Leni Riefenstahl (1902-2003), realizadora entre otras películas de " La luz azul " , de los films sobre los Congresos del Partido Nacionalsocialista, " Victoria de la fe " y " El triunfo de la voluntad " , además de " Olympia " , considerado el mejor documental sobre deporte de la historia del cine, rebasa en su trayectoria vital el mero marco de la autoría cinematográfica para desplegarse en otros muchos ámbitos de la actividad artística. Bailarina excepcional, actriz en películas de montaña ( " Bergsfilms " ), guionista, productora y fotógrafa, este estudio sobre su obra recoge no solo un análisis exhaustivo de sus ocho películas como actriz y de sus siete films como directora, sino también documentos inéditos en España de su relación con Hollywood, así como del proyecto de construcción de un gran complejo cinematográfico destinado a la futura y exclusiva labor de la directora, no mencionado por ella en sus memorias y que, auspiciado por Adolf Hitler y otros jerarcas nazis en 1939, se frustró con el estallido y posterior desarrollo de la Segunda Guerra Mundial.
Neil Jordan es quizás el cineasta irlandés más relevante de su generación. Con más de treinta años de carrera, Jordan posee una extensa filmografía que abarca los más diversos géneros, del " fantastique " al " thriller " , pasando por la tragicomedia y el melodrama, sin que por ello se pierdan unas señas de identidad en las que se mezclan aspectos como la identidad y la historia irlandesa, la ambigüedad sexual o la violencia soterrada. A medio camino entre el cine independiente y el fasto hollywoodiense, Neil Jordan es un realizador con una cosmogonía propia no solo por la visión personal que subyace en cada una de sus historias, sino también porque nos permite vislumbrar el complejo equilibrio entre el cine de su Irlanda natal y las obligaciones adquiridas al filmar en los Estados Unidos. En el presente volumen recorremos toda su obra fílmica, tanto cinematográfica como televisiva, e incluimos un anexo dedicado a su faceta de novelista; con ello pretendemos dar una visión global de un artista que reclamaba merecer por fin un estudio completo en lengua castellana.
Las películas de Jacques Rivette están llenas de agujeros, como un cuento al que se le han arrancado algunas páginas o los fragmentos de otras películas que podemos ver por una mirilla. Cuando los personajes miran a cámara, parecen hacerlo a través de una cerradura por la que ven sus propias visiones, o un catalejo de papel cartón a través del cual ven las nuestras. Se trata de un gesto único, de cineasta, puesto que convierte esa visión en la propia del cine, siendo aquí, quizá por primera vez, doblemente diferida. ¿Y nosotros? A nosotros nos convierte en dobles espectadores espectrales. Si la casa encantada de Céline et Julie vont en bateau es la del cine, lo será porque la película nos mira a nosotros también. Cuando ellas abandonan sus butacas, dejando ese contraplano vacío, nosotros ocupamos su lugar, y ellas, entre guiños, miran nuestra infancia desde la pantalla. Así, a la vez que se convierten en fantasmas en los planos de la vida paralela, nosotros pasamos a ser los nuevos espectadores de la casa fantasma, intercambiándonos con ellas, relevándolas. Poder ver sin proyectar nuestras sombras: eso es lo que compartimos con ellas, pero ésa es también la condición del espectador, convertido en un sujeto activo, el cual participa como si se encontrara ante un ejercicio de montaje en el que los fragmentos desordenados van adquiriendo a veces una forma lineal, o las imágenes se vuelven cada vez más nítidas, completas o presentes. Trabajamos para extender esos fragmentos de vida paralela en nuestra mente, planteamos hipótesis, imaginamos el fuera de campo del filme, aquello que nunca vemos pues se encuentra situado entre las imágenes, o entre las imágenes y las palabras. Con Rivette, el tiempo del relato da paso al del enigma o al del fantástico. Por eso, lo que ha mostrado en sus películas no son los reflejos de un mundo en otro, sino la circulación o la corriente entre ambos, las fisuras del cristal por las que podemos movernos, de modo que no veamos ya las imágenes de la película, sino los intervalos en negro que las separan.
