Este libro recoge tres conversaciones entre el diseñador Milton Glaser y el editor Peter Mayer que fueron publicadas originalmente en inglés en tres libros distintos dedicados a la obra del diseñador. Tres momentos puntuales (1973, 2000 y 2008) a lo largo de un lapso de tiempo dilatado, en los que Glaser y Mayer reflexionan sobre toda una serie de cuestiones que tienen que ver con el diseño y el arte, como trabajo y como parte de la vida. Se habla de temas generales como el papel del diseño en su contexto social, el código deontológico (no escrito) del diseñador, de lo que constituye su dignidad, y de la relación entre creatividad y trabajo; se habla de la relación y la distancia entre diseño y arte y de la relación entre arte y vida, de la importancia o no de tener un estilo, de las relaciones con los clientes Y se habla, por supuesto, de la obra de Glaser, de los trabajos más icónicos del diseñador, y de la centralidad del dibujo en su práctica y el profundo peso en sus referentes de pintores clásicos como Piero della Francesca. Un diálogo que enfrentará a cualquier diseñador, artista o creador con las mismas preguntas e inquietudes que le habrán asaltado una y otra vez a lo largo de su carrera y que ofrece las respuestas, siempre lúcidas, y la rica perspectiva de uno de los grandes maestros.
La historia es un tema complejo. Las fortunas prosperan y desaparecen, los imperios se levantan y caen, y los cambios ?ya sean sociales, políticos o tecnológicos? cuentan con sus ganadores, sus perdedores, sus defensores y sus detractores. A lo largo del turbulento paso del tiempo, el diseño gráfico, con su vívida y limpia síntesis de imagen e ideas, siempre ha transmitido el espíritu de cada era.Este libro ofrece una completa historia del diseño gráfico desde el fin del siglo XIX hasta el periodo posterior a la Segunda Guerra Mundial. Traza la evolución de esta disciplina creativa desde sus primeras manifestaciones en el diseño de carteles pasando por la publicidad, la identidad corporativa, el embalaje y el diseño editorial. Ordenado cronológicamente, el libro incluye más de 2500 diseños fundamentales de todo el mundo, 71 de los cuales van acompañados de información detallada. Además, ofrece reseñas sobre 61 figuras clave en la disciplina, entre las que destacan Alfons Mucha (carteles publicitarios de chocolate), Edward Johnston (logotipo y tipografía del metro de Londres), El Lissitzky (creador del constructivismo), Herbert Matter (pósteres turísticos con fotomontaje de Suiza), Saul Bass (títulos de crédito animados) y A. M. Cassandre (pósteres art déco).Con su amplio conocimiento sobre el tema, el autor Jens Müller presenta los diseños más destacados de cada año junto a breves textos sobre hitos del diseño. Por su parte, en su ensayo introductorio David Jury revisa el diseño gráfico desde sus orígenes en la impresión, el grabado y la litografía tempranos hasta los notables desarrollos creativos del siglo XIX. Además, cada década va precedida, a modo de prólogo, por un breve resumen y una impresionante cronología visual que ofrecen una vívida perspectiva general de la variedad de la producción gráfica en ese período, así como el panorama global que, en su momento, describió y definió.Ahora que el siglo XX queda cada vez más lejano y reflexionamos sobre él, esta sorprendente recopilación recoge las bases de lo que influiría en una de las disciplinas creativas más rápidamente cambiantes y, a su vez, representa un reconocimiento tardío a la enorme contribución que el diseño gráfico ha hecho a causas sociales, políticas y económicas, las artes, los medios de comunicación y, en general, a nuestra forma de ver el mundo.Un segundo volumen, actualmente en preparación, examinará el periodo que va desde la década de 1960 hasta hoy.
Desde antiguo han existido principios para dar estructura y organizar una composición, en disciplinas tan diversas como la moda, la arquitectura o el diseño gráfico. Cuando hablamos de "diseño", solemos pensar en los objetos, las imágenes y la tipografía que un diseñador utiliza en una página, pero lo cierto es que todo lo que nos rodea responde a un diseño, que da estructura y sentido a los distintos elementos que lo componen.Este libro aborda los principios que sieven de guía para crear un diseño y se centra en el contexto en el que estos principios se formulan, a la vez que muestra cómo se aplican en diferentes disciplinas creativas. El último capítulo es un catálogo muy útil de las medidas de los principales formatos de papel, carteles, sobres, CD, carátulas para CD y DVD y todos los soportes sobre los que trabaja a diario un diseñador gráfico.
Features hundreds of designs from the Soviet era, compiled to create a unique and compelling view of life under Communist rule The first book of its kind to celebrate the largely underestimated creativity, innovation, and diversity of Soviet design Includes revealing commentary captions that demonstrate the thinking behind a state controlled system of design - as well as how the industry was influenced by the West A comprehensive introductory text discusses the socio-political context of design in the USSR Gives exclusive insight into the visual archive of the VNIITE organization - the All-Union Scientific Research Institute for Technical Aesthetics that oversaw a state-wide system of design.
