Nueva edición del libro de Navarro Lizandra, que actualiza sustancialmente la anterior. Una guía para aquellas personas que necesitan plasmar una idea formal en una forma real, destinada, sobre todo, a quien comience a adentrarse en el mundo de la configuración tridimensional, independientemente del tipo de formación y del nivel que posea. Aunque los capítulos se desarrollan en una sucesión intencionada, el lector/a tiene la posibilidad de adentrarse en el tema que le interese. Una obra elaborada pensando en el ideal que pueda servir para despertar la curiosidad sobre las posibilidades de dar forma a cualquier cosa. Incluye numerosos ejemplos prácticos de aplicación profusamente ilustrados para resolver problemas concretos.
La última gran exposición de Antonio López tuvo lugar en 1993. En todo este tiempo transcurrido desde entonces el artista ha seguido evolucionando y ha producido algunas de sus mejores obras maestras. El catálogo de esta exposición muestra precisamente esa producción reciente y, a partir de ella, se dan las claves de interpretación de la carrera anterior del artista. Una parte del libro explora los grandes temas de la creación de Antonio López de las dos últimas décadas, que se reducen esencialmente a tres, la ciudad (siempre Madrid), el árbol y la figura humana, que se corresponden con los tres medios artísticos que el artista domina: la pintura, el dibujo y la escultura. La otra parte importante del catálogo viene a ser una mirada retrospectiva hacia la carrera de Antonio López, presentando su evolución desde sus orígenes a su primera madurez.
BIOGRAFIA AUTORFrancesca Español Bertran (Vilallonga del Camp, 1956) És professora titular de la Universitat de Barcelona. Treballa preferentment sobre art medieval. Ha publicat: «Arte gótico I» (1991), «L'arquitectura religiosa romànica a la Conca de Barberà i Segarra tarragonina» (1991), «Guillem Seguer de Montblanc. Un mestre tres-centista, pintor i arquitecte» (1994), «El escultor Bartomeu de Robio y Lleida, un eco de la plástica toscana en Catalunya» (1994). Té treballs sobre iconografia, història de les mentalitats o arquitectura i escultura d'època romànica i gòtica. Ha codirigit el «Catàleg d'escultura i pintura medievals del Museu Frederic Marès de Barcelona» (1991) i ha comissariat diverses exposicions.
Signos de Psique en el arte moderno y postmoderno examina la dimensión psicológica de la cultura visual en el siglo XX. Analizando cómo puede emplearse el psicoanálisis para entender el arte y la cultura, Donald Kuspit sostiene que el arte moderno afirma la subjetividad; por contra, el arte postmoderno, que es caracterizado como cínico y glamuroso, la niega, pero paradójicamente es incapaz de escapar a ella. Evaluando las profundas implicaciones psicológicas de obras de, entre otros, Paul Gauguin, Henri Matisse, André Breton, Anselm Kiefer y Gerhard Richter, este estudio demuestra convincentemente cómo los métodos del psicoanálisis pueden emplearse para poner a prueba obras de arte, creadas en las costuras críticas del siglo XX.
Compendio de 400 imágenes en 10 temas: 1.- Paleolítico. Neolítico . Colonizadores Mediterráneos, 2.- España Romana. Paleocristiano y Visigótico. España Árabe. Prerrománico y Mozárabe. 3.- Arte Románico.4.- Transición al Gótico. Arte Gótico.5.- Arte Mudéjar. Plateresco. Escultura del Renacimiento y Pintura del S. XVI. 6.- El Barroco: Arquitectura y Escultura. 7.- Pintura Barroca. 8.- Arquitectura Neoclásica, Pintura del S. XVIII. 9.- Pintura del S.XIX. Escultura del S. XIX y El Modernismo.10.- Pintura, Arquitectura y Escultura del S. XX
El llibre recull per primer cop el treball de disseny i construcció d?imatgeria festiva (dracs, gegants, capgrossos i bestiari festiu divers) dels tallers Sarandaca, Ventura&Hosta i Dolors Sans. Presenta les biografies, l?evolució dels tallers i les seves opinions sobre la festa popular mitjançant entrevistes en profunditat. S?exposen de manera detallada les tècniques i els materials de construcció. Completa el llibre un inventari dels aproximats 1.000 elements construïts pels tres tallers fins l?any 2018. També proposa una reflexió sobre la festa des d?una perspectiva etnogràfica, folklòrica i sociològica, amb articles de Bienve Moya, Amadeu Carbó, Xavier Cordomí, Paco Cruz i Jo Farb Hernández. Està il·lustrat amb 270 imatges, la majoria inèdites, de la imatgeria festiva dels tres escultors de la festa.
