Hay muy pocos libros editados sobre dibujo astronómico y todos están en inglés. Este es el primero elaborado en lengua castellana. El lector interesado en estos temas tiene en sus manos un libro muy completo y lleno de contenido actualizado. Con este libro podrá orientar sus pasos en la Astronomía. Sus páginas descubren las claves para una óptima observación visual y propone principalmente al dibujo astronómico como herramienta fundamental para aprender a observar. Además de contenidos útiles para el observador, el libro está organizado para ofrecer una experiencia completa y accesible a todos los niveles. Incorpora como novedad un repaso a la historia reciente del dibujo astronómico y expone numerosos consejos prácticos necesarios a pie de telescopio. Ofrece de manera estructurada todas las técnicas, estilos y materiales más utilizados para después describir paso a paso los diferentes tipos de dibujos astronómicos. Leonor Ana Hernández (Alcalá de Henares 1974). Astrónoma amateur con más de veinte años de experiencia en divulgación, observación visual y dibujo astronómico. Enamorada del cielo desde niña, estuvo muy influenciada por Carl Sagan. Ingresó en el grupo de astronomía de su ciudad en 1989 y estuvo hasta el 2006, tras siete años como presidenta. Es autora del blog de dibujo astronómico Alma de La Noche y redactora de la revista Astronomía desde 2010, con varias secciones y colaboraciones. Ha participado en diversas emisoras de radio y es miembro del equipo de Discosmos España. Imparte conferencias, cursos de iniciación a la Astronomía y Astrofotografía, talleres de dibujo astronómico y observación lunar para el gran público, así como para colegios y profesorado. Apasionada de los eclipses totales de Sol ha viajado a Hungría (1999), Turquía (2006) y China (2009). También realiza viajes astronómicos para visitar observatorios por todo el mundo. Participa en numerosos eventos de recogida de datos para uso científico en el Observatorio Astronómico de La Hita. Es coautora de artículos científicos. Fue profesora del I Curso Internacional de Posgrado en Imagen Científica de la Universidad de Alcalá (UAH). Actualmente es la responsable del área de formación y divulgación de la Fundación AstroHita, donde además participa activamente en los desarrollos de construcción de instrumental y mantenimiento del observatorio astronómico. DIRIGIDO A: - Astrónomos - Profesionales del sector - Científicos
Este libro ofrece una guía visual y muy detallada sobre el proceso de producción gráfica. En él, su autora analiza los aspectos que hay que tener en cuenta en cadauna de las fases de la creación de un diseño para un medio impreso. Se presenta un exhaustivo recorrido por las características de los sistemas de preimpresión, impresión y postimpresión para conocer los límites y las posibilidades creativas de la producción impresa hasta llegar a la dicotomía actual: el papel frente a lo digital. En este punto se plantea la influencia mutua y ya no disociable entre publicaión impresa y publicación digital. Se trata de una guía muy práctica para el diseñador y a su vez sugiere una reflexió sobre la actual convivencia entre lo analógico y lo digitat. Con este libro aprenderás sobre: producción gráfica; artes gráficas; guía; manual; proceso impreso; imprenta; preimpresión; impresión; postimpresión; documentos; sistemas de impresión; encuadernación; acabados; publicación impresa; publicación digital
Barcelona es un referente cultural, con un gran potencial en creatividad e innovación, con personalidad propia y un elevado valor en cultura gráfica. En BCNSLCTD (Barcelona Selected), hemos reunido una selección de los mejores estudios y diseños, vinculados a esta ciudad, capital del diseño en el panorama actual, recogiendo una gran variedad de proyectos de Branding, Identidad Visual, Packaging y Tipografía.