Este libro presenta un método nuevo y fascinante para idear soluciones originales a problemas realmente difíciles. La creación de marcos de referencia es un método profundo y reflexivo para la innovación radical, desarrollado originalmente en la practica
Manteniendo la vocación de ciencia biomédica fundamental y su aplicación a las ciencias de la salud, Velázquez. Farmacología básica y clínica, 19a ed. es, desde hace más de 80 años, un libro de texto imprescindible de la farmacología humana en español. En las sucesivas ediciones de la obra se han ido incorporando las novedades farmacológicas y terapéuticas, fruto de las investigaciones relacionadas con la farmacología y ciencias afines, hasta llegar a la presente edición, de la que destacan las siguientes características: Nueva maquetación y diseño gráfico que dotan a la obra de un mayor atractivo visual, con nuevas ilustraciones, esquemas y resúmenes. Actualización y puesta al día de la farmacología básica, nuevas dianas farmacológicas y nuevos grupos de fármacos. Desarrollo de aspectos relacionados con farmacología clínica, farmacoeconomía, evaluación del uso del medicamento, seguridad, investigación y regulaciones internacionales sobre nuevos fármacos. Incorporación de nuevos capítulos sobre farmacología molecular, terapia génica y terapias avanzadas, fármacos biológicos y biosimilares y farmacología dermatológica y oftalmológica. Sitio web complementario que incluye un banco de preguntas de autoevaluación, así como la descripción y resolución de casos clínicos e información sobre accesos a bases de información sobre medicamentos. Velázquez. Farmacología básica y clínica, 19a ed. está dirigido a estudiantes de grado de disciplinas biomédicas y como libro de consulta, a profesionales de ciencias de la salud.
«El diseño en la publicidad» inspira ideas formidables al reunir en sus páginas los fundamentos de la buena publicidad, una visión certera del público y una explicación completa de los elementos estratégicos que sustentan las marcas. Esta nueva edición incorpora herramientas para concebir anuncios dirigidos a diferentes canales: medios impresos, móvil, televisión y redes sociales, y permite a los estudiantes y profesionales adquirir las destrezas necesarias para operar con confianza en el sofisticado ecosistema publicitario multicanal actual. El nuevo contenido explora los principales conceptos, estrategias y principios de diseño para campañas en diferentes medios, desde las redes sociales y las aplicaciones para móviles hasta las estrategias de pull marketing, así como la ciencia artística de generar contenido de marca creativo y auténtico. Ampliado con el testimonio de los mejores directores creativos y con una muestra de diferentes anuncios de éxito, «El diseño en la publicidad» es una obra imprescindible para estudiantes y formadores sobre conceptos publicitarios y estrategias de diseño, y también, una referencia sólida y útil para profesionales. Robin Landa es una eminente profesora en el Michael Graves College en la Kean University. Escritora galardonada, diseñadora y experta en branding, ha escrito más de veinte libros sobre publicidad, diseño y creatividad, entre ellos, el superventas «El diseño en la publicidad», ya en su quinta edición.
La imaginació s'activa quan ens fem preguntes impossibles: Què passaria si els melons tinguessin plomes o si els carters fossin cargols? En aquest llibre, ubicat dins del gènere nonsense, amb unes originals il·lustracions que resulten tan divertides i improbables com els textos, les paraules s'enreden amb el pensament per provocar un gran somriure. Una obra concebuda i il·lustrada per un dels mites vivents del disseny gràfic nord-americà. Milton Glasser creador del famós logo «I love NY» és un dissenyador, il·lustrador i intel·lectual que afirma que l'art serveix abans a l'ensenyament i el delit que a l'expressió de la subjectivitat i el món propi de l'autor. Objectiu que compleix amb escreix en aquest llibre ple d'absurdes associacions i desbaratats proverbis; el primer escrit en col·laboració amb la seva esposa Shirley, i publicat originàriament l'any 1960.
Desde los orígenes de la moda, prácticamente coincidentes con los orígenes del hombre, el figurín ha servido de base para representar gráficamente ideas y diseñar futuras prendas de vestir. El figurín debe ser elegante, práctico y versátil; combinar el estilo personal de su creador, con la pose adecuada para facilitar la interpretación de las prendas y las colecciones diseñadas. Aunque el figurín de moda ha sido utilizado durante siglos, sólo ahora alcanza su verdadero esplendor, el protagonismo que merece. A todo color y repleto de ejemplos, este libro es resultado de esta tendencia; se trata de la primera publicación dedicada por entero al figurín de moda, con las principales técnicas y estilos para el dibujo. En él se incorpora el novedoso figurín digital, creado con las últimas herramientas de diseño por ordenador, optimizado para su difusión y distribución a través de los medios digitales. Aquí podrá encontrar más de 250 figurines estilizados, realizados por destacados profesionales del diseño y la ilustración internacional, de moda mujer, hombre, niño, alta costura y novias. Incorpora también ejemplos y plantillas base, del denominado figurín técnico profesional optimizado para los tiempos de producción de la industria de la moda, pero en especial, para el diseño de moda por ordenador. En exclusiva, podrá contar con un capítulo Galería, con todos los diseños ganadores del Concurso Internacional de Ilustración de Moda y Figurines.