Alabada por Orson Welles y Martin Scorsese, fuente de inspiración para David Lynch y los hermanos Coen, La sombra de una duda es una de las obras más enigmáticas y complejas de Alfred Hitchcock. Se trata de su primer thriller genuinamente americano, ambientado en la pequeña localidad de Santa Rosa, California. Desde su estreno en 1943 se ha convertido en una de las grandes obras de la historia del cine y la favorita de su autor. El guion de esta obra, revolucionario para la época por mostrar una realidad siniestra de un pequeño pueblo americano, fue realizado por Thornton Wilder, dramaturgo norteamericano que había recibido el premio Pulitzer en 1938 por su obra de teatro Nuestro Pueblo: una de las piezas fundamentales del modernismo estadounidense.En este libro se aborda la influencia de Thornton Wilder en la génesis de la obra americana de Hitchcock quien dedica al dramaturgo norteamericano La sombra de una duda: un hecho insólito en la trayectoria cinematográfica del director británico. Mediante este trabajo se ha tratado de sacar a la luz algunas de las fuentes literarias y culturales de Wilder (William Faulkner, Henry James, Edgar Allan Poe, entre otros) que subyacen tras el texto fílmico, un material que Hitchcock moldeó para mostrar, por primera vez, el lado oscuro del sueño americano.
con solo nueve largometrajes dirigidos, christopher nolan se ha convertido en uno de los cineastas más reputados del mundo. responsable de algunos de los títulos más taquilleros de los últimos años en especial su trilogía de el caballero oscuro y la cel
El cine es el refugio para los amantes del séptimo arte. Un especialista como Javier Tolentino desborda pasión al rememorar los filmes que han dejado huella en su retina y comparte con los lectores las sensaciones que experimentó, y siguen despertando en él, las películas que le enamoran. Desde clásicos de John Ford, Coppola o Buñuel hasta apuestas arriesgadas llegadas de las cinematografías más pequeñas del mundo, en esta recopilación de Tolentino tienen cabida todos los estilos, sin olvidar ese " cine pequeño " que a todos nos encandila. Javier Tolentino ha conseguido fidelizar a miles de oyentes a lo largo de casi dos décadas al frente de " El séptimo vicio " , uno de los programas míticos de Radio 3. Su blog y su página de Facebook le permiten contacto directo con sus fieles seguidores, amantes como él de un cine de calidad, cargado de emoción y belleza.
Es costumbre afirmar que la Historia es la sustancia que anima las películas de Theo Angelopoulos (1935-2012). La de su país, Grecia, en primer lugar, y por extensión también la de Europa. De ello son buenos ejemplos títulos como " Días del 36 " (1972), " El viaje de los comediantes " (1974-1975), " Los cazadores " (1977), " La mirada de Ulises " (1995), " Eleni " (2003) y " El polvo del tiempo " (2008), este último desdichadamente aún sin estrenar entre nosotros. El resto de sus títulos, por el contrario, no verifica tal aserto. Ni " Reconstrucción " (1970), su primer largometraje, ni " Alejandro el Grande " (1980), " Viaje a Citera " (1984), " El apicultor " (1986), " Paisaje en la niebla " (1988), " El paso suspendido de la cigüeña " (1991) o " La eternidad y un día " (1988) la incluyen como elemento decisivo. Apreciar las diferencias entre uno y otro segmento de su filmografía es uno de los objetivos de este trabajo. Su obra representa una de las cumbres de la modernidad cinematográfica alumbrada inmediatamente después de mayo del 68, y hace del plano secuencia y la amalgama de tiempos dos de sus características mayores.