El diseño es una plataforma extraordinaria de mejora, al servicio de la empresa - y, por extensión, de la sociedad - que se ha convertido ya en un requisito de entrada a muchos mercados.. . . Esta obra se dirige a aquellas organizaciones que todavía tiene
Esta nueva edición de Vida, totalmente renovada, sigue destacando no sólo los conocimientos de la biología, sino también cómo se alcanzaron; incorpora además nuevos e interesantes descubrimientos, mantiene un diseño gráfico caracterizado po
Bases del Diseño Gráfico: Investigación en el diseño es una guía práctica e inspiradora que enseña a desarrollar las mejores soluciones posibles para cada proyecto. Este libro proporciona un entendimiento de los distintos tipos de investigación para producir soluciones informadas, dirigidas e innovadoras, que resulten atractivas tanto al público como al cliente. Esta colección quiere proporcionar a los estudiantes y profesionales de las artes visuales un análisis teórico y práctico de los aspectos fundamentales del diseño gráfico. Sus páginas, repletas de ejemplos del trabajo de profesionales y también de estudiantes destacados, muestran claros esquemas e imágenes inspiradoras, que ofrecen al lector una visión panorámica de esta disciplina.
Branding & Spaces nos muestra una selección de diferentes espacios, donde el branding y el diseño interior, refuerzan el carácter de una marca. Con la suma de estas dos disciplinas, se busca conectar más aún con el público objetivo y comunicar mejor la idea de marca, dándole un registro cualitativo. Signos de identidad, establecen una semejanza perceptiva entre la imagen y lo que representa, consiguiendo un espacio interrelacionado, donde la Imagen Corporativa adquiere una importancia fundamental, creando valor. La implantación de una marca dentro de un espacio interior se convierte en un juego de percepciones, con un poder de comunicación muy potente, insertando en la memoria, una visual más sólida del concepto de la marca. El interiorismo, se suma, buscando su propio estilo, creando personalidad y vida, generando un todo.
El diseño, que cumple un papel fundamental en las formas de comunicación modernas, se ha visto revolucionado por el proceso de digitalización que ha atravesado el sector de la comunicación. La digitalización de audio, vídeo, texto e imagen ha elevado el nivel de interactividad mediática y permite a los profesionales colaborar en un amplio campo de actividades, lo que ha supuesto un cambio radical en los métodos de trabajo del diseñador que ha tenido que familiarizarse con una amplia gama de procesos de producción. Se le exige ahora no sólo que muestre visión y creatividad, sino que domine toda una serie de nuevas habilidades. A través de la presentación de conceptos y metodologías del diseño esenciales, el Manual de diseño gráfico digital examina los principios que apuntalan un diseño gráfico bueno y eficaz y explora los distintos ámbitos del diseño gráfico (impresión, packaging, señalización, publicidad, diseño de exposiciones y diseño web). Este libro se acerca a los diversos contextos de la comunicación visual y el diseño gráfico e incluye abundantes recursos de interés para el diseñador que resultan, no únicamente informativos, sino enormemente inspiradores.
El diseño se ha convertido en materia académica de rango universitario y la exigencia de profundidad y rigor en su investigación es cada vez más elevada. Pero la bibliografía en español aún es escasa y, por otro lado, las investigaciones actuales tienden a centrarse en el estudio del público y de los consumidores, con lo que el diseño puede llegar a parecer una simple emanación de la cultura de masas alejada de cualquier contenido ético o moral. Estas narraciones resultan poco estimulantes para los alumnos, a quienes no interesa tanto conocer los grandes éxitos de cada época, sino cómo se resolvían problemas de proyecto similares a los que a ellos se les plantean. Al igual que la mayoría de diseñadores, sus preguntas tienen que ver con el laborioso proceso según el cual las ideas se convierten en materia. Esta obra se divide en dos volúmenes. El presente, El diseño de producto en sus orígenes, es el primero de ellos y abarca el periodo que transcurre entre la segunda mitad del siglo XVIII y 1914, fecha del inicio de la Primera Guerra Mundial, y se acompaña de un extenso apéndice dirigido específicamente a los profesores y a quienes deseen desarrollar su profesión como historiadores del diseño.