Una excepcional colección de las revistas dedicadas al diseño gráfico, la publicidad y la tipografía más influyentes. Más de un siglo de la historia del diseño de impresión: se traza el paso del diseño gráfico desde una posición secundaria, aunque necesaria para la industria de la impresión, hasta su transformación en una profesión creativa autónoma. Un centenar de revistas que constituyen un recurso de enorme valor para historiadores y estudiantes, y un rico filón de documentación e inspiración visual para diseñadores gráficos. Cada una de las revistas está profusamente ilustrada con una abundante selección de portadas y dobles páginas. También se incluye un texto descriptivo basado, en la medida de lo posible, en entrevistas a redactores, diseñadores y editores de cada revista, además de material bibliográfico documentado de un modo exhaustivo. Las revistas analizadas abordan una gran variedad de sectores y épocas, desde la publicidad (Das Plakat y Affiche) y la tipografía (Typografische Monatsblätter y Typographica) hasta el diseño modernista (Bradley, His Book) y vanguardista (Neue Grafik, ULM) o la creación gráfica posmoderna y contemporánea (Emigre e It's Nice That).
SUMARIO Actualidad Imágenes / Carteles / Diseño social / Music graphics / Publicidad Fondo & forma Graffiti en Bogotá / From K to J / Vignelli en el metro de Nueva York / Faux Q / Tipografía checa / Los patrones de Nervous System, Reddish, Demakersvan, Corina Rietveld e Inopdrachtvan / Dossier: una mirada a África Texto(s) Astrid Stavro: La forma del libro / Jeanne Quéheillar: Ettore Sotsass por siempre / Filip Blazek entrevista a Steven Heller: Propaganda totalitaria EDITORIAL'El váter de Zizek Es de sobra conocido el análisis que Slavoj Zizek hace de los modelos francés, alemán y anglosajón de diseño de inodoro y su afirmación de que ninguno de ellos puede explicarse en términos puramente utilitarios puesto que cada uno implica una actitud existencial distinta, una percepción ideológica determinada acerca de cómo el sujeto debe relacionarse con el mundo (y que a grandes rasgos viene a definir como 'minuciosidad reflexiva' en el caso alemán, 'precipitación revolucionaria' en el francés y 'pragmatismo utilitarista' en el inglés). Lo que Zizek demuestra es que no existe tal cosa como un diseño neutro ni neutral, sino que éste es un ejercicio preñado siempre de ideología y que guarda una vinculación profunda con su contexto cultural, lingüístico y sociopolítico. Los artículos de Filip Blazek en este número, sobre la historia de la tipografía checa y sobre la imaginería de los regímenes totalitarios; el reportaje de Étienne Mineur sobre el graffiti en Bogotá; y los artículos que se incluyen en nuestro dossier sobre África son materiales idóneos para reflexionar sobre esta relación, que es, además, performativa. Si bien el diseño está hundido hasta las rodillas en su contexto sociohistórico, o precisamente por ello, cuenta también con el poder de generar imágenes que supongan un desplazamiento de dicho contexto y elaboren nuevos discursos a partir de los imaginarios simbólicos heredados. El colectivo Excusado, autor de nuestra portada, se muestra activamente comprometido en ese juego de tensiones. Su trabajo apuesta por la elaboración de imágenes altamente saturadas, donde el choque de elementos permite que los discursos sean diversos a la hora de enfrentarse a la pieza. 'Digamos que aunque hay unas imágenes principales, lo que nos interesa no es un recorrido direccionado para el observador sino la posibilidad de diversas entradas a la misma', dicen. Esta apertura que permite al observador aproximaciones, miradas y lecturas distintas, es crucial en ese juego en el que el diseño nace de un contexto cultural al que a la vez va, históricamente, dando forma. Es una forma de autoría que constituye, en realidad, una exhortación a que el observador abandone su postura de consumidor pasivo -de engullidor de discursos- y se convierta en agente de su propia mirada y responsable de su propia lectura. Un ejercicio que le entrena en la comprensión crítica de los discursos de su propia cultura... de su propio inodoro.'