Para conocer y valorar el arte y lo artístico, debe enseñarse y aprenderse, y no hay mejor lugar para enseñar y aprender que el centro escolar. hay mejor lugar para enseñar y aprender que el centro.
Las ideas y concreciones monumentales en el ámbito de lo conmemorativo en Iberoamérica constituyen el eje principal del presente texto, y la mayor parte de los ejemplos incluidos pertenecen al que podríamos considerar el período de mayor " fiebre monumentalista " en el continente, aproximadamente los años que van en torno a 1890 y hasta 1940. La escultura monumental en Iberoamérica vino a cubrir varias necesidades de los gobiernos y nuevos países. Contribuyó a la " urbanización " simbolizando a la vez el " adelanto cultural " de los mismos, promovió a " los próceres " considerados dignos de ser imitados, y expresó emblemáticamente " la obra pública " de gobiernos de tinte liberal y europeizante a través de la transformación estética de las ciudades. La ciudad fue concebida como un " gran panteón " , a través del nomenclátor de calles, avenidas, plazas y barrios, convirtiéndose gradualmente, parafraseando a Victor Hugo, en una " crónica escrita en piedra " , y los monumentos en verdaderos " poemas épicos " .
"El tema es la relación de la cerámica con la pintura o de la escultura con la pintura, pero mi idea es que la cerámica es pintura, ya contiene la pintura" (M. Barceló). Edición de la conferencia a cargo del artista celebrada en Pamplona y Madrid el 13 y 15 de noviembre de 2012, organizada por la Cátedra Jorge Oteiza en colaboración con Fundación Mapfre. Incluye los coloquios que siguieron a las sesiones, más numerosas ilustraciones.
A pesar de que en los últimos tiempos se ha avanzado considerablemente en el estudio de la escultura española en general y andaluza e hispanoamericana en particular, este libro aborda, dentro de los dos últimos ámbitos geográficos mencionados, tan vinculados en todos los sentidos desde los mismos albores del Quinientos, el gran esplendor y originalidad que, a partir de dos centros de producción básicos y fundamentales, como lo fueron Granada y Sevilla, tuvo la escultura, con renombrados maestros y obras de excepcional calidad. Precisamente en un momento crítico, las últimas décadas del siglo XVI y las primeras del XVII, cuando entran en crisis modelos de ascendencia foránea para dar paso inmediatamente a un primer Naturalismo, que muy pronto se convertirá en la nota más distintiva de nuestro primer barroco. La abundancia de ilustraciones constituye una de las contribuciones y logros más destacados de este volumen, pues ofrece el complemento idóneo y totalmente necesario para una comprensión cabal de los textos, firmados por los principales especialistas en las materias tratadas.
Martín Chirino (Las Palmas de Gran Canaria, 1925), Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes y Presidente de esta institución entre 1982 y 1992, es uno de los escultores españoles más sobresalientes de las últimas décadas. Formado de la mano del escultor Manuel Ramos, en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en Madrid y en la School of Fine Arts de Londres, y cofundador del grupo El Paso en 1957, Chirino ha empleado principalmente el hierro en su búsqueda de un lenguaje abstracto, despojado de rasgos narrativos y de enorme riqueza expresiva. Sus esculturas responden a un doble impulso: el diálogo con el arte primitivo y los materiales y el paisaje nativo de las Islas Canarias, leído con los ojos de la evocación imaginativa y la memoria infantil, y un poderoso impulso sígnico que genera todo tipo de geometrías espaciales, por lo general curvas (espirales, aros, óvalos), capaces de iluminar el espacio que las rodea y de ser a la vez, para quien las contempla, enigma y revelación. Martín Chirino. Obras para una colección reúne textos de Antonio Bonet Correa, Antonio Fernández-Alba, Serge Fauchereau y Fernando Castro Flórez en torno a la obra del genial escultor, y una selección de imágenes de las esculturas que constituyen la exposición, incluyendo alguno de sus famosos «afrocanes», y otras de títulos tan significativos como Herramienta poética e inútil o Mi patria es una roca.