La variada carrera de Ernst Lubitsch es a menudo desglosada en períodos para enfatizar el amplio espectro de su talento: actor de teatro en su Berlín natal, jefe de producción de la Paramount, el hombre que hizo reír a Greta Garbo... Aunque la mayor parte de su fabulosa trayectoria tuvo lugar durante la época muda, fue el impacto de sus films sonoros lo que le valió el reconocimiento definitivo
Toda la carrera de Woody Allen, publicada con motivo de su ochenta cumpleaños. Comentarios incisivos en combinación con citas clásicas de Allen, que definen el peculiar humor del director y sus agudas observaciones sobre su vida y su tiempo. Más de 250 imágenes presentan un homenaje a uno de los maestros del cine moderno. Woody Allen es un actor, escritor y director innovador con casi cincuenta películas a sus espaldas: desde slapshilis de culto hasta comedias románticas, estudios introspectivos del carácter y thrillers. Suyos son clásicos como Annie Hall, Manhattan, Stardust Memories, Broadway Danny Rose y Hannah and Her Sisters. Entre sus éxitos más recientes figuran Midnight in Paris y Blue Jasmine. Woody Allen (su verdadero nombre es Allan Stewart Konigsberg) nació el 1 de diciembre de 1935 y se crió en Nueva York. Estaba destinado a una carrera en el mundo del espectáculo: comenzó escribiendo guiones para programas de televisión cuando todavía era un adolescente. Más tarde, como monologuista, logró reconocimiento en el lanzamiento de tres álbumes de sus actuaciones en locales nocturnos. Realiza una película al año, aproximadamente, desde principios de los setenta. De todos es conocida su indiferencia hacia las ceremonias de premios y nunca ha recibido un Oscar personalmente.
Guionista en la Warner durante diez años, Robert Rossen (Nueva York, 1908-1966) fue pionero en luchar por la independencia creativa, lo que le llevó a convertirse también en director y productor de sus películas. El olvido al que ha sido sometida la obra de Rossen transfigura la historia del cine no otorgándole la posición fundamental que debería ocupar en el cine universal. Figura central en la definición del cine social y del " noir " durante las décadas de los cuarenta y cincuenta, será el renovador del cine norteamericano en los sesenta y el pionero en introducir las formas del nuevo cine europeo, representado por Bergman o Fellini, en los Estados Unidos. La experiencia vital y su compromiso ideológico serán sus motores creativos en una obra en la que la honestidad intelectual, el rigor y la brillantez visual se dan la mano para conmovernos y enfrentarnos a las preguntas esenciales que todo hombre habría de hacerse confrontado a la sociedad.
Leni Riefenstahl (1902-2003), realizadora entre otras películas de " La luz azul " , de los films sobre los Congresos del Partido Nacionalsocialista, " Victoria de la fe " y " El triunfo de la voluntad " , además de " Olympia " , considerado el mejor documental sobre deporte de la historia del cine, rebasa en su trayectoria vital el mero marco de la autoría cinematográfica para desplegarse en otros muchos ámbitos de la actividad artística. Bailarina excepcional, actriz en películas de montaña ( " Bergsfilms " ), guionista, productora y fotógrafa, este estudio sobre su obra recoge no solo un análisis exhaustivo de sus ocho películas como actriz y de sus siete films como directora, sino también documentos inéditos en España de su relación con Hollywood, así como del proyecto de construcción de un gran complejo cinematográfico destinado a la futura y exclusiva labor de la directora, no mencionado por ella en sus memorias y que, auspiciado por Adolf Hitler y otros jerarcas nazis en 1939, se frustró con el estallido y posterior desarrollo de la Segunda Guerra Mundial.
Neil Jordan es quizás el cineasta irlandés más relevante de su generación. Con más de treinta años de carrera, Jordan posee una extensa filmografía que abarca los más diversos géneros, del " fantastique " al " thriller " , pasando por la tragicomedia y el melodrama, sin que por ello se pierdan unas señas de identidad en las que se mezclan aspectos como la identidad y la historia irlandesa, la ambigüedad sexual o la violencia soterrada. A medio camino entre el cine independiente y el fasto hollywoodiense, Neil Jordan es un realizador con una cosmogonía propia no solo por la visión personal que subyace en cada una de sus historias, sino también porque nos permite vislumbrar el complejo equilibrio entre el cine de su Irlanda natal y las obligaciones adquiridas al filmar en los Estados Unidos. En el presente volumen recorremos toda su obra fílmica, tanto cinematográfica como televisiva, e incluimos un anexo dedicado a su faceta de novelista; con ello pretendemos dar una visión global de un artista que reclamaba merecer por fin un estudio completo en lengua castellana.