Esta cuarta entrega de la serie Diseño de logotipos recoge los últimos y más interesantes trabajos realizados en este sector, desarrollados tanto por diseñadores de renombre como por nuevos estudios de diseño y artistas interesados en las últimas tendencias. El libro ofrece una variada muestra de técnicas creativas a través de los ejemplos de logotipos, etiquetas y elementos de papelería corporativa, seleccionados entre más de 3.000 trabajos procedentes de diferentes países. Gracias a sus ilustraciones a color, tanto los profesionales del diseño como sus clientes encontrarán en esta obra una valiosa fuente de inspiración y de nuevas ideas. Christopher Simmons es diseñador, escritor y profesor. Su pasión por explorar la cada vez más compleja noción de identidad le ha llevado a impartir cursos sobre este tema en el California College of the Arts y en la Academy of Art University de San Francisco. Firme defensor de la fuerza del diseño, también da conferencias en escuelas, universidades y asociaciones profesionales, sobre temas como los modelos de trabajos en colaboración, el papel del lenguaje en el diseño gráfico, o la práctica profesional, sostenible y ética. Su primer libro, Logo Lab, se publicó en junio de 2005. Christopher Simmons es, además, presidente del American Institute of Graphic Arts (AIGA), en el apartado de San Francisco. En el año 2004, el autor fundó su propio estudio de diseño, MINE, con la filosofía de que el buen diseño es un buen negocio, y que hacer trabajos brillantes es mejor que hacer grandes trabajos.
Actualmente los materiales y los procesos que se eligen en el diseño de un proyecto impreso dependen en gran medida de los plazos y los presupuestos a los que este deba ajustarse. Debido a esto, la industria de la impresión se ha estandarizado extremadamente y, si bien han aparecido gran número de empresas capaces de ofrecer precios y plazos de entrega muy ajustados, la oferta de materiales, formatos y técnicas de fabricación y manipulación parece haberse limitado en la misma medida. Esta coyuntura no favorece la expansión creativa e incluso resulta sumamente restrictiva a la hora de materializar una idea. Materiales y procesos de impresión pretende familiarizar a los diseñadores con los distintos soportes y técnicas que es posible utilizar en la elaboración de cualquier proyecto en el que intervenga la impresión. Casi todos los materiales y métodos de fabricación que se describen aquí se han utilizado hasta ahora de un modo convencional, pero nunca se han analizado a fondo sus características y su aplicación en proyectos concretos. Además de dicho análisis, este libro incluye una selección de proyectos fundamentales cuya ejecución demuestra una especial maestría en la aplicación de estos conocimientos, lo que resultará de gran ayuda para la inspiración de los diseñadores.
SUMARIOActualidad Imágenes / Packaging / Diseño de exposición / Carteles / Diseño de producto / Publicidad... Fondo & formaIs/Is Not Magazine / Experimental Jetset y Le 104 / The Stool Pigeon / Gráfica mexicana / Archigram / Tipografía manuscrita / Diseñadores noveles Texto(s) Dimas García: Historia de la tipografía española (2) / Véronique Vienne: El diseño que viene / Emilie Brisavoine: Publicidad ¿Pacto con el diablo? / Thomas Blondeau: La dinámica del graffiti EDITORIAL'El diseño como territorio Este próximo otoño tendrán lugar dos acontecimientos que resultan de una elocuencia especial en lo que respecta a la coyuntura actual del campo efervescente y heterogéneo del diseño gráfico. A finales de septiembre se celebrará en Tijuana (México), por octavo año consecutivo, el congreso internacional Esquina Norte, y, a principios de octubre, Portbou (España) acogerá la edición inaugural de la Festa del Grafisme. La coincidencia pone en primer plano una serie de cuestiones sugestivas y en absoluto inocentes, puesto que conjuga algunos de los interrogantes más prometedores y de mayor vigencia sobre la condición, la materia y el objeto del diseño gráfico. Ambos encuentros comparten su ubicación en ciudades pequeñas, fronterizas y definitivamente periféricas del circuito habitual de las capitales de referencia del diseño reputado. A ambos los mueve la intención de servir como un conector que favorezca las redes de reflexión e intercambio orientadas a la creación de comunidad. El hecho de que entre ambos puntos disten cerca de 10.000 kilómetros no deja de ser igualmente elocuente. Nos habla de que la importancia que la demarcación geográfica, (política y física), ostenta en lo referente a la producción cultural está quedando definitivamente relegada, factor que está reconfigurando las formas de comunicación e interacción entre los diseñadores y entre estos y el público. El diseño está emergiendo como un territorio en sí mismo. Un territorio global de comunicación. Este desplazamiento ha dado lugar a uno de los momentos más ricos en el campo de la creatividad, pero trae consigo también algunos aspectos polémicos: el reconocimiento de las herencias y genealogías, la aceleración de los ritmos, la tensión entre la conservación y la reinvención de la identidad cultural local, y la tendencia uniformadora de un diseño mainstream. Cuestiones que deben ser abordadas por medio de una reflexión sosegada y colectiva que resulte permeable a las aportaciones de distintos campos, como la que proponen Esquina Norte y la Festa del Grafisme.'
New Signage Design reúne señales gráficas que cumplen las 3 cualidades imprescindibles en el diseño gráfico de este campo: funcionalidad, visión y estética..