Nueva edición del libro de Navarro Lizandra, que actualiza sustancialmente la anterior. Una guía para aquellas personas que necesitan plasmar una idea formal en una forma real, destinada, sobre todo, a quien comience a adentrarse en el mundo de la configuración tridimensional, independientemente del tipo de formación y del nivel que posea. Aunque los capítulos se desarrollan en una sucesión intencionada, el lector/a tiene la posibilidad de adentrarse en el tema que le interese. Una obra elaborada pensando en el ideal que pueda servir para despertar la curiosidad sobre las posibilidades de dar forma a cualquier cosa. Incluye numerosos ejemplos prácticos de aplicación profusamente ilustrados para resolver problemas concretos.
La última gran exposición de Antonio López tuvo lugar en 1993. En todo este tiempo transcurrido desde entonces el artista ha seguido evolucionando y ha producido algunas de sus mejores obras maestras. El catálogo de esta exposición muestra precisamente esa producción reciente y, a partir de ella, se dan las claves de interpretación de la carrera anterior del artista. Una parte del libro explora los grandes temas de la creación de Antonio López de las dos últimas décadas, que se reducen esencialmente a tres, la ciudad (siempre Madrid), el árbol y la figura humana, que se corresponden con los tres medios artísticos que el artista domina: la pintura, el dibujo y la escultura. La otra parte importante del catálogo viene a ser una mirada retrospectiva hacia la carrera de Antonio López, presentando su evolución desde sus orígenes a su primera madurez.
BIOGRAFIA AUTORFrancesca Español Bertran (Vilallonga del Camp, 1956) És professora titular de la Universitat de Barcelona. Treballa preferentment sobre art medieval. Ha publicat: «Arte gótico I» (1991), «L'arquitectura religiosa romànica a la Conca de Barberà i Segarra tarragonina» (1991), «Guillem Seguer de Montblanc. Un mestre tres-centista, pintor i arquitecte» (1994), «El escultor Bartomeu de Robio y Lleida, un eco de la plástica toscana en Catalunya» (1994). Té treballs sobre iconografia, història de les mentalitats o arquitectura i escultura d'època romànica i gòtica. Ha codirigit el «Catàleg d'escultura i pintura medievals del Museu Frederic Marès de Barcelona» (1991) i ha comissariat diverses exposicions.
Signos de Psique en el arte moderno y postmoderno examina la dimensión psicológica de la cultura visual en el siglo XX. Analizando cómo puede emplearse el psicoanálisis para entender el arte y la cultura, Donald Kuspit sostiene que el arte moderno afirma la subjetividad; por contra, el arte postmoderno, que es caracterizado como cínico y glamuroso, la niega, pero paradójicamente es incapaz de escapar a ella. Evaluando las profundas implicaciones psicológicas de obras de, entre otros, Paul Gauguin, Henri Matisse, André Breton, Anselm Kiefer y Gerhard Richter, este estudio demuestra convincentemente cómo los métodos del psicoanálisis pueden emplearse para poner a prueba obras de arte, creadas en las costuras críticas del siglo XX.
Compendio de 400 imágenes en 10 temas: 1.- Paleolítico. Neolítico . Colonizadores Mediterráneos, 2.- España Romana. Paleocristiano y Visigótico. España Árabe. Prerrománico y Mozárabe. 3.- Arte Románico.4.- Transición al Gótico. Arte Gótico.5.- Arte Mudéjar. Plateresco. Escultura del Renacimiento y Pintura del S. XVI. 6.- El Barroco: Arquitectura y Escultura. 7.- Pintura Barroca. 8.- Arquitectura Neoclásica, Pintura del S. XVIII. 9.- Pintura del S.XIX. Escultura del S. XIX y El Modernismo.10.- Pintura, Arquitectura y Escultura del S. XX
El llibre recull per primer cop el treball de disseny i construcció d?imatgeria festiva (dracs, gegants, capgrossos i bestiari festiu divers) dels tallers Sarandaca, Ventura&Hosta i Dolors Sans. Presenta les biografies, l?evolució dels tallers i les seves opinions sobre la festa popular mitjançant entrevistes en profunditat. S?exposen de manera detallada les tècniques i els materials de construcció. Completa el llibre un inventari dels aproximats 1.000 elements construïts pels tres tallers fins l?any 2018. També proposa una reflexió sobre la festa des d?una perspectiva etnogràfica, folklòrica i sociològica, amb articles de Bienve Moya, Amadeu Carbó, Xavier Cordomí, Paco Cruz i Jo Farb Hernández. Està il·lustrat amb 270 imatges, la majoria inèdites, de la imatgeria festiva dels tres escultors de la festa.