Las películas de Jacques Rivette están llenas de agujeros, como un cuento al que se le han arrancado algunas páginas o los fragmentos de otras películas que podemos ver por una mirilla. Cuando los personajes miran a cámara, parecen hacerlo a través de una cerradura por la que ven sus propias visiones, o un catalejo de papel cartón a través del cual ven las nuestras. Se trata de un gesto único, de cineasta, puesto que convierte esa visión en la propia del cine, siendo aquí, quizá por primera vez, doblemente diferida. ¿Y nosotros? A nosotros nos convierte en dobles espectadores espectrales. Si la casa encantada de Céline et Julie vont en bateau es la del cine, lo será porque la película nos mira a nosotros también. Cuando ellas abandonan sus butacas, dejando ese contraplano vacío, nosotros ocupamos su lugar, y ellas, entre guiños, miran nuestra infancia desde la pantalla. Así, a la vez que se convierten en fantasmas en los planos de la vida paralela, nosotros pasamos a ser los nuevos espectadores de la casa fantasma, intercambiándonos con ellas, relevándolas. Poder ver sin proyectar nuestras sombras: eso es lo que compartimos con ellas, pero ésa es también la condición del espectador, convertido en un sujeto activo, el cual participa como si se encontrara ante un ejercicio de montaje en el que los fragmentos desordenados van adquiriendo a veces una forma lineal, o las imágenes se vuelven cada vez más nítidas, completas o presentes. Trabajamos para extender esos fragmentos de vida paralela en nuestra mente, planteamos hipótesis, imaginamos el fuera de campo del filme, aquello que nunca vemos pues se encuentra situado entre las imágenes, o entre las imágenes y las palabras. Con Rivette, el tiempo del relato da paso al del enigma o al del fantástico. Por eso, lo que ha mostrado en sus películas no son los reflejos de un mundo en otro, sino la circulación o la corriente entre ambos, las fisuras del cristal por las que podemos movernos, de modo que no veamos ya las imágenes de la película, sino los intervalos en negro que las separan.
Alabada por Orson Welles y Martin Scorsese, fuente de inspiración para David Lynch y los hermanos Coen, La sombra de una duda es una de las obras más enigmáticas y complejas de Alfred Hitchcock. Se trata de su primer thriller genuinamente americano, ambientado en la pequeña localidad de Santa Rosa, California. Desde su estreno en 1943 se ha convertido en una de las grandes obras de la historia del cine y la favorita de su autor. El guion de esta obra, revolucionario para la época por mostrar una realidad siniestra de un pequeño pueblo americano, fue realizado por Thornton Wilder, dramaturgo norteamericano que había recibido el premio Pulitzer en 1938 por su obra de teatro Nuestro Pueblo: una de las piezas fundamentales del modernismo estadounidense.En este libro se aborda la influencia de Thornton Wilder en la génesis de la obra americana de Hitchcock quien dedica al dramaturgo norteamericano La sombra de una duda: un hecho insólito en la trayectoria cinematográfica del director británico. Mediante este trabajo se ha tratado de sacar a la luz algunas de las fuentes literarias y culturales de Wilder (William Faulkner, Henry James, Edgar Allan Poe, entre otros) que subyacen tras el texto fílmico, un material que Hitchcock moldeó para mostrar, por primera vez, el lado oscuro del sueño americano.
con solo nueve largometrajes dirigidos, christopher nolan se ha convertido en uno de los cineastas más reputados del mundo. responsable de algunos de los títulos más taquilleros de los últimos años en especial su trilogía de el caballero oscuro y la cel
El cine es el refugio para los amantes del séptimo arte. Un especialista como Javier Tolentino desborda pasión al rememorar los filmes que han dejado huella en su retina y comparte con los lectores las sensaciones que experimentó, y siguen despertando en él, las películas que le enamoran. Desde clásicos de John Ford, Coppola o Buñuel hasta apuestas arriesgadas llegadas de las cinematografías más pequeñas del mundo, en esta recopilación de Tolentino tienen cabida todos los estilos, sin olvidar ese " cine pequeño " que a todos nos encandila. Javier Tolentino ha conseguido fidelizar a miles de oyentes a lo largo de casi dos décadas al frente de " El séptimo vicio " , uno de los programas míticos de Radio 3. Su blog y su página de Facebook le permiten contacto directo con sus fieles seguidores, amantes como él de un cine de calidad, cargado de emoción y belleza.