Este libro recoge tres conversaciones entre el diseñador Milton Glaser y el editor Peter Mayer que fueron publicadas originalmente en inglés en tres libros distintos dedicados a la obra del diseñador. Tres momentos puntuales (1973, 2000 y 2008) a lo largo de un lapso de tiempo dilatado, en los que Glaser y Mayer reflexionan sobre toda una serie de cuestiones que tienen que ver con el diseño y el arte, como trabajo y como parte de la vida. Se habla de temas generales como el papel del diseño en su contexto social, el código deontológico (no escrito) del diseñador, de lo que constituye su dignidad, y de la relación entre creatividad y trabajo; se habla de la relación y la distancia entre diseño y arte y de la relación entre arte y vida, de la importancia o no de tener un estilo, de las relaciones con los clientes
Y se habla, por supuesto, de la obra de Glaser, de los trabajos más icónicos del diseñador, y de la centralidad del dibujo en su práctica y el profundo peso en sus referentes de pintores clásicos como Piero della Francesca. Un diálogo que enfrentará a cualquier diseñador, artista o creador con las mismas preguntas e inquietudes que le habrán asaltado una y otra vez a lo largo de su carrera y que ofrece las respuestas, siempre lúcidas, y la rica perspectiva de uno de los grandes maestros.
La historia es un tema complejo. Las fortunas prosperan y desaparecen, los imperios se levantan y caen, y los cambios ?ya sean sociales, políticos o tecnológicos? cuentan con sus ganadores, sus perdedores, sus defensores y sus detractores. A lo largo del turbulento paso del tiempo, el diseño gráfico, con su vívida y limpia síntesis de imagen e ideas, siempre ha transmitido el espíritu de cada era.Este libro ofrece una completa historia del diseño gráfico desde el fin del siglo XIX hasta el periodo posterior a la Segunda Guerra Mundial. Traza la evolución de esta disciplina creativa desde sus primeras manifestaciones en el diseño de carteles pasando por la publicidad, la identidad corporativa, el embalaje y el diseño editorial. Ordenado cronológicamente, el libro incluye más de 2500 diseños fundamentales de todo el mundo, 71 de los cuales van acompañados de información detallada. Además, ofrece reseñas sobre 61 figuras clave en la disciplina, entre las que destacan Alfons Mucha (carteles publicitarios de chocolate), Edward Johnston (logotipo y tipografía del metro de Londres), El Lissitzky (creador del constructivismo), Herbert Matter (pósteres turísticos con fotomontaje de Suiza), Saul Bass (títulos de crédito animados) y A. M. Cassandre (pósteres art déco).Con su amplio conocimiento sobre el tema, el autor Jens Müller presenta los diseños más destacados de cada año junto a breves textos sobre hitos del diseño. Por su parte, en su ensayo introductorio David Jury revisa el diseño gráfico desde sus orígenes en la impresión, el grabado y la litografía tempranos hasta los notables desarrollos creativos del siglo XIX. Además, cada década va precedida, a modo de prólogo, por un breve resumen y una impresionante cronología visual que ofrecen una vívida perspectiva general de la variedad de la producción gráfica en ese período, así como el panorama global que, en su momento, describió y definió.Ahora que el siglo XX queda cada vez más lejano y reflexionamos sobre él, esta sorprendente recopilación recoge las bases de lo que influiría en una de las disciplinas creativas más rápidamente cambiantes y, a su vez, representa un reconocimiento tardío a la enorme contribución que el diseño gráfico ha hecho a causas sociales, políticas y económicas, las artes, los medios de comunicación y, en general, a nuestra forma de ver el mundo.Un segundo volumen, actualmente en preparación, examinará el periodo que va desde la década de 1960 hasta hoy.
Desde antiguo han existido principios para dar estructura y organizar una composición, en disciplinas tan diversas como la moda, la arquitectura o el diseño gráfico. Cuando hablamos de "diseño", solemos pensar en los objetos, las imágenes y la tipografía que un diseñador utiliza en una página, pero lo cierto es que todo lo que nos rodea responde a un diseño, que da estructura y sentido a los distintos elementos que lo componen.Este libro aborda los principios que sieven de guía para crear un diseño y se centra en el contexto en el que estos principios se formulan, a la vez que muestra cómo se aplican en diferentes disciplinas creativas. El último capítulo es un catálogo muy útil de las medidas de los principales formatos de papel, carteles, sobres, CD, carátulas para CD y DVD y todos los soportes sobre los que trabaja a diario un diseñador gráfico.
Features hundreds of designs from the Soviet era, compiled to create a unique and compelling view of life under Communist rule The first book of its kind to celebrate the largely underestimated creativity, innovation, and diversity of Soviet design Includes revealing commentary captions that demonstrate the thinking behind a state controlled system of design - as well as how the industry was influenced by the West A comprehensive introductory text discusses the socio-political context of design in the USSR Gives exclusive insight into the visual archive of the VNIITE organization - the All-Union Scientific Research Institute for Technical Aesthetics that oversaw a state-wide system of design.