'Una tipografía debe estar diseñada de tal manera que nadie repare en ella.' Tras la aparente simplicidad de esta afirmación de Adrian Frutiger se esconden varios decenios dedicados al diseño de tipografías y al estudio de la forma en que los seres humanos interactúan con ellas. Frutiger se niega a concebir la tipografía como un fin en sí mismo, apuesta por subordinar el diseño a su finalidad práctica de servicio a las personas y defiende que el máximo logro al que puede aspirar el diseñador de tipos es que su tipografía pase desapercibida en su lectura. La tipografía debe estar adaptada a su contexto: 'Las líneas grises de la página de un libro se leen de distinta manera que las letras de una señalización. Hay una enorme diferencia entre leer tranquilamente sentado en el sillón y esperar estresado a embarcar en un avión. En cualquiera de estas situaciones el lector debe sentirse cómodo. Desde ese convencimiento Frutiger exhorta a los jóvenes diseñadores a no dejarse guiar sólo por la creatividad o las modas, sino también por las circunstancias, es decir, por la finalidad de la tipografía y por el entorno en que ésta ha de figurar. La larga experiencia de Adrian Frutiger se convierte en estas páginas en un material de incalculable valor tanto para los diseñadores como para los profanos que se acercan con curiosidad a este tema.
La séptima edición de Introducción al Cuerpo Humano se divide, igual que las ediciones anteriores, en 24 capítulos. Enfoca el estudio del cuerpo humano por sistemas y aparatos, comienza con el sistema tegumentario en el capítulo 5. Respetando las sugerencias realizadas por profesores y estudiantes con respecto a la dificultad para enseñar y aprender tanto material en un corto período de tiempo, esta edición es más resumida, sin sacrificar el contenido y manteniendo el material completo. En cada capítulo se perfeccionaron tanto el texto como el diseño. Secciones diseñadas para el estudiante: La sección ''¿Sabías que?'' en la primera página de cada capítulo le permitirá relacionar el contenido del capítulo que comienza con temas presentes en su vida cotidiana. En el apartado ''Antes de continuar repase'' encontrará algunos conceptos con sus respectivas numeraciones de páginas que le ayudarán a aprender mejor el contenido del capítulo que está estudiando. Objetivos que figuran al comienzo de cada sección. Preguntas de revisión al final de cada sección. Las figuras de este libro, que incluyen diseño gráfico y fotografías, son tan importantes como el texto. Comenzar leyendo el epígrafe de la figura, que explica de qué se trata la misma. A continuación, lea el concepto marcado con el icono con forma de llave, que revela la idea básica expresada en la figura. En algunas figuras también encontrará un diagrama de orientación que le permitirá entender la perspectiva desde la cual está apreciando una pieza anatómica en particular. Por último al final de cada figura aparecerá una pregunta y al final de cada capítulo encontrará las respuestas a las preguntas de las figuras. Otros recursos útiles que hallará al final de cada capítulo son las Guías de estudio, que consiste en un resumen breve de los temas más importantes analizados en cada capítulo. Los números de páginas se mencionan a continuación de cada tema para que usted pueda encontrar los pasajes específicos en el texto y así ampliar o esclarecer el contenido del mismo. Las Preguntas de autoevaluación son un test objetivo diseñado para ayudarlo a evaluar lo que ha comprendido del capítulo. Una vez que haya completado estos ejercicios, puede comprobar su rendimiento analizando las respuestas que figuran al final del libro. Las Preguntas de razonamiento son ejercicios en forma de problemas que le permitirán aplicar a distintas situaciones los conceptos estudiados en el capítulo. Este tipo de preguntas intenta inducir un mecanismo de razonamiento, por lo que no tienen una sola respuesta correcta. Sin embargo, usted puede comprobar si se halla en el camino correcto comparando sus respuestas con las sugeridas por el libro.
Bruno Munari (Milán, 1907?1998) fue diseñador, poeta, escultor, pedagogo y autor de libros infantiles y ensayos. Vinculado al movimiento futurista desde 1927, desarrolló su actividad en los campos diversos del grafismo, el diseño industrial, la experimen
Ya sea para honrar a los dioses o a los muertos, destacar el prestigio, celebrar un nacimiento, una unión, seducir, dibujar, pintar o escribir, el color siempre acude a la cita. Para conseguir los tonos con los que soñaban, los hombres han sabido descubrir pigmentos y tintes a menudo escondidos en vegetales, minerales, moluscos, hongos o insectos; y han llegado a imaginar técnicas complicadas o peligrosas para acceder a rojos intensos, amarillos luminosos, o a los más bellos azules. Este libro cuenta la historia de los colores, desde el descubrimiento de los pigmentos y tintes hasta su modo de aplicación, pero también las costumbres y los gestos que, desde los papúes a los inuit, de la China de Confucio a la Europa medieval, acompañan a esos materiales en rituales y ceremonias. Los múltiples caminos trazados por los hombres y las mujeres en su búsqueda del color ofrecen numerosas sorpresas y, a menudo, nos dejan maravillados.