Para conocer y valorar el arte y lo artístico, debe enseñarse y aprenderse, y no hay mejor lugar para enseñar y aprender que el centro escolar. hay mejor lugar para enseñar y aprender que el centro.
Las ideas y concreciones monumentales en el ámbito de lo conmemorativo en Iberoamérica constituyen el eje principal del presente texto, y la mayor parte de los ejemplos incluidos pertenecen al que podríamos considerar el período de mayor " fiebre monumentalista " en el continente, aproximadamente los años que van en torno a 1890 y hasta 1940. La escultura monumental en Iberoamérica vino a cubrir varias necesidades de los gobiernos y nuevos países. Contribuyó a la " urbanización " simbolizando a la vez el " adelanto cultural " de los mismos, promovió a " los próceres " considerados dignos de ser imitados, y expresó emblemáticamente " la obra pública " de gobiernos de tinte liberal y europeizante a través de la transformación estética de las ciudades. La ciudad fue concebida como un " gran panteón " , a través del nomenclátor de calles, avenidas, plazas y barrios, convirtiéndose gradualmente, parafraseando a Victor Hugo, en una " crónica escrita en piedra " , y los monumentos en verdaderos " poemas épicos " .
"El tema es la relación de la cerámica con la pintura o de la escultura con la pintura, pero mi idea es que la cerámica es pintura, ya contiene la pintura" (M. Barceló). Edición de la conferencia a cargo del artista celebrada en Pamplona y Madrid el 13 y 15 de noviembre de 2012, organizada por la Cátedra Jorge Oteiza en colaboración con Fundación Mapfre. Incluye los coloquios que siguieron a las sesiones, más numerosas ilustraciones.
A pesar de que en los últimos tiempos se ha avanzado considerablemente en el estudio de la escultura española en general y andaluza e hispanoamericana en particular, este libro aborda, dentro de los dos últimos ámbitos geográficos mencionados, tan vinculados en todos los sentidos desde los mismos albores del Quinientos, el gran esplendor y originalidad que, a partir de dos centros de producción básicos y fundamentales, como lo fueron Granada y Sevilla, tuvo la escultura, con renombrados maestros y obras de excepcional calidad. Precisamente en un momento crítico, las últimas décadas del siglo XVI y las primeras del XVII, cuando entran en crisis modelos de ascendencia foránea para dar paso inmediatamente a un primer Naturalismo, que muy pronto se convertirá en la nota más distintiva de nuestro primer barroco. La abundancia de ilustraciones constituye una de las contribuciones y logros más destacados de este volumen, pues ofrece el complemento idóneo y totalmente necesario para una comprensión cabal de los textos, firmados por los principales especialistas en las materias tratadas.
Martín Chirino (Las Palmas de Gran Canaria, 1925), Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes y Presidente de esta institución entre 1982 y 1992, es uno de los escultores españoles más sobresalientes de las últimas décadas. Formado de la mano del escultor Manuel Ramos, en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en Madrid y en la School of Fine Arts de Londres, y cofundador del grupo El Paso en 1957, Chirino ha empleado principalmente el hierro en su búsqueda de un lenguaje abstracto, despojado de rasgos narrativos y de enorme riqueza expresiva. Sus esculturas responden a un doble impulso: el diálogo con el arte primitivo y los materiales y el paisaje nativo de las Islas Canarias, leído con los ojos de la evocación imaginativa y la memoria infantil, y un poderoso impulso sígnico que genera todo tipo de geometrías espaciales, por lo general curvas (espirales, aros, óvalos), capaces de iluminar el espacio que las rodea y de ser a la vez, para quien las contempla, enigma y revelación. Martín Chirino. Obras para una colección reúne textos de Antonio Bonet Correa, Antonio Fernández-Alba, Serge Fauchereau y Fernando Castro Flórez en torno a la obra del genial escultor, y una selección de imágenes de las esculturas que constituyen la exposición, incluyendo alguno de sus famosos «afrocanes», y otras de títulos tan significativos como Herramienta poética e inútil o Mi patria es una roca.