Es costumbre afirmar que la Historia es la sustancia que anima las películas de Theo Angelopoulos (1935-2012). La de su país, Grecia, en primer lugar, y por extensión también la de Europa. De ello son buenos ejemplos títulos como " Días del 36 " (1972), " El viaje de los comediantes " (1974-1975), " Los cazadores " (1977), " La mirada de Ulises " (1995), " Eleni " (2003) y " El polvo del tiempo " (2008), este último desdichadamente aún sin estrenar entre nosotros. El resto de sus títulos, por el contrario, no verifica tal aserto. Ni " Reconstrucción " (1970), su primer largometraje, ni " Alejandro el Grande " (1980), " Viaje a Citera " (1984), " El apicultor " (1986), " Paisaje en la niebla " (1988), " El paso suspendido de la cigüeña " (1991) o " La eternidad y un día " (1988) la incluyen como elemento decisivo. Apreciar las diferencias entre uno y otro segmento de su filmografía es uno de los objetivos de este trabajo. Su obra representa una de las cumbres de la modernidad cinematográfica alumbrada inmediatamente después de mayo del 68, y hace del plano secuencia y la amalgama de tiempos dos de sus características mayores.
La variada carrera de Ernst Lubitsch es a menudo desglosada en períodos para enfatizar el amplio espectro de su talento: actor de teatro en su Berlín natal, jefe de producción de la Paramount, el hombre que hizo reír a Greta Garbo... Aunque la mayor parte de su fabulosa trayectoria tuvo lugar durante la época muda, fue el impacto de sus films sonoros lo que le valió el reconocimiento definitivo
Toda la carrera de Woody Allen, publicada con motivo de su ochenta cumpleaños. Comentarios incisivos en combinación con citas clásicas de Allen, que definen el peculiar humor del director y sus agudas observaciones sobre su vida y su tiempo. Más de 250 imágenes presentan un homenaje a uno de los maestros del cine moderno. Woody Allen es un actor, escritor y director innovador con casi cincuenta películas a sus espaldas: desde slapshilis de culto hasta comedias románticas, estudios introspectivos del carácter y thrillers. Suyos son clásicos como Annie Hall, Manhattan, Stardust Memories, Broadway Danny Rose y Hannah and Her Sisters. Entre sus éxitos más recientes figuran Midnight in Paris y Blue Jasmine. Woody Allen (su verdadero nombre es Allan Stewart Konigsberg) nació el 1 de diciembre de 1935 y se crió en Nueva York. Estaba destinado a una carrera en el mundo del espectáculo: comenzó escribiendo guiones para programas de televisión cuando todavía era un adolescente. Más tarde, como monologuista, logró reconocimiento en el lanzamiento de tres álbumes de sus actuaciones en locales nocturnos. Realiza una película al año, aproximadamente, desde principios de los setenta. De todos es conocida su indiferencia hacia las ceremonias de premios y nunca ha recibido un Oscar personalmente. 
Guionista en la Warner durante diez años, Robert Rossen (Nueva York, 1908-1966) fue pionero en luchar por la independencia creativa, lo que le llevó a convertirse también en director y productor de sus películas. El olvido al que ha sido sometida la obra de Rossen transfigura la historia del cine no otorgándole la posición fundamental que debería ocupar en el cine universal. Figura central en la definición del cine social y del " noir " durante las décadas de los cuarenta y cincuenta, será el renovador del cine norteamericano en los sesenta y el pionero en introducir las formas del nuevo cine europeo, representado por Bergman o Fellini, en los Estados Unidos. La experiencia vital y su compromiso ideológico serán sus motores creativos en una obra en la que la honestidad intelectual, el rigor y la brillantez visual se dan la mano para conmovernos y enfrentarnos a las preguntas esenciales que todo hombre habría de hacerse confrontado a la sociedad.