Este libro es un análisis de la naturaleza del diseño realizado a la luz de la nueva 'economía de la experiencia' o la 'experiencia de consumo', un fenómeno reciente por el que los consumidores ya no adquieren los productos únicamente como útiles sino también como herramientas para construir su imagen e identidad. Mike Press y Rachel Cooper inciden sobre esta nueva era y analizan el papel que los diseñadores y el diseño deben jugar como creadores de experiencias humanas, no sólo como productores de objetos y servicios. A través de los seis capítulos en que se organiza el libro, los autores abordan los contextos, las prácticas y los cometidos donde se desenvuelve la profesión del diseño -la cultura de consumo, la industria y el sector empresarial, la experiencia, la investigación, la comunicación, y los perfiles profesionales-, e identifican y explican un gran número de cuestiones fundamentales con las que se topa el diseñador a la hora de trabajar, como pueden ser, entre muchas otras, la experiencia de marca, la gestión de proyectos, el investigar para minimizar riesgos, o los atributos del profesional del diseño. Además de los numerosos cuadros, tablas y figuras que acompañan al texto, el volumen está completado por un glosario de términos relacionados con la práctica profesional del diseño y por una extensa bibliografía.El diseño como experiencia proporciona al estudiante y al joven profesional una introducción doctrinal directa, tremendamente reveladora y repleta de ejemplos reales con las claves para desenvolverse en el sector del diseño en el marco de la nueva economía de la experiencia. Pero también el estudiante de sociología, empresariales, estudios culturales y, en general, todos aquellos a los que les interesa conocer la función del diseño en la transformación del entorno cultural y económico encontrarán en este libro un análisis directo y clarificador.
Hay muy pocos libros editados sobre dibujo astronómico y todos están en inglés. Este es el primero elaborado en lengua castellana. El lector interesado en estos temas tiene en sus manos un libro muy completo y lleno de contenido actualizado. Con este libro podrá orientar sus pasos en la Astronomía. Sus páginas descubren las claves para una óptima observación visual y propone principalmente al dibujo astronómico como herramienta fundamental para aprender a observar. Además de contenidos útiles para el observador, el libro está organizado para ofrecer una experiencia completa y accesible a todos los niveles. Incorpora como novedad un repaso a la historia reciente del dibujo astronómico y expone numerosos consejos prácticos necesarios a pie de telescopio. Ofrece de manera estructurada todas las técnicas, estilos y materiales más utilizados para después describir paso a paso los diferentes tipos de dibujos astronómicos. Leonor Ana Hernández (Alcalá de Henares 1974). Astrónoma amateur con más de veinte años de experiencia en divulgación, observación visual y dibujo astronómico. Enamorada del cielo desde niña, estuvo muy influenciada por Carl Sagan. Ingresó en el grupo de astronomía de su ciudad en 1989 y estuvo hasta el 2006, tras siete años como presidenta. Es autora del blog de dibujo astronómico Alma de La Noche y redactora de la revista Astronomía desde 2010, con varias secciones y colaboraciones. Ha participado en diversas emisoras de radio y es miembro del equipo de Discosmos España. Imparte conferencias, cursos de iniciación a la Astronomía y Astrofotografía, talleres de dibujo astronómico y observación lunar para el gran público, así como para colegios y profesorado. Apasionada de los eclipses totales de Sol ha viajado a Hungría (1999), Turquía (2006) y China (2009). También realiza viajes astronómicos para visitar observatorios por todo el mundo. Participa en numerosos eventos de recogida de datos para uso científico en el Observatorio Astronómico de La Hita. Es coautora de artículos científicos. Fue profesora del I Curso Internacional de Posgrado en Imagen Científica de la Universidad de Alcalá (UAH). Actualmente es la responsable del área de formación y divulgación de la Fundación AstroHita, donde además participa activamente en los desarrollos de construcción de instrumental y mantenimiento del observatorio astronómico. DIRIGIDO A: - Astrónomos - Profesionales del sector - Científicos
