciente, como hombre del siglo XVII, del valor de la certeza tanto para la arquitectura como para la tratadística, se sirvió de la segunda para defender la cientificidad de la primera, lo que le llevaría a convertirse en nexo privilegiado entre la evolución europea y un medio español especialmente complejo, el de la transición de los Austrias a los Borbones. Las cavilaciones del desprejuiciado teórico encierran aspectos de sorprendente modernidad: no en vano aspiraba a un clasicismo «abierto» y «oblicuo» que, en lugar de valerse del canon vitruviano para sobrevolar la contingencia histórica, abriese el camino hacia una nueva y racional plasticidad. Jorge Fernández-Santos Ortiz-Iribas, licenciado por la Universidad de Cornell, se doctoró en 2005 en la Universidad de Cambridge. Becario predoctoral en la Real Academia de España en Roma y postdoctoral de la Fundación Gerda Henkel de Düsseldorf, su trabajo actual como investigador del subprograma Ramón y Cajal adscrito a la Universitat Jaume I versa sobre los intercambios culturales hispanoitalianos a finales del siglo XVII y principios del siglo XVIII.
En este libro se reúnen las conferencias de la tercera edición de la Cátedra Museo del Prado, dirigida por Jonathan Brown. Al hilo de su biografía y de su experiencia personal en el ámbito de la historia del arte, el autor reflexiona sobre pintores como Ribera, el Greco o Velázquez, ocupándose además de cuestiones relacionadas con la historiografía, la noción de taller, el arte de corte de los Austrias o el contexto artístico de los territorios de Nueva España.