Este libro presenta un método nuevo y fascinante para idear soluciones originales a problemas realmente difíciles. La creación de marcos de referencia es un método profundo y reflexivo para la innovación radical, desarrollado originalmente en la practica
Manteniendo la vocación de ciencia biomédica fundamental y su aplicación a las ciencias de la salud, Velázquez. Farmacología básica y clínica, 19a ed. es, desde hace más de 80 años, un libro de texto imprescindible de la farmacología humana en español. En las sucesivas ediciones de la obra se han ido incorporando las novedades farmacológicas y terapéuticas, fruto de las investigaciones relacionadas con la farmacología y ciencias afines, hasta llegar a la presente edición, de la que destacan las siguientes características: Nueva maquetación y diseño gráfico que dotan a la obra de un mayor atractivo visual, con nuevas ilustraciones, esquemas y resúmenes. Actualización y puesta al día de la farmacología básica, nuevas dianas farmacológicas y nuevos grupos de fármacos. Desarrollo de aspectos relacionados con farmacología clínica, farmacoeconomía, evaluación del uso del medicamento, seguridad, investigación y regulaciones internacionales sobre nuevos fármacos. Incorporación de nuevos capítulos sobre farmacología molecular, terapia génica y terapias avanzadas, fármacos biológicos y biosimilares y farmacología dermatológica y oftalmológica. Sitio web complementario que incluye un banco de preguntas de autoevaluación, así como la descripción y resolución de casos clínicos e información sobre accesos a bases de información sobre medicamentos. Velázquez. Farmacología básica y clínica, 19a ed. está dirigido a estudiantes de grado de disciplinas biomédicas y como libro de consulta, a profesionales de ciencias de la salud.
«El diseño en la publicidad» inspira ideas formidables al reunir en sus páginas los fundamentos de la buena publicidad, una visión certera del público y una explicación completa de los elementos estratégicos que sustentan las marcas. Esta nueva edición incorpora herramientas para concebir anuncios dirigidos a diferentes canales: medios impresos, móvil, televisión y redes sociales, y permite a los estudiantes y profesionales adquirir las destrezas necesarias para operar con confianza en el sofisticado ecosistema publicitario multicanal actual. El nuevo contenido explora los principales conceptos, estrategias y principios de diseño para campañas en diferentes medios, desde las redes sociales y las aplicaciones para móviles hasta las estrategias de pull marketing, así como la ciencia artística de generar contenido de marca creativo y auténtico. Ampliado con el testimonio de los mejores directores creativos y con una muestra de diferentes anuncios de éxito, «El diseño en la publicidad» es una obra imprescindible para estudiantes y formadores sobre conceptos publicitarios y estrategias de diseño, y también, una referencia sólida y útil para profesionales. Robin Landa es una eminente profesora en el Michael Graves College en la Kean University. Escritora galardonada, diseñadora y experta en branding, ha escrito más de veinte libros sobre publicidad, diseño y creatividad, entre ellos, el superventas «El diseño en la publicidad», ya en su quinta edición.
La imaginació s'activa quan ens fem preguntes impossibles: Què passaria si els melons tinguessin plomes o si els carters fossin cargols? En aquest llibre, ubicat dins del gènere nonsense, amb unes originals il·lustracions que resulten tan divertides i improbables com els textos, les paraules s'enreden amb el pensament per provocar un gran somriure. Una obra concebuda i il·lustrada per un dels mites vivents del disseny gràfic nord-americà. Milton Glasser creador del famós logo «I love NY» és un dissenyador, il·lustrador i intel·lectual que afirma que l'art serveix abans a l'ensenyament i el delit que a l'expressió de la subjectivitat i el món propi de l'autor. Objectiu que compleix amb escreix en aquest llibre ple d'absurdes associacions i desbaratats proverbis; el primer escrit en col·laboració amb la seva esposa Shirley, i publicat originàriament l'any 1960.
Desde los orígenes de la moda, prácticamente coincidentes con los orígenes del hombre, el figurín ha servido de base para representar gráficamente ideas y diseñar futuras prendas de vestir. El figurín debe ser elegante, práctico y versátil; combinar el estilo personal de su creador, con la pose adecuada para facilitar la interpretación de las prendas y las colecciones diseñadas. Aunque el figurín de moda ha sido utilizado durante siglos, sólo ahora alcanza su verdadero esplendor, el protagonismo que merece. A todo color y repleto de ejemplos, este libro es resultado de esta tendencia; se trata de la primera publicación dedicada por entero al figurín de moda, con las principales técnicas y estilos para el dibujo. En él se incorpora el novedoso figurín digital, creado con las últimas herramientas de diseño por ordenador, optimizado para su difusión y distribución a través de los medios digitales. Aquí podrá encontrar más de 250 figurines estilizados, realizados por destacados profesionales del diseño y la ilustración internacional, de moda mujer, hombre, niño, alta costura y novias. Incorpora también ejemplos y plantillas base, del denominado figurín técnico profesional optimizado para los tiempos de producción de la industria de la moda, pero en especial, para el diseño de moda por ordenador. En exclusiva, podrá contar con un capítulo Galería, con todos los diseños ganadores del Concurso Internacional de Ilustración de Moda y Figurines.