Este libro ofrece una guía visual y muy detallada sobre el proceso de producción gráfica. En él, su autora analiza los aspectos que hay que tener en cuenta en cadauna de las fases de la creación de un diseño para un medio impreso. Se presenta un exhaustivo recorrido por las características de los sistemas de preimpresión, impresión y postimpresión para conocer los límites y las posibilidades creativas de la producción impresa hasta llegar a la dicotomía actual: el papel frente a lo digital. En este punto se plantea la influencia mutua y ya no disociable entre publicaión impresa y publicación digital. Se trata de una guía muy práctica para el diseñador y a su vez sugiere una reflexió sobre la actual convivencia entre lo analógico y lo digitat. Con este libro aprenderás sobre: producción gráfica; artes gráficas; guía; manual; proceso impreso; imprenta; preimpresión; impresión; postimpresión; documentos; sistemas de impresión; encuadernación; acabados; publicación impresa; publicación digital
Barcelona es un referente cultural, con un gran potencial en creatividad e innovación, con personalidad propia y un elevado valor en cultura gráfica. En BCNSLCTD (Barcelona Selected), hemos reunido una selección de los mejores estudios y diseños, vinculados a esta ciudad, capital del diseño en el panorama actual, recogiendo una gran variedad de proyectos de Branding, Identidad Visual, Packaging y Tipografía.
El diseño es una plataforma extraordinaria de mejora, al servicio de la empresa - y, por extensión, de la sociedad - que se ha convertido ya en un requisito de entrada a muchos mercados.. . . Esta obra se dirige a aquellas organizaciones que todavía tiene
Esta nueva edición de Vida, totalmente renovada, sigue destacando no sólo los conocimientos de la biología, sino también cómo se alcanzaron; incorpora además nuevos e interesantes descubrimientos, mantiene un diseño gráfico caracterizado po
Bases del Diseño Gráfico: Investigación en el diseño es una guía práctica e inspiradora que enseña a desarrollar las mejores soluciones posibles para cada proyecto. Este libro proporciona un entendimiento de los distintos tipos de investigación para producir soluciones informadas, dirigidas e innovadoras, que resulten atractivas tanto al público como al cliente. Esta colección quiere proporcionar a los estudiantes y profesionales de las artes visuales un análisis teórico y práctico de los aspectos fundamentales del diseño gráfico. Sus páginas, repletas de ejemplos del trabajo de profesionales y también de estudiantes destacados, muestran claros esquemas e imágenes inspiradoras, que ofrecen al lector una visión panorámica de esta disciplina.
Branding & Spaces nos muestra una selección de diferentes espacios, donde el branding y el diseño interior, refuerzan el carácter de una marca. Con la suma de estas dos disciplinas, se busca conectar más aún con el público objetivo y comunicar mejor la idea de marca, dándole un registro cualitativo. Signos de identidad, establecen una semejanza perceptiva entre la imagen y lo que representa, consiguiendo un espacio interrelacionado, donde la Imagen Corporativa adquiere una importancia fundamental, creando valor. La implantación de una marca dentro de un espacio interior se convierte en un juego de percepciones, con un poder de comunicación muy potente, insertando en la memoria, una visual más sólida del concepto de la marca. El interiorismo, se suma, buscando su propio estilo, creando personalidad y vida, generando un todo.
El diseño, que cumple un papel fundamental en las formas de comunicación modernas, se ha visto revolucionado por el proceso de digitalización que ha atravesado el sector de la comunicación. La digitalización de audio, vídeo, texto e imagen ha elevado el nivel de interactividad mediática y permite a los profesionales colaborar en un amplio campo de actividades, lo que ha supuesto un cambio radical en los métodos de trabajo del diseñador que ha tenido que familiarizarse con una amplia gama de procesos de producción. Se le exige ahora no sólo que muestre visión y creatividad, sino que domine toda una serie de nuevas habilidades. A través de la presentación de conceptos y metodologías del diseño esenciales, el Manual de diseño gráfico digital examina los principios que apuntalan un diseño gráfico bueno y eficaz y explora los distintos ámbitos del diseño gráfico (impresión, packaging, señalización, publicidad, diseño de exposiciones y diseño web). Este libro se acerca a los diversos contextos de la comunicación visual y el diseño gráfico e incluye abundantes recursos de interés para el diseñador que resultan, no únicamente informativos, sino enormemente inspiradores.
El diseño se ha convertido en materia académica de rango universitario y la exigencia de profundidad y rigor en su investigación es cada vez más elevada. Pero la bibliografía en español aún es escasa y, por otro lado, las investigaciones actuales tienden a centrarse en el estudio del público y de los consumidores, con lo que el diseño puede llegar a parecer una simple emanación de la cultura de masas alejada de cualquier contenido ético o moral. Estas narraciones resultan poco estimulantes para los alumnos, a quienes no interesa tanto conocer los grandes éxitos de cada época, sino cómo se resolvían problemas de proyecto similares a los que a ellos se les plantean. Al igual que la mayoría de diseñadores, sus preguntas tienen que ver con el laborioso proceso según el cual las ideas se convierten en materia. Esta obra se divide en dos volúmenes. El presente, El diseño de producto en sus orígenes, es el primero de ellos y abarca el periodo que transcurre entre la segunda mitad del siglo XVIII y 1914, fecha del inicio de la Primera Guerra Mundial, y se acompaña de un extenso apéndice dirigido específicamente a los profesores y a quienes deseen desarrollar su profesión como historiadores del diseño. 
'Una tipografía debe estar diseñada de tal manera que nadie repare en ella.' Tras la aparente simplicidad de esta afirmación de Adrian Frutiger se esconden varios decenios dedicados al diseño de tipografías y al estudio de la forma en que los seres humanos interactúan con ellas. Frutiger se niega a concebir la tipografía como un fin en sí mismo, apuesta por subordinar el diseño a su finalidad práctica de servicio a las personas y defiende que el máximo logro al que puede aspirar el diseñador de tipos es que su tipografía pase desapercibida en su lectura. La tipografía debe estar adaptada a su contexto: 'Las líneas grises de la página de un libro se leen de distinta manera que las letras de una señalización. Hay una enorme diferencia entre leer tranquilamente sentado en el sillón y esperar estresado a embarcar en un avión. En cualquiera de estas situaciones el lector debe sentirse cómodo. Desde ese convencimiento Frutiger exhorta a los jóvenes diseñadores a no dejarse guiar sólo por la creatividad o las modas, sino también por las circunstancias, es decir, por la finalidad de la tipografía y por el entorno en que ésta ha de figurar. La larga experiencia de Adrian Frutiger se convierte en estas páginas en un material de incalculable valor tanto para los diseñadores como para los profanos que se acercan con curiosidad a este tema.
La séptima edición de Introducción al Cuerpo Humano se divide, igual que las ediciones anteriores, en 24 capítulos. Enfoca el estudio del cuerpo humano por sistemas y aparatos, comienza con el sistema tegumentario en el capítulo 5. Respetando las sugerencias realizadas por profesores y estudiantes con respecto a la dificultad para enseñar y aprender tanto material en un corto período de tiempo, esta edición es más resumida, sin sacrificar el contenido y manteniendo el material completo. En cada capítulo se perfeccionaron tanto el texto como el diseño. Secciones diseñadas para el estudiante: La sección ''¿Sabías que?'' en la primera página de cada capítulo le permitirá relacionar el contenido del capítulo que comienza con temas presentes en su vida cotidiana. En el apartado ''Antes de continuar repase'' encontrará algunos conceptos con sus respectivas numeraciones de páginas que le ayudarán a aprender mejor el contenido del capítulo que está estudiando. Objetivos que figuran al comienzo de cada sección. Preguntas de revisión al final de cada sección. Las figuras de este libro, que incluyen diseño gráfico y fotografías, son tan importantes como el texto. Comenzar leyendo el epígrafe de la figura, que explica de qué se trata la misma. A continuación, lea el concepto marcado con el icono con forma de llave, que revela la idea básica expresada en la figura. En algunas figuras también encontrará un diagrama de orientación que le permitirá entender la perspectiva desde la cual está apreciando una pieza anatómica en particular. Por último al final de cada figura aparecerá una pregunta y al final de