Una excepcional colección de las revistas dedicadas al diseño gráfico, la publicidad y la tipografía más influyentes. Más de un siglo de la historia del diseño de impresión: se traza el paso del diseño gráfico desde una posición secundaria, aunque necesaria para la industria de la impresión, hasta su transformación en una profesión creativa autónoma. Un centenar de revistas que constituyen un recurso de enorme valor para historiadores y estudiantes, y un rico filón de documentación e inspiración visual para diseñadores gráficos. Cada una de las revistas está profusamente ilustrada con una abundante selección de portadas y dobles páginas. También se incluye un texto descriptivo basado, en la medida de lo posible, en entrevistas a redactores, diseñadores y editores de cada revista, además de material bibliográfico documentado de un modo exhaustivo. Las revistas analizadas abordan una gran variedad de sectores y épocas, desde la publicidad (Das Plakat y Affiche) y la tipografía (Typografische Monatsblätter y Typographica) hasta el diseño modernista (Bradley, His Book) y vanguardista (Neue Grafik, ULM) o la creación gráfica posmoderna y contemporánea (Emigre e It's Nice That). 
SUMARIO Actualidad Imágenes / Carteles / Diseño social / Music graphics / Publicidad Fondo & forma Graffiti en Bogotá / From K to J / Vignelli en el metro de Nueva York / Faux Q / Tipografía checa / Los patrones de Nervous System, Reddish, Demakersvan, Corina Rietveld e Inopdrachtvan / Dossier: una mirada a África Texto(s) Astrid Stavro: La forma del libro / Jeanne Quéheillar: Ettore Sotsass por siempre / Filip Blazek entrevista a Steven Heller: Propaganda totalitaria EDITORIAL'El váter de Zizek Es de sobra conocido el análisis que Slavoj Zizek hace de los modelos francés, alemán y anglosajón de diseño de inodoro y su afirmación de que ninguno de ellos puede explicarse en términos puramente utilitarios puesto que cada uno implica una actitud existencial distinta, una percepción ideológica determinada acerca de cómo el sujeto debe relacionarse con el mundo (y que a grandes rasgos viene a definir como 'minuciosidad reflexiva' en el caso alemán, 'precipitación revolucionaria' en el francés y 'pragmatismo utilitarista' en el inglés). Lo que Zizek demuestra es que no existe tal cosa como un diseño neutro ni neutral, sino que éste es un ejercicio preñado siempre de ideología y que guarda una vinculación profunda con su contexto cultural, lingüístico y sociopolítico. Los artículos de Filip Blazek en este número, sobre la historia de la tipografía checa y sobre la imaginería de los regímenes totalitarios; el reportaje de Étienne Mineur sobre el graffiti en Bogotá; y los artículos que se incluyen en nuestro dossier sobre África son materiales idóneos para reflexionar sobre esta relación, que es, además, performativa. Si bien el diseño está hundido hasta las rodillas en su contexto sociohistórico, o precisamente por ello, cuenta también con el poder de generar imágenes que supongan un desplazamiento de dicho contexto y elaboren nuevos discursos a partir de los imaginarios simbólicos heredados. El colectivo Excusado, autor de nuestra portada, se muestra activamente comprometido en ese juego de tensiones. Su trabajo apuesta por la elaboración de imágenes altamente saturadas, donde el choque de elementos permite que los discursos sean diversos a la hora de enfrentarse a la pieza. 'Digamos que aunque hay unas imágenes principales, lo que nos interesa no es un recorrido direccionado para el observador sino la posibilidad de diversas entradas a la misma', dicen. Esta apertura que permite al observador aproximaciones, miradas y lecturas distintas, es crucial en ese juego en el que el diseño nace de un contexto cultural al que a la vez va, históricamente, dando forma. Es una forma de autoría que constituye, en realidad, una exhortación a que el observador abandone su postura de consumidor pasivo -de engullidor de discursos- y se convierta en agente de su propia mirada y responsable de su propia lectura. Un ejercicio que le entrena en la comprensión crítica de los discursos de su propia cultura... de su propio inodoro.'
Esta cuarta entrega de la serie Diseño de logotipos recoge los últimos y más interesantes trabajos realizados en este sector, desarrollados tanto por diseñadores de renombre como por nuevos estudios de diseño y artistas interesados en las últimas tendencias. El libro ofrece una variada muestra de técnicas creativas a través de los ejemplos de logotipos, etiquetas y elementos de papelería corporativa, seleccionados entre más de 3.000 trabajos procedentes de diferentes países. Gracias a sus ilustraciones a color, tanto los profesionales del diseño como sus clientes encontrarán en esta obra una valiosa fuente de inspiración y de nuevas ideas. Christopher Simmons es diseñador, escritor y profesor. Su pasión por explorar la cada vez más compleja noción de identidad le ha llevado a impartir cursos sobre este tema en el California College of the Arts y en la Academy of Art University de San Francisco. Firme defensor de la fuerza del diseño, también da conferencias en escuelas, universidades y asociaciones profesionales, sobre temas como los modelos de trabajos en colaboración, el papel del lenguaje en el diseño gráfico, o la práctica profesional, sostenible y ética. Su primer libro, Logo Lab, se publicó en junio de 2005. Christopher Simmons es, además, presidente del American Institute of Graphic Arts (AIGA), en el apartado de San Francisco. En el año 2004, el autor fundó su propio estudio de diseño, MINE, con la filosofía de que el buen diseño es un buen negocio, y que hacer trabajos brillantes es mejor que hacer grandes trabajos.
Actualmente los materiales y los procesos que se eligen en el diseño de un proyecto impreso dependen en gran medida de los plazos y los presupuestos a los que este deba ajustarse. Debido a esto, la industria de la impresión se ha estandarizado extremadamente y, si bien han aparecido gran número de empresas capaces de ofrecer precios y plazos de entrega muy ajustados, la oferta de materiales, formatos y técnicas de fabricación y manipulación parece haberse limitado en la misma medida. Esta coyuntura no favorece la expansión creativa e incluso resulta sumamente restrictiva a la hora de materializar una idea. Materiales y procesos de impresión pretende familiarizar a los diseñadores con los distintos soportes y técnicas que es posible utilizar en la elaboración de cualquier proyecto en el que intervenga la impresión. Casi todos los materiales y métodos de fabricación que se describen aquí se han utilizado hasta ahora de un modo convencional, pero nunca se han analizado a fondo sus características y su aplicación en proyectos concretos. Además de dicho análisis, este libro incluye una selección de proyectos fundamentales cuya ejecución demuestra una especial maestría en la aplicación de estos conocimientos, lo que resultará de gran ayuda para la inspiración de los diseñadores.
SUMARIOActualidad Imágenes / Packaging / Diseño de exposición / Carteles / Diseño de producto / Publicidad... Fondo & formaIs/Is Not Magazine / Experimental Jetset y Le 104 / The Stool Pigeon / Gráfica mexicana / Archigram / Tipografía manuscrita / Diseñadores noveles Texto(s) Dimas García: Historia de la tipografía española (2) / Véronique Vienne: El diseño que viene / Emilie Brisavoine: Publicidad ¿Pacto con el diablo? / Thomas Blondeau: La dinámica del graffiti EDITORIAL'El diseño como territorio Este próximo otoño tendrán lugar dos acontecimientos que resultan de una elocuencia especial en lo que respecta a la coyuntura actual del campo efervescente y heterogéneo del diseño gráfico. A finales de septiembre se celebrará en Tijuana (México), por octavo año consecutivo, el congreso internacional Esquina Norte, y, a principios de octubre, Portbou (España) acogerá la edición inaugural de la Festa del Grafisme. La coincidencia pone en primer plano una serie de cuestiones sugestivas y en absoluto inocentes, puesto que conjuga algunos de los interrogantes más prometedores y de mayor vigencia sobre la condición, la materia y el objeto del diseño gráfico. Ambos encuentros comparten su ubicación en ciudades pequeñas, fronterizas y definitivamente periféricas del circuito habitual de las capitales de referencia del diseño reputado. A ambos los mueve la intención de servir como un conector que favorezca las redes de reflexión e intercambio orientadas a la creación de comunidad. El hecho de que entre ambos puntos disten cerca de 10.000 kilómetros no deja de ser igualmente elocuente. Nos habla de que la importancia que la demarcación geográfica, (política y física), ostenta en lo referente a la producción cultural está quedando definitivamente relegada, factor que está reconfigurando las formas de comunicación e interacción entre los diseñadores y entre estos y el público. El diseño está emergiendo como un territorio en sí mismo. Un territorio global de comunicación. Este desplazamiento ha dado lugar a uno de los momentos más ricos en el campo de la creatividad, pero trae consigo también algunos aspectos polémicos: el reconocimiento de las herencias y genealogías, la aceleración de los ritmos, la tensión entre la conservación y la reinvención de la identidad cultural local, y la tendencia uniformadora de un diseño mainstream. Cuestiones que deben ser abordadas por medio de una reflexión sosegada y colectiva que resulte permeable a las aportaciones de distintos campos, como la que proponen Esquina Norte y la Festa del Grafisme.'
New Signage Design reúne señales gráficas que cumplen las 3 cualidades imprescindibles en el diseño gráfico de este campo: funcionalidad, visión y estética..