cada capítulo encontrará las respuestas a las preguntas de las figuras. Otros recursos útiles que hallará al final de cada capítulo son las Guías de estudio, que consiste en un resumen breve de los temas más importantes analizados en cada capítulo. Los números de páginas se mencionan a continuación de cada tema para que usted pueda encontrar los pasajes específicos en el texto y así ampliar o esclarecer el contenido del mismo. Las Preguntas de autoevaluación son un test objetivo diseñado para ayudarlo a evaluar lo que ha comprendido del capítulo. Una vez que haya completado estos ejercicios, puede comprobar su rendimiento analizando las respuestas que figuran al final del libro. Las Preguntas de razonamiento son ejercicios en forma de problemas que le permitirán aplicar a distintas situaciones los conceptos estudiados en el capítulo. Este tipo de preguntas intenta inducir un mecanismo de razonamiento, por lo que no tienen una sola respuesta correcta. Sin embargo, usted puede comprobar si se halla en el camino correcto comparando sus respuestas con las sugeridas por el libro.
Bruno Munari (Milán, 1907?1998) fue diseñador, poeta, escultor, pedagogo y autor de libros infantiles y ensayos. Vinculado al movimiento futurista desde 1927, desarrolló su actividad en los campos diversos del grafismo, el diseño industrial, la experimen
Ya sea para honrar a los dioses o a los muertos, destacar el prestigio, celebrar un nacimiento, una unión, seducir, dibujar, pintar o escribir, el color siempre acude a la cita. Para conseguir los tonos con los que soñaban, los hombres han sabido descubrir pigmentos y tintes a menudo escondidos en vegetales, minerales, moluscos, hongos o insectos; y han llegado a imaginar técnicas complicadas o peligrosas para acceder a rojos intensos, amarillos luminosos, o a los más bellos azules. Este libro cuenta la historia de los colores, desde el descubrimiento de los pigmentos y tintes hasta su modo de aplicación, pero también las costumbres y los gestos que, desde los papúes a los inuit, de la China de Confucio a la Europa medieval, acompañan a esos materiales en rituales y ceremonias. Los múltiples caminos trazados por los hombres y las mujeres en su búsqueda del color ofrecen numerosas sorpresas y, a menudo, nos dejan maravillados.
Este libro es un análisis de la naturaleza del diseño realizado a la luz de la nueva 'economía de la experiencia' o la 'experiencia de consumo', un fenómeno reciente por el que los consumidores ya no adquieren los productos únicamente como útiles sino también como herramientas para construir su imagen e identidad. Mike Press y Rachel Cooper inciden sobre esta nueva era y analizan el papel que los diseñadores y el diseño deben jugar como creadores de experiencias humanas, no sólo como productores de objetos y servicios. A través de los seis capítulos en que se organiza el libro, los autores abordan los contextos, las prácticas y los cometidos donde se desenvuelve la profesión del diseño -la cultura de consumo, la industria y el sector empresarial, la experiencia, la investigación, la comunicación, y los perfiles profesionales-, e identifican y explican un gran número de cuestiones fundamentales con las que se topa el diseñador a la hora de trabajar, como pueden ser, entre muchas otras, la experiencia de marca, la gestión de proyectos, el investigar para minimizar riesgos, o los atributos del profesional del diseño. Además de los numerosos cuadros, tablas y figuras que acompañan al texto, el volumen está completado por un glosario de términos relacionados con la práctica profesional del diseño y por una extensa bibliografía.El diseño como experiencia proporciona al estudiante y al joven profesional una introducción doctrinal directa, tremendamente reveladora y repleta de ejemplos reales con las claves para desenvolverse en el sector del diseño en el marco de la nueva economía de la experiencia. Pero también el estudiante de sociología, empresariales, estudios culturales y, en general, todos aquellos a los que les interesa conocer la función del diseño en la transformación del entorno cultural y económico encontrarán en este libro un análisis directo y